Tema: Luchino Visconti: revisando sus películas

Iniciado por Alcaudón

A mí me ha parecido una película espléndida.

Creo que lo mencionó mad dog earle es su comentario pero ciertamente Alida Valli habla en italiano y Farley Granger en inglés. Por cierto, nunca me gustó especialmente este actor quien llegó a trabajar con Sir Alfred en dos ocasiones, LA SOGA (1948) y EXTRAÑOS EN UN TREN (1951).

Sobre esto he leído todo tipo de versiones. Desde una que decía que Granger hablaba en italiano (cosa que no creo; además, como indiqué en mi comentario, el artículo de la Wikipedia da a Enrico Maria Salerno como su doblador), a otra que dice que el rodaje se hizo en inglés, al menos por lo que respecta a Granger y Valli. Me inclino más a pensar que quizá sí que los dos actores principales hablen en algún momento que están juntos en ingles (Valli lo podía hablar, como recordaremos de The Paradine Case), pero en definitiva supongo que se doblarían las dos versiones. Como entre mis habilidades no está la de leer los labios, no lo puedo confirmar. En todo caso, entiendo que es para la versión inglesa que colaboraron Tennessee Williams y Paul Bowles.

Iniciado por Alex Fletcher

Acaba de ver hoy, y me alineo con el compañero Bethencourt, de las vistas hasta ahora, la pongo en la última posición, claro que las otras ya vistas las tengo en muy alta estima, he encontrado Senso un film interesante pero irregular, mañana doy mi punto de vista.

¿Efecto de las secuencias de batallas?

Ventajas de tener una copia en HD: te aseguro que Alida habla en italiano y Farley en inglés.

Iniciado por C.Bethencourt

Senso es uno de los films más flojos de Visconti.

Me gusta verla como una película de transición, y de tratar de alcanzar un nivel de producción propio de la hollywoodiense MGM, pero obviamente, tratando temáticas más del gusto del cineasta italiano, sin espadachines. Es un empeño que le será de utilidad a posteriori en ¨El Gatopardo¨.

En ese caso sí es meritorio la utilización de actores ¨(aún no estrellas) americanos, el tratar de tú a tú, a un tipo de producciones mastodónticas, donde hay que remirar detrás de los muebles (con lo que pesan los muebles viscontianos), para tratar de descubrir que no es Hollywood.

Pero es un film poco inspirado, un tanto pobre...Poco interesante finalmente.

"Flojo" dentro de una filmografía de muchos quilates. En todo caso, a mí no me lo parece en absoluto, aunque prefiero bastante más otras de sus películas. Yo diría que es un film irregular, con un brillante trabajo de ambientación (detalles como el vestuario o los decorados, en muchos casos probablemente palacios auténticos) y una relación amorosa que funciona, pero en la que me fallan los "momentos históricos", aunque la secuencia inicial en La Fenice me parece excelente. Todo el bloque final, rematado (nunca mejor dicho) con el fusilamiento de Mahler, me parece magistral, aunque como comenté al parecer no era el final que quería Visconti, sino los productores. Hay que decir, en honor a la verdad, que la obra de Boito no me ha parecido ninguna maravilla, pero por lo visto hasta ahora, Visconti solía adaptar las obras literarias con notable libertad.

Iniciado por Alcaudón

Ventajas de tener una copia en HD: te aseguro que Alida habla en italiano y Farley en inglés.

Suertudo, porque la edición en DVD deja mucho que desear, especialmente en los colores y la nitidez de las imágenes.

Digo flojo, porque la irregularidad es algo que no me importa en las películas de Visconti...

Es más, cuando lleguen veremos films que son imperfectísimos...Sin embargo, me parece magníficos.

No le pide una película cartesiana a Visconti...Le pido que me macere bien una temática desde el Arte...Este film no me parece trabajado con ganas. No es cuestión de la interpretación, también la cinematografía es laxa...Es todo (salvo la direccipn artística), un poco desganado.

Por eso, sí...Flojo, lo veo un calificativo apropiado.

Que no malo, es un film correctito.

Es que me estuve fijando en el movimiento de los labios mientras - lógicamente - disfrutaba de la película dado que la copia de Criterion está en italiano y se pueden observar dos cosas:

- que no se rodó con sonido en directo.

- que los protagonistas hablan en su propio idioma y ello a pesar de que como bien dices Alida Valli hablaba fluidamente en inglés.

Creo haber leído en alguna parte que la versión en inglés estaba acortada, lo que supongo influye en que no se disponga en las ediciones en DVD o BD de esa versión. Si la tuvieramos, podríamos comprobar si Valli se dobló a sí misma, que supongo que sí. A mí de Senso me fascina el vestuario y la combinación de colores. Me parece que Visconti consigue momentos de gran belleza.

Y algo que siempre me ha asombrado de los grandes directores, desde Rouben Mamoulian (LA FERIA DE LA VANIDAD (1935)) hasta Akira Kurosawa (DODES'KA-DEN (1970)), es lo bien que solventaron el paso del blanco y negro al color.

Una de las grandes bazas, aparte del vestuario y los escenarios (naturales) en los que se desarrolla la acción, es el espléndido colorido que luce la película, a pesar de que la copia podía ser todavía más perfecta.

Qué curioso que en el otro rincón - el de Alexander Mackendrick - también estemos ante el primer trabajo en Technicolor de su director. Y un uso igualmente primoroso, aunque no tan exquisito, dado lo diferente de la ambientación.

Iniciado por mad dog earle

¿Efecto de las secuencias de batallas?

Está claro que a Visconti no le daría un "Salvar al soldado Ryan 2"

Tengo bastante avanzado el comentario de SENSO, mi primera aportación al foro (será cosa de la sangre azul que corre por mis venas...) y espero tenerlo completado para mañana o el jueves (santo) por la mañana, dado que probablemente por la noche me vea alguna película, aunque seguramente ajena a cualquiera de los frentes en los que estoy metido, para desaturarme de tanta revisión.

Si os gusta por la belleza indudable de la producción artística, disfrutadlo...Yo también lo hago...Es sólo, que además de eso Visconti da, a mi gusto, mucho más...Es más que Tarsem, por ejemplo...Que se disfruta en sí, por su valor estético.

La belleza es de esas cosas inalcanzables...Entonces, sólo por eso, ya es un universo..Claro.

Está claro que uno de los puntos fuertes del film son meramente estéticos, ya con la sensacional introducción en el teatro, es una clara declaración de estilo e intenciones. También todo lo que se refiere a la recreación de la época, ya sea localizaciones, esos, castillos, mansiones o lo que fueran, ese vestuario y todo atrezzo te hacen casi vivir en el film, me gusta mucho por cierto el uniforme de los soldados austríacos, blanco elegante y con esa capa de superheroe, por cierto un poco idiota cuando Franz Mahler entra uniformado en los aposentos de la condesa, con el susto de que lo han visto o lo han seguido, que tal si hubieras renunciado al uniforme y te presentas de calle amigo Franz?

Todo lo expresado hace que el film funcione a nivel estético, ahora falta lo demás, empezando, y otra cosa positiva, con la excelente interpretación de Alida Valli, la elegancia personificada, y a mi si que me ha gustado Farley Granger, que aún no he analizado si me gusta o no como actor, tengo poco bagaje con él (las de Jicoc y alguna más) y no me atrevo a compararlo aún, ya cuando coja más bagaje, eso si, en el film, su presencia e interpretación no me molesta en absoluto. Y el campo actoral se acabó, y aquí viene un cazo de vinagre, ya que los otros que salen, son incluso menos que secundarios, el film para mi orbita en demasiado con la pareja protagonista y a los demás que les den, me hubiera gustado un mayor desarrollo del personaje del Conde, elemento a priori importante en la historia principal pero que pasa totalmente desapercibido, poco minutaje en pantalla, así como el primo y otros personajes con un peso ornamental. Es más opinión personal, pero para mi los secundarios tienen que dar empaque y arrope a los principales y a la historia principal en la que se centra el film, claro cuando no los hay o no los usas para ello, el film se me vuelve algo pesado, como sucede en la primera mitad, o quizá dos tercios del film, centrándose una y otra vez en la pasión entre los principales, todo una y otra vez orbita en la el affaire, los diálogos van todos por el mismo camino, romanticismo, pasión..... suerte que en algunos momentos la cámara se pone a hacer planos cinematográficos de alta calidad, esos picados cuando están en la habitación de la condesa son muy destacables; pero a la fin me queda un resultado algo pesado para el disfrute por monotemática recurrente, que dicho subrayado se llega a entender para dar más fuerza a su desenlace y cuando Franz se quita la máscara, quizá sin dicha insistencia de martillo pilón, la sensación final fuera otra, quizá no tan impactante.



Y ya podríamos hablar de la inutilidad de Visconti para escenas bélicas de masas? porque la escena bélica se las trae y mira que las escenas en retaguardia con los heridos las he encontrado muy bien, vibrantes, corren más en retaguardia que en el campo de batalla . Pero ya metidos en la extraña escena bélica de campo, metidos en esas montañitas de trigo, los soldados avanzando a ritmo de un taca taca en plena batalla, en todo momento en un plano general lejano quizá para evitar las costuras , mientras que en su derecha se preparan una brigada de su mismo ejercito para cargar, estos se incorporan cagando leches a grito suelto y se unen a los empanados del campo de trigo, que siguen sin cambiar de ritmo, el contraste de el momento de encuentro entre los dos grupos a dos velocidades diferentes es de vergüenza ajena de verdad, en serio no habían asesores militares para estas producciones? dicha escena es impropia de lo que debería ser una obra total, para mi no lo puede ser nunca con estas imperfecciones, independientemente de lo que haya antes o después sea de alta calidad, que para mi tampoco lo es, pero bueno son cosas subjetivas, de gustos, lo que SI es objetivo es que dicha escena es LAMENTABLE. (por cierto se han eliminado las fotos de la batalla en google? seguramente por ser de mal gusto, es que no he encontrado, tampoco me he matado mucho

En resumen, visto hasta ahora aquí, visto las valoraciones generales, o sea nota, en las páginas como FA o IMDB, es Senso sin duda un film sobrevalorado, dista mucho de lo que yo entiendo por una obra total, más que por la escena bélica, que incluso podría ser anecdótico, por lo comentado de cargar todo el peso del film en el romance entre ellos y olvidarse de los demás, ya sea a nivel de secundarios o didáctico, he aprendido poco en el conflicto histórico austro italiano, a parte de pequeñas pinceladas y que el uniforme de los austríacos era molón, se vuelca demasiado en la carga pasional, romántica, suerte que el gatopardo teniendo algún defecto parecido , es otra cosa.

Es que lo que más importa a Visconti no es la situación sociopolítica de la era - la guerra entre el Reino de Italia y el Imperio Austríaco o el inicio de la decandencia de las clases nobles - sino la arrebatadora pasión amorosa que siente la frágil condesa italiana por el bello oficial enemigo. Por eso el director vuelca ahí todo su arte y logra alcanzar las cimas más altas del cine romántico.

No lo tengo tan claro, Alcaudón, lo que sí me parece innegable es que si se recuerda el film es por esa relación pasional. De hecho, eso es lo que hay, y solo eso, en el relato de Camillo Boito, la situación histórica (la guerra entre Austria y la Italia del Risorgimento, que busca la unificación política de la península) es un levísimo telón de fondo. Todos esos detalles de contexto político son, precisamente, los añadidos del guion de Visconti y Suso Cecchi D'Amico: el griterío de La Fenice; el papel del primo de la condesa (en la novela no hay tal personaje); la entrega del dinero de la resistencia a Franz (Boito hace que Livia entregue sus joyas y dinero que tiene su marido); la descripción de las batallas. Y ahí (salvo en la belleza formal innegable de la secuencia inicial en La Fenice, o en el final que muestra la euforia de la victoria austriaca, euforia que, históricamente, sería transitoria) es donde la película chirría un poco, porque como bien dice Alex, los personajes secundarios (el primo, interpretado por Massimo Girotti, para placer de hannaben ; sus compañeros de lucha, incluso el marido, aunque en la novela tampoco tiene mucho relieve) quedan muy difuminados, y la trama política metida con calzador. A pesar de ello, lo que resultó polémico en su día fue esa parte, porque las instancias oficiales no se tomaron demasiado bien el regusto derrotista que deja la película.

Si Visconti se hubiera querido quedar solo con lo que cuenta Boito, la historia de degradación y humillación de una joven aristócrata, casada con un viejo proaustriacista, que se siente deslumbrada por un joven militar del ejército ocupante, hubiera habido suficiente con la pasión de Livia por Franz. Pero es precisamente decisión suya la de introducir toda esa lectura política, que no descarto que tuviera la intención de servir de espejo a la situación política de la Italia de la posguerra, algo que probablemente se nos escape hoy en día.

Con todo, y a pesar de esas irregularidades narrativas, a mí es una película que me gusta por su apuesta formal, por su belleza.

Algo a lo que ayuda el cuidado uso del Technicolor por parte del director y de sus colaboradores. Amén del uso de los escenarios naturales, tanto exteriores como interiores y el espléndido vestuario.

He leído todo lo pendiente.... Opino idem con lo comentado, Visconti en mi mente, no es un director con películas perfectas... lo es por películas bellas... como me ocurre salvando las distancias por años y por estilos, de Tarsem o Malick. (Opino desde mi experiencia con el director, supongo que conforme vea más de sus trabajos, aumentarán mis respetos si cabe )

Algunas imágenes son arte, con el gusto del Director, la escenografía y atrezzo, junto al Technicolor....





Leí en cineblog, lo siguiente y es curioso... aunque imágenes similares se repiten de lo lindo y podrían estar igualmente inspiradas...
Il film è molto “artistico”. Visconti si ispirò a diversi quadri, il più palese è il bacio tra Livia e Franz, ispirato al famoso quadro Il Bacio di Hayez
La película es muy "artística". Visconti se inspiró en varias pinturas, la más obvia fue el beso entre Livia y Franz, inspirado en la famosa pintura El beso de Hayez


He causado hype a mi señora para que me acompañe en ver Senso y El Gatopardo, las únicas que tengo en el altillo en colección, (estoy cambiando todo de sitio y tengo que buscar en las cajas ), Este finde voy a intentar verlas con ella, al menos Senso que es la primera que toca.

Bueno ilustres compañeros, os leo de cerca...

Iniciado por joyla

Leí en cineblog, lo siguiente y es curioso... aunque imágenes similares se repiten de lo lindo y podrían estar igualmente inspiradas...
Il film è molto “artistico”. Visconti si ispirò a diversi quadri, il più palese è il bacio tra Livia e Franz, ispirato al famoso quadro Il Bacio di Hayez
La película es muy "artística". Visconti se inspiró en varias pinturas, la más obvia fue el beso entre Livia y Franz, inspirado en la famosa pintura El beso de Hayez

Creo que lo comenté en el post de presentación: uno puede quedar aplastado por las referencias cultas de Visconti, a las artes plásticas, a la arquitectura (a menudo auténticos palacios, en alguna ocasión de la familia Visconti-Erba), a la literatura o a la música (aquí Verdi y Bruckner). Para mí la clave del film (que no está en Boito) es esa conversación final entre Franz y Livia en que el militar dice que ambos pertenecen a un mundo en desaparición, algo que estará presente en buena parte de su obra posterior (a destacar, por ejemplo: Il gattopardo, Gruppo di familia in un interno o L'innocente).

Eso de ¨un mundo que termina¨, es una de las temáticas centrales de Visconti.

Las reminiscencias en las formas, decoro y educación de Visconti, sí se aprecian...También lo malo... Como digo, además de las cualidades excepcionales cinematográficas, con Visconti tenemos ese raro fenómeno del artista-principe. Algo, anecdótico en el mundo del Arte....No digo que mejor o peor que el artista-artesano, con sus leves manías. Es simplemente, distinto.

Esto se daba con las Matemáticas francesas..Los L´Hopital...Pero el Arte, siempre ha sido uno de esos campos artesanales...

Esta visión, como digo, es un plus más de la obra del director italiano. Que ya es excepcional por la obra misma. Esto es sólo otra nota a pie de página más.

Me parece injusto destacar únicamente los valores estéticos en el cine de Visconti, caso de SENSO, olvidando la espléndida puesta en escena del director.

Ese apunte (porque no es más que un apunte aunque muy significativo) acerca del cambio de tiempos que viven los personajes será mucho más desarollado en EL LEOPARDO ().

Quizás porque, como el compañero tomaszapa , soy un romántico empedernido pero lo que me apasiona de la cinta es la trágica historia de amor entre los protagonistas.

Y como bien indicáis y creo que Visconti lo hace a propósito, el director se centra exclusivamente en esa relación autodestructiva, como si él mismo fuese la propia condesa Serpieri.

Espero completar el comentario hoy/mañana pero como ya he dicho me ha parecido una espléndida película, aunque no es tan perfecta como EL LEOPARDO ().

Eso sí, hay que verla en condiciones, o sea en una copia en HD con los colores vivos que diseñó Visconti.

Alcaudón, hace mucho que la vi, y como digo, me queda en mente "lo bonito", y el disfrute de "lo visual", cuando la revise en el BD, te daré la razón seguramente, ya que también soy de sensaciones, y no siempre me importa un argumento enrevesado....

Disfruto muchísimo con Tornatore, y me dejo llevar con su cine... tengo que reconocer, que hace años no apreciaba (o eso pensaba), el cine europeo de antaño, incluso diría el actual, como lo hago ahora. Será el aproximarse a los 40.

Iniciado por Alcaudón

Me parece injusto destacar únicamente los valores estéticos en el cine de Visconti, caso de SENSO, olvidando la espléndida puesta en escena del director.

Ese apunte (porque no es más que un apunte aunque muy significativo) acerca del cambio de tiempos que viven los personajes será mucho más desarollado en EL LEOPARDO ().

Quizás porque, como el compañero tomaszapa , soy un romántico empedernido pero lo que me apasiona de la cinta es la trágica historia de amor entre los protagonistas.

Y como bien indicáis y creo que Visconti lo hace a propósito, el director se centra exclusivamente en esa relación autodestructiva, como si él mismo fuese la propia condesa Serpieri.

Espero completar el comentario hoy/mañana pero como ya he dicho me ha parecido una espléndida película, aunque no es tan perfecta como EL LEOPARDO ().

Eso sí, hay que verla en condiciones, o sea en una copia en HD con los colores vivos que diseñó Visconti.

Para mí¨Puesta en escena¨ es finalmente la variable que se alinea con la coordenada estética en el cine.

Dado que estamos en proceso de revisar la filmografía completa de Visconti, en algunos casos tendré que recurrir a mi poco estimado, al menos en lo que a visionar cine se refiere, YouTube. Ya he estado mirando por encima las copias que se pueden encontrar ahí de “Sandra” y “El extranjero”, mis “eslabones perdidos” del ciclo, y puedo decir que mis más flojos DVDs las superan en calidad. Pero en fin.



Así he visto el episodio “Anna Magnani” de “Siamo donne”, con unos subtítulos generados automáticamente que os juro que mencionaban a Icarly y a Lady Gaga, entre otras premoniciones de un futuro 60 años posterior. El “sketch” es bastante divertido, y de nuevo me viene a la mente, como en “Bellissima”, el tipo de humor temperamental y castizo que hizo fortuna en el cine español durante las mismas décadas, y es que España miraba por aquel entonces mucho a Italia. Fijaos si no en Berlanga, que llamaba a Richard Basehart por haberlo visto en “La strada” y a quien tomaríamos por una versión “marca Hacendado” del Fellini de entonces de no ser porque algunos temas los tocó antes que Fellini…



Volviendo a Visconti, la anécdota sobre si un “basset hound” puede o no ser considerado un perro faldero, y la disputa sobre ello con un taxista que llega hasta un cuartel de la policía, reposa un 80% sobre la actuación y un 20% sobre la dirección, aunque hay un par de momentos brillantes. Al revés que en “Bellissima”, donde vemos primero a Maddalena perdida en un plano general entre el resto de madres que llevan a sus niñas a la prueba, aquí estamos siempre con la actriz hasta un momento en el cuartel de policía en el que de repente cambiamos a un gran plano general en el que percibimos su voz más lejana, reverberando en el gran espacio, y hay un “travelling” a lo largo de una barandilla que nos revela a un hombre desocupado tumbado en ella hasta que llegamos a la escalera por donde Magnani y toda la comitiva suben. Supongo que se trata un poco de poner la anécdota en un contexto más grande y de sugerir el posible protagonismo de otros elementos, desocupados, obreros o antisociales, que viven un poco al margen de las pantallas, mientras los actores del cine popular dan voces y gesticulan desde la pantalla.



También me llaman la atención esos pequeños detalles sociales, como el taxista que canta una canción referida al Duce, o esas niñas que cantan subidas a dos autocares en lo que, presupongo, debe de ser algún tipo de excursión religiosa. Son pinceladas menos grotescas de las que habría introducido Fellini, pero son elocuentes a la hora de sugerir que el “viejo régimen” no se había ido del todo en la Italia de los 50.



Y queda toda la parte final, con las bambalinas del teatro, en la que vemos lo que sucede cuando Magnani no llega a su número y es necesario cambiar el orden de las actuaciones. En sintonía con la broma de la narración inicial, en la que la protagonista se refiere a su mala fama de temperamental y un tanto antipática, Magnani para a una de las jóvenes bailarinas que la precedieron, obligándola a saludar como es debido. Me gusta cuando vemos el reverso del decorado, en una perspectiva inversa a la del público, y me sorprende lo buena que es la actuación de la actriz como cantante, en un número que supone todo un canto a la belleza nocturna de la ciudad de Roma, y en el que me parece detectar algún doble sentido un tanto equívoco. Terminamos en un primer plano que supone todo un homenaje a la carismática intérprete de “Roma, ciudad abierta”, a la que no volveríamos a ver en un film de Visconti.

El comienzo de “Senso” es bastante revelador: mientras vemos el escenario del teatro La Fenice de Venecia, donde se representa “Il Trovatore” de Verdi, la cámara se va acercando hasta llegar al escenario, situarse entre los cantantes y, al cabo de un tiempo, hacer panorámica enfocando al público. Es una manera como cualquier otra de sugerir que vamos a ver una película operística, escenográfica, más grande que la vida. De hecho, esta película inaugura en la carrera de su realizador su tendencia al fresco histórico, a la ambientación lujosa, a los interiores detallados y un tanto claustrofóbicos donde se desarrollan los dramas íntimos de personajes decadentes a punto de ser desechados por la historia.



El telón de fondo son las guerras de la unificación italiana, el primer término son los amores entre una madura condesa italiana y un seductor y canalla oficial austriaco. La vieja nobleza italiana, como veremos en “El gatopardo”, quedará postergada por la emergente burguesía, pero el imperio austrohúngaro no tiene tampoco muy largo recorrido ya, lo cual da bastante fuerza a la relación de dos personajes que son traidores a varios niveles, ella al matrimonio y a la causa italiana, él al ejército austriaco, a las mujeres que seduce y probablemente a sí mismo. El final, a fuerza de trágico, no puede ser más operístico, aunque el motivo de la mujer mayor que cae en la degradación y tal vez la locura por el amor de un hombre más joven también nos trae a la mente alguna obra de Tennessee Williams, acreditado entre los guionistas, al parecer para elaborar la versión inglesa de los diálogos.



El protagonismo como el teniente Franz Mahler (apellido que ignoro si aparece en el relato de Boito, y que supone un claro guiño al compositor que Visconti contribuiría a repopularizar con “Muerte en Venecia”) de Farley Granger, que en lo sucesivo se establecería en Italia (de hecho, el cantante Elliott Murphy contaba que fue a través de él como consiguió su trabajo como figurante en “Roma” de Fellini), me sugiere una reevaluación de este intérprete, que nunca me llegó a convencer en sus papeles para Hitchcock, pero que aquí, obviando un poco su físico a priori poco austriaco, no da mal el tipo de un seductor cobarde que, en definitiva, se desprecia a sí mismo, y que se aprovecha de una mujer, desatendida por un marido anciano, que le entrega sus últimos ardores. La condesa Serpieri es el último gran papel de “guapa” de Alida Valli, años después de levantar pasiones en “El tercer hombre” y años antes de encarnar a matriarcas siniestras en títulos como “El diablo se lleva a los muertos” de Bava o “Suspiria” de Argento. Una arruga de preocupación le cruza el rostro de vez en cuando, y junto a momentos radiantes vemos asomar la mujer mayor en la que se convertirá, de ahí la crueldad de la comparación con la joven prostituta con la que Livia encuentra a Franz en Verona, aunque las burlas del teniente no se vean del todo constatadas en pantalla, pues Valli era aún muy fotogénica.



El título me sugiere uno de esos juegos de palabras multilingües a los que soy tan aficionado, pues me parece mucha casualidad que “senso”, a la par que “sentido” o “sentimiento” en italiano, signifique nada menos que “guerra” en japonés, cuando estamos hablando de una historia pasional que se desarrolla ante el telón de fondo de una contienda armada que decide el destino de varias naciones. Habría que preguntarle a Boito, pero siempre lo he encontrado curioso. La guerra, de todas maneras, se ve y no se ve; no llegamos al extremo de “Lancelot du lac” de Bresson, donde sabemos que ha habido una batalla porque vemos a un caballo huido del campo, pero lo que tenemos es una “vista de pájaro”: soldados avanzando en gran plano general entre muelas de heno, explosiones a lo lejos, tropas que lo pasan bien en las calles conquistadas, simples telones de fondo para realzar por contraste las idas y venidas de los personajes. No parece que a Visconti le interese mucho retratar la violencia fuera del ámbito de las pasiones, de ahí el choque que supondrá “Rocco”, con sus combates de boxeo, palizas y violaciones.



La elección de Anton Bruckner como fondo musical merece algunos comentarios. Compositor austriaco que pasó largos años como maestro de música en el monasterio de San Florián y que no alcanzó el éxito en el arte ni en la vida (retocaba sin cesar sus sinfonías como respuesta a su mala acogida y no vio aceptada ninguna de sus propuestas de matrimonio, si bien sus candidatas eran un poco demasiado jóvenes), sus gigantescas sinfonías que prolongan un poco el estilo de Richard Wagner son vistas por muchos como la expresión de deseos insatisfechos sublimados en pasajes de un gran dramatismo, de ahí que el “Adagio” de la séptima sinfonía se adapte tan bien a esta historia de un amor no correspondido y traicionado (leo además en Wikipedia que Bruckner supuestamente compuso el tema principal del Adagio al enterarse de que Wagner estaba en su lecho de muerte, con lo cual además cuenta el final de un mundo), a la par que otros pasajes más épicos casan con la dimensión espectacular del relato.



La estética de la película es brillante, y se nota la voluntad de aprovechar las posibilidades que abre el color, ya desde el comienzo en La Fenice en que miembros del público lanzan desde los palcos octavillas con los que serán los colores de la bandera italiana. Pero junto a esto hay hallazgos más sutiles, como la sugerente imagen que se da de Venecia, lejana de los tópicos de siempre, con los reflejos nocturnos del agua de los canales reverberando en los muros y fachadas, y esos callejones que son el escenario ideal para la pequeña conspiración que abre el argumento (y es que Girotti y todo lo referente a su personaje, dicho sea de paso, son un poco “Mac Guffin”, porque a la postre su única función es facilitar que Livia y Franz se conozcan, y luego, por medio del famoso cofrecito rojo con dinero, hacer posible que ella pueda traicionar por amor; Hitchcock habría dado su aprobación). Esta visión de Venecia en plan “romanticismo oscuro” se tornaría algo muy decadente y triste para cuando llegara la adaptación de Thomas Mann que todos conocemos. Lo de Venecia y el cine, de todas maneras, es para hacer un ciclo interesantísimo, desde las distintas versiones de “Casanova” hasta “Amenaza en la sombra” de Roeg, gialli como “¿Quién la ha visto morir?” de Aldo Lado o historias inclasificables como “El placer de los extraños” de Paul Schrader.



Como curiosidad, señalar que existe un remake de esta película en 2002, estrenado en salas como “Black angel” (el título original es “Senso ‘45”, aunque IMDB da como título castellano “Las perversiones de Livia”), dirigido nada menos que por Tinto Brass, en lo que supone un doble final de camino, el de la gran tradición del cine de autor italiano a la que el realizador de “Los burdeles de Paprika” decide sorpresivamente homenajear, y el de otra gran tradición italiana, la del cine erótico “soft core”, arrumbado a los desvanes del olvido por la facilidad de difusión del porno “de verdad”, pero que, por su necesidad de ofrecer un argumento más allá del “aquí te pillo y aquí te mato”, espoleó la creatividad de más de un cineasta y merecería una revisión siquiera por lo incorrectas que resultarían hoy en día las propuestas de la gran época del género. En todo caso, “Black angel” de Brass, que llevaba la acción a 1945 y reemplazaba al amante austrohúngaro por un guapo nazi, contó, como sucesora de Valli, con Anna Galiena, actriz que gozó de cierta popularidad en los 90 gracias a “El marido de la peluquera” de Patrice Leconte. La película no está a la altura de su antecesora, pero, como cinéfilo un poco canalla, me hace gracia ver una revisitación de este tipo, que, dentro de la perversión del original que supone (aunque hay quien opina que la versión de Brass es más fiel al espíritu del relato de Boito, amén de, por supuesto, incluir todo el sexo explícito que en la peli del 54 solo se intuye) resulta extrañamente respetuosa, como si, al igual que Livia Serpieri y Franz Mahler, Visconti y Brass tuvieran un encontronazo apasionado antes de que el devenir de la historia, en este caso del cine, hiciera desaparecer sus mundos. Pero creo que volveremos a mencionar a Tinto Brass cuando llegue “La caída de los dioses”.

Es cierto, amigo Alcaudón. Soy un romántico, endurecido con el tiempo (o quizá reblandecido por dentro ). Los de esta estirpe somos cada vez menos, como el lince ibérico. Somos una especie a proteger. Así que ya sabéis: dadnos muchos mimitos