Tema: Luis Buñuel: revisando sus películas

Estoy por saltarme la crónica de LA VÍA LÁCTEA porque como ya dije no me gustó nada. Pero nada de nada. Una película aburrida hasta el punto de que miré varias veces el reloj (que no tengo) para ver cuánto tiempo más quedaba de proyección. Como ya digo igual me veo TRISTANA, que esta seguro que sí me gusta y doy por zanjado el asunto.

Por cierto, no sé qué tal irá este fin de semana que iba a pasar en casa de mi ama junto a mi hermano mayor para celebrar la Nochebuena y la Navidad porque hoy ha tenido que venir su doctora y le ha comentado a la mujer que la cuida que tiene los pulmones encharcados y algo de neumonía. Son casi 90 años y el paso del tiempo es inclemente. Ojalá no haya que llamar al 112, pedir una ambulancia (especial) e ingresarla en el hospital como ya ocurrió, al menos, una vez.

En fin, Dios dirá... como negaba Luis Buñuel.

Esperemos que no sea nada y podáis pasar las fiestas en paz.

30. El discreto encanto de la burguesía (Le charme discret de la bourgeoisie, 1972)



Le charme discret de la bourgeoisie plasma en imágenes un complejo guion original elaborado por Buñuel y Carrière (del que escribieron cinco versiones), en una nueva producción de Serge Silberman, que se vio recompensada con el Oscar y tuvo un gran éxito a nivel internacional, cosa hoy en día puede sorprender porque no es un film apto para todos los públicos, se aleja notablemente de las convenciones narrativas (aunque los años 70 fueron años de notable amplitud de miras en el mundo del cine).

Se trata de uno de los films de Buñuel más impregnados por su pasión por el mundo de los sueños (quizá el que más, ya desde su misma estructura narrativa), de manera que más que un film surrealista, que también, yo lo denominaría onírico. Y es que en su trama los sueños se van encadenando, incluso con personajes que sueñan los sueños de otros personajes, de manera que al final uno ya no tiene claro si todo ha sido un único sueño, o si, en definitiva, hay lugar para la vigilia, o si todo es una única fantasía onírica ofrecida al espectador, ya desde ese enigmático inicio de un coche circulando en una noche lluviosa mientras se sobreimpresionan los títulos de créditos (en los que, una vez más, se atribuye a Buñuel la autoría de los effets sonores, ya que, como fue norma en toda su última etapa, no hay música de acompañamiento en la banda sonora, aunque sí una rica combinación de ruidos, algunos tapando los diálogos, y sonidos varios).

Creo que es innecesario hacer la sinopsis de la película. Quedémonos en esa tan citada imposibilidad de sentarse a la mesa de un grupo de burgueses (retratados como una pandilla de corruptos que trafican con droga gracias a las conexiones del embajador de la ficticia República de Miranda, Rafael Acosta, un espléndido, como siempre en las películas de Buñuel, Fernando Rey) que ven repetidamente frustrado su deseo de compartir una cena o una comida (como los de El ángel exterminador no podían salir del edificio, condenados a repetir sus movimientos).



Junto a Rafael completan el grupo de los burgueses el matrimonio Thévenot, François (Paul Frankeur) y Simone (Delphine Seyrig), la hermana de ella, Florence (Bulle Ogier), y el matrimonio Sénéchal, Alice (Stéphane Audran), y Henri (Jean-Pierre Cassel), todos magníficos en sus papeles.

De hecho, Buñuel acostumbró a trabajar en Franciacon un grupo de actores fieles, algunos de los cuales ya habíamos visto en films anteriores, y que volverán a aparecer en los dos siguientes. Son, por ejemplo, Milena Vukotic (como Ines, la criada de los Sénéchal), Julien Bertheau (como el obispo monseñor Dufour), Bernard Musson (el camarero de la cafetería que no tiene ni té ni café ni infusiones ni leche), Claude Piéplu (el coronel), o la imprescindible Muni, sin olvidar a Michel Piccoli, como el ministro del Interior, ni la colaboración de Amparo Soler Leal como el fantasma de la madre del teniente que cuenta su pasado a las tres señoras en una cafetería.



Todos los actores tienen su momento, a todos se les dedica atención dentro del guion, aunque serán los seis burgueses los que actúen como protagonistas, y los que aparezcan, de forma repetida (hasta tres veces), en una de las secuencia más iconográficas del film: los seis caminado por una carretera desierta hacia ninguna parte.



Si bien la película empieza respetando cierta lógica narrativa, aunque con elementos un tanto absurdos (ese velatorio en el restaurante;



el disparo de Rafael desde la sede de su embajada a una muchacha que identifica como terrorista;



el sexo a escondidas en el jardín de los Sénéchal; la aparición del obispo con vocación de jardinero; o la irrupción de los soldados de maniobras), a partir de un cierto momento se van a ir encadenando los sueños, con lo que la lógica narrativa se va a romper ya para lo que resta del film. Antes incluso ya ha habido un par de sueños insertos en lo que parece ser el desarrollo normal de los personajes: el del teniente en la cafetería y el del sargento en casa de los Sénéchal. Pero luego la acción transcurre dentro de los sueños de Henri Sénéchal, de François Thévenot (que de hecho es quien ha soñado el de Henri), del comisario de policía y, finalmente, de don Rafael, ¿quizá el sueño que los engloba todos?

Si entramos en el juego, y prescindimos de las explicaciones lógicas y de la necesidad de ilación de los diferentes momentos del film, Le charme discret de la bourgeoisie es una película sumamente disfrutable, nada que ver con la plúmbea La Voie Lactée ni la reiterativa Le fantôme de la liberté. Hay momentos de indudable filiación buñueliana: el moribundo al que absuelve el obispo para después descerrajarle un tiro en venganza porque fue el asesino de sus padres; la referencia al Don Juan de Zorrilla en el sueño dentro del sueño,



que rima con la presencia de diversos fantasmas, de muertos que se aparecen, como el Brigadier Sangrante, que protagoniza una inquietante secuencia de tortura (con esas cucarachas que caen del piano);



las referencias a la comida y a la bebida (el dry martini), etc.

Como nos acercamos ya al final del ciclo, voy a concretar cuáles espero que sean mis aportaciones: la próxima semana acabaremos el año con Le fantôme de la liberté, película que ya he revisado y que avanzo que no me ha gustado ni la mitad que Le charme... Luego, empezaremos el año con su último film, Cet obscur object du désir. En medio, intentaré comentar brevemente la novela de Galdós “Halma”, que sirvió de inspiración para el personaje de Viridiana, no tanto para el film, y la de Kessel, “Belle de Jour”, de la que he conseguido una traducción al catalán de Manuel de Pedrolo. También me detendré brevemente en un documental que ya cité en el post inicial: A propósito de Buñuel, que puede servir como resumen del ciclo. Finalmente, durante la primera quincena de enero espero dar un vistazo a los cuatro films de Buñuel produjo y “supervisó” en su etapa de Filmófono, en la época de la II República: Don Quintín el amargao, de Luis Marquina (de la que luego dirigió una nueva versión en México); La hija de Juan Simón y ¿Quién me quiere a mí?, del futuro director, entre otras, de Raza y Franco, ese hombre, José Luis Sáenz de Heredia; y ¡Centinela alerta!, de Jean Grémillon.

Mientras tanto, espero que os podáis llegar a sentar a la mesa y disfrutar de las próximas fiestas, sin que aparezca un grupo de militares de maniobras ni la policía... ni la Spanish Inquisition.

Halma (1895), de Benito Pérez Galdós



Tal como avancé, comento brevemente esta novela de Galdós, que inspiró a Buñuel el personaje de Viridiana. De hecho, la conexión con el de Calanda es doble, porque esta “Halma” se puede considerar además una secuela de “Nazarín”. Si en la novela de Galdós, el cura manchego acababa inmerso en una especie de alucinación mística que hacía sospechar de su salud mental, en “Halma” lo encontramos, de entrada, recluido en un hospital a la espera de que se dictamine si ha de ingresar en una prisión (como Andara o el ladrón “bueno”) o en un psiquiátrico, en un época en que el personaje se ha hecho muy popular en Madrid y del que ya se ha publicado un libro (lo que parece una referencia interna de Galdós a su propia novela).

Pero el personaje principal es Catalina, condesa de Halma (título obtenido por matrimonio con un aristócrata alemán), también ella aristócrata de familia castellana, pero un tanto venida a menos, sobre todo a partir de la muerte de su esposo. Hermana del marqués de Feramor, parlamentario de formación británica, decidirá invertir, contra la opinión fraterna, la parte que le corresponde de la herencia familiar en acondicionar un caserón familiar, el castillo de Pedralba, para destinarlo a refugio de pobres y enfermos. Con ello pretende satisfacer sus deseos de santidad. En la tarea va a contar con la colaboración de Beatriz, acólita de Nazarín, y de un primo descarriado, José Antonio de Urrea, que intenta dejar atrás su vida pecaminosa con la guía de Catalina (nada que ver con la relación de Viridiana con el primo Jorge que encarnaba Paco Rabal).

Hasta aquí el vínculo entre novela y película, porque en Galdós ni hay un don Jaime blasfemo y necrófilo, ni Catalina es novicia (aunque aspira a la santidad), ni llega a acoger en su “castillo” al grupo de mendigos y pícaros que poblaban el film de Buñuel.

El conflicto que se plantea es si Catalina ha de permitir que un calavera como José Antonio, aunque arrepentido, viva en la casa, cosa que genera todo tipo de habladurías y críticas en los ambientes aristocráticos de Madrid. El problema lo resuelve Nazarín, también alojado en el caserón, por intercesión de la condesa, para que recobre la cordura. Y lo hace quitándole la venda de los ojos a Catalina, haciéndole ver que en realidad lo que ha de hacer es casarse con su primo, del que en el fondo está enamorada, como él de ella, y trabajar para que la finca prospere, antes que encerrarse en una especie de clausura sacrificial. O sea, en cierto modo, que juegue al tute con su primito, y se deje de monsergas (y quizá también con Beatriz, con lo que también tendríamos triángulo a la vista).

Pero que nadie se escandalice. El tono de la obra de Galdós está muy lejos de la película de Buñuel. Se trata de un texto un tanto empalagoso, en que los personajes sueltan enormes parrafadas cada vez que abren la boca, todo bañado en un lenguaje un tanto cursi, que a mí personalmente me ha hecho la lectura pesada, plomiza. Aunque la resolución argumental introduce una cierta crítica a la caridad mal entendida y apuesta más por el progreso social gracias al trabajo, no deja de estar todo envuelto en un tono cristianizante un tanto cargante, fruto de la presencia y los consejos de Nazarín.

En definitiva, lectura solo recomendable a los completistas del universo buñueliano. Para el resto de la humanidad, mucho mejor volver a ver la película.

Belle de Jour (1928), de Joseph Kessel



Joseph Kessel (1898-1979) fue un escritor en lengua francesa nacido en Argentina, en el seno de una familia judía de origen ruso. Pasó algunos años de su infancia en el Imperio zarista para, posteriormente, estudiar en Francia, adquiriendo la nacionalidad francesa después de la I Guerra Mundial. Fue periodista (corresponsal de guerra al inicio de la II Guerra Mundial) y autor de numerosos libros, siendo elegido miembro de la Académie française en 1962.

“Belle de Jour” se publicó inicialmente por entregas despertando numerosas críticas por su contenido. Ciertamente, la historia de esa burguesita entregada al llamado “oficio más viejo del mundo” en búsqueda del placer sexual que no logra alcanzar en su aséptica vida matrimonial debió ser un auténtico escándalo para muchos lectores de la época. Hoy en día, en cambio, no creo que genere la misma reacción, salvo quizá en algunos ambientes ultraconservadores. De hecho, lo mismo se podría decir de la película de Buñuel, si no fuera porque el de Calanda eleva el resultado gracias a sus aportaciones personales.

Y es que la película, salvo por lo que respecta al final, reproduce de manera bastante fiel el contenido del libro, incluida esa breve referencia los abusos que sufrió Séverine en su infancia por parte de un fontanero (que el film se muestra en un breve plano y en el libro se cuenta en un prólogo que ocupa escasamente una página).

Con todo, ni Buñuel ni Kessel insisten demasiado en remarcar la relación causa-efecto entre ese abuso y la frigidez de la Séverine adulta (aunque en el texto se puede leer entre líneas que sigue presente en la mente de la joven). Como en la película, el matrimonio Sérizy mantiene una relación en la que falta la manifestación del deseo por parte de la mujer. Si en el film duermen en camas separadas, en la novela lo hacen en distintas habitaciones. Séverine adora a su marido, pero solo de una forma tierna y amical, dándose a entender que no obtiene ningún placer del contacto sexual con Pierre, por otra parte escaso.

Como en el film, Séverine decide incorporarse al discreto prostíbulo de Madame Anais, compartiendo el trabajo con Charlotte y Mathilde. Aunque no se habla de ningún cliente asiático que lleve consigo una cajita zumbona, ni tampoco de placeres masoquistas, sí hacen su aparición los mismos dos tipos de baja estofa: el grandullón Hyppolite y Marcel, que se obsesionará con Belle de Jour y esta con él (de manera más evidente que en la película).

En cambio, la novela carece de las ensoñaciones de Séverine, incluida esa escena dudosa en cuanto a su pertinencia a la “realidad” en que Belle de Jour presta un servicio necrófilo al duque encarnado por Georges Marchal. Aquí no hay cocheros que la azoten y la violen, aunque Séverine, al inicio de su nueva vida, tiene ciertas fantasías que apuntan al deseo de una relación brusca, sucia, que la degrade. De hecho, no parece experimentar ningún tipo de placer, llegar al orgasmo, hasta que la posee en silencio un cliente borracho, sucio, bestial, que la aplasta con su corpachón.

El relato tiene ese carácter melodramático que comentaba Buñuel en sus memorias. Séverine se debate entre su amor incondicional por Pierre, de una pureza un tanto acaramelada, y su deseo por Marcel. Por otro lado, como en el film, rechaza a Husson, que descubre su actividad secreta y decide comentarla al marido.

Ahí es donde la novela difiere considerablemente del film. Mientras que en Buñuel, Marcel decide deshacerse de su rival, es decir, de Pierre, disparándole, siendo abatido a continuación por un policía, en la novela es la propia Séverine la que incita a su amante a que impida que Husson le cuente la verdad a Pierre. Marcel se abalanza sobre el sulfurosos Husson, pero Pierre intenta defenderlo y recibe una cuchillada en la cabeza. Marcel es detenido y queda a la espera de juicio, mientras Husson renuncia a hablar con Pierre, que como en el film ha quedado inválido, aunque no ciego y es capaz de recuperar algo el habla.

Finalmente, Séverine, que acepta por amor su papel de cuidadora de por vida de Pierre, decide contarle la verdad (lo que en la película se supone que hace Husson, aunque Buñuel lo deja fuera de campo). La novela termina con una breve frase en que, tres años después, se nos dice que viven en una pequeña playa muy tranquila del Sur de Francia, pero que Pierre nunca más ha vuelto a hablar a Séverine. Final muy diferente a esa especie de recuperación milagrosa en el último momento de Pierre que muestra Buñuel, secuencia respecto a la cual, a la luz del texto, queda reforzada la impresión de que se trata de otra de las ensoñaciones de Séverine.

En definitiva, la lectura de la novela de Kessel me parece un tanto innecesaria. Entre texto y película me quedo sin duda con la obra de Buñuel, que, una vez más, como pasa con sus adaptaciones de Galdós, supera el original literario.

Curioso título inicial que propuso Buñuel (Vean, a veces me documento): "A bas Lenin, ou la Vierge á l'écurie" (Abajo Lenin, o la virgen en la Pocilga), parece de esos títulos de productos ochenteros que nos mostraba fotogramas en la sección, la mar de casposa, de VHS. Menos mal que no dejaron ese título, y el que quedó, me parece muy chispeante y elegante, aunque a último momento le añadieron el adjetivo de discreto, otra sabia elección, porque el encanto de la burguesía le hubiera faltado Punch.

Estamos delante de esos films de Buñuel con una premisa inicial tan típica en él y tan atípica para el resto de los mortales, una premisa sacada a posteriori del visionado o lectura previa sobre el film. Premisa inicial que aproveché para incluirla en el lote de pelis (unas 30) para realizar un trabajo para mi época universitaria, concretamente en la asignatura Alimentación y cultura, ya se, cogido por la tangente, pero quería verla si o si, recuerdo títulos como la grand bouffet,Tampopo, de la Salo de Passolini, entre otras....



Si bien es cierto, a veces me parece un film episódico, el cual sería el ligero vinagre que aportaré, el film funciona, es compacto por el punto unión de esta tropa de burgueses, fuera de la anarquía total de LA VIA LACTEA, que por insistencia te deja KO pronto, y te resta interés. Aquí, por lo menos en mi, no sucede, aunque el aroma episódico está. Pues si, esa premisa de no poder compartir una cena/comida, enamora a cualquiera, buena a cualquier no, no veo entusiasmado a Dawson o Chauchefan, cuestión de gustos. La primera del restaurante es chocante, en pleno velatorio casero, con esa frialdad tan típica de la burguesía del estilo "joder, pues ya nos han jodido la cena estos pobres". Aunque mi preferida es la de los militares, todo preparado para comer y zas, ataque, maniobras o lo que fuera, pero hay tiempo para la historia de mierda del soldado pero no lo hay para decir, comamos algo rápido. Por cierto, me ha parecido ver a Michel Piccoli como militar, pero no lo tengo muy claro.



La trama aparecida en varios episodios sobre la terrorista me parece también muy interesante, y no porque nos regale la bella terrorista un nudie!!!! La escena del disparo al perro de juguete, me lleva a la escena de Trainspotting haciendo lo mismo pero con uno de verdad, no nos engañemos, Danny Boyle ha visto el film de Buñuel!!!! Y esto me lleva a alabar otra vez a Fernando Rey, excepcional en el mundo de Buñuel, sin duda el number 1 para el cercano cuestionario Fletcher.

En resumen, el entusiasmo cuando vi por primera vez el film, no ha sido superado como en BELLE DE JOUR por ejemplo, pero mantiene un nivel alto, es una obra diferencial en la filmo de Buñuel y por supuesto, en el cine en general. Y vamos acabando, que lástima que se esté acabando la mejor etapa de Buñuel, que no es otra que la francesa, que por porcentaje tiene mejores pelis, ustedes pueden decir misa, pero las matemáticas, estadísticas en este caso, no son subjetivas

Piccoli hace de ministro del Interior, no de militar, al menos que este camuflado para las maniobras.

31. El fantasma de la libertad (Le fantôme de la liberté, 1974)



Según cuenta Buñuel en sus memorias, La Voie Lactée, Le charme discret de la bourgeoisie y Le fantôme de la liberté, las tres filmadas a partir de guiones originales escritos por el propio Buñuel con la colaboración de Carrière, “forman una especie de trilogía, o mejor, de tríptico, como en la Edad Media. Los mismos temas, a veces incluso las mismas frases, se encuentran presentes en las tres películas”. Y será quizá precisamente por eso que a mí, personalmente, Le fantôme de la liberté me transmite la sensación de déjà vu. A la luz de los films anteriores, me parece reiterativa en su trama narrativa, algo cansina en su desarrollo.

Si ante La Voie Lactée me siento en buena medida expulsado por la temática, y en cambio Le charme discret de la bourgeoise consigue atraparme desde el inicio, Le fantôme de la liberté tiene un comienzo potente, nada menos que con una cita expresa de “Los fusilamientos del 3 de Mayo” de Goya (recreándose el momento con el propio Buñuel como uno de los fusilados, vestido de fraile), para poco a poco ir perdiendo fuelle una vez el mecanismo narrativo ha quedado explicitado.






En esta ocasión, más incluso sin duda que en La Voie Lactée, donde al menos había dos personajes que actuaban como hilo conductor, estamos ante un film de episodios (por lo que supongo que Alex será generoso con el chorro de vinagre). Esos episodios, de duración diversa, se van encadenando a partir de un personaje, pero ninguno de ellos adquirirá el papel que tenían los peregrinos camino de Santiago en La Voie Lactée.

Prescindo de la habitual sinopsis, porque no le veo en esta ocasión sentido. Resumir la trama obligaría (como hace Agustín Sánchez Vidal en su monografía) a describir lo que sucede en el film paso a paso. El propio Buñuel reconocía las dificultades de la estructura: “La película, muy ambiciosa, difícil de escribir y de realizar, me pareció un poco frustrante. Inevitablemente, ciertos episodios predominaban sobre otros. Pero, de todos modos, sigue siendo una de las películas que mías que prefiero”.

Esa preferencia de Buñuel, como el mismo aclaraba, radicaba en el uso (o abuso, según como se mire) del azar, de lo absurdo, de lo ilógico, en el desarrollo de la trama, con momentos, como el del francotirador, que conectaban con los viejos postulados surrealistas.

Hay, sin duda, momentos para recordar: esos fusilados que gritan “Viva las caenas”, grito que se repetirá al final de la película; la irrupción de los soldados franceses en una iglesia y sus actos sacrílegos;



el corte brusco que nos transporta al París contemporáneo; el detalle de las postales “obscenas”; la larga noche en la posada, con el número sadomasoquista que protagonizan Michael Lonsdale y Anne-Marie Deschodt, en el papel de una dominatriz;



esa fugaz visión del cuerpo desnudo de una anciana transmutado en el de una joven; la “comida” sentados en un váter;



la llamada telefónica que recibe el prefecto de policía de su hermana muerta, con esa perturbadora visión de un teléfono y parte de una cabellera como salidos del ataúd, etc.

Pero junto a estos momentos hay otros que a mí personalmente me han parecido bastante pobres, como la clase con los gendarmes revoltosos; la niña que “desaparece” del colegio aunque en todo momento está a la vista de todos; lo reiterativo del francotirador, algo presente de una manera u otra en muchos de los films de Buñuel, sin ir más lejos en Le charme discret... (tema, por otra parte, repetidas veces tratado con un tono más realista en la historia del cine; apunto dos ejemplos paradigmáticos: The Sniper, magnífico film de Dmytryk, y Targets, de Peter Bogdanovich);



o, para no alargarme, la duplicidad de prefectos al final de la película (lo que permite una nueva breve aparición de Piccoli).



Una vez más Buñuel prescinde de la música extradiegética y se responsabiliza de los brillantes “effets sonores”, que estallan en una auténtica cacofonía en la secuencia final en el zoológico.

Quizá el resultado fue para Buñuel ese “film completamente libre” que quería rodar, pero personalmente prefiero los films de esta etapa francesa que parten de textos literarios, filtrados por la mirada personal del de Calada, provenga el original de Mirbeau, Kessel o Pierre Louÿs, el autor de la novela que sirvió a Buñuel para cerrar su filmografía con Cet obscur object du désir, de la que hablaremos la semana que viene, película que me gusta mucho más que Le fantôme de la liberté, como ya comentaré. Mientras tanto, ¡FELIZ AÑO 2024!

Igualmente, querido amigo.

Aunque estoy bastante retrasado (como es habitual en mí) intentaré ponerme en breve con los comentarios de LA VÍA LÁCTEA (este será un visto y no visto) y TRISTANA (para mí, la mejor cinta del turolense en este tramo final de su filmografía).

Este año me temo que pasaré tanto la Nochevieja como el Año Nuevo en casa porque todavía estoy lejos de haberme recuperado y además mi ama está muy delicada de salud.

En fin, otro año será...

Curiosamente el efecto que piensas en mi, compañero Mad, sobre la estructura episódica, no ha sido esta vez de semi indignación como en LA VIA LACTEA, sino como sumisión, ya que leo la sinopsis en FA y tengo claro lo que me voy a encontrar, y al no tener ninguna relación entre ellos, los sketches, pues asumo que estoy viendo una especie de MOnty Python Flying Circus (seguro que estos locos se inspiraron con el film de Buñuel para sus locuras), pero evidentemente esta estructura está muy lejos de lo que yo busco, pero lejos de verdad, no como el 8,5 de Dawson diciendo que el film está muy lejos del excelente. Aceptando lo susodicho, estoy de acuerdo con lo que pensaba Buñuel, hay unos episodios que destacan más que otros, pero tampoco he perdido el tiempo haciendo una TOP mental de cuales han sido mejores y peores, me he sentado en el espectacular sillon de IKEA, seguramente la mejor compra que he hecho en lo que respecta a mobiliario, y he ido contemplando los cortometrajes, porque al final, he tenido la sensación de estar viendo un BOCCACCIO 70:

Desacertadísimo me parece el episodio del francotirador, además a día de hoy y estando de rabiosa actualidad, aún me resulta más molesto, una persona con una arma, matando a diestro y siniestro sin tener un objetivo concreto, simplemente por azar y elección sin reflexionar, pues eso pan de cada día, lamentablemente. Eso si, la resolución del sketches, es como mínimo chocante e impactante, me refiero al juicio, saliendo como un rock star y celebrando la condena a muerte.

Me parece simpático por absurdo, el episodio del secuestro de la niña, estando la niña presente en todo momento, sencillamente estúpido pero la mar de simpático. También su resolución me ha hecho sonreír algo.

Un sketch con Monica Vitti siempre será bien recibido. No faltan tampoco los momentos de animales curiosos rondado por las habitaciones.

En fin, uno se puedo extender con los sketches, pero no vale la pena analizar o más bien interpretar dicha locura, no porque no quiera, bueno tampoco me apetece mucho, sino porque no me llega. No me llega a exasperar y a desconectar como la VIA LACTEA, pero está muy lejos -de verdad - de sus obras top, que está claro que el gozaba mucho con estos films tan surrealistas y absurdos, pero a mi dame una BELLE DE JOUR y dejame estas cucamonas en el cajón.

simpatiquísimo sketch.

Iniciado por Alex Fletcher

Desacertadísimo me parece el episodio del francotirador, además a día de hoy y estando de rabiosa actualidad, aún me resulta más molesto, una persona con una arma, matando a diestro y siniestro sin tener un objetivo concreto, simplemente por azar y elección sin reflexionar, pues eso pan de cada día, lamentablemente. Eso si, la resolución del sketches, es como mínimo chocante e impactante, me refiero al juicio, saliendo como un rock star y celebrando la condena a muerte.

Este, precisamente, es uno de los episodios que más encajan con los postulados del surrealismo inicial. El propio Buñuel cita en sus memorias una frase de André Breton: "El gesto surrealista más simple consiste en salir a la calle revólver en mano y disparar al azar contra la gente". Y añade: " Por lo que a mí respecta, no olvido haber escrito que Un chien andalou no era sino un llamamiento al asesinato".

Respecto a la influencia de Buñuel en el Flying Circus de los Monthy Python, recordemos que su serie televisiva empieza en 1969, o sea, años antes de la película de Buñuel (de esta, claro que ya había bastantes ejemplos anteriores). De todas formas, es más que probable que conocieran y admiraran el cine de Buñuel más surrealista o absurdo.

A las filmos volveré despues de las fiestas,a mi aire para variar

32. Ese oscuro objeto del deseo (Cet obscur object du désir, 1977)



Bueno, “completely different” del todo no, puesto que, en definitiva, seguimos en el universo Buñuel, con su poquito de surrealismo y de absurdo. Pero esta vez “domesticado”, si queremos decirlo así, por el hecho de estar basada en una famosa novela de Pierre Louÿs de 1898, que no he leído, cosa que intentaré remediar próximamente, de lo cual ya os daré cuenta en este hilo, que esto de Buñuel no se acaba fácilmente. Quizá es por eso, por ser una película que no surge de la imaginación del director, que Buñuel le dedica poco espacio en sus memorias, en las que aclara que si la hizo fue por la insistencia del productor: “Después de El fantasma de la libertad [...] pensé en retirarme definitivamente. Fue necesaria toda la obstinación de mis amigos, y principalmente de Silberman, para ponerme a trabajar de nuevo”. Puedo que Buñuel no la sintiera tan suya como esa trilogía que él mismo identificaba, la que forman La Voie Lactée, Le charme discret de la bourgeoisie y Le fantôme de la liberté, pero en ningún caso justifica en mi opinión el poco aprecio que parece tener por ella Agustín Sánchez Vidal en la monografía de Cátedra que he citado en numerosas ocasiones a lo largo de esta revisión: “No está muy clara la oportunidad de este filme que rompe la perfecta trilogía precedente...”, como si “romper la perfecta trilogía”, en el supuesto de que se pueda hablar de ello, no sería precisamente de lo más oportunamente buñueliano. Incluso llega decir que la película “supone un apéndice poco deseado que nada añade a su trayectoria como creador” [sic]. Sin comentarios.

Sea como sea, Cet obscur object du désir es un magnífico canto de cisne del de Calanda (en mi opinión más satisfactoria que al menos dos de la películas de esa trilogía). Aunque al parecer todavía trabajo en algún guion, con casi ochenta años ya no volvería a ponerse detrás de la cámara, muriendo en 1983 en Ciudad de México.

Como ya la comenté hace un tiempo en el OR, empiezo por autocitarme:

Iniciado por mad dog earle

Se trata de una adaptación muy buñueliana (que firma el guion junto a su habitual colaborador, Jean-Claude Carrière) de la célebre novela de Pierre Louÿs “La femme et le pantin”, que ya fue llevada al cine con anterioridad varias veces, entre otros por Josef von Sternberg con Marlene Dietrich en El diablo es una mujer, o por Julien Duvivier con Brigitte Bardot en La femme et le pantin. No he leído la novela (y no he visto la versión de Duvivier), con lo que no sé cuál de las dos adaptaciones, la de Buñuel y la de Sternberg, es más fiel, pero hay que decir que se parecen como un huevo a una castaña.

La de Buñuel nos cuenta la historia del enamoramiento de un maduro y atildado caballero, Mathieu (Fernando Rey, perfecto para el papel), por una joven de origen andaluz, Conchita (interpretada por dos actrices tan distintas como son Carole Bouquet y Ángela Molina). Cuando Mathieu se encuentra en la estación de Sevilla en el interior de un tren con destino a París aparece una joven con aspecto de maltratada (Conchita, con la cara de Bouquet) que le increpa por haberla dejado. Mathieu le lanza un cubo de agua por encima, para después contar a sus compañeros de compartimento el porqué de la extraña acción. Eso da pie a un largo flash back que ocupa casi todo el metraje. Buñuel parece que utilice a una u otra actriz en función del clima de excitación sexual de la secuencia, como si Bouquet se transformara en Molina según el nivel del deseo de Mathieu. En el fondo, Mathieu será ese pelele (“pantin”) del título de la novela, un muñeco en manos de una mujer pobre, caprichosa y voluble, que parece solo interesada en sacar el máximo beneficio de ese viejo verde rico que se ha prendado de ella. La narración, además del juego de actrices, está trufada de detalles buñuelescos, como esos atentados terroristas que se suceden a lo largo del metraje, con la coda final en París, o ese saco que acarrea en un momento dado Mathieu, o ciertos detalles de erotismo malsano (esa faja con la que se cubre Conchita). También introduce una imagen cara a Buñuel: la de la encajera que nos recuerda el cuadro de Vermeer. Último film del de Calanda, demuestra que Buñuel en su madurez seguía en forma (aunque con los años tiendo a preferir su etapa mexicana).

Completo el comentario con algunos añadidos. Por un lado, una aclaración sobre la doble interpretación del papel de Conchita. Cuenta Buñuel que el productor quería a Brigitte Bardot en el papel femenino y a ¡Cary Grant como Mathieu! (¿cierto? Más bien parece una boutade, teniendo en cuenta que Grant llevaba retirado del cine desde 1966; Buñuel dice que él quería a Vittorio de Sica... Afortunadamente el papel recayó en un inmenso Fernando Rey). “Naturalmente, lo mande a paseo”, parece que fue la reacción del director ante la petición del productor. Al final, la actriz elegida fue Maria Schneider, en la cresta de la ola (por breve tiempo) a raíz de su papel en Last Tango in Paris. Pero hubo problemas con ella (nunca he sabido exactamente cuáles, no sé si de caché o por problemas de salud; en imdb se apunta en la voz de Carrière a un problema de consumo de drogas) cuando todo estaba a punto para el rodaje, resolviéndose el problema con una genialidad marca de la casa: dar el mismo papel a dos actrices (a cuál mejor), además muy diferentes entre sí, la sofisticada actriz francesa Carole Bouquet y la carnal española Ángela Molina, lo cual, obviamente, provoca una cierta extrañeza lingüística, puesto que Conchita es una inmigrante andaluza que ni en la voz de Bouquet ni en la de Molina tiene el más mínimo acento. Según la Wikipédia, en ambos casos la voz corresponde a Florence Giorgetti. También se dice que Rey estuvo doblado por Michel Piccoli... lo cual, sinceramente, me ha sorprendido (siempre había pensado que era la voz del propio Rey). En todo caso, tanto Rey como Molina también están doblados en la versión en castellano.

Entrando en lo que nos ofrece la película, acepto que la estructura es de lo más convencional: Mathieu nos cuenta toda su peculiar historia amorosa con Conchita por medio de un larguísimo flashback que ocupa la casi totalidad del film. La gracia está en el abigarrado grupo de oyentes (entre los cuales hay un enano, lo cual parece obedecer a ese gusto de Buñuel por lo perturbador).



Por otro lado, son frecuentes las irrupciones de lo absurdo o del símbolo surrealista. Claramente, en forma de cubo de agua, uno lanzado por él sobre ella/Bouquet;



el otro, a la inversa, derramado por ella/Molina sobre él.



Además, hasta cinco veces llegué a ver “en acción” el famoso saco: dos veces cargado por un hombre anónimo; otras dos con Mathieu (una de las veces decide dejarlo en casa)



y, finalmente, una quinta vez en la tienda de la secuencia final en el pasaje Juffroy.

Por supuesto, los detalles sexuales son particularmente inolvidables: esa fea prenda interior que aprisiona “el oscuro objeto del deseo” de Conchita/Bouquet,



o el desbordante baile flamenco de una Conchita/Molina desnuda ante los turistas (aquí a Alex le habrá caído la baba).



Y, claro está, las constantes alusiones al terrorismo, empezando por la explosión del vehículo en Sevilla (¿es Buñuel la víctima del atentado?, algunas fuentes lo identifican como tal, a mí me ha quedado la duda) ... que en estas fechas me ha hecho recordar el atentado contra Carrero Blanco de 1973, para acabar con el que cierra el film en el pasaje Juffroy. Respecto a esa obsesión por los atentados, Buñuel recuerda que en San Francisco sufrió uno el cine donde se proyectó la película, ante lo que concluye socarrón: “De forma general, ... a los homosexuales no les gustó esta película. Nunca comprenderé por qué”.

Es en ese pasaje Juffroy (en un hotel del cual, según Buñuel, lo concibieron sus padres en su luna de miel) donde Buñuel introduce otro de sus signos de identidad: la mujer que repara un roto en un bordado ensangrentado, a la vez enésima referencia a Vermeer y apunte sexual a la virginidad perdida de Conchita (que era una “mocita” ... ¿o es a la de la madre?), todo al son de la wagneriana “Die Walküre” (virgen legendaria, apelativo que también recibía el personaje de Silvia Pinal en El ángel exterminador).



En fin, hay multitud de detalles que enraízan este último film de Buñuel con el conjunto de su filmografía, incluidas sus dos primeras obras claramente surrealistas, en una muestra de coherencia total. A mí me parece un magnífico colofón de su carrera y de esta revisión... Aunque, manténganse atentos a esta pantalla. Hay más.

A propósito de Buñuel (2000), de José Luis López-Linares y Javier Royo



Y, para empezar los bonus, el documental de López Linares y Rioyo, que ya cité en el post inaugural de esta revisión, un magnífico compendio de la vida y obra de Luis Buñuel. Se pasa revista a la infancia en Aragón, su época en la Residencia de Estudiantes madrileña, su amistad con Lorca, Dalí y Pepín Bello (que aparece ante la cámara recordando los viejos tiempos), sus correrías por Toledo, y el posterior viaje a París.



Luego, se va siguiendo su trayectoria paso a paso: el aterrizaje en la capital francesa, con la vinculación con los surrealistas, y sus primeros y rompedores films, en colaboración con Dalí; su documental sobre Las Hurdes; la etapa de Filmófono, durante la II República; el exilio, primero de nuevo en París, luego en Estados Unidos y, finalmente, en México; la larga carrera dentro de la industria mexicana (con el testimonio, entre otros, de Roberto Cobo, el Jaibo de Los olvidados, Ernesto Alonso, el Archibaldo de la Cruz de Ensayo de un crimen; y por supuesto de Silvia Pinal); su regreso a España, con Viridiana (su productor, Pere Portabella, cuenta jugosas anécdotas) y después Tristana, y su larga y exitosa etapa final en Francia. De esta última etapa hablan el inseparable Jean-Claude Carrière, el productor y amigo Serge Silberman, y, brevemente, Stéphane Audran, Jean Rochefort, Jean-Pierre Cassel, Carole Bouquet o Ángela Molina, entre otros.

Junto a estas voces que recrean el Buñuel director, pero también su faceta más mundana, también se recogen los testimonios de sus hijos, Juan Luis y Rafael, su mujer, Jeanne (fallecida en 1994), o algunos amigos, entre los cuales, por supuesto, Paco Rabal o su paisano aragonés Carlos Saura, amén de dos curas, el padre Mindán y el padre Julián Pablo. Completa el amplio reparto convocado José Sancho, que pone voz a Buñuel en la lectura en off de algunos fragmentos de sus memorias.

Una excelente forma de introducirse en el universo buñueliano o, para los conocedores de la obra del de Calanda, una amena manera de recordar su trayectoria. El guion, escrito por un especialista en Buñuel, Agustín Sánchez Vidal (del que he citado en más de una ocasión la monografía de Cátedra que dedicó al director aragonés), acierta a comprimir en algo más de hora y media, una gran cantidad de información, ilustrada con numerosos fragmentos de sus películas. Mérito también del trabajo de López-Linares y Rioyo (y de su montador, Fidel Collados), autores de otro excelente documental, Asaltar los cielos, que recomiendo encarecidamente, dedicado al asesinato de Trotski, cometido por el barcelonés Ramon Mercader, pedazo de historia que también nos conecta con México.

Añado también el breve comentario que dediqué hace más de cinco años (¡cómo pasa el tiempo!) en el OR a uno de los guiones de Buñuel y Carrière que el aragonés no consiguió llevar a la pantalla: el de la adaptación de la novela "The Monk" (1796) del británico Matthew G. Lewis, obra muy del gusto de los surrealistas.

El monje (Le moine, 1972), de Ado Kyrou

Iniciado por mad dog earle

La otra es El monje, de Ado Kyrou, adaptación de la célebre novela gótica del mismo título de Matthew Lewis. Pero el detalle más atractivo para cinéfilos es que Kyrou parte del guion escrito por Luis Buñuel y Jean-Claude Carrière, proyecto que acarició toda su vida el de Calanda y nunca pudo llevar a buen puerto. Es evidente que uno no puede dejar de ver el film sin pensar qué hubiera hecho Buñuel. El tema se presta a las constantes del aragonés: un monje tenido casi por santo, Ambrosio (un Franco Nero un tanto despistado), modelo de pureza, cae seducido por una mujer (Nathalie Delon) que se introduce en el monasterio como novicio y que mediante un pacto diabólico lo arrastre en una espiral de depravación, que tiene su punto culminante en el crimen y en el intento de violación de una menor que lo tiene obsesionado.



Al final, Ambrosio, juzgado por la Inquisición, se salva de la condena pactando él mismo con el diablo. La última secuencia, en un giro totalmente buñuelesco (que me ha recordado el final de L’âge d’or, cuando unos torturadores sadianos abandonan su refugio y uno de ellos recuerda el aspecto de Jesucristo),



nos muestra la plaza de San Pedro en la actualidad, llena de gente que aclama al Papa... que es Ambrosio.

Hoy me pondré con la lectura de vuestros comentarios dado el tiempo invernal que hace por aquí y creo que por allí y que además dan por finiquitado el hilo. Me gustaría haber podido participar más pero las circunstancias lo han impedido. De todas formas y como ya he dicho en más de una ocasión, en líneas generales, la etapa francesa del turolense me parece mucho menos interesante que la mexicana y eso a pesar de contar con más medios y, seguramente, mejores actores. Para mí la última obra maestra de Buñuel es SIMÓN DEL DESIERTO.

32. Ese oscuro objeto del deseo (Cet obscur object du désir, 1977)

Me ha gustado.F Rey extraordinario
Esa que habeis puesto de EL MONJE la recuerdo floja y la revision con V Casell idem.

Iniciado por hannaben

Esa que habeis puesto de EL MONJE la recuerdo floja y la revision con V Casell idem.

Lamentablemente, no podemos esperar una versión dirigida por Buñuel. A mí tampoco me acabaron de gustar ni la versión de Kyrou ni la de Dominik Moll, aunque puestos a elegir prefiero esta última, sobre todo por la composición del personaje que hace Cassel.

Iniciado por mad dog earle

Lamentablemente, no podemos esperar una versión dirigida por Buñuel. A mí tampoco me acabaron de gustar ni la versión de Kyrou ni la de Dominik Moll, aunque puestos a elegir prefiero esta última, sobre todo por la composición del personaje que hace Cassel

La puesta en escena era chula,procesiones incluidas.

Se cierra la mejor etapa de Buñuel, o sea la francesa , y el ciclo de éste, manteniendo un listón alto, si bien es cierto no estaría en mi top, pero estará arriba. Primero y por alusiones -sexuales-, me sorprende la cantidad de nudies que tiene el film, siempre agradecidos, pero a veces tenía la sensación de estar viendo a Lina Romay, donde en el guión le ponía, cuando se tenía que vestir. A parte de los nudies, la temática sexual es el motor de este, ese tira y afloja, que "te puedo abrazar, besar, pero no me puedes tener", repitiéndose una y otra vez en diferentes estados, situaciones y actrices. No voy a negar que me deja fascinado el uso de dos actrices tan diferentes para interpretar a la misma persona, que entiendo, que interpretan a diferentes estados de calentamiento, siendo la Molina más fogosa que la Bouquet, aunque ambas predispuestas a mostrar; esa escena donde Fernando Rey acepta la derrota de otra noche sin culminar, y le dice que hay otras cosas que puede hacer sin llegar a consumir, supongo que se refería a una felación, la Bouquet indignadísima, bueno le dura veinte segundos.



El film se basa en un quiero y no no puedo, sino, no me dejan, y aunque a veces es algo reiterativo, no se acaba de hacer pesado. Pobre Fernando Rey, cuando sufrimiento con esas dos, bueno una. Y evidentemente Fernando Rey vuelve a estar magistral, es perfecto para ese papel de Gentleman de dia, perverso de noche, que tanto hemos visto, ese prototipo de viejo sin aparentar verde pero que lo es. El film no es para nada coral, como en otras ocasiones, se podía decir que es cosa de tres con personajes muy secundarios que casi pasaban por allí, las dos actrices están también a la altura, la Bouquet, creo que debuta en el film -después fue chica Bond-, logra un contrapunto perfecto con Ángela Molina, que sin llegar a debutar, se le nota con algo más de tablas, o simplemente el personaje es propicio para ella.

Y después tenemos los elementos de siempre, donde destaco por reiteración, ese afán por mostrar en su última y mejor etapa , una relación muy cercana a la temática terrorista. En fin hora de cenar, y de buscar el cuestionario Fletcher, llegamos a su fin, el resumen y valoración para después.

¿Me equivoco o consideras esta última su mejor etapa?

Iniciado por mad dog earle

¿Me equivoco o consideras esta última su mejor etapa?

Sólo lo he dicho una vez verdad?

Plantilla cuestionario final Buñuel:

Mejor peli:
Menos buena (peor) peli:
Mejor primer visionado:
Peor primer visionado:
Mejora con el segundo visionado:
Empeora con el segundo visionado:
Una sorpresa:
Una decepcion:
Mejor chica Buñuel:
Mejor chico Buñuel:
Peor chica Buñuel:
Peor chico Buñuel:
A todo el mundo le gusta salvo a mi:
A todo el mundo no le gusta excepto a mi:
Mejor escena:
Peor escena:

https://64.media.tumblr.com/d36019cf...99ab10f60a.jpg

Poco después de subir a un tren en Sevilla, un anciano respetable vierte un cubo de agua sobre una joven que se encuentra en el andén. Para justificar este acto ante sus compañeros de viaje, el hombre, Mathieu, cuenta cómo llegó a enamorarse de la mujer, Conchita, y con qué crueldad ella lo trató a cambio de todas las amabilidades que él le mostró. Fue mientras Conchita trabajaba para él como empleada doméstica en París cuando Mathieu se sintió atraído por ella por primera vez. Pero al notar el interés de su patrón por ella, Conchita se fue sin decir palabra y volvió a vivir con su madre. Después de un encuentro casual en un parque, Mathieu comienza a visitar a Conchita con frecuencia, dándole dinero para que no tenga que realizar trabajos humillantes. Al final, Mathieu decide casarse con Conchita, pero ella se niega y regresa a España con su madre. Mathieu está disfrutando de unas vacaciones en Sevilla cuando, una vez más, se topa con la mujer que lo ha hechizado. Ahora, superado por la lujuria, está decidido a poseerla, pero ella permanece siempre fuera de su alcance, burlándose de él mientras desperdicia su riqueza en un intento inútil de comprar su amor..

Buñuel no sólo concluye su irrepetible carrera cinematográfica sino que también nos ofrece un buen resumen de su impronta. Una película que tiene mucho más de lo que parece a primera vista (infinidad de detalles que omitiré en el comentario,imposible de enumerar todos los guiños) y que puede disfrutarse como una comedia irónica y como algo más profundo: una exploración del deseo e incapacidad de alcanzarlo. Una vez más, el personaje central es un miembro respetable de la burguesía que se deja atrapar en una pesadilla en la que su deseo de acostarse con una joven se ve infinitamente frustrado, con un gran efecto tragicómico y patético.


Cuarta adaptación cinematográfica de la novela de Louÿs LA FEMME ET LE PANTIN.

https://www.telerama.fr/cinema/la-fe...ns-6989894.php
Lo que más preocupó a Buñuel cuando la película comenzó a producirse fue cómo podía captar las múltiples facetas del personaje de Conchita.
Originalmente, M Schneider fue elegida para interpretar el papel, pero el director pronto se dio cuenta de que la cosa no funcionaba.

Convenció a su productor Silberman de que la película podría funcionar si Conchita fuera interpretada no por una sino por dos actrices muy diferentes. C Bouquet y A Molina. Fue una decisión audaz pero inspirada tenerlas interpretando el mismo personaje en escenas alternas (y a veces en la misma ). La distante y felina Bouquet retrata a Conchita como una manipuladora bella y elegante, mientras que Molina, más abiertamente sensual, la hace más terrenal.


La mayor parte del visionado es subjetivo contado en flashback por el personaje principal. Mathieu no sólo está contando su historia, sino que también se entrega a un punto de autoanálisis freudiano, distorsionando la realidad en un intento de racionalizar sus experiencias. Otro elemento extravagante es el caos terrorista que tiene lugar constantemente de fondo. Los personajes parecen extrañamente desconectados del asesinato y el caos que ocurre a su alrededor...como si se fuera aceptado y cotidiano. El propio Buñuel estaba preocupado por el aumento de la violencia a mediados de los 70.

La aparente falta de preocupación de Mathieu por el caos y la matanza que lo rodea puede deberse simplemente a que está demasiado absorto en sus propios asuntos, totalmente obsesionado con la mujer que está decidido a poseer, o podría ser una burla buñueliana a los intereses egoístas de la burguesía, una clase que se ha distanciado tanto del mundo real que no ve cómo todo se está desmoronando.


En Mathieu resulta tentador ver algo así como un autorretrato de Buñuel. En el transcurso de la película, el personaje queda visiblemente agotado como resultado de sus intentos de apoderarse de Conchita. El personaje (admirablemente interpretado por el actor favorito de Buñuel, F Rey) fácilmente podría interpretarse como la representación del artista que lucha desesperadamente por capturar la perfección que está más allá de su alcance y, sin embargo, tan tentadora al alcance de la mano.

La cinta no fue un gran éxito comercial, pero encontró el favor de la crítica y fue nominada a dos premios Oscar, en las categorías de Mejor película en lengua extranjera y guión adaptado. Hoy se considera uno de los mejores logros de Buñuel, un enigmático estudio sobre el deseo que parece la conclusión perfecta para una de las mejores carreras cinematográficas. Un final con un estallido todopoderoso: un rayo surrealista mientras una mujer repara en silencio una prenda de encaje manchada de sangre en un escaparate, observada por los dos protagonistas principales, cuyas palabras ya no podemos oír.
A destacar la belleza y clase de la Bouquet y la absoluta sensualidad y fuerza de Angela,en el elenco destacan el criado y la cobaboracion de la gran M Asquerino,así como el grupo de compañeros de viaje en el que está esa Esmeralda de mi querida SANGRE PARA DRACULA,M Vukotic.


8/10

Iniciado por Alex Fletcher

Sólo lo he dicho una vez verdad?

Pues la francesa ya puede ser buena,porque teniendo LOS OLVIDADOS,EL,NAZARIN,EL ANGEL EXTERMINADOR,SIMON DEL DESIERTO...
VIRIDIANA y TRISTANA son españolas?¿
Tela de la buena