Tema: Sir Alfred Hitchcock: revisando sus películas

Iniciado por Alcaudón

Vaya. Se me ha adelantado la entrega y ya tengo en mis manos la edición en BD de una de las grandes obras maestras de Sir Alfred, ENCADENADOS.

A ver si los de A Contracorriente se animan a sacar sus títulos también en 4K, cosa que hasta ahora solo han hecho en un par de ocasiones que yo recuerde: CRASH y CINEMA PARADISO.

Efectivamente, solo esos dos títulos en 4K. Cuando la veas, comenta esa Encadenados, que le tengo ganas, aunque ya tenga otra edición.

Primero tengo que comentar la versión de 1959 de 39 ESCALONES y luego TOPAZ, ahora que dispongo de la edición en 4K. Pero antes tengo que recuperarme anímicamente porque últimamente ando bastante decaído, muy nervioso e irritable... yo, que soy la bondad personificada...

Entrega nº 83...

THE 39 STEPS (1959, 39 ESCALONES)



Director: Ralph Thomas.

Productora: Betty E. Box.

Producción: The Rank Organisation Film Productions Ltd.

Distribución: Rank Film Distributors Ltd.

Guion: Frank Harvey, basado en la novela “The Thirty-Nine Steps” (William Blackwood and Sons, Edimburgo y Londres, 1915), de John Buchan y, especialmente, en el guion de Charles Bennett, Alma Reville y Ian Hay de la película 39 ESCALONES (1935), de Alfred Hitchcock [No acreditado].

Fotografía: Ernest Steward, en Eastman Color y formato panorámico (1.75:1).

Dirección artística: Maurice Carter.

Música: Clifton Parker, dirigida por Muir Mathieson.

Montaje: Alfred Roome.

Reparto: Kenneth More (Richard Hannay), Taina Elg (Señorita Fisher), Brenda de Banzie (Nellie Lumsden), Barry Jones (Profesor Logan), Reginald Beckwith (Lumsden), Faith Brook (Nannie), Jameson Clark (McDougal), Michael Goodliffe (Brown), James Hayter (Señor “Memoria”) y Duncan Lamont (Kennedy).

Duración: 1:31:03.

Estreno: 20 de abril de 1959 (según el BFI).

Curiosa la forma en la que he afrontado el visionado de esta película.

Primero me vi la misma en formato panorámico...



... (que se supone que es el original dado que ya en esta época la mayor parte de las salas de cine británicas estaban diseñadas para su exhibición)...



... y doblada al castellano.

Luego volví a ver la versión original de Sir Alfred de 1935...





... y que yo sigo considerando como una de las mejores de toda su extensa e inolvidable filmografía.

Y luego visioné el inicio de la versión de 1959 en formato estándar...



... y en VOSE, primero para comparar la misma en los dos formatos y segundo porque el doblaje, aunque clásico, dejaba mucho que desear dado su estado.

Algún día tendríamos que hablar del mercadeo que hay con los doblajes originales de las películas clásicas…

Antes de seguir adelante he de decir que aunque la cinta vista el pasado día 5 (¿sabíais que el tiempo es relativo?) está a años luz de la obra maestra de Hitchcock tampoco es tan mala como para que no merezca siquiera un modesto comentario como el que servidor se dispone a emprender en estos momentos.

Lo primero que me gustaría decir es que a pesar de lo que indican los títulos de crédito…



… la película del inglés (of course!) Ralph Thomas (1915-2001) – un modesto artesano cuyo título más famoso seguramente sea FALDAS DE ACERO (1956), con Bob Hope (¡!) y Katharine Hepburn y que bien podría servir de punte entre NINOTCHKA (1939), de Ernst Lubitsch y LA BELLA DE MOSCÚ (1957), de Rouben Mamoulian – no se basa tanto en la novela del escocés John Buchan (1875-1940)…



... como en el guion de Charles Bennett (1899-1995), Alma Reville (1899-1982) e Ian Hay (1876-1952)…



… y que es una auténtica joya de principio a fin.

Recordemos al respecto que este último era una adaptación muy libre de la novela de Buchan, la primera de una serie protagonizada por el intrépido aventurero (escocés, como su creador) Richard Hannay.

De hecho, la intención original de Hitchcock no era llevar a la gran pantalla “The Thirty-Nine Steps” (cuyo título sería transformado en “The 39 Steps” en las dos adaptaciones cinematográficas) sino su continuación, “Greenmantle” (1916), dado que la primera acontecía en Inglaterra mientras que la segunda lo hacía en la Europa continental de la Primera Guerra Mundial, un escenario más atractivo para el director británico.

Pero volvamos a la cinta de Thomas.

Para sustituir a la imbatible pareja formada por los ingleses Robert Donat (1905-1958) y Madeleine Carroll (1906-1987) – la madre de todas las rubias hitchcockianas que estaban por venir y que coprotagonizó un título tan delicioso como THE FAN (1949), de Otto Preminger, recientemente revisada en el OR https://www.mundodvd.com/las-ultimas...4/#post4850310 aunque al parecer con escaso entusiasmo por parte del personal… - se contó con la presencia del igualmente inglés Kenneth More (1914-1982) y de la finlandesa Taina Elg (1930) y aunque el primero se desenvuelve bien gracias a su bis cómica la segunda, aunque muy bella, está muy lejos del talento y del encanto de Madeleine Carroll.



- De la breve filmografía de la actriz finesa me gustaría destacar especialmente la que yo considero como la mejor versión de RASHOMON (1950), de Akira Kurosawa, el musical del gran George Cukor LAS GIRLS (1957), sin duda una de sus mejores (pero también más desconocidas) películas. -

Esta versión de 1959 tiene la particularidad de incluir en su reparto actores y actrices que habían trabajado previamente para el maestro del suspense.

En concreto, Brenda de Banzie (1909-1981), que en EL HOMBRE QUE SABÍA DEMASIADO (1956) – recordemos, un autorremake del propio Hitchcock de su versión de 1934 – encarnaba a uno de los dos miembros del matrimonio Drayton que se encargaban de secuestrar al hijo de la pareja formada por Ben (James Stewart) y Jo (Doris Day).



Por su parte, Barry Jones (1893-1981), que aquí encarna al villano de la función, el profesor Logan, tuvo un pequeño papel en EL NÚMERO 17 (1932), una de esas cintas de transición que no dejaba de tener su encanto.



A la atractiva Faith Brook (1922-2012) la pudimos ver en otro pequeño papel en SOSPECHA (1941), aunque su personaje no puede competir con la más exótica y sensual “Annabella Smith” (la alemana Lucie Mannheim [1899-1976]) y es quien pondrá al pacífico Richard en una peripecia que casi está a punto de costarle la vida.



Y en cuanto al equipo técnico, el director de orquesta Muir Mathieson (1911-1975) se encargaría de hacer lo propio en la magnum opus de Sir Alfred. O sea, DE ENTRE LOS MUERTOS (1958)…

Y el montador Alfred Roome (1908-1997), intervino bien como ayudante de dirección bien en la sala de montaje de títulos como CHAMPAGNE (1928), LA MUCHACHA DE LONDRES (1929) – la primera cinta sonora no solo de Hitchcock sino del cine británico – o ALARMA EN EL EXPRESO (1938), la segunda gran obra maestra de la etapa inglesa de su director.

Aprovecho que estoy en el apartado técnico para destacar la hermosa fotografía en Eastman Color de Ernest Steward (1910-1990), sin duda uno de los aspectos más trabajados de este remake.

Entre las diferencias argumentales más evidentes son la falta del extraordinario segmento que acontecía en una granja, esa especie de ménage à trois visual que se establecía entre el anciano y avaricioso granjero, su bella y joven esposa y el guapo forastero encarnado por Robert Donat.



Sin duda, una de las mejores set pieces de toda la filmografía hitchcockiana.

O la ausencia de la melodía que durante su huida entona continuamente Richard (Donat) y que solo al final descubriremos su auténtica importancia pues es la música que anuncia el espectáculo protagonizado por el increíble señor “Memoria”, el auténtico nudo gordiano de la trama.



Y la maravillosa escena del mitin político en el que Richard intenta escabullirse de sus perseguidores es sustituida por una mucho más sosa en el colegio femenino en el que trabaja la señorita Fisher (Elg).

Incluso al profesor Logan le falta el meñique del dedo izquierdo...



... y no el del derecho...



..., como era el caso en la versión de 1935...

No voy a extenderme más por que ya sabéis lo que decían The Beatles en su primer sencillo con dos caras A de su carrera…

En cualquier caso, una simpática cinta, especialmente si uno no ha vista la original, pero que demuestra que a Hitchcock no hay nadie que la bata en su propio terreno pase el tiempo que pase.

Buenas noches (lo digo porque ya es de noche cuando escribo estas líneas) y, buena suerte.

Anexo I:

Comparativas:

No se vayan todavía, aun hay más...

... aunque esta vez sí en formato de bolsillo...

Entrega nº 84 (¡!)...

TOPAZ (1969, ídem). O en la lengua de Cervantes, TOPACIO...



Aprovechando que el Nervión (el del Norte, no el del Sur) pasa por Bilbao, o dicho de otra forma, la lectura primero de la (horrible) novela de Leon Uris que sirvió de base a la película y la edición de esta última en 4K, procedo a hacer una breve comparativa de la que para mí es una de las cintas más incomprensiblemente minusvaloradas incluso por los participantes en este incombustible (como mad dog earle ) rincón.

Lo primero que me gustaría decir es que a pesar de la espantosa traducción (cortesía de la extinta (¿?) Editorial Bruguera) la novela de Leon Uris (1924-2003)...



... no creo que haya nadie con un mínimo gusto literario que no eche pestes de la misma por lo pedestre de su escritura y lo maniquea de su trama.

Menos mal que Hitchcock, como hacía siempre, cogió (los pocos elementos) de la trama que le interesaban y les dio la vuelta como a un calcetín.

Y aunque sigo pensando que el checoslovaco Frederick Stafford (1928-1979) es uno de los peores héroes de toda la filmografía hitchockiana su trabajo interpretativo (es un decir) ya no me parece tan chirriante como cuando la comenté en 2020 (cómo pasa el tiempo y no precisamente para bien, al menos en mi caso...). Debo de estar haciéndome viejo...

Y aunque es evidente que estamos ante un cinta anticomunista su puesta en escena es muy superior a la de la anterior CORTINA RASGADA (1966) y eso a pesar de no contar con grandes estrellas en su reparto pero sí con excelentes actores y actrices, a excepción del arriba mencionado... pese a todo...

Al contrario que la novela de Uris, que es profundamente (e infantilmente) anticomunista (Cuba y la Unión Soviética) pero igualmente francófoba (el personaje del - ficticio - presidente Pierre La Croix viene a ser un trasunto de Charles de Gaulle solo que notablemente caricaturesco, como por otra parte lo son la mayor parte de los personajes de la novela) la película prescinde de buena parte de la trama francesa, especialmente de la relación previa que existía entre André Devereaux (el citado Stafford), Jacques Granville (Michel Piccoli) - "Columbine", el villano de la función - y Nicole (Dany Robin), que lucharon juntos durante la ocupación alemana de Francia.

O sea, que lo mejor de la película no procede de la, como digo, espantosa novela de Uris sino del guion escrito (como siempre) al alimón entre Samuel A. Taylor (1912-2000) - el colibretista de la inmarcesible DE ENTRE LOS MUERTOS (1958) - y el propio Hitchcock, aunque el nombre de este rara vez aparecía en los títulos de crédito.

Como en el comentario anterior no voy a establecer una comparativa entre novela y película puesto que el parecido entre ambas es, afortunadamente, escaso.

Básicamente mencionar que en la primera (que cubre un arco temporal sustancialmente mayor, en concreto, entre 1940 y 1963) la suerte de los protagonistas es bien distinta a la que presenciaremos delante de nuestro televisor.

Así, Juanita de Córdoba (una bellísima y voluptuosa Karin Dor [1938-2017] y de origen alemán) se suicida antes de que Muñoz, uno de los lugartenientes de Rico Parra (John Vernon [1932-2005]), la torture y la mate.

Claro que antes el propio Parra ha sucumbido a las torturas del mencionado Muñoz al haberse convertido en su amante y confidente.

Recordemos que en la película es Parra quien mata a Juanita para evitar precisamente que sean sus propios hombres los que la torturen para descubrir la trama de espionaje de la que ella formaba parte y que es sin duda la escena más recordada de toda la película al establecer Hitchcock un bellísimo paralelismo entre una flor (como la que hemos visto en el taller de cerámica en Copenhage, donde se inicia la acción con la huida del disidente ruso Boris Kusenov (Per-Axel Arosenius) y su familia) y una mancha de sangre... de color violeta...



Igualmente Françoise Picard (Michel Subor), el marido (en la novela novio) de Michèle (Claude Jade), la hija del matrimonio Devereaux y Henri Jarré (Philippe Noiret), morirán a manos de los (corruptos) servicios secretos franceses.

Es una lástima que ahora que la cinta se ha editado en 4K no se haya aprovechado para recuperar el metraje original - y del que podemos ver algunas escenas en el documental que acompaña la película - y que seguramente ayudaría a entender mejor el segmento final que acontece en Francia y que es, desde mi modesto punto de vista, el más flojo de toda película.

Tampoco aprecio excesiva diferencia en cuanto a la calidad de imagen entre la versión en 4K y la anterior en BD. O es que mi vista ya no es lo que era...

Ah, y sigo pensando que el mejor final no es el que más gustaba a Hitchcock, o sea, el duelo en el estadio entre André y Jacques, sino el de ambos saludándose desde las rampas de sus respectivos vuelos, el primero a los EUA con su esposa y el segundo a la Unión Soviética.

Desde luego el finalmente elegido es el peor y con diferencia.

En cualquier caso y contra viento y marea sigo pensando que TOPACIO, quiero decir TOPAZ, es una de las obras del cineasta inglés que merecería un segundo visionado. Y un tercero. Y un cuarto...

Buenas nochas (ahora sí lo es) y, buena suerte.

Pues por muy incomprensible que te resulte, después de no uno, ni dos, ni tres, ni cuatro... sino de aún más visionados (aunque no llevo la cuenta), Topaz no está, ni de lejos, entre mis preferidas de Hitchcock, algo que ya exprese con claridad en su día. No niego, como no lo hice entonces, que tiene algunos excelentes momentos (en particular, la secuencia inicial en Copenhague), pero a mí me pesan más los contras que los pros, empezando con la banda sonora y acabando con unos finales (cualquiera de los tres) a cual peor.

En cuanto a la música coincido contigo en que Jarré - curiosamente el segundo villano de la historia se apellida de la misma forma - solo parece funcionar en sus (justamente miticas) colaboraciones con el pronto revisable - crucemos los dedos - David Lean.

Para mí la película contiene numerosas secuencias de gran impacto tanto emotivo como visual.

Ciertamente no es una de las obras mayores de su director pero sí una más que notable...

... a pesar de su protagonista...

Ah, por cierto, eso de ver "Las Girls" como una versión de "Rashomon"... Ahí te has pasado.

Pero lo es...

Sí, y "Siete novias para siete hermanos" de "Los siete samuráis".

Creo que no me he expresado bien.

No digo que LAS GIRLS sea un remake de RASHOMON sino que ambas tratan el mismo tema (¿cuál de las historias que se narran es la verdadera?) y llegan a la misma conclusión...

... ninguna...

... o todas...

... a su manera...

Iniciado por Alcaudón

No digo que LAS GIRLS sea un remake de RASHOMON sino que ambas tratan el mismo tema (¿cuál de las historias que se narran es la verdadera?) y llegan a la misma conclusión...

Ahí le has dado. Para remake de Rashomon, esa sí, The Outrage, de Martin Ritt, con Paul Newman en el papel que hizo Toshiro Mifune, película que vi in illo tempore por TVE y que no he tenido ocasión de revisar.

RASHOMON es una de mis películas favoritas como creo que dejé claro en este breve comentario...

https://www.mundodvd.com/las-ultimas...2/#post4596621

Mi nombre es Alfred Hitchcock (My Name is Alfred Hitchcock, 2022), de Mark Cousins



Cousins se ha especializado en filmar lo que, más que documentales, podríamos denominar “ensayos cinematográficos”. Junto a series televisivas como The Story of Film: An Odyssey o Woman Make Film, tiene un número considerable de largometrajes ideales para cinéfilos, entre los cuales he visto The Eyes of Orson Welles. Sin duda, el director irlandés es un interesante analista sobre el mundo del cine, pero con un hándicap que, para mí, se convierte en una barrera casi infranqueable: tiene uno de los tonos de voz más monótonos y aburridos que he oído nunca, con lo cual me suele arrastrar al tedio más absoluto.

Afortunadamente, para su incursión en la obra de Hitchcock utiliza un recurso que nos ahorra su voz como narrador. Quien nos cuenta la película... es el propio Alfred Hitchcock, más de cuarenta años después de su muerte. El recurso de que un muerto cuente su historia ya se ha utilizado otras veces (casos notables en obras de ficción son los de Monsieur Verdoux, de Chaplin, o Sunset Boulevard, de Wilder). Por supuesto, esta vez servirse de la voz de ultratumba era algo físicamente imposible, hubiera sido en sentido literal traernos a Hitchcock “de entre los muertos”. Para ello se sirve de un actor británico, especialista en imitaciones, Alistair McGowan,



que se ha de reconocer que sale muy bien parado del reto (porque en la película, como suele ocurrir en los films de Cousins, hay un, para mí, exceso de diálogo, aunque aquí mejor es decir “monólogo”). Cousins se ayuda de diversas imágenes fijas del maestro, para dar la sensación de que es realmente él el que se nos dirige.







En muchos momentos, My Name is A.H. me trae a la memoria un esplendido falso documental de Orson Welles dedicado al tema de las falsificaciones: Question Mark. Incluso Cousins lo cita indirectamente recurriendo al mismo truco que Welles: por boca de ese falso Hitchcock, nos advierte, muy al inicio, que todo lo que va a contar es verdad, menos una cosa que es mentira, con lo que juega con el espectador, atraído por el reto de descubrir el engaño (algo que no es especialmente difícil de conseguir).

Estructurado en seis partes, tituladas: 1) Escape; 2) Desire; 3) Loneliness; 4) Time; 5) Fulfillment; y 6) Height, Cousins se las arregla para hablar, aunque solo sea por medio de breves imágenes, de casi toda la obra de Sir Alfred. Después del visionado, tengo la sensación de que se ha olvidado de solo 2 de sus largometrajes (obviando la desaparecida The Mountain Eagle): Easy Virtue y The Skin Game, pero quizá en una próxima revisión también acabe descubriendo alguna escondida referencia a estas. Incluso cita, da la impresión de que por completismo, y sin que venga muy a cuento, uno de los peores films del londinense: Juno and the Paycock.

Los temas elegidos para los seis capítulos pueden parecer arbitrarios, en realidad podrían ser otros, lo cual nos demuestra una vez más que Hitchcock sigue siendo un filón inagotable para todo tipo de análisis, sean literarios o audiovisuales. Con el mismo gusto por relacionar diversos aspectos visuales y temáticos de la obra hitchcockiana, se podrían filmar otras muchas My Name is Alfred Hitchcock, incluso Cousins hubiera podido hacer una serie de varios episodios.

¿Nos descubre Cousins algo nuevo sobre Hitchcock? Yo diría que no, que para veteranos hitchcockianos como los que hemos perpetrado este hilo, todo lo que dice nos sonora a conocido. Eso sí, contado con cierta gracia. En resumen, como decía un locutor de radio que oía en mi adolescencia, refiriéndose a las novedades discográficas, “nada nuevo, pero nada malo”.

Creo que comentaste que el mismo está disponible en Netflix con lo que me ahorraré la compra del mismo, aunque sin duda lo veré.

Todavía no sé si me queda algún remake interesante del maestro por revisar, aunque seguro que alguno encontraré.

Iniciado por Alcaudón

Creo que comentaste que el mismo está disponible en Netflix con lo que me ahorraré la compra del mismo, aunque sin duda lo veré.

En Movistar. Supongo que yo también la compraré, pero aprovechando alguna rebaja.

Entonces tendré que comprarla.

Pues revisada Dial M for Murder (Crimen Perfecto), se va directa a mi top personal del maestro británico.

Magnífica de principio a fin. Guión soberbio y lleno de tensión, dirección de actores impecable (lo de Ray Milland y John Williams es para darles todos los premios del mundo), y un trabajo de composición del encuadre y planificación visual milimétrico y cuidadísimo por parte de Hitchcock, quién de la mano de su habitual director de fotografía Robert Burks consigue además sacar un gran partido al uso del color y el contraste (esos negros densos) a la hora de generar ansiedad y suspense.

Por su parte, Dimitri Tiomkin compone una estupenda partitura, que está presente solo en los momentos estrictamente necesarios, y que contiene un motivo rítmico dedicado al paso del tiempo y el agobio que esto causa en el protagonista que resulta especialmente destacable a lo largo del metraje.

Y todo ello con los mínimos elementos posibles en lo que a localizaciones y número de intérpretes respecta.

Recomendadísima.

PD: Grace Kelly no solo aporta su buen hacer habitual y -por descontado- su deslumbrante belleza, sino que además se pasa descalza la mayor parte del metraje.

Ya lo comentamos largamente en su día. Es uno de los Hitchcock que cada vez me gustan menos. Cummings es sosísimo; la trama, con el jueguecito de la llave, no se sostiene; hay mucho plano gratuito (para dar presencia al 3D)... Eso sí, Milland y Williams están muy bien (diría que como siempre) y Kelly era, sin duda, bellísima.

Curiosamente, compañero Mad Dog, de la mejor época de Hitchcock a mí me ocurre algo muy similar a lo que has comentado con la segunda versión que el director británico realizó de El Hombre que sabía demasiado, film que salvo en segmentos puntuales, nunca ha acabado de funcionarme.

Ni a Stewart ni a Day los veo bien dirigidos o especialmente cómodos en sus papeles, ni me parece que el tempo narrativo y el ritmo sean los adecuados, y el guión se me antoja algo reiterativo y forzado por momentos. Además, a nivel de puesta en escena no me parece que sea de sus obras más destacables.

En fin, es lo bonito de intercambiar pareceres.

Es que Doris Day... La escena en la que se lanza a berrear en la embajada, aunque entiendo el sentido de la acción, nunca me ha gustado. Pero hay momentos magistrales, como el concierto en el Albert Hall, o divertidos, como la pelea en el taxidermista. Con todo, no es una de mis preferidas.

Aprovecho la reciente edición de "La casa del Dr. Edwardes" (1927), de "Francis Beeding" (pseudónimo de los escritores John Leslie Palmer y Hilary Aidan St. George Saunders) - la cual he empezado a leer esta misma tarde - para indexar alguna de las (relativamente) últimas ediciones de las novelas que sirvieron de base a las personales adaptaciones que de ellas hizo el mago del suspense. Si alguna ha escapado a mi radar os ruego me lo indiquéis y la añadiré al listado con sumo gusto.

"El huésped" (1913), de Marie Belloc Lowndes (Menoscuarto Ediciones, Palencia, 2015) > EL ENEMIGO DE LAS RUBIAS (1927)



"La dama desaparece" (1936), de Ethel Lina White (Alba Editorial, Barcelona, 2017) > ALARMA EN EL EXPRESO (1938)



"La posada Jamaica" (1936), de Daphne du Maurier (Alba Editorial, Barcelona, 2018) > POSADA JAMAICA (1939)



"La casa del Dr. Edwardes" (1927), de Francis Beeding (Who Editorial, Rocafort, 2024) > RECUERDA (1945)



"Pero... ¿quién mató a Harry" (1949), de Jack Trevor Story (Alba Editorial, Barcelona, 2014) > PERO... ¿QUIÉN MATÓ A HARRY? (1956)



Al menos la lectura de la excelente novela de la bellísima Daphne du Maurier...



... dio lugar a una revisión de la última cinta en suelo británico del cineasta que me supuso toda una agradable sorpresa, como se puede comprobar en el comentario que de la misma hice hace unos meses...

https://www.mundodvd.com/sir-alfred-...7/#post4843767

Y es que este rincón, al igual que cierto personaje,...



... se niega a pasar a mejor vida...