Tema: Revisitando a Ingmar Bergman

Llueve sobre nuestro amor

Del hype de KRIS me viene un leve bajón con éste film, no entro en el film, sobretodo debido a lo que dice Alcaudón, a mi tampoco me gusta ver pelis por youtube, pero como dice Mad, a veces no queda de otra si uno hace una revisión completa de un director. Es una película correcta, con momentos interesantes, pero todavía lejos de la intensidad y profundidad que alcanzaría más tarde en títulos como El séptimo sello o Fresas salvajes, de los pocos que he visto por cierto. Lo historia funciona si, muy italiana como se dice, tiene una base muy humana con destellos de sensibilidad en los diálogos íntimos y cierta ternura en la forma de retratar a los protagonistas.

Sin embargo, la película puede sentirse plana. El conflicto no siempre adquiere el peso dramático que promete y el desarrollo es algo irregular.La parte del juicio, en particular, tiende a volverse estática y discursiva, y porque no decirlo, parecía una moda de esos años quizás. Dramáticamente debería ser el clímax moral de la historia, pero el ritmo decae y el impacto emocional se diluye. Se siente más como una escena funcional que como un momento verdaderamente intenso, Y lo peor como he dicho al principio, la calidad visual deja mucho que desear pero no es culpa del film y de Bergman


En resumen, es una obra interesante a secas dentro de la filmografía de Bergman, pero no es de las que entusiasman fácilmente o por lo menos a mi.

Iniciado por Alex Fletcher

Del hype de KRIS me viene un leve bajón con éste film, no entro en el film, sobretodo debido a lo que dice Alcaudón, a mi tampoco me gusta ver pelis por youtube, pero como dice Mad, a veces no queda de otra si uno hace una revisión completa de un director.

¡Qué mal acostumbrados estáis los cinéfilos jóvenes! En mi juventud te dabas con un canto en los dientes si conseguías ver uno de los innumerables films que soñabas con visionar aunque fuera en una mala copia doblada en la Filmoteca, llena de cortes y con el color degradado, o en algún canal televisivo (fundamentalmente la 2), aunque no respertara el formato y se viera como el culo. Ahora, si no es un 4K, parece que nada es visible.

No lo dije?, el dvd de Crisis es mas que satisfactorio

03. Barco a la India (Skepp till Indialand, 1947)



Comentario anterior.

También en este caso he tenido que recurrir a la añeja edición en DVD de Manga, de calidad irregular: hay momentos notables en que luce bien el contrastado blanco y negro (firmado por Göran Strindberg) y otros, especialmente exteriores, en los que la imagen es menos satisfactoria. Con todo, se puede ver sin sobresaltos. Quizá lo peor sea la banda sonora, con mucho “huevo friéndose”.

Por lo que respecta a la película en sí, me reafirmo en todo lo dicho hace años. Destacaría el radical recurso al flashback, que se extiende a casi la totalidad del metraje, y un trabajo notable, cuidadoso en muchos momentos, en el uso de las luces y sombras. El ambiente de la habitación donde se refugia el padre, el capitán Blom (excelente Holger Löwenadler) es magnífico, exótico y por momentos sobrecogedor.



La violencia está muy presente: las peleas en las que se implica Blom; las bofetadas entre padre e hijo; la agresión sexual del hijo, Johannes (de nuevo Birger Malmsten), a la joven artista de variedades, Sally (Gertrud Fridh);



el intento de asesinato cuando Johannes desciende con la escafandra; el suicidio fallido del padre, previa destrucción de su habitación-refugio…

Como ya destaqué en su momento, a Bergman siempre le atrajo moverse en el mundo del espectáculo, aquí una feria de atracciones y un teatro de variedades de mala muerte.



Hay, ¡cómo no!, el recurso a los espejos, y un momento particularmente brillante: la escapada de la joven pareja (otra vez el sesgo generacional) al molino.



Aunque seguimos todavía lejos del mejor Bergman, Barco a la India me parece un film superior al anterior, lo que muestra un progreso que se irá consolidando, aunque su siguiente film, Música en la oscuridad, cae en exceso en lo melodramático.

Película curiosa e interesante Barco a la India, en que Bergman realiza un uso notable del flashback para poner en perspectiva un triángulo amoroso en este melodrama romántico que funciona medianamente bien. Se sigue vislumbrando al Futuro Bergman en hallazgos técnicos y claves temáticas y la psicología de los personajes, uno de sus fuertes, esta especialmente bien trazada en ese complejo , alcoholizado y taimado capitán de barco. Para mí, bastante satisfactoria.

BARCO A LA INDIA

De vuelta al formato youtube, es lo que hay, este tercer film de Bergman es una historia que gira en torno a un capitán de barco envejecido y autoritario (Alexander), su hijo Johannes —tímido y resentido— y la irrupción de una mujer, Sally, que altera el equilibrio enfermizo entre ambos, y el papel del mar lejos de ser aventura, es metáfora de encierro y destino fatal.

Destaco sobretodo el papel de los actores principales Holger Löwenadler (Alexander) Imponente y cruel, construye un padre tiránico lleno de inseguridad. Su presencia física y su mirada transmiten una violencia contenida . Birger Malmsten (Johannes)
aporta vulnerabilidad y tormento interior. Y la mejor Gertrud Fridh (Sally): Ambigua y sensual, es la catalizador del drama. Su presencia introduce deseo y celos en un universo ya emocionalmente asfixiante.

En escenas concretas del film, destaco esa estética gótica alemana, para nada de cara a la galería, no se si es continuo es su cine, pero me sorprendió verlo, claro aunque no es una película expresionista en sentido estricto, sí hay escenas que evocan el cine mudo alemán de los años 20, especialmente en su iluminación en escenas concretas, sumado a esa atmósfera opresiva donde los espacios son un personaje más, y esa teatralidad en la interpretación.

El vinagre, a parte del formato en que la he visto, como he dicho, es lo que hay, su ritmo, a diferencia de KRIS, si que lo encuentro mejorable, hay momentos de clímax potente con transiciones más alargadas como contrapunto, pero nada grave.

Flojo debut de Bergman basándose en la obra danesa Moderhjertet de Leck Fischer.
«Que comience la obra. No la consideraría una historia grandiosa ni desgarradora. En realidad, es un drama cotidiano. Casi una comedia».

Jenny visita el pueblo donde su hija de 18 años, Nelly, ha residido toda su vida bajo el cuidado de su madre adoptiva, Ingeborg. Jenny, por primera vez, siente que es hora de recuperar a su hija biológica. Esto, por supuesto, le sienta como un tiro a Ingeborg, quien en un momento espeta que Nelly debería estar con su "verdadera" madre y "¡no solo con alguien que la parió!". Interpretado con ganas por la actriz Dagny Lind, se vislumbra el futuro interés de Ingmar en la mujer,más adelante Ingeborg establece una dura yuxtaposición entre sexos.

"El se quedó con el dinero y la diversión. Ella con los niños y la desgracia"




Los personajes giran en gran medida en torno a Nelly. Junto a las madres tenemos a Ulf, un hombre modesto que vive en una habitación de la casa de Ingeborg, y Jack, actor fracasado que
al conocer a Nelly,pierde todo interés por Jenny. En una de las mejores por no decir la mejor escena, Ulf persigue a Jack hasta que este se ve obligado a saltar al agua desde un muelle. No la cortejará como Jack, pero enclenque no es.

En fin...

El conflicto entre Ingeborg y Jenny tiene su puntito…habria que ver cómo el director hubiera abordado el tema años después.
El giro absolutamente tragico patinaaa,lo estás viendo y como que esto ahora??¿¿
Se atisban las mejores intenciones?¿ y poco más...

El desenlace de vuelta al pueblito da mal rollo,con lo que ya ha pasado..



Combo:
5.8/10

Iniciado por Alex Fletcher

En escenas concretas del film, destaco esa estética gótica alemana, para nada de cara a la galería, no se si es continuo es su cine, pero me sorprendió verlo, claro aunque no es una película expresionista en sentido estricto, sí hay escenas que evocan el cine mudo alemán de los años 20, especialmente en su iluminación en escenas concretas, sumado a esa atmósfera opresiva donde los espacios son un personaje más, y esa teatralidad en la interpretación.

No sé si la llamaría "estética gótica alemana", pero está claro que Bergman bebe del cine clásico alemán, pero también del mismo cine clásico sueco, por ejemplo de Victor Sjöström. Si por "película expresionista" (término dudoso donde los haya) te refieres a darle una gran importancia al juego de luces y sombras, y a un cierto gusto por imágenes un poco distorsionadas o extrañas, desde luego hay mucho de eso en el cine de Bergman, sobre todo a partir del trabajo de Gunnar Fischer como director de fotografía, cuya primera aparición será en Ciudad portuaria, aunque también se aprecia en el trabajo tras la cámara de Göran Strindberg.

Iniciado por hannaben

Flojo debut de Bergman basándose en la obra danesa Moderhjertet de Leck Fischer.

A ver, "flojo" no me lo parece. Por supuesto, dentro de una valoración global de la obra de Bergman, uno de los más grandes, Crisis no destaca, pero teniendo en cuenta que, como dices, es su debut, que es un director joven y de una cinematografía con una brillante tradición, pero muy venida a menos, sobre todo comparada con los estándares hollywoodienses, a mí me parece un film más que digno y disfrutable, con algunas secuencias realmente buenas, aunque el tono final resulta un tanto acomodaticio y demasiado moralista (algo poco o nada habitual en Bergman).

Iniciado por mad dog earle

A ver, "flojo" no me lo parece. Por supuesto, dentro de una valoración global de la obra de Bergman, uno de los más grandes, Crisis no destaca, pero teniendo en cuenta que, como dices, es su debut, que es un director joven y de una cinematografía con una brillante tradición, pero muy venida a menos, sobre todo comparada con los estándares hollywoodienses, a mí me parece un film más que digno y disfrutable, con algunas secuencias realmente buenas, aunque el tono final resulta un tanto acomodaticio y demasiado moralista (algo poco o nada habitual en Bergman).

Discrepo querido mad,no comparo con otras cinematografías y sabeis que me gusta explorar fuera de estándares. Y cada vez más.

Me ha aburrido...floja,torpe e insulsa.
Pues sí que os ha convencido,qué bien.He mirado cositas en el set y qué atractivo el señor Bergman.

Pues sí, discrepamos, pero ahí está la gracia. Con todo, desde luego no estaría ya no entre las 10 primeras, sino no siquiera entre las 30 primeras.

Por cierto, si vas siguiendo la rerevisión, a ver si te das cuenta del cameo de Bergman en Barco a la India.

04. Música en la oscuridad (Musik i mörker, 1948)



Comentario anterior.

Nada que añadir a lo comentado hace casi once años. Me sigue pareciendo un film convencional, de los más intrascendentes de Bergman. Un melodrama que recurre a elementos típicos del género, mucho mejor tratados en otras películas de la época. Lo peculiar, debido probablemente al papel de país neutral de Suecia durante la Segunda Guerra Mundial, es que el protagonista, Bengt (una vez más interpretado por Birger Malmsten), se queda ciego, no a causa de la guerra, como hubiera sido de esperar en otra cinematografía, sino por un accidente estúpido ocurrido en un campo de tiro militar. Así, aunque no se da durante un conflicto bélico, la herida que le provoca la ceguera también es el resultado de las armas. La inclusión del perrito como desencadenante de la desgracia me parece un recurso demasiado fácil y sentimentaloide (algo muy poco habitual en Bergman).



El director introduce a continuación unas imágenes de filiación surrealista, onírica, para ilustrar la lucha con la muerte de Bengt. El uso de este tipo de visiones será otro de los componentes habituales de la panoplia de recursos icónicos de Bergman.



Luego, la película se centra en el proceso que Bengt ha de seguir para adaptarse a su nueva condición y sus esfuerzos para ganarse la vida como pianista ciego. Hay mucha amargura inicial por su parte, lo que le alejará de la tierna y encantadora Ingrid (Mai Zetterling, en su único trabajo con Bergman; Zetterling, además de actriz, desarrollo una importante carrera como directora), de mirada dulce y cautivadora.



Bergman, como se demuestra ya en estos primeros títulos, suele mezclar lo dramático con gotas de un humor un tanto absurdo, aquí, por ejemplo, ese pilluelo que le roba el dinero, o el propietario del restaurante donde trabajará formando dúo con un violinista (interpretado por el gran Gunnar Björnstrand).

Hay algunos momentos que destacan: todo el segmento en la escuela de ciegos, en especial ese concierto que ofrece a una audiencia de invidentes; su deambular desorientado, casi suicida (una vez más, el tema del suicidio asoma en un film de Bergman), por las vías del tren, en un montaje paralelo entre el peligro de morir atropellado y la premonición que siente Ingrid durante un baile; o sus enfrentamientos con el izquierdista amigo de Ingrid, Ebbe (Bengt Eklund), con ese momento un tanto pueril del pulso, o más tarde el puñetazo que este le propina a Bengt, pero que en lugar de certificar una derrota, supone su triunfo definitivo. Luego, el final, feliz matrimonio incluido, es una concesión al happy end demasiado facilona, aunque uno puede dudar del futuro de la pareja. Como detalle curioso, una vez más (como en Llueve sobre nuestro amor) el vicario que ha de permitir el enlace parece más dispuesto a poner pegas que a facilitar el enlace.



De todos modos, como en los tres films anteriores, la película acaba con una pareja que une sus destinos. Hay, a pesar de todo, cierta luminosidad, un tanto ingenua quizá, en esta fase del cine de Bergman.

A destacar un brillante trabajo de iluminación (puede que incluso en algunos momentos demasiado teatral), de Göran Strindberg (que, en algunos momentos, me ha hecho pensar en el realismo poético francés de los 30),



y a lamentar ciertos excesos en la banda sonora, con unos subrayados enfáticos que más bien perjudican el resultado final.

Música en la oscuridad es un film del maestro sueco que me despierta sensaciones encontradas. Me parece destacable técnicamente pero argumentalmente no me atrapa para nada. Me deja bastante frío , ya que no la historia ni los personajes los considero interesantes, sino que se mueve más en el cliché y en la frialdad en su peor sentido. Eso sí, técnicamente es fantástica, con un Bergman hscien un uso de la fotografía en blanco y negro, la iluminación y el montaje impecables.

Para mí, de las menos destacadas de sus principios. Pero ya nos vamos acercando al comienzo de sus etapas más brillantes.

MUSICA EN LA OSCURIDAD

Si bien es cierto, estoy de acuerdo con vosotros, pienso que es un film irregular, que los personajes me interesan menos, o el director hace que me interesen menos, pero tiene momentos puntuales, visualmente potentes, despertándome más interés en el entorno de los personajes que en ellos en si, por ejemplo, todo lo que rodea a la ceguera de él, el concierto, pareciendo que el público forman parte de un museo de cera, el entorno educativo de dicha discapacidad, y sobretodo esos momentos oníricos de su inicio del film, donde la muerte acecha al protagonista, especialmente destaco ese momento terrorífico, más propio del mundo zombie de Romero que del propio Bergman, guau, el personaje embarrado en el suelo, y manos salidos del suelo, al estilo Polanski en REPULSION pero en el suelo, en vez que en las paredes, TERROR PURO, y claro me deja con las antenas paradas durante todo el visionado.

Y está claro que no voy a pasar por alto el desnudo de Mai Zetterling, cuando allí por el minuto 25, se despierta tan dicharachera, se quita su camisón, y para mi sorpresa la cámara no mira hacia Pamplona y se queda ahí, mostrándonos un bello cuerpo desnudo, todo el dorso de ella, para ver también ese pecho derecho en caída libre e intuyéndose más que viéndose el izquierdo. Sea lo que sea, me sorprendió el nudie, muy natural y nada forzado.

En rersum, si no es una top, pero tiene momentos molones, para mi superior a Barco a la India y llueve sibre nuestro amor. Por cierto, algo destacable de la directora Mai Zetterling?

No he visto ninguna película de Zetterling. No hace mucho le dedicaron un ciclo en la Filmoteca, pero uno no da para todo.