Tema: Revisitando a Ingmar Bergman

Llueve sobre nuestro amor

Del hype de KRIS me viene un leve bajón con éste film, no entro en el film, sobretodo debido a lo que dice Alcaudón, a mi tampoco me gusta ver pelis por youtube, pero como dice Mad, a veces no queda de otra si uno hace una revisión completa de un director. Es una película correcta, con momentos interesantes, pero todavía lejos de la intensidad y profundidad que alcanzaría más tarde en títulos como El séptimo sello o Fresas salvajes, de los pocos que he visto por cierto. Lo historia funciona si, muy italiana como se dice, tiene una base muy humana con destellos de sensibilidad en los diálogos íntimos y cierta ternura en la forma de retratar a los protagonistas.

Sin embargo, la película puede sentirse plana. El conflicto no siempre adquiere el peso dramático que promete y el desarrollo es algo irregular.La parte del juicio, en particular, tiende a volverse estática y discursiva, y porque no decirlo, parecía una moda de esos años quizás. Dramáticamente debería ser el clímax moral de la historia, pero el ritmo decae y el impacto emocional se diluye. Se siente más como una escena funcional que como un momento verdaderamente intenso, Y lo peor como he dicho al principio, la calidad visual deja mucho que desear pero no es culpa del film y de Bergman


En resumen, es una obra interesante a secas dentro de la filmografía de Bergman, pero no es de las que entusiasman fácilmente o por lo menos a mi.

Iniciado por Alex Fletcher

Del hype de KRIS me viene un leve bajón con éste film, no entro en el film, sobretodo debido a lo que dice Alcaudón, a mi tampoco me gusta ver pelis por youtube, pero como dice Mad, a veces no queda de otra si uno hace una revisión completa de un director.

¡Qué mal acostumbrados estáis los cinéfilos jóvenes! En mi juventud te dabas con un canto en los dientes si conseguías ver uno de los innumerables films que soñabas con visionar aunque fuera en una mala copia doblada en la Filmoteca, llena de cortes y con el color degradado, o en algún canal televisivo (fundamentalmente la 2), aunque no respertara el formato y se viera como el culo. Ahora, si no es un 4K, parece que nada es visible.

No lo dije?, el dvd de Crisis es mas que satisfactorio

03. Barco a la India (Skepp till Indialand, 1947)



Comentario anterior.

También en este caso he tenido que recurrir a la añeja edición en DVD de Manga, de calidad irregular: hay momentos notables en que luce bien el contrastado blanco y negro (firmado por Göran Strindberg) y otros, especialmente exteriores, en los que la imagen es menos satisfactoria. Con todo, se puede ver sin sobresaltos. Quizá lo peor sea la banda sonora, con mucho “huevo friéndose”.

Por lo que respecta a la película en sí, me reafirmo en todo lo dicho hace años. Destacaría el radical recurso al flashback, que se extiende a casi la totalidad del metraje, y un trabajo notable, cuidadoso en muchos momentos, en el uso de las luces y sombras. El ambiente de la habitación donde se refugia el padre, el capitán Blom (excelente Holger Löwenadler) es magnífico, exótico y por momentos sobrecogedor.



La violencia está muy presente: las peleas en las que se implica Blom; las bofetadas entre padre e hijo; la agresión sexual del hijo, Johannes (de nuevo Birger Malmsten), a la joven artista de variedades, Sally (Gertrud Fridh);



el intento de asesinato cuando Johannes desciende con la escafandra; el suicidio fallido del padre, previa destrucción de su habitación-refugio…

Como ya destaqué en su momento, a Bergman siempre le atrajo moverse en el mundo del espectáculo, aquí una feria de atracciones y un teatro de variedades de mala muerte.



Hay, ¡cómo no!, el recurso a los espejos, y un momento particularmente brillante: la escapada de la joven pareja (otra vez el sesgo generacional) al molino.



Aunque seguimos todavía lejos del mejor Bergman, Barco a la India me parece un film superior al anterior, lo que muestra un progreso que se irá consolidando, aunque su siguiente film, Música en la oscuridad, cae en exceso en lo melodramático.

Película curiosa e interesante Barco a la India, en que Bergman realiza un uso notable del flashback para poner en perspectiva un triángulo amoroso en este melodrama romántico que funciona medianamente bien. Se sigue vislumbrando al Futuro Bergman en hallazgos técnicos y claves temáticas y la psicología de los personajes, uno de sus fuertes, esta especialmente bien trazada en ese complejo , alcoholizado y taimado capitán de barco. Para mí, bastante satisfactoria.

BARCO A LA INDIA

De vuelta al formato youtube, es lo que hay, este tercer film de Bergman es una historia que gira en torno a un capitán de barco envejecido y autoritario (Alexander), su hijo Johannes —tímido y resentido— y la irrupción de una mujer, Sally, que altera el equilibrio enfermizo entre ambos, y el papel del mar lejos de ser aventura, es metáfora de encierro y destino fatal.

Destaco sobretodo el papel de los actores principales Holger Löwenadler (Alexander) Imponente y cruel, construye un padre tiránico lleno de inseguridad. Su presencia física y su mirada transmiten una violencia contenida . Birger Malmsten (Johannes)
aporta vulnerabilidad y tormento interior. Y la mejor Gertrud Fridh (Sally): Ambigua y sensual, es la catalizador del drama. Su presencia introduce deseo y celos en un universo ya emocionalmente asfixiante.

En escenas concretas del film, destaco esa estética gótica alemana, para nada de cara a la galería, no se si es continuo es su cine, pero me sorprendió verlo, claro aunque no es una película expresionista en sentido estricto, sí hay escenas que evocan el cine mudo alemán de los años 20, especialmente en su iluminación en escenas concretas, sumado a esa atmósfera opresiva donde los espacios son un personaje más, y esa teatralidad en la interpretación.

El vinagre, a parte del formato en que la he visto, como he dicho, es lo que hay, su ritmo, a diferencia de KRIS, si que lo encuentro mejorable, hay momentos de clímax potente con transiciones más alargadas como contrapunto, pero nada grave.

Flojo debut de Bergman basándose en la obra danesa Moderhjertet de Leck Fischer.
«Que comience la obra. No la consideraría una historia grandiosa ni desgarradora. En realidad, es un drama cotidiano. Casi una comedia».

Jenny visita el pueblo donde su hija de 18 años, Nelly, ha residido toda su vida bajo el cuidado de su madre adoptiva, Ingeborg. Jenny, por primera vez, siente que es hora de recuperar a su hija biológica. Esto, por supuesto, le sienta como un tiro a Ingeborg, quien en un momento espeta que Nelly debería estar con su "verdadera" madre y "¡no solo con alguien que la parió!". Interpretado con ganas por la actriz Dagny Lind, se vislumbra el futuro interés de Ingmar en la mujer,más adelante Ingeborg establece una dura yuxtaposición entre sexos.

"El se quedó con el dinero y la diversión. Ella con los niños y la desgracia"




Los personajes giran en gran medida en torno a Nelly. Junto a las madres tenemos a Ulf, un hombre modesto que vive en una habitación de la casa de Ingeborg, y Jack, actor fracasado que
al conocer a Nelly,pierde todo interés por Jenny. En una de las mejores por no decir la mejor escena, Ulf persigue a Jack hasta que este se ve obligado a saltar al agua desde un muelle. No la cortejará como Jack, pero enclenque no es.

En fin...

El conflicto entre Ingeborg y Jenny tiene su puntito…habria que ver cómo el director hubiera abordado el tema años después.
El giro absolutamente tragico patinaaa,lo estás viendo y como que esto ahora??¿¿
Se atisban las mejores intenciones?¿ y poco más...

El desenlace de vuelta al pueblito da mal rollo,con lo que ya ha pasado..



Combo:
5.8/10

Iniciado por Alex Fletcher

En escenas concretas del film, destaco esa estética gótica alemana, para nada de cara a la galería, no se si es continuo es su cine, pero me sorprendió verlo, claro aunque no es una película expresionista en sentido estricto, sí hay escenas que evocan el cine mudo alemán de los años 20, especialmente en su iluminación en escenas concretas, sumado a esa atmósfera opresiva donde los espacios son un personaje más, y esa teatralidad en la interpretación.

No sé si la llamaría "estética gótica alemana", pero está claro que Bergman bebe del cine clásico alemán, pero también del mismo cine clásico sueco, por ejemplo de Victor Sjöström. Si por "película expresionista" (término dudoso donde los haya) te refieres a darle una gran importancia al juego de luces y sombras, y a un cierto gusto por imágenes un poco distorsionadas o extrañas, desde luego hay mucho de eso en el cine de Bergman, sobre todo a partir del trabajo de Gunnar Fischer como director de fotografía, cuya primera aparición será en Ciudad portuaria, aunque también se aprecia en el trabajo tras la cámara de Göran Strindberg.

Iniciado por hannaben

Flojo debut de Bergman basándose en la obra danesa Moderhjertet de Leck Fischer.

A ver, "flojo" no me lo parece. Por supuesto, dentro de una valoración global de la obra de Bergman, uno de los más grandes, Crisis no destaca, pero teniendo en cuenta que, como dices, es su debut, que es un director joven y de una cinematografía con una brillante tradición, pero muy venida a menos, sobre todo comparada con los estándares hollywoodienses, a mí me parece un film más que digno y disfrutable, con algunas secuencias realmente buenas, aunque el tono final resulta un tanto acomodaticio y demasiado moralista (algo poco o nada habitual en Bergman).

Iniciado por mad dog earle

A ver, "flojo" no me lo parece. Por supuesto, dentro de una valoración global de la obra de Bergman, uno de los más grandes, Crisis no destaca, pero teniendo en cuenta que, como dices, es su debut, que es un director joven y de una cinematografía con una brillante tradición, pero muy venida a menos, sobre todo comparada con los estándares hollywoodienses, a mí me parece un film más que digno y disfrutable, con algunas secuencias realmente buenas, aunque el tono final resulta un tanto acomodaticio y demasiado moralista (algo poco o nada habitual en Bergman).

Discrepo querido mad,no comparo con otras cinematografías y sabeis que me gusta explorar fuera de estándares. Y cada vez más.

Me ha aburrido...floja,torpe e insulsa.
Pues sí que os ha convencido,qué bien.He mirado cositas en el set y qué atractivo el señor Bergman.

Pues sí, discrepamos, pero ahí está la gracia. Con todo, desde luego no estaría ya no entre las 10 primeras, sino no siquiera entre las 30 primeras.

Por cierto, si vas siguiendo la rerevisión, a ver si te das cuenta del cameo de Bergman en Barco a la India.

04. Música en la oscuridad (Musik i mörker, 1948)



Comentario anterior.

Nada que añadir a lo comentado hace casi once años. Me sigue pareciendo un film convencional, de los más intrascendentes de Bergman. Un melodrama que recurre a elementos típicos del género, mucho mejor tratados en otras películas de la época. Lo peculiar, debido probablemente al papel de país neutral de Suecia durante la Segunda Guerra Mundial, es que el protagonista, Bengt (una vez más interpretado por Birger Malmsten), se queda ciego, no a causa de la guerra, como hubiera sido de esperar en otra cinematografía, sino por un accidente estúpido ocurrido en un campo de tiro militar. Así, aunque no se da durante un conflicto bélico, la herida que le provoca la ceguera también es el resultado de las armas. La inclusión del perrito como desencadenante de la desgracia me parece un recurso demasiado fácil y sentimentaloide (algo muy poco habitual en Bergman).



El director introduce a continuación unas imágenes de filiación surrealista, onírica, para ilustrar la lucha con la muerte de Bengt. El uso de este tipo de visiones será otro de los componentes habituales de la panoplia de recursos icónicos de Bergman.



Luego, la película se centra en el proceso que Bengt ha de seguir para adaptarse a su nueva condición y sus esfuerzos para ganarse la vida como pianista ciego. Hay mucha amargura inicial por su parte, lo que le alejará de la tierna y encantadora Ingrid (Mai Zetterling, en su único trabajo con Bergman; Zetterling, además de actriz, desarrollo una importante carrera como directora), de mirada dulce y cautivadora.



Bergman, como se demuestra ya en estos primeros títulos, suele mezclar lo dramático con gotas de un humor un tanto absurdo, aquí, por ejemplo, ese pilluelo que le roba el dinero, o el propietario del restaurante donde trabajará formando dúo con un violinista (interpretado por el gran Gunnar Björnstrand).

Hay algunos momentos que destacan: todo el segmento en la escuela de ciegos, en especial ese concierto que ofrece a una audiencia de invidentes; su deambular desorientado, casi suicida (una vez más, el tema del suicidio asoma en un film de Bergman), por las vías del tren, en un montaje paralelo entre el peligro de morir atropellado y la premonición que siente Ingrid durante un baile; o sus enfrentamientos con el izquierdista amigo de Ingrid, Ebbe (Bengt Eklund), con ese momento un tanto pueril del pulso, o más tarde el puñetazo que este le propina a Bengt, pero que en lugar de certificar una derrota, supone su triunfo definitivo. Luego, el final, feliz matrimonio incluido, es una concesión al happy end demasiado facilona, aunque uno puede dudar del futuro de la pareja. Como detalle curioso, una vez más (como en Llueve sobre nuestro amor) el vicario que ha de permitir el enlace parece más dispuesto a poner pegas que a facilitar el enlace.



De todos modos, como en los tres films anteriores, la película acaba con una pareja que une sus destinos. Hay, a pesar de todo, cierta luminosidad, un tanto ingenua quizá, en esta fase del cine de Bergman.

A destacar un brillante trabajo de iluminación (puede que incluso en algunos momentos demasiado teatral), de Göran Strindberg (que, en algunos momentos, me ha hecho pensar en el realismo poético francés de los 30),



y a lamentar ciertos excesos en la banda sonora, con unos subrayados enfáticos que más bien perjudican el resultado final.

Música en la oscuridad es un film del maestro sueco que me despierta sensaciones encontradas. Me parece destacable técnicamente pero argumentalmente no me atrapa para nada. Me deja bastante frío , ya que no la historia ni los personajes los considero interesantes, sino que se mueve más en el cliché y en la frialdad en su peor sentido. Eso sí, técnicamente es fantástica, con un Bergman hscien un uso de la fotografía en blanco y negro, la iluminación y el montaje impecables.

Para mí, de las menos destacadas de sus principios. Pero ya nos vamos acercando al comienzo de sus etapas más brillantes.

MUSICA EN LA OSCURIDAD

Si bien es cierto, estoy de acuerdo con vosotros, pienso que es un film irregular, que los personajes me interesan menos, o el director hace que me interesen menos, pero tiene momentos puntuales, visualmente potentes, despertándome más interés en el entorno de los personajes que en ellos en si, por ejemplo, todo lo que rodea a la ceguera de él, el concierto, pareciendo que el público forman parte de un museo de cera, el entorno educativo de dicha discapacidad, y sobretodo esos momentos oníricos de su inicio del film, donde la muerte acecha al protagonista, especialmente destaco ese momento terrorífico, más propio del mundo zombie de Romero que del propio Bergman, guau, el personaje embarrado en el suelo, y manos salidos del suelo, al estilo Polanski en REPULSION pero en el suelo, en vez que en las paredes, TERROR PURO, y claro me deja con las antenas paradas durante todo el visionado.

Y está claro que no voy a pasar por alto el desnudo de Mai Zetterling, cuando allí por el minuto 25, se despierta tan dicharachera, se quita su camisón, y para mi sorpresa la cámara no mira hacia Pamplona y se queda ahí, mostrándonos un bello cuerpo desnudo, todo el dorso de ella, para ver también ese pecho derecho en caída libre e intuyéndose más que viéndose el izquierdo. Sea lo que sea, me sorprendió el nudie, muy natural y nada forzado.

En rersum, si no es una top, pero tiene momentos molones, para mi superior a Barco a la India y llueve sibre nuestro amor. Por cierto, algo destacable de la directora Mai Zetterling?

No he visto ninguna película de Zetterling. No hace mucho le dedicaron un ciclo en la Filmoteca, pero uno no da para todo.

Maggi (Barbro Kollberg),en busca de un nuevo rumbo, pierde su tren en la estación. Conoce a David (Birger Malmsten), recién salido de prisión que también anhela
una nueva vida. Al instante surge el flechazo y
pasan la noche juntos. Al día siguiente vagando, David intenta conseguir trabajo con un conocido pero no lo logra. De noche, entran en una cabaña para refugiarse de
la intensa lluvia; pero son sorprendidos por el dueño del inmueble. El propietario los echa del lugar pero luego se lo alquila; posteriormente les venderá la cabaña, David conseguirá
empleo en un vivero cercano,peero no dejarán de surgir problemas...

Dos jóvenes desean mejorar sus vidas. Algunos de los que les rodean les ayudan, otros no. Una mezcla de
hipocresía, envidia, maldad gratuita....no les permite levantar cabeza. Son víctimas de la estafa del dueño de la cabaña, de la esposa del jardinero que emplea a David,
del gobierno que los quiere desahuciar. En fin, la sociedad puritana,atenta
contra las intenciones de enmienda, de redención de los individuos, sobre los que arroja total injusticia,y porqué no decirlo sus propias frustraciones. Ella pierde al bebé que esperaba de otro y al que David iba a acoger. En el juicio amigos y detractores. Un buen abogado defensor (narrador de la película), empleando sin disimulo el sarcasmo e ironía, logra que no paguen por sus malas acciones pasadas (malos entendidos muchas de ellas) y resaltar las buenas para que el jurado los declare inocentes y renazca en ellos la esperanza.




En este caso, el amor puede contra todo. El joven Ingmar Bergman, de solo 26 años de edad, realiza una película interesante. Ya se pueden apreciar señas que identificarán al cine que lo distinguirá después. El narrador de la película (Gösta Cederlund), que habla con David en un bar y luego es el abogado defensor de ellos en el juicio. David llega a decir que cree haberlo visto en algún lado; toque de humor sueco. No es una gran película, más formación para el insigne director, denuncia social,romance,melodrama y pinceladas de realismo poético. Sin parecerme la gran cosa y aún siendo menor que su opera prima.. me ha convencido un pelín más.Los personajes,tanto la pareja como los que van apareciendo y el perrete...

Voy a ser generosa y le doy un:

6.3/10

05. Ciudad portuaria (Hamnstad, 1948)



Comentario anterior.

Volvemos a tener como protagonistas una pareja joven, de baja extracción, con vidas insatisfactorias y conflictivas, que acabarán juntos en un final hasta cierto punto feliz, aunque de dudoso futuro. En mi comentario anterior detallaba el argumento, que no repetiré. Destaco algunas cosas que me parecen interesantes.



Si hace años me resonaban en Ciudad portuaria algunas muestras del Free Cinema británico, esta vez me ha venido a la memoria Aki Kaurismäki. Aunque el tono de Bergman es radicalmente diferente (no aprecio ni pizca del sentido del humor, de la ironía, del finlandés), si nos quedamos con el argumento, podría ser, perfectamente, uno de los films de proletarios de Aki, aunque en su caso probablemente acabarían saliendo de Finlandia, no quedándose en Suecia como hacen Berit (Nine-Christine Jönsson) y Gösta (Bengt Eklund, el amigo comunista de Ingrid en el film anterior).

Se aprecia también una mayor dureza en el perfil psicológico de los personajes que en los cuatro films anteriores. Se intuye ya de manera más definida lo que Bergman nos ofrecerá con el paso de los años: una visión descarnada de las relaciones de pareja, de los matrimonios (el de los padres de Berit es un infierno), o el odio y la violencia que se puede alimentar en una familia (aquí madre e hija llegarán a las manos). Atención al uso de los espejos.





Reaparecen temas habituales en su cine: una vez más el del suicidio, con el que se inicia el film;



también la fina línea que separa la vida y la muerte, en la escalofriante secuencia del aborto y posterior muerte de Gertrud (Mimi Nelson), la amiga del reformatorio.



Hay sexo, un tanto triste, lejos de todo romanticismo, y cierta denuncia social, o al menos una mirada nada condescendiente sobre los mecanismos de la sociedad sueca, perfilada aquí como una especie de prisión llena de intolerancia e hipocresía, especialmente para las mujeres jóvenes.



Junto a estos aspectos argumentales, destaca la primera colaboración tras la cámara de Gunnar Fischer, el mejor director de fotografía de los films de Bergman junto al gran Sven Nykvist. Si los cuatro films anteriores destacaban por algunas secuencias bellamente iluminadas, aquí hay un trabajo más completo, con un frecuente uso del movimiento de la cámara (esos travellings laterales en los que saltamos los muros y nos introducimos en las estancias) y sobre todo una gran profusión de primeros planos e incluso algún primerísimo plano, estilo que será con los años marca de la casa.





Además, la película tiene un notable interés documental, describiendo el ambiente del puerto de Göteborg, los muelles y los trabajos portuarios. También se detiene a mostrarnos la fábrica donde trabaja Berit.





En resumen, veo en este film, imperfecto y quizá en algunos aspectos un poco soso (no aprecio demasiada química entre los dos protagonistas), un paso adelante dentro de la filmografía de Bergman. La cosa, por supuesto, irá mejorando en las próximas entregas.

Ciudad Portuaria me parece un film bastante menor en la filmografía de Bergman. Un historia de amor algo rutinaria y deudora del free cinema británico pero bastante menos logrado que las producciones habituales de aquel movimiento. Aún así, siempre hay detalles técnicos en la dirección del sueco, que es lo mejor del film.

Floja también. Pero ya falta menos para primera etapa dorada del maestro sueco.

CIUDAD PORTUARIA

Película interesante dentro de la etapa temprana del director. La historia presenta un tono realista y sombrío influido por el neorrealismo quizas, mostrando la vida de personajes jóvenes marcados por la pobreza, la soledad y experiencias traumáticas, concretamente hay dos que me gustan, el primero, el salto al mar en una altura brutal de quizas dos metros , solo cuela si ella no sabe nada, pero bueno a pesar de ello, filmado con maestría, pero SI que me parece alto nivel cinematográfico la escena del aborto con una riqueza de planos que me recuerdan a Hitchcock, es sencillamente mi momento preferido del film También destaco la atmósfera de la ciudad portuaria, que funciona como un escenario gris y opresivo que refleja el estado emocional de los personajes y de la sociedad, cosa que ya comenta Mad

Sin embargo, la película también presenta algunas limitaciones. El ritmo es algo irregular y hay momentos en los que la narración se vuelve lenta o pierde intensidad. Además, la influencia del neorrealismo es tan evidente que en ocasiones parece más una imitación que una voz completamente propia; Algunos personajes secundarios quedan poco desarrollados y ciertos momentos tienden hacia un melodrama algo exagerado. En resumen, tiene ideas interesantes y momentos emotivos, pero lastra esa dudosa química entre los dos personajes principales.

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Me sorprende que no comentes que vuelve a haber un desnudo femenino.

06. Prisión (Fängelse, 1949)



Comentario anterior.

Me reafirmo en lo dicho hace once años: para mí, es la mejor película de Bergman hasta la fecha. No solo eso, me parece un espléndido film, y eso que todavía queda lejos de sus obras capitales.

Se trata de la primera con guion original de Bergman y se nota en todo: la peculiar estructura: esa sorprendente aparición del viejo profesor de matemáticas en un plató cinematográfico; la excusa: la propuesta de hacer un film en que la Tierra es el infierno, bajo el gobierno de Satanás, con Dios muerto o vencido; el gusto por los primerísimos planos (incluso arriesgando a perder el foco); la presencia de una larga secuencia onírica (para mí, Bergman es, junto a Fellini, quien mejor ha sabido filmar los sueños en el cine, con permiso de Buñuel);



los ambientes casi góticos (alguien quizá dirá expresionistas: esas buhardillas llenas de objetos, esas sombras, magnífica fotografía, esta vez de Göran Strindberg); el cine dentro del cine, no solo por el plató con que se abre y cierra el film,



sino también por la inclusión de un cortometraje cómico, como si se tratase de un film silente auténtico;





y el recurso argumental a temas caros a Bergman, como el suicidio (¡otro más!),



el embarazo y la muerte (más bien asesinato) de un recién nacido o la violencia asociada al sexo, en la perturbadora secuencia de Birgitta con un sádico cliente, Alf (Curt Masreliez), de aspecto casi vampiresco.



La amalgama de personajes es notable, todos con su momento, aunque quizá para desarrollarlos mejor hubiera hecho falta un film más largo, este no llega a 80 minutos. Todo el reparto brilla a gran altura, aunque destacan la joven Doris Svedlund, como la adolescente prostituta Birgitta; la encantadora Eva Henning, como Sofi, la esposa del periodista Thomas, el ya habitual Birger Malmsten;



el inquietante Anders Henrikson como el profesor de matemáticas



o Stig Olin, como el repugnante proxeneta y padre de la criatura, y Irma Christenson, como su hierática hermana. Y una curiosidad: esa forma de narrar los créditos mientras la cámara se desplaza mediante un trávelin frontal por una calle estrecha de Estocolmo.



Como resumen del film, y en cierto modo toda una declaración de principios bergmaniana, valga esta magnífica declaración del profesor: “La vida es como un arco cruel y sensual, desde la cuna hasta la tumba. Una gran obra de arte cómica. Hermosa y terrible al mismo tiempo, sin clemencia ni significado”, donde resuena sin duda un célebre fragmento de “Macbeth” al que volveremos a referirnos mucho más adelante: “La vida es una sombra que camina, un pobre actor que en escena se arrebata y contonea y nunca más se le oye. Es un cuento que cuenta un idiota, lleno de ruido y de furia, que no significa nada”.

Como ya dije en un comentario anterior es ciertamente triste el que no se pueda acceder a la obra de los grandes maestros bien por desidia de las productoras (léase el estado del negativo de cámara original) o bien porque la calidad de las copias dista de lo mínimo que uno puede exigir en estos tiempos digitales en los que vivimos.

Al menos la nacional A Contracorriente está llevando (al igual que en el caso de Kurosawa Akira) una labor encomiable gracias a la excelente calidad de sus ediciones, aunque sería de agradecer que también acabaran sacando otros títulos menos conocidos del cineasta sueco y de muy difícil acceso como acabo de comentar.

De momento han salido...

UN VERANO CON MÓNICA > 16-12-2025

FRESAS SALVAJES > 16-12-2025

PERSONA > 11-3-2025

LA HORA DEL LOBO > 13-5-2025

Y en breve lo harán...

PASIÓN > 14-4-2026

GRITOS Y SUSURROS > 14-4-2026

De todos modos, el caso de Bergman no es, ni de lejos, de los peores. De hecho, en DVD tenemos editada casi toda su filmografía, en copias como mínimo visibles, salvo algunas excepciones. En BD, además de las ediciones de A Contracorriente que cita Alcaudón, se editaron anteriormente algunas más, sin contar los 4 packs del BFI que agrupan casi una treintena de títulos, con subtítulos en inglés. Añado que, ahora mismo, Filmin tiene 25 títulos en su catálogo, en buenas copias por lo que he podido ver.

Buena película prisión. Para mí la que más me gusta de las analizadas hasta ahora. Y en donde Bergman es más Bergman y más reconocible como autor, magnífico tecnica y argumentalmente y de dirección de actores y ritmo narrativo.

07. La sed (Törst, 1949)



Comentario anterior.

Primero de todo una rectificación: comenté hace años que La sed era la primera película de Bergman con guion ajeno, lo cual no es cierto. Con anterioridad ya hemos visto Música en la oscuridad con guion de Dagmar Edqvist, a partir de una novela del mismo autor. En esta ocasión el guion lo firma en solitario Herbert Grevenius (que ya había colaborado en estas labores con Bergman en Llueve sobre nuestro amor), a partir de una novela de Birgit Tengroth, que interpreta a su vez el papel de Viola.

Eso sí, como dije en su día, el guion me parece completamente bergmaniano, en especial en lo que respecta a la pareja protagonista, con los mismos actores que en el film anterior, un matrimonio compuesto por Bertil (Birger Malmsten) y Ruth (Eva Henning).



Quizá en su conjunto se trata de una historia de estructura un tanto peculiar, con una continuidad narrativa problemática, pero esto tampoco hay que verlo como algo ajeno a Bergman, aunque aquí el resultado final parece un tanto inarmónico.

Los elementos bergmanianos están plenamente presentes: el suicidio de Viola, sugerido al final, aunque queda en un fuera de campo visual; el aborto de Ruth; la violencia de las relaciones de pareja… Y junto a ello ese telón de fondo macabro en el que se refleja el caos, el hambre y la destrucción de la Alemania de la posguerra, en un trayecto en ferrocarril que parte de Basilea (un guiño al amigo Alex ). Claro que uno se pregunta qué demonios pretende esta pareja de turistas viajando por una Alemania devastada a la vuelta de Italia. Supongo que en la novela que dio origen al film debe estar todo más justificado, pero aquí resulta cuando menos chocante.





Como una especie de extrañas set pieces destacan dos secuencias un tanto ajenas a esa relación matrimonial, y son precisamente las interpretadas por la autora de la novela en el papel de Viola, una mujer claramente desequilibrada, examante de Bertil. Una es su visita al consultorio del doctor Rosengren.



La otra, la fugaz relación lésbica de Viola con Valborg (Mimi Nelson), una bailarina, amiga también de la protagonista (ella misma una bailarina que por una lesión en la rodilla parece que no podrá continuar su carrera).



Esta vez me ha sorprendido un detalle buñueliano: el de la serpiente devorada por las hormigas, un momento sumamente cruel que sin tener una clara justificación argumental dota a la película de un tono perturbador, como el que le da la vieja profesora de ballet.



Ahora bien, por encima de todo, me parece destacable la escena de la puerta del tren, un momento de suspense digno del mejor Hitchcock, mientras que el botellazo posterior, aparentemente una mera ensoñación de Bertil, nos remite de nuevo a Buñuel.

En resumen, un film muy interesante, quizá menos redondo que el anterior, pero con una dureza y un tono inquietante que prefigura el mejor Bergman.