Tema: Luchino Visconti: revisando sus películas

ALAIN DIVINO!

Tengo pendiente a Magnani y Romy antes.

Bueno decir que me ha vuelto suceder un Blade Runner, peli que vi por primera en esos tiempos donde las teles tenían trasero y no eran tan grandes, y en formato VHS, resultado, está bien pero tampoco es para tanto. Su segundo visionado fue mucho más exitoso; pues el pastor alemán también (que pasa, Alcaudón puede cambiar el nombre al film y yo no?), ha sido un segundo visionado mucho más placentero, con otro formato, pasando del DVD de filmax a un BD de Blackfire Productions SL, que visto lo visto, me huele a un empresa fantasma orquestrada por il Padrino LLamentol. Por ser BD a la calidad de imagen se le tiene que exigir más, que sin ser mala, no estoy del todo satisfecho, quizá modificaron el formato original, no lo se y evidentemente no lo voy a buscar. En resumen edición por debajo a la calidad del film.

Del libro, lo dejé a las 50 páginas, me aburría, no le he encontrado el gusto por ahora, y lo quería regalar, pero al leer el libro del programa doble de dirigido por, me ha picado la curiosidad por la diferencia en el film en el cierre y por como continua la historia de la familia, le voy a dar otra oportunidad fuera del ciclo y sin la (auto)presión de entrega semanal de éste; aprovecharé quizá, un nuevo intento cuando salga o obtenga una nueva edición que se ajuste a la calidad del film, o sea Eureka, Criterion o parecidos (quizá lo haya ya, no hay prisa, soy joven, no como otros ).

Ya entrando al meollo del film, y dándole un enfoque general al film, y quizá con un segundo visionado sea algo ventajista, pero la premisa en que se basa todo el film es apasionante, la decadencia de la clase social alta, en concreto con el príncipe de Salina, que está muy ligado al paso del tiempo, a la vejez, y la aparición de la nueva sangre, más descarada de ideales, el personaje de Delon es más chaquetero que Toni Cantó, mientras que el príncipe de Salina, se le ve más introvertido, no tan vigoroso, más reflexivo, en su posicionamiento, ya sea político o de ideales generales. Esa involución en el personaje de Lancaster, es sin duda lo mejor del film, desde su primer fotograma, se ve que es una persona triste, aburrida, incluso cuando se va con su amante, su entusiasmo exterior es difícil de detectar, ya sea por sobriedad y/o por hastío de la vida. Teniendo el caramelito del personaje del príncipe de Salina como eje central de todo y recreado de manera excelsa, los demás y lo demás se tienen que acoplar a ello, y muy bien que lo hacen, ya sea a nivel actoral, argumental y narrativo, hacen de el Gatopardo una obra total casi perfecta (si, soy un pesado, la escena bélica).



Evidentemente mi escena preferida no es escena realmente, es la parte final, larguísima del baile y todo lo que conlleva incluido el final, dicho final, sencillamente de primera clase; claro a nivel visual, por parafernalia y por buen hacer, es realmente espectacular y una gozada para el espectador, pero llena de matices cuando se centran de manera más particular, la escena del cortejo de la Cardinale al príncipe apareciendo Delon, haciendo la vista gorda de lo que está viendo, ya que Angelica se lo quiere montar con el FILF ,porque sólo hay el término MILF????, suerte que Visconti puso las cosas en su sitio y cambio lo que se llamaría depravación sexual, que un "viejito" se lo quiera montar con alguien que podría ser su hija, pero aquí es al revés, es Angélica que quiere un poco de rock'n'roll con el príncipe de Salina, que podría ser fácilmente su padre; ella no disimula dicha atracción, está claro que se muere de ganas, pero sus ideales, su posición y el saber estar, hacen que se tenga que conformar con un baile de alto nivel y un sorprendente y largo piquito con Delon Como espectador de lujo, pues todo ello y más hacen de esta larga escena, quizá lo mejor de Visconti y más allá de él, o sea que formaría parte de una de las escenas top del cine. Por cierto la justificación de la infidelidad del príncipe de Salina al sudoroso cura, un genial Romolo Valli, es de traca i mocador, cuando dice en el film, que ha tenido un porrón de hijos con su mejor y aún no le ha visto el ombligo, mientras que en libro de dirigido por, escrito por Francisco Marín, cambia el ombligo por tobillo, no se de quien es el error, y como es algo a posteriori, y ombligo, en este caso, creo que es más adecuado que tobillo, en el momento del visionado no paré atención en la palabra en original, y como ustedes me conocen, saben de sobras que no voy a comprobarlo, yo lo dejo ahí .



Ahora toca vinagre, si bien es cierto las escenas bélicas ahora no me han parecido tan chungas, claro, viniendo de Senso, que siendo menos complicadas (ya que no se ve el enemigo) el resultado, vista las dos, es que siendo malas ambas, Senso está por encima de penosidad. En el film a comentar, hay momentos puntuales que no están mal, pero las escenas con muchos extras y si te fijas en ellos, parecen que estén de paseo. Y me sorprende el mencionado libro de dirigido por: "(...) Para escenas de lucha en las calles de Palermo - una escena cuya importancia en la película resulta relativamente menor (1) - , la selección de figurantes se realizó de acuerdo con los tipos humanos que dominaban en cada región (...). A continuación unos y otros debieron recibir instrucción militar a manos de varios coroneles del ejército, que en el caso de los jinetes, vigilaban que sus movimientos se realizaran con el perfil militar de la época (2)".

(1) Totalmente de acuerdo, pero dicha importancia no está exenta de rodar escenas de calidad bajo sospecha.
(2) yo añadiría "que en caso únicamente de los jinetes....". El problema reside en la infantería, ya que caballería hay "cuatro" caballos en escena. Y sabiendo de la meticulosidad y perfección extrema de Visconti, dicho relajo con la infantería, como mínimo me sorprende.

Actores/Actrices: Burt Lancaster está sencillamente majestuoso, y no lo tuvo fácil con Visconti, pero el bueno de Burt cedió ante el tirano Visconti en el rodaje. Se dice que la primera escena de rodaje para Lancaster fue la del baile, el tenía una lesión de rodilla, y la escena no salió como quería Visconti, Burt se excusó diciéndole lo de la lesión de rodillas, y este le dijo algo parecido a no me toques los cojon..., no te escucho, deja de lloriquear y haz la escena perfecta. Burt, solicitó una reunión en privado con el dire, y esta fue denegada. Ahí entendió que debía recolocar su ego para que no fuera un infierno, y así fue, Lancaster cedió, y su relación fue a más y Visconti quedó muy satisfecho (no es para menos, a mi, y tiene varios films, es su mejor interpretación que he visto hasta ahora) después lo volvió a llamar (Confidencias).



Todo lo contrario con Alain Delon, este no dio su brazo a torcer, y se enfrentó con Visconti muchas veces, claro el director lo llevó al terreno personal, ya que había amor (no correspondido) hacía Delon que hacía que todo se tambaleara. Como curiosidad, Delon le pidió flexibilidad para el rodaje, ya que la había surgido la posibilidad de ser el protagonista de Lawrence de Arabia, pero Visconti se aferró al contrato y le negó dicha posibilidad. A pesar de que no tengo quejas de Peter O'Toole en dicho film, me pica la curiosidad ahora de haber visto a Delon como Lawrence, así de sopetón, no creo que lo hiciera mal.

Claudia Cardinale, un compañero, creo recordar, afirmó que no era buena elección para chica Visconti porque encarna todo lo que no es en el mundo Visconti, pero precisamente él buscaba eso, una chica de físico espectacular con educación básica y más baja, o sea fuera de la esfera aristócrata Viscontiniana, y creo que el resultado es magnífico, con la representación de una chica desvergonzada, capaz de cortejar al yayo y al sobrino, y quedarse tan pancha. Y es Angélica la razón principal para seguir leyendo la novela de Lampedusa, ya que entiendo que la novela no acaba cuando lo hace el film, y la historia continua, y el ver como acaba Angelica me pica la curiosidad. Por cierto en el rodaje Visconti le dio libertad en cuanto a corrección de modales, por lo ya mencionado, sólo le daba matices amables para mejorar el personaje; fue sin duda un rodaje placentero para la Cardinale, sobretodo en lo que se refiere al factor Visconti.

Ya me aburrí de escribir, así que sólo rematar que seguramente es un top-3 Visconti, un film que se merece una mejor calidad de imagen para poder disfrutarla aún más, y con una interpretación de Lancaster que forma parte de la historia del cine. Ahora toca desayuno, pa amb tomàquet, mientras leo el comentario de Mad sobre el film. La próxima Sandra, siempre es bueno volver a ver a la Cardinale.

El gatopardo es quizá mi película favorita de Visconti. Si tengo oportunidad, creo que le daré una revisión esta semana que viene.
Por cierto, la vi cuando hablaban maravillas de ella hace como 15 o 16 años en La Claqueta, un programa de radio desde Barcelona.
REcibió, creo yo que justamente, la Palma de Oro de Cannes, aunque la competencia era de aupa (Qué fue de Baby Janes? o sbre todo, la obra maestra Matar a un ruiseñor). Yo hubiera dado ex-aequo dos Palmas, otra para la de Mulligan.

EL GATOPARDO se rodó en Technirama (2.35:1), un procedimiento muy similar al VistaVision de la Paramount, pero se exhibió en Super Technirama 70 (2.21:1).

O sea, que en lugar de rodar la película en 65mm (como, por ejemplo, la comentada LAWRENCE DE ARABIA), el mismo se hacía en 35mm para luego hinchar las copias a 70mm, lo que suponía una sustanciosa rebaja en el coste final de la misma.

La primera película que se exhibió en STR fue LA BELLA DURMIENTE (1959), de Walt Disney.

Iniciado por Alex Fletcher

...a un BD de Blackfire Productions SL, que visto lo visto, me huele a un empresa fantasma orquestrada por il Padrino LLamentol. Por ser BD a la calidad de imagen se le tiene que exigir más, que sin ser mala, no estoy del todo satisfecho, quizá modificaron el formato original, no lo se y evidentemente no lo voy a buscar. En resumen edición por debajo a la calidad del film.

Yo tengo dos ediciones: una en DVD, del BFI; y otra en BD de Feel Films (aunque también sale citada Resen). En mi opinión se ve bien, no le pongo pegas.

Iniciado por Alex Fletcher

Del libro, lo dejé a las 50 páginas, me aburría, no le he encontrado el gusto por ahora, y lo quería regalar, pero al leer el libro del programa doble de dirigido por, me ha picado la curiosidad por la diferencia en el film en el cierre y por como continua la historia de la familia, le voy a dar otra oportunidad fuera del ciclo y sin la (auto)presión de entrega semanal de éste; ...

No dejes de intentarlo de nuevo, a mí me parece una novela espléndida. Hay diferencias entre el film y la novela, pero en general Visconti es fiel a Tomasi. Ya he citado algunas de esas variantes en mi comentario. Mañana o pasado, lo detallaré un poco más. Ahora bien, después del episodio del baile, la novela solo tiene dos capítulos más: uno en julio de 1883, o sea, 21 años después del final del film, y otro en mayo de 1910 (48 años más tarde). No esperes saber mucho más sobre Angelica.

Iniciado por Alex Fletcher

Evidentemente mi escena preferida no es escena realmente, es la parte final, larguísima del baile y todo lo que conlleva incluido el final, dicho final, sencillamente de primera clase; claro a nivel visual, por parafernalia y por buen hacer, es realmente espectacular y una gozada para el espectador, pero llena de matices cuando se centran de manera más particular, la escena del cortejo de la Cardinale al príncipe apareciendo Delon, haciendo la vista gorda de lo que está viendo, ya que Angelica se lo quiere montar con el FILF ,porque sólo hay el término MILF????, suerte que Visconti puso las cosas en su sitio y cambio lo que se llamaría depravación sexual, que un "viejito" se lo quiera montar con alguien que podría ser su hija, pero aquí es al revés, es Angélica que quiere un poco de rock'n'roll con el príncipe de Salina, que podría ser fácilmente su padre;

Sí, pero Fabrizio no es un viejo. Si hacemos caso a lo que dice el propio personaje (en la película y en el libro), en el momento del baile debería tener 47 años. Claro que Angelica tendría unos 19 o 20, según la novela. En la película no se dice nunca su edad, si no me equivoco.

Iniciado por Alex Fletcher

Por cierto la justificación de la infidelidad del príncipe de Salina al sudoroso cura, un genial Romolo Valli, es de traca i mocador, cuando dice en el film, que ha tenido un porrón de hijos con su mejor y aún no le ha visto el ombligo, mientras que en libro de dirigido por, escrito por Francisco Marín, cambia el ombligo por tobillo, no se de quien es el error, y como es algo a posteriori, y ombligo, en este caso, creo que es más adecuado que tobillo, en el momento del visionado no paré atención en la palabra en original, y como ustedes me conocen, saben de sobras que no voy a comprobarlo, yo lo dejo ahí .

Ombligo, ombligo. En la novela, Fabrizio no se lo dice al padre Pirrone, sino que es algo que piensa para sí justo antes de llamar a la puerta de su "amiguita" en Palermo: "Todavía soy un hombre vigoroso y ¿cómo puedo contentarme con una mujer que, en el lecho, se santigua antes de cada abrazo y luego, en los momentos de mayor emoción, no sabe decir otra cosa que '¡Jesús, María!? Cuando nos casamos, cuando ella tenía dieciséis años, todo esto me exaltaba, pero ahora... He tenido con ella siete hijos y jamás le he visto el ombligo".

Iniciado por Alex Fletcher

Todo lo contrario con Alain Delon, este no dio su brazo a torcer, y se enfrentó con Visconti muchas veces, claro el director lo llevó al terreno personal, ya que había amor (no correspondido) hacía Delon que hacía que todo se tambaleara.

Cuenta Gaia Servadio en la biografía que tú también tienes, que Visconti intentó que Delon se alojara en una casa que el director había acondicionado para vivir durante el rodaje, pero el actor prefirió alquilar con su pareja de entonces, Romy Schneider, una villa al otro lado de Palermo.

Lo que no parece es que se haya editado en ninguna parte la versión íntegra de más de 200 minutos.

¿En qué momento se vio esa versión que indicas de 200 minutos?
Me contesto a mí mismo. Veo que es la versión presentada en la primera proyección, que justo después fue recortada por el propio Visconti. Esto de reducir metrajes es un clásico.
Estaría bien verla, sí, pero dudo que tengamos la ocasión.

Voy super despacio...pero voy

Aunque lo deteste tal vez tenga que verla en dos días por su duración.

Iniciado por Alcaudón

Aunque lo deteste tal vez tenga que verla en dos días por su duración.

Yo también he visto en dos días... el audiocomentario incluido en la edición en DVD del BFI. La película en sí, por supuesto, de un tirón.

Yo también tengo esa edición de Resen o Feel films de El gatopardo en BD. Es una piratada pero se ve bien. Esta noche tengo visionado del plus de lo último de Ozon, Verano del 85, así que tendré que buscar otro día.

“Boccaccio 70” ya surgió aquí durante la retrospectiva de Fellini, y ya entonces expresé mi opinión casi solitaria de que me fascinan aquellos films colectivos rodados por varios directores, entre otras razones porque contribuyeron infinidad de ejemplos de las distancias medias y cortas en el cine, creados por cineastas ya consolidados en la industria y no por jóvenes hambrientos presentando tarjetas de visita. Suponer que todas las películas tienen que ser largas, y que todas las historias requieren un mínimo de una hora (que es más o menos el “límite inferior” de lo que puede llamarse un largometraje) es como suponer que la literatura requiere muchas páginas para ser considerada como tal. El problema, claro está, es que la infraestructura necesaria para crear un relato audiovisual con buen nivel técnico hace desaconsejable ponerla en pie para un proyecto difícil de vender y cuyos retornos económicos serían una incógnita. En aquellos años, el formato del “film de episodios” permitía crear un producto en el que estas historias breves tenían una cabida, pero hoy por hoy casi subsiste únicamente en el género de terror. (Espero que nadie venga otra vez a rebatirme en plan “no, pero es que eran muy desiguales, esas películas”. También son muy desiguales muchas películas de largometraje y ahí encima tienes que aguantarte la misma historia poco inspirada durante 90 minutos o más sin que exista la esperanza de que llegue otra más interesante).



En lo que estuvimos de acuerdo en su día es en que, en “Boccaccio 70”, el ganador por goleada era Fellini con sus “Tentaciones del doctor Antonio”, mientras que, en mi humilde IMHO, el gran Visconti ofrece el episodio menos interesante con “Il lavoro” (ya he manifestado aquí un par de veces que, de los otros dos, me quedo con “La riffa”, dirigido por De Sica y protagonizado por una espectacular Sofia Loren, que hoy en día, debido a su concepto, no sobreviviría a las primeras reuniones de guión, pese a que a la postre critica y rechaza la idea de la mujer como objeto que se puede comprar y vender). En esta ocasión, he necesitado tres días para revisar esta película, puesto que siempre lo intentaba a la hora más factible para mí, es decir, la franja de noche-madrugada, y el hecho que siempre cayera en brazos de Morfeo en días y circunstancias distintos no parece casual.



“Il lavoro” rompe un poco el mito que me tenía formado sobre un Visconti que, durante lo menos 10 años, estaba “on fire” y solo sabía crear obras maestras. De hecho, incluso cabe decir que aquí Luchino pecó por soberbia, pues la película consiste en recomplicar y añadir capas a un original literario (no acreditado, por cierto) de una notable simplicidad. “Au bord du lit”, de Maupassant, es un ejemplo de la “otra moral” de los ricos, con una condesa que accede a volver a tener relaciones sexuales con su marido infiel a condición de cobrar lo mismo que las “cocottes” de lujo que frecuentó en los últimos tiempos. Visconti pensó que se podía actualizar esto a base de introducir la prensa amarilla de los “paparazzi” (“La dolce vita” era aún un film reciente) y además introducir apuntes provocadores sobre la liberación de la mujer y el tipo de trabajo al que podrían aspirar grupos privilegiados que apenas dominaban lo que se solía llamar el “dolce far niente”.



(Aprovecho para uno de mis apartes: el término italiano “ragazza squillo” es el equivalente de “call girl”, porque “squillo” designa al timbrazo del teléfono usado para llamarlas. Esta palabra la aprendí porque aparecía en un giallo dirigido por Giuliano Carnimeo en 1972 y que en el original se llama “Perchè quelle strane gocce di sangue sul corpo di Jennifer?” Spain is different, but Italy can be still more different. Por cierto, observarán ustedes que la escena de desnudo de Romy se produce mientras está hablando por teléfono. Más claro, agua.)



No se puede decir que el relato sea simplón, pero creo que en él Visconti puso demasiado de su oficio como director escénico: todo lo que sucede es muy teatral, y a veces da la impresión de que los decorados están concebidos con mucho más mimo que la narrativa, con esa mezcla de estilos artísticos que van de la porcelana oriental al expresionismo abstracto, los discos que escucha Romy Schneider, que incluyen el jazz de la época o el rock de Bill Haley, o esos libros dispersos por cada superficie (en efecto, ahí está “El gatopardo” de Lampedusa en alemán, pero también cosas un poco más olvidadas como “Les gommes” de Robbe-Grillet o “Saturn over the water” de J.B. Priestley), todo lo cual busca dar un ambiente cultural al estilo de lo que los franceses llaman “bobos”, es decir, “bourgeois bohémiens”, y los americanos, desde al menos los años 50, “hipsters”.



Tengo un problema fundamental con el reparto de esta película, que es el protagonismo de Tomas Milian, que en lo sucesivo fue un eficaz protagonista en subgéneros como el spaghetti western (no olvidemos el díptico de Sergio Sollima “El halcón y la presa” y “Corre, Cuchillo, corre”), el poliziesco o incluso el giallo, pero que, con su gestualidad y presencia un tanto vulgares, ni en mil años daría el tipo como un noble decadente y vicioso que se casa con una mujer rica para sostener sus inclinaciones. Por el contrario, Romy Schneider, quizá por asociación con la saga de “Sissi” que la lanzó a la fama, parece demasiado de la realeza para ser una plebeya rica.



Creo que hay un exceso de pretensiones que perjudica la eficacia del relato: junto al tema de los escándalos de la “people” se quiere introducir el del foso entre los pudientes y la gente común, personificado en la figura de Romy, educada para formar parte de un mundo ideal de artes plásticas y literatura, pero que, como la escena del poema nos quiere decir de un modo algo torpe, carece de talento para ello. Pensar que una mujer de las “altas esferas” con formación puede reducirse a una especie de niña caprichosa que pone a sus gatos nombres de pintores post-impresionistas, pero que a la postre solo vale para ejercer “el oficio más antiguo del mundo” podría verse como un ejemplo insultante de misoginia al servicio del análisis sociopolítico más maniqueo. El hecho de que la historia termine con ella llorando por el cumplimiento de un trato que ella misma ha propuesto es un poco querer dar marcha atrás por pensar que se está siendo demasiado provocador, pero desde luego a mí, dramáticamente, no me funciona.



Otras cosas me gustan más, como por ejemplo los personajes de los dos criados, cuyas apasionantes funciones incluyen recoger a los gatos dispersos por el apartamento (es gracioso cuando Franz, el de origen germánico, pronuncia con desprecio “Katzen” y te crees que está profiriendo el italiano “cazzo”), o la manera en que las angulaciones de cámara reflejan el equilibrio de poder desigual entre los esposos a lo largo del diálogo: cuando ella tiene “la sartén por el mango”, la vemos en contrapicado con los budas, mientras a él lo vemos en picado sentado en el sofá. La secuencia de los gatos contiene incluso uno de los pocos “zoomes” bien aplicados de la filmografía viscontiana, cuando aún los telobjetivos y el zoom no se habían convertido en herramientas básicas del vocabulario visual del director.



También me llama la atención lo poco atractivo que resulta el desnudo de Romy Schneider, que en la época debió de ser considerado muy “risqué” y escandaloso, pero que revela una ausencia de “feeling” hacia la belleza femenina que solo puedo atribuir a la homosexualidad de Visconti, dado que en cambio lo de sacar guapos y atrayentes a los hombres no le planteaba problema alguno. Esto será una pequeña constante a lo largo de la filmografía, algo agravado por el hecho de contar con actrices en ocasiones de un gran atractivo, como puede ser Stefania Sandrelli en “El inocente”, y de plantear las relaciones hombre-mujer en un contexto mayormente desagradable (pienso también en “La caída de los dioses”).



Este traspiés de Visconti en cuanto a la participación en un film colectivo se redimiría años después cuando “La bruja quemada viva” terminase siendo el segmento más sólido de “Las brujas”, si no nos da la gana de entrar en el juego de humor ingenuo que nos propone Pasolini en “La tierra vista desde la Luna”.

Iniciado por Abuelo Igor

Este traspiés de Visconti en cuanto a la participación en un film colectivo se redimiría años después cuando “La bruja quemada viva” terminase siendo el segmento más sólido de “Las brujas”, si no nos da la gana de entrar en el juego de humor ingenuo que nos propone Pasolini en “La tierra vista desde la Luna”.

Entrega que toca la semana que viene. Antes, esta semana, Vaghe stelle dell'Orsa..., película de la que no recuerdo absolutamente nada.

Iniciado por mad dog earle

Entrega que toca la semana que viene. Antes, esta semana, Vaghe stelle dell'Orsa..., película de la que no recuerdo absolutamente nada.

Memoria selectiva. Es un mecanismo de defensa de la mente, cuando algo nos hace daño o nos llega a interesar o impresionar poco o nada.

Sí, debe ser eso, porque lo que sí recuerdo, lo único de hecho, a parte de que es una película en blanco y negro, es que sale Claudia Cardinale. Y es que uno tiene más edad que la de Don Fabrizio en Il gattopardo...

Visconti presenta su colaboración a partir de la historia Au bord du lit de Guy de Maupassant,situando la trama en la clase alta de 1960s....un joven matrimonio formado por el conde italiano Ottavio venido a menos y Pupe de origen austriaco rica por via paterna. Ottavio acaba de protagonizar un escándalo sexual que sale a toda página en los periódicos. Sus abogados están preocupadísimos por el patrimonio del conde por si puede suponer el divorcio con la adinerada esposa... instando al conde a conversar con ella y arreglar el tema. Pupe hace una proposición a Ottavio al que pide una cantidad de dinero a cambio de sexo...ya no vivirá del dinero de su padre... buscará un trabajo para mantenerse.

Visconti nos adentra en la enorme mansión de la pareja ociosa y frívola partícipe de toda la hipocresía que les rodea, conversan sobre su matrimonio roto,amores ilícitos y vidas insustanciales. Farsa a la que se unen los abogados y ese padre al teléfono.También y me parece de lo mejor aunque para mí deberían haber tenido más protagonismo en ese mundo de reglas y status ...el servicio doméstico testigo de las idas y venidas del matrimonio.

Acostumbrada dirección elegante de Visconti, escenografía y una Romy Schneider de la que soy fan... especialmente su ultima etapa como actriz....interpretando a esa niña rica que muestra su vulnerabilidad al final... dando señales de su capacidad dramática futura en pelis como Lo importante es amar o La muerte en directo.


6.7/10

Continuará con....

Siamo donne


https://m.media-amazon.com/images/M/...yOTc@._V1_.jpg

Episodios a partir de sucesos más o menos ficticios de mujeres profesionales de la actuación.

Visconti rueda con la Magnani tras Bellísima (1951).

La actriz va en un taxi, antes de dirigirse al teatro para actuar en una revista. Y tiene una discusión con el taxista por si debe pagar o no un suplemento por su perro. El altercado se sale de madre JAJA hasta llegar a una comisaría y probar que tiene razón en su pelea con el taxista. Aquello se llena de personal y Anna se siente como en escena.


Finalmente llega al teatro,pues el espectáculo debe continuar como el de la vida. Anna sale al escenario actúa cantando “Com'è bello fa' l'amore quanno è sera” y baja el telón de la función....
6.7/10

Tenía pendiente desde hace años ver Rocco y sus hermanos y veo lo que me he perdido! Es una grandísima película.

Berlanga bebe de este film porque hay partes de "El verdugo" y de "Placido". También me ha recordado a "La busca" de Pio Baroja.

Pero en Italia este costumbrismo y la vida social estaba mucho más adelantada en aquellos años que en España.

Iniciado por mad dog earle

Morini se muestra interesado por Simone no solo por sus maneras como boxeador, sino también por su físico, en una clara referencia homoerótica que Visconti sitúa en las duchas del gimnasio (como es habitual en sus películas, proliferan las duchas, los hombres en camiseta o con el torso desnudo, personajes vistiéndose o desnudándose…).

Esto es una de las razones por las que no se entiende la versión doblada. Todos esos diálogos de doble sentido homosexual supongo que se perderán con nuevos diálogos pasados por la censura Española y con voces de machotes. (No la he visto en V.O.)

Muchas de las escenas más duras (violación, relaciones prematrimoniales, conversaciones de mujeres con mala vida, blasfemias,...) tienen doblaje nuevo. Supongo que habría cortes y más cortes.

Un artículo de El País de 1983:

https://elpais.com/diario/1983/05/30...18_850215.html

El gatopardo (Il gattopardo, 1958), de Giuseppe Tomasi de Lampedusa



Amplío el comentario sobre la película de Visconti con un breve resumen de la novela del príncipe de Lampedusa, destacando las diferencias con el film. Para ello me sirvo de la edición, añeja, publicada por Círculo de Lectores, de la que reproduzco arriba la portada. La traducción al castellano, de Fernando Gutiérrez, me ha parecido buena, al menos suena bien, aunque añade una nota introductoria para hablar del término “gattopardo” y de a qué animal corresponde que no me convence y me parece que todavía ensombrece más el asunto. Gutiérrez lo asocia con el “leopardo jaspeado”, “una especie de pantera de tamaño aproximado al del gato casero”, que vive “en Java y Malaca y se dice que es fácil de domesticar”. No acabo de entender por qué razón Tomasi (y, de hecho, la familia Lampedusa) tendrían que irse a Asia a buscar el felino para su escudo, teniendo muchos otros más cerca.

Tomasi estructura el texto en ocho capítulos, cada uno de ellos correspondiente a una fecha determinada, que van de mayo de 1860 a mayo de 1910, o sea, cubriendo un lapso de 50 años. Salvo por lo que respecta a los dos últimos capítulos (y a otro, bastante breve, que tiene lugar en febrero de 1861), esta estructura coincide con la de la película de Visconti, aunque en el film no aparece ningún rótulo que identifique la fecha, por lo que el espectador ha de adivinarla teniendo en cuenta lo que se nos va contando en relación con la historia de Italia de mediados del XIX.

1) Mayo 1860: Al igual que en el film, la novela se inicia con el rosario que la familia Salina, como cada tarde, reza en su villa a las afueras de Palermo. El autor describe al protagonista, Don Fabrizio Corbera, príncipe de Salina, de una manera que es fácil atribuirle los rasgos de Burt Lancaster: “inmenso y fortísimo”, “su cabeza rozaba… el colgante inferior de las arañas”, un hombre rubio, de ojos azules, de madre alemana, y que, como se dirá más adelante, tiene 45 años y siete hijos. A diferencia de la película, no se produce aquí la algarabía de sirvientes porque se ha encontrado el cadáver de un soldado borbónico, sino que el episodio lo rememora Fabrizio, es algo que acaeció unos días antes. Tomasi suele introducir pensamientos del protagonista, algo que en el film se traduce en un par de flashbacks, pero que en la novela es mucho más habitual.

Entre estos pensamientos retrospectivos hay uno sobre una audiencia concedida en Nápoles por el rey, Fernando II, que murió un año antes, en mayo de 1859, sucediéndole Francisco II, conocido con el sobrenombre de Franceschiello, un rey joven e inexperto, destinado a durar muy poco en el trono. El cambio de monarca es un símbolo más de la decadencia del reino, y por extensión de la aristocracia siciliana.

En este primer capítulo Fabrizio se desplaza a Palermo, en compañía del padre Pirrone, para poder gozar durante unas horas del placer que le proporciona una prostituta, Mariannina, que lo recibe con el apelativo de “principón” (relación por la que después el padre Pirrone le pedirá que se confiese)

Como en el film, a la mañana siguiente, Tancredi, príncipe de Falconeri, sobrino de Fabrizio (hijo de su hermana, ya muerta), se presenta en la villa para comunicarle al “tiazo” (al “zione”) que marcha a las montañas para unirse a las partidas de revolucionarios que siguen a Garibaldi, que ha desembarcado en Marsala con la llamada “Expedición de los Mil”. Es en este contexto que Tancredi dice la célebre frase que caracteriza el gatopardismo: “si queremos que todo siga como está, es preciso que todo cambie”, una forma de decir que para que la aristocracia conserve al menos parte de sus privilegios y siga ocupando un papel relevante en la sociedad, hace falta acabar con la decadente monarquía borbónica, para dar paso a la Casa de Saboya, evitando así la república defendida por Giuseppe Mazzini. En un principio, Fabrizio se escandaliza de su sobrino, pero pronto asumirá como propio el principio del gatopardismo, en parte porque se da cuenta que Tancredi tiene razón, que esa es la única alternativa de futuro para su clase, y probablemente también por amor al muchacho, en el que se ve reflejado, en el que encuentra la energía que empieza a faltarle, aunque ve también que ese nuevo hombre ya no puede ser él mismo, su tiempo ha pasado. En el momento de la partida, Fabrizio, como en el film, le hace entrega de unas onzas de oro, lo que provoca la respuesta burlona del sobrino: “Ahora ayudas a la revolución”.

Entre este episodio y el siguiente, Visconti introduce la secuencia de las luchas callejeras entre garibaldinos, partisanos y soldados borbónicos en Palermo, algo ausente de la novela de Tomasi.

2) Agosto 1860: Narra el viaje de los Salina a Donnafugata. En ese momento Sicilia ya ha caído en manos de Garibaldi. Fabrizio rememora la visita de un general a Villa Salina, como también vemos en el film. Ya en Donnafugata, los Salina son recibidos por Don Calogero Sedàra, y el resto de prohombres de la población, como el organista y compañero de caza de Fabrizio, Ciccio Tumeo. En el capítulo se describe la conversación de Fabrizio con el padre Pirrone en el baño, en la que el sacerdote le comenta que Concetta está enamorada de Tancredi, a lo cual el príncipe no quiere darle importancia.

Durante la cena hace su radiante aparición Angelica, la hija de Calogero, de solo 17 años (hay que tener en cuenta que Fabrizio dice haberse casado con su mujer, Maria Stella, cuando ella contaba solo 16 años). La descripción de Tomasi es muy sensual, aunque algo irónica: “Era alta y bien formada, teniendo en cuenta generosos criterios; su piel debía poseer el sabor de la crema fresca a la que parecía, y la boca infantil el de las fresas. Bajo la masa de los cabellos del color de la noche, llenos de suaves ondulaciones, los ojos verdes resplandecían inmóviles como los de las estatuas y, como ellos, un poco crueles”. Angelica provoca un gran impacto en todos los Salina masculinos. La Angelica de la novela es una joven bella y educada, que ha estudiado en Florencia, donde ha pulido su acento y adquirido conocimientos en arte. En cambio, en el film, el personaje que interpreta la Cardinale tiene un punto de ordinariez, de vulgaridad, más manifiesto, remarcando la diferencia de clase (recordemos que es la nieta de Peppe Mmerda), algo que Visconti también hace con el personaje de Don Calogero, al que ridiculiza a menudo, mientras Tomasi es un poco más sutil.

Al día siguiente visitan el monasterio del Espíritu Santo, donde Concetta impide que Tancredi entre a ver a las monjas, derecho solo permitido al príncipe, aunque con excepciones, como castigo por su obsceno comentario sobre el convento de clausura, en especial la apostilla dirigida a Angelica de que “si hubiese usted estado allí, señorita, no habríamos tenido necesidad de esperar a las novicias”, ante la cual “su risa [la de Angelica] subió de tono y se hizo estridente”.

3) Octubre 1860: Se nos cuenta el resultado del plebiscito de unificación de Italia, en el que Don Ciccio votó que no, aunque el resultado oficial fue de unanimidad a favor del sí. Tancredi ruega a su tío que pida la mano de Angelica, sobre la cual el príncipe pide información a Ciccio, al que encerrará mientras negocia con Don Calogero la dote de la muchacha para que nadie lo sepa antes de que sea el momento oportuno.

4) Noviembre 1860: Tancredi llega a Donnafugata durante un día tormentoso, junto con el conde milanés Carlo Cavriaghi (el papel de Mario Girotti en el film). Ya no llevan el uniforme garibaldino, sino el del ejército real de Víctor Manuel II. Llega de forma inesperada Angelica a la que Tancredi le entrega el anillo de compromiso (que ha comprado con dinero del tío). Luego pasarán largas horas deambulando por las habitaciones desocupadas del palacio. Mientras tanto, Cavriaghi intenta establecer una relación amorosa con Concetta, sin éxito. El capítulo se cierra con la llegada del funcionario piamontés, Chevalley, que le ofrece al príncipe un puesto en el senado, que este rechaza, sugiriendo en su lugar el nombre de Don Calogero. Fabrizio le cuenta a Chevalley su visión de los sicilianos, que “no querrán nunca mejorar por la sencilla razón que creen que son perfectos”. En el momento de la despedida es cuando Fabrizio dice su célebre monólogo de los gatopardos y los chacales, que Visconti reproduce literalmente.

5) Febrero 1861: Breve capítulo en que se nos cuenta el viaje del padre Pirrone a su pueblo natal, San Cono, donde ha de resolver un conflicto familiar, demostrando una notable mano izquierda. Incluye también su monólogo sobre la aristocracia, que Visconti lo sitúa antes, durante una parada de los Salina en su desplazamiento a Donnafugata.

6) Noviembre 1862: el baile en el palacio Ponteleone. Quizá las mayores diferencias con el film son que, por un lado, se cruza toda la familia con la procesión del Santo Viático antes de su llegada al baile, no el príncipe en solitario una vez acabado. La otra, más significativa quizá, es la secuencia de la conversación entre Concetta, Angelica y Tancredi sobre los desertores y el sonido posterior de los disparos de la ejecución, algo que está ausente de la novela. Lo demás, incluida la contemplación del cuadro de Greuze (aunque aquí se titula “Muerte del justo”), el vals, la conversación con el coronel Pallavicino (el “héroe” de Aspromonte) o la sala con los orinales, también aparece en Tomasi.

7) Julio 1883: Estamos ya fuera del marco temporal de la película. Fabrizio regresa, enfermo, de un viaje a Nápoles. En esta fecha, tanto la mujer, Maria Stella, el primogénito, Paolo, como el padre Pirrone, ya han muerto, mientras que Tancredi es diputado. El príncipe tiene un nieto, Fabrizietto, pero es consciente de que él es el último de su estirpe: “… el último Salina era él, el gigante desmirriado que ahora agonizaba en el balcón del hotel. Porque el significado de un noble linaje se halla todo en las tradiciones, es decir en los recuerdos vitales, y él era el último en poseer recuerdos insólitos, distintos de los de las otras familias” (una reflexión tras la cual uno imagina al propio príncipe de Lampedusa; quizá un pensamiento demasiado fúnebre aún para Visconti). Así, Don Fabrizio muere, según el narrador, con 73 años (lo que, dicho sea de paso, no cuadra, porque en 1860 tenía 45 años, por lo que solo debería tener 68 o 69 años).

8) Mayo 1910: Cincuentenario del desembarco de Garibaldi en Sicilia. Las tres hijas del príncipe, Concetta, Carolina y Caterina, todas ellas con alrededor de 70 años, viven en el palacio de los Salina, orgullosas de las reliquias de santos que atesoran en la capilla. Concetta recibe la visita de Angelica, ya viuda, y del senador Tassoni, que hace referencia a la famosa anécdota del convento de clausura, que según le confesó Tancredi en su día, era una pura patraña, mentira que provocó la censura de Concetta, algo que la ha estado amargando durante toda su vida. Después recibe la visita del cardenal, que investiga por orden del Papa la autenticidad de las reliquias. Las hermanas reciben la orden de eliminar la mayoría de ellas, falsas, y cambiar la imagen que veneran, una pintura de una joven, que creen que representa la Virgen de la carta, pero que según la Iglesia no es más que la pintura de una muchacha con la carta de su enamorado. Las pocas certezas que conservaban se derrumban. Su mundo, definitivamente, ha muerto, algo que se simboliza con la piel del perro del príncipe, Bendicò, que Concetta conservaba apolillada y llena de polvo. La novela concluye con la orden que Concetta da a la sirvienta de que tire los restos del perro.

Recomiendo vivamente la lectura de la novela. Tomasi se erige, en calidad de narrador omnisciente, como un buen observador y comentarista del pasado inmediato de Sicilia, y por extensión de Italia, introduciendo además comentarios desde su presente (incluso una referencia cinéfila a Eisenstein), con notable dosis de ironía, y un sentido del humor finísimo, que no impide que toda la obra tenga un tono melancólico, elegíaco, una reflexión sobre lo que Proust denominaba “los paraísos perdidos”, algo que está presente en la mayor parte de las obras de Visconti, también en el film que nos toca esta semana, Vaghe stelle dell’Orsa…, título que hace referencia al primer verso de un poema del conde Leopardi, titulado precisamente “Le ricordanze”. Pero eso será dentro de unos días.

El domingo me pongo con Il gattopardo
y creo que no tendré más remedio que verla en 2 veces.

Sobre todo, no fracciones la secuencia del baile.

Y cuando el prota esté orinando, deja que termina, que se le puede cortar el chorro

Iniciado por tomaszapa

Y cuando el prota esté orinando, deja que termina, que se le puede cortar el chorro

Eso no sale en la película. Se nota que no las has mirado.

Iniciado por mad dog earle

Eso no sale en la película. Se nota que no las has mirado.

Estaba probándote. No es la primera vez que pillo a un crítico prestigioso, que se nota que el que no la ha visto es él. Prueba superada

La competencia Fellini-Visconti tuvo años encarnizados. Si en 1960 “La dolce vita” se encontraba con la rivalidad durísima de “Rocco”, en el 63 “Ocho y medio” se las tuvo que ver nada menos que con “El gatopardo”, una clara cumbre en la trayectoria de su director, que a mi juicio no pudo repetir un hito semejante en el resto de su vida, mientras que Fellini todavía tenía muchas sorpresas guardadas en la manga.



En todo caso, la temática de la desaparición de un mundo y su sustitución por otro, de los dinosaurios de una era geológica anterior contemplando resignados cómo, a pesar de ser reemplazados por nuevas especies, en teoría más rápidas y capaces, el mundo aun así no va a mejorar, no podría tener una expresión más perfecta que esta película, a pesar de que el gran público no siempre la ha comprendido como merece (en este sentido es instructivo el comentario de Fernando Fernán-Gómez, que, en una introducción del programa “Cine-Club”, allá por los 80, poniendo en contexto el estreno en salas de una de sus películas, relataba que por aquellos años se había reestrenado el clásico de Visconti, y que, según los periódicos, el público se quejaba en algunos pases).



Y es que “El gatopardo” (que ya sé que tendría que ser “El leopardo”, aunque no veo las manchas en el escudo de los Salina, con lo cual incluso tal vez “El guepardo” sería una opción más correcta, pero a estas alturas no vamos a cambiar un título ya fosilizado en la memoria colectiva), aunque es una película con bastante épica, es más bien una épica intimista, en la que la batallita, como en “Senso” es un trámite, y todo lo fundamental se dice en una secuencia, la del baile, en la que “no sucede nada” y a la vez sucede todo, a lo largo de casi 45 minutos.



Lo original de la película, y del enfoque de Visconti en general, es que raramente se habían contado los cambios históricos desde el punto de vista de los estamentos preteridos, arrumbados por un “progreso histórico” que en el fondo no es tal (la célebre frase de que “todo tiene que cambiar un poco para que todo siga igual”, aparece dos veces en el metraje, pronunciada tanto por don Fabrizio como por Tancredi, que es visto como su heredero hasta el punto de que llegamos a ver su cara reflejada en el espejo ante el cual el príncipe se está afeitando). A Éric Rohmer se le reprochó unas décadas después que adoptara el punto de vista de la aristocracia en “La inglesa y el duque”, su película sobre la Revolución Francesa, por lo que dudo que los compañeros de viaje comunistas de Luchino se sintieran muy felices ante un espectáculo suntuoso que parecía mirar con nostalgia el “ancien régime”.



El retrato del príncipe de Salina y su entorno no carece de su sorna: padre de una familia numerosa a pesar de no haberle visto ni el ombligo a su esposa, frecuentador por ello de una amante plebeya que lo llama “principone”, y siempre flanqueado por un padre confesor que le sirve de consejero, una figura demacrada y sudorosa (excelente Romolo Valli, que, lo he comprobado para aclarar una duda que me ha perseguido largo tiempo, no era pariente de Alida Valli), don Fabrizio carece de veleidades progresistas (o si las tiene se las guarda para sí mismo), y el bienestar del pueblo le da igual, pero vota a favor del nuevo estado italiano porque se da cuenta de que es a donde lleva la corriente del tiempo, aunque no deja de sentir que todo el furor por la “tricolor” no va más allá de simples fuegos artificiales.



Mientras apenas el organista de la iglesia (Serge Reggiani) se queja de los cambios sociales que se están operando, afirmando que la esposa del alcalde, don Calogero, es hija de un repugnante personaje a quien los lugareños apodaban “Peppe Merda”, don Fabrizio pone todas sus expectativas en su sobrino Tancredi Falconeri, que se comprometerá en matrimonio con Angelica, la bella hija de don Calogero, para el disgusto de la prima de Tancredi, Concetta, que en lo sucesivo despreciará las atenciones de un militar compañero de aquel, tal vez porque entre Alain Delon y Terence Hill no se puede elegir al segundo.



Todo lo cual en cierto modo no es sino preparar el terreno para la larguísima secuencia del baile, que es donde está el meollo de la película. Lo que en la práctica es una especie de traslado de poderes se plasma en pantalla como una ceremonia suntuosa en la que la dramaturgia de toda la vida se aparca en favor de una elegante puesta en escena que sabe decir muchas cosas solo con la posición de la cámara y la disposición ante ella de los elementos (como muestra valga un botón: cuando vemos una estatua de la antigua Roma en primer término, contemplando de espaldas a los invitados, nos damos un poco cuenta de lo relativo de las alternancias políticas en la perspectiva del tiempo, y al mismo tiempo de la permanencia a la larga de elementos en su día descartados).



El despliegue escenográfico, el vestuario de Piero Tosi, la música de Nino Rota (que, en una jugada repetida después en “Ludwig”, incluye una pieza inédita de un gran compositor, en este caso Giuseppe Verdi), crean un espectáculo audiovisual que sin embargo tiene más de funeral que de fiesta, aunque solo don Fabrizio se dé cuenta de ello: están enterrando toda una forma de vida aristocrática que será reemplazada por el sórdido siglo XX de los Calogero Sedara, vistos como burgueses mediocres que no se enteran de la misa la media pero tienen dinero, y de los Tancredi Falconeri, muy guapos, detentores del poder seductor de la imagen pero en el fondo un poco huecos. Don Fabrizio, y Visconti, contemplan con ironía el cambio de paradigma sin ver del todo bien la superioridad del nuevo régimen sobre el viejo régimen, que en realidad no hace más que sustituir al Dios que otorgaba la majestad por unos valores laicos que se pueden abusar y retorcer como se quiera, llegando a un sarcasmo de una crudeza casi propia de Pasolini cuando topamos con una estancia donde se depositan orinales llenos: aristócratas o burgueses, religiosos o ateos, los ricos y poderosos van al baño de la misma manera.



Un aspecto que no me hace en exceso feliz, y que continúa un poco mi discurso sobre los (presuntos) misoginia y machismo de Visconti, es la manera en que Angelica, la hija de don Calogero y prometida de Tancredi (y nieta de “Peppe Merda”) es vista sobre todo como un trofeo para los poderosos y un símbolo del triunfo social, sin excesiva entidad como personaje. De hecho, podría argumentarse que el clímax de la película es el vals que bailan ella y don Fabrizio, esa victoria poética del viejo príncipe, que, se nos insinúa, bien podría habérsela arrebatado a su sobrino, quien sufre lo suyo durante la secuencia.



En Sicilia tal vez no estaba aún oficialmente derogado el derecho de pernada, y de todas maneras el príncipe, decadente o no, mantenía su apostura y su atractivo y era un buen bailarín (ya lo dicen por ahí: se empieza bailando…).



Renunciar a esta última conquista, resignarse a esa soledad del primer plano en que llora, hacer un último mutis ante las estrellas y hacia la lejanía, es dejar claro al mundo, aunque sobre todo a sí mismo, aquello en lo que sí era superior el viejo mundo sobre el nuevo: no en moralidad, no en justica social o legitimidad política, sino en buenas maneras y elegancia.



Es difícil no ver en el príncipe de Salina una especie de “alter ego” del propio Visconti, una figura llena de contradicciones, perteneciente a la nobleza pero intentando ser consecuente con los cambios sociales y políticos del siglo, recreándose en el dandismo de épocas pasadas (apenas “El extranjero” y “La caída de los dioses” escapan a este patrón, mientras que “Confidencias” no cuenta, pues ahí casi tenemos otra vez a don Fabrizio, encerrado en su lujoso apartamento mientras a su alrededor bullen el sexo, la droga y el rock and roll). Encontrar una expresión tan perfecta de sus temas e ideas tuvo el precio previsible: Visconti, aunque aún firmó alguna obra notable, no volvería a rayar a esta altura.