Tema: De la literatura al cine

A su manera, una elípsis tan bella como la de LAWRENCE DE ARABIA o 2001: UNA ODISEA DEL ESPACIO.



1 m 12 s

Iniciado por Alcaudón

THE BLACK CAULDRON (1985, TARON Y EL CALDERO MÁGICO) [por cierto, en la novela y en la versión original de la película se llama TARAN y no TARON], creo recordar que fue la primera película de animación rodada en 65mm (SLEEPING BEAUTY (1959, LA BELLA DURMIENTE) se exhibió en 70mm pero se rodó en 35mm).

THE GREAT MOUSE DETECTIVE (1986, BASIL, EL RATÓN SUPERDETECTIVE) es una de las mejores películas post-Disney y un bonito homenaje al gran Basil RAThbone antes de THE LITTLE MERMAID (1989, LA SIRENITA), etc, etc, etc.

Me corrijo a mí mismo.

Tanto LA BELLA DURMIENTE como TARON Y EL CALDERO MÁGICO se rodaron en 35mm Technirama y se exhibieron en 70mm Super Technirama 70.

http://in70mm.com/library/process/technirama/index.htm

Mi perfecta memoria fotográfica me empieza a fallar. A ver si voy a ser un replicante al que le ha llegado su fecha de caducidad...



Y, por cierto, mañana ¡hablaremos del Gobierno! Quiero decir, de BLADE RUNNER y de ¿SUEÑAN LOS ANDROIDES CON OVEJAS ELÉCTRICAS?, eso sí, si antes el cielo no cae sobre nuestras cabezas (aunque eso no va a pasar mañana, ¿o sí?).

Iniciado por Alcaudón

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Mi perfecta memoria fotográfica me empieza a fallar. A ver si voy a ser un replicante al que le ha llegado su fecha de caducidad...



Y, por cierto, mañana ¡hablaremos del Gobierno! Quiero decir, de BLADE RUNNER y de ¿SUEÑAN LOS ANDROIDES CON OVEJAS ELÉCTRICAS?, eso sí, si antes el cielo no cae sobre nuestras cabezas (aunque eso no va a pasar mañana, ¿o sí?).

¿Has visto brillar rayos C en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser?

EL INFORME DE LA MINORÍA (1956) de Philip K. Dick / MINORITY REPORT (2002) de Steven Spielberg

Vuelto a leer el relato de Dick, y me ha gustado más que la primera vez.

En primer lugar, y como os podréis imaginar, lo que en la película potencia mucho las set-pieces de acción y alguna de suspense sostenido; el libro es, como lo normal en el escritor, una intriga con muchos giros y, esencialmente, de ideas: no hay siquiera UNA intervención PreCrimen para saber cómo funciona el tema de detección y captura, al estilo del comienzo del film. El relato comienza con el émulo literario de Colin Farrell, entrando a comprobar las instalaciones y bases de cómo funciona el Sistema, por parte del Senado de EEUU.

Listado de diferencias: el prota, John Anderton, es, en el relato, un tipo al borde de la jubilación (no el jóven Tom Cruise), posee esposa (no está separado ni le desapareció un hijo, como en la peli); al parecer hubo una guerra no demasiado lejana en el tiempo, pues se nos describen unas afueras de Nueva York (no el Washington del film, por cierto) devastadas aún por aquello, que fue una guerra Anglo-China (¡), lo cual además tiene relación (in)directa con todo el complot que se urde; complot con más twists y rebuscado que el del film (no es sólo UN culpable, intentando encubrir un homicidio); los tres Precogns que tiene el relato son descritos como afectados por terribles problemas físicos, que fueron empeorando (inversamente proporcional a su creciente capacidad psíquica) y descritos con desprecio (“monos”, los llaman), y no son sumergidos en líquido especial alguno, “solo” atados a unas sillas especiales; Anderton es el creador único del Sistema Pre-Crímen (no hay el personaje fílmico de Max Von Sydow); hay en la peli –y no en el relato- el tema de las drogas (que parece sacado de alguna otra historia de Dick) el Gran Hermano publicitario que te identifica en la calle o en el metro, operaciones (extracciones y recambio) oculares, arañas robóticas identificadoras e ingenios para el tráfico; hay en el cuento –y no en la peli- la idea de que hay Colonias humanas distantes, fuera de La Tierra (se habla, como “huida”, ir a Centauro X), una amenaza de Guerra Civil ligada al propio complot urdido y, especialmente, un final cínicamente escalofriante, que poco tiene que ver por la compasión de Spielberg y guionistas por los personajes (excepto “el malo”, claro; y Tom Cruise es mucho más humanista que el Anderton literario ... y la "elección" que este último hace, porque no da por válida otra, ya que ni se la plantea), incluidos esos tres precognoscentes, los pobres completamente olvidados y despreciados en la narrativa y dramática del relato de Dick (en la conclusión, pero también en toda la extensión del relato).

LOS DEVORADORES DE HOMBRES DE TSAVO (1907) de John Patterson / LOS DEMONIOS DE LA NOCHE (1996) de Stephen Hopkins

Curioso caso de hecho real que no será una comparación de una película con una novela. Aquí nos hallamos, por su estilo, ante una especie de crónica periodística en la que el autor (el coronel e ingeniero John Patterson, testigo directo de los hechos) nos relata fríamente lo acontecido. Siempre según él, dando por supuesto exageraciones. Así, por ejemplo, y sabiendo la historia entre manos (en 1898, durante la construcción de un puente para una línea férrea, en plena Kenya, un par de leones atacaron a los trabajadores, matando, durante los nueve meses que duró su reino de terror, a multitud de ellos), Patterson asegura –seguro que para darse más importancia, exagerando los estragos del enemigo- que hubo 135 muertos, los datos científicos por métodos químicos, extraídos de la piel y pelaje de los felinos disecados (estan en un Museo de Chicago) calculan que devoraron el equivalente a un total de 35 personas -justo cien menos-, peso medio por persona (aunque, ciertamente, habrá que contar que no devorarían el total de todos los cuerpos).

Por lo demás, lo concerniente a la odisea contra los dos leones, ocupa la primera mitad del libro, pues la segunda es una mera descripción de las cacerías (al margen de lo otro) del escritor, en toda su estancia en África; relatadas con una crueldad y desprecio que, seguramente, no aguantará la mayor parte de los lectores actuales, con las sensibilidad hacia los animales a mayor flor de piel (esta segunda mitad, aparte de aburridísima, me pareció repelente, la verdad).

La película ficciona el libro (y el hecho real) a la medida que puede aprovecharse de convenciones y míticas inherentes al cine de aventuras. Así, la figura del cazador legendario que interpreta Michael Douglas, no existió en la realidad: Patterson acabó con los dos felinos. El que relata la película es curiosamente, no el ingeniero, pero uno de los obreros de la India que fueron llevados allí. También se exageran cosas (aún más, si es que ya no exageraba el libro, claro), llamativo especialmente lo de los dos leones entrando al hospital de campaña y aniquilando prácticamente a todo bicho viviente (en la realidad, al parecer, uno de los animales entró un par de noches, para llevarse –en cada una de ellas- a una víctima). Sí parece sorprendentemente fidedigno lo de la cueva llena de osamentas y restos, o lo del león atrapado en el vagón, pero que fueron incapaces de abatir (¡). Los dos leones eran machos, pero de una subespecie característica de la zona de Tsavo, que no poseen melena; en cambio, en la peli, los dotan con dos fotogénicamente hermosas pelambreras. Y bueno, el John Patterson del cine es, sin duda, más empático que el que deja entrever el real con su forma de escribir (y visión de determinadas cosas…). Aparte que Val Kilmer es (o era), mucho más guapo, claro

Un par de pinceladas sobre Satiricón, de Fellini.

La novela de Petronio nos ha llegado incompleta, y ésto y su misma naturaleza (episódica y llena de escenas extremadamente escabrosas, al menos desde nuestro punto de vista) parecían volverla una obra inadaptable. Sin embargo, fascinado por la estética fragmentaria de la obra, Fellini abordó la tarea de la adaptación de manera muy personal y original. Una serie de episodios bizarros que sólo tienen en común al pintoresco trío protagonista como hilo conductor, y que, por ratos, hacen pensar en un viejo fresco pompeyano, del que faltaran trozos (estoy segura de que esa misma idea estaba en la mente de Fellini, y si la memoria no me falla, creo que una de las escenas del final pasaba, precisamente, en la tienda de un artista). Hasta donde yo recuerdo (y dejando aparte alguna ida de la olla como toda la historia del hermafrodita, que me sacó todos los colores posibles ), la película era bastante fiel al libro. Yo creo que la idea de Fellini era también retratar la decadencia de al antigua Roma, y por extensión, de la sociedad contemporánea (recordemos películas suyas previas como Los inútiles o La dolce vita). La antigua Roma que presenta Fellini me recuerda por momentos a una pintura expresionista de un Ensor, un Nolde o un Solana. Es familiar e inquietante. Cotidiana y extraña. No se parece a ninguna otra película "de romanos". No veremos en ella los majestuosos monumentos, los imponentes desfiles, los centuriones de rutilantes corazas o los magistrados severos con impolutas togas de Quo Vadis?, Ben-Hur o incluso La caída del Imperio Romano. Si tuviera que comparar Satiricón con alguna película de romanos clásica, tal vez sería con Barrabás. Lo que se nos muestra en ambas películas es el lumpen del imperio. Una Roma de callejones oscuros y catacumbas desasosegantes, que en la película de Fellini está poblada por mujeres grotescas y pintarrajeadas que parecen momias que caminan, gladiadores que se asemejan a siniestros payasos, poetas malditos, aristócratas depravados, hampones y pícaros.













Hay que decir que Fellini sale airoso de la difícil tarea de adaptar una obra inadaptable, haciendo a la vez una película muy personal, muy suya, lo que sin embargo puede echar para atrás a más de un espectador.

Vale la pena recordar que la época de Petronio, conocido como "el árbitro de la elegancia", es la de Nerón. Fellini me parece muy agudo a la hora de mostrar esa Roma del panem et circenses, una civilización que se regodeaba con las luchas de gladiadores, con la persecución y tortura de los cristianos, y con el imperialismo militarista a lo largo y ancho del Mediterráneo. No es la Roma de mármoles níveos y togas impolutas, de versos de Horacio o Virgilio, sino la de los comicastros callejeros, la prostitución, el hacinamiento en viviendas inestables, el derroche ostentoso y el predominio de la fuerza por encima de la inteligencia o la sensibilidad. El callejeo romano de Encolpio y Ascilto es uno de los momentos más brillantes del cine de Fellini, y desde mi punto de vista del cine histórico, por muchas libertades que se tomara el de Rimini (que no sé si fueron tantas).

El factor humano / The Human Factor, de Graham Greene
vs. El factor humano / The Human Factor, de Otto Preminger

Hace unos días ya comenté brevemente la película de Preminger en el hilo Las últimas pelis que has visto en casa. En el momento de hacer el comentario no había leído la novela, pero ahora que la acabo de terminar puedo afirmar que Preminger y su guionista, el prestigioso dramaturgo Tom Stoppard, realizaron una adaptación de una fidelidad casi absoluta. Cierto es que Greene les dio el trabajo casi hecho, porque estructuralmente el libro parece ya un guion literario, dividido en “secuencias” breves, con diálogos muy directos y sin digresiones descriptivas ni reflexivas excesivas, es decir, que Greene va al grano desde el primer momento.

Vale la pena recordar que Graham Greene ha sido desde el inicio de su carrera literaria un escritor muy vinculado al cine, ya que buena parte de su obra ha sido adaptada a la pantalla y adicionalmente él mismo ha elaborado varios guiones (recordemos, entre otros ejemplos, El tercer hombre, de Carol Reed, o Santa Juana, de Otto Preminger). Así, podemos destacar entre las adaptaciones de sus novelas: El ministerio del miedo (de Fritz Lang), Agente confidencial (de Herman Shumlin), El fugitivo (de John Ford), El ídolo caído (de Carol Reed), El americano tranquilo (de Joseph L. Mankiewicz)/El americano impasible (de Phillip Noyce), Nuestro hombre en La Habana (de Carol Reed), Los comediantes (de Peter Glenville), Viajes con mi tía (de George Cukor), El cónsul honorario (de John Mackenzie), El fin del romance (de Neil Jordan), Brighton Rock (de Rowan Joffe), y un largo etcétera que incluye también numerosas producciones televisivas.

El factor humano es una novela de espionaje que tiene numerosos elementos coincidentes con la biografía de Greene, él mismo espía de los servicios secretos del Foreign Office (el famoso MI6) en África durante la II Guerra Mundial. Greene cuenta en su libro de memorias “Vias de escape” que, ya al final de su carrera (la novela es de 1978, año en que cumplió los 74), quería escribir una novela de espionaje que reflejara la realidad de la mayoría de los espías, tan alejada del mundo que Ian Fleming popularizó en la serie de novelas de James Bond: nada de glamur, martinis mezclados pero no agitados, bellas espías, mucho sexo y violencia, viajes a países exóticos, etc. Sus espías son grises funcionarios, con horarios rígidos, encerrados en pequeños cubículos, que mueven papeles de un lugar a otro, dedicados a redactar o a interpretar documentos cifrados, elaborar informes y otras tareas administrativas; empleados en suma con familia o que desean tenerla, que viven en casas o pisos comunes, salen los fines de semana al campo y se preocupan de asuntos triviales, no de probar el último gadget inventado por Q o de adiestrarse para matar.

De eso va El factor humano, de la gris y monótona existencia de Maurice Castle, un funcionario del MI6 que trabaja en Londres, que tuvo su momento más excitante cuando se encontraba de servicio en la Sudáfrica del apartheid y ayudó a huir del país a una colaboradora, Sara, que desconocía en aquel momento su condición de espía y que ahora es su esposa. Esa evasión la llevó a cabo gracias a un agente comunista, lo cual le ha llevado a sentirse en deuda moral con el comunismo, pagándola con la filtración de información (poco relevante en el fondo) a la URSS. Detectada esa filtración, los mecanismos de seguridad del MI6 se ponen en marcha mostrándonos una total falta de sensibilidad hacia ese “factor humano” del título, utilizando cualquier método para resolver el problema, con total cinismo. Se fuerza el contraste, tanto en la novela como en el film, entre las formas suaves de la estructura jerárquica del MI6 y la crueldad y falta de escrúpulos de sus medidas.

Preminger y Stoppard lo reflejan a la perfección en un film sobrio narrativamente hablando y en unas imágenes tan grises como la climatología británica, imágenes que refuerzan uno de los mensajes que se reiteran en la novela: cada uno actúa dentro de un compartimiento estanco, como cajas separadas, que en el film se ilustra con un cuadro de Mondrian y en la novela con uno de Ben Nicholson.

Las diferencias son las normales entre un film y un texto literario: la novela permite pequeñas digresiones del protagonista o de otros personajes sobre la religión (tema siempre presente de un modo u otro en Greene, anglicano que se convirtió al catolicismo), la falta de fe, el comunismo, el apartheid, etc. Pero no hay nada esencial del libro que se encuentre a faltar en la película, que a menudo transcribe los diálogos de manera literal.

En definitiva, un buena novela de Greene, escritor que admiro, muy bien adaptada por Preminger. La película merece ser rescatada del olvido en que creo que vive actualmente.

Iniciado por Alcaudón

Después de leer la espléndida novela de Carson McCullers REFLEJOS EN UN OJO DORADO y a continuación visionar la versión de la misma llevada a cabo por John Huston, me doy cuenta de cómo cambian las percepciones en cuanto al disfrute de una película si antes hemos leído el material de partida, que no suele ser mi caso (y creo que tampoco el de la mayoría).

En el caso de la adaptación hustoniana pese a ser bastante fiel a la obra original y ser visualmente bellísima, con esos tonos dorados a los que continuamente se refiere la autora en sus descripciones y diálogos, el humor y las precisas y fascinantes descripciones que hace tanto de los personajes como de las motivaciones que les mueven brillan por su ausencia. Es una adaptación hueca, con grandes intérpretes eso sí (aunque Clift hubiese estado muuuucho mejor que Brando y no sólo por su condición) y que el propio Huston consideraba una de sus mejores películas, quizás porque intentó canalizar las pulsaciones de la película a través del color, cosa que ya había intentado (y logrado, todo hay que decirlo) en MOULIN ROUGE y, especialmente, en la espléndida MOBY DICK.

Y, algo que se me olvidó comentar cuando hablé de la película en el post https://www.mundodvd.com/las-ultimas...5/#post3972051 y me refiero al final de la película: teniendo en cuenta que John Huston ha filmado alguno de los finales más bellos del cine (ejemplo: EL HALCÓN MALTÉS (por cierto, superior al de la (soberbia) novela de Hammett; EL TESORO DE SIERRA MADRE o LA JUNGLA DE ASFALTO) es incomprensible que NADIE pueda filmar tan mal un final. Ese plano/contraplano contínuo, como en un partido de tenis entre Brando (que acaba de disparar a su objeto de deseo, ultrajado por que su interés amoroso se vea traicionado, ni más ni menos, que por su mujer), Taylor (la esposa cuyo descanso es velado (fascinado) por el soldado Williams) y el cuerpo de éste, ya sin vida, con sus contínuas idas y venidas, me pareció un insulto a la inteligencia de todo buen cinéfilo. Ver para creer.

Creo que tendríamos que darle buena parte del mérito de la película al director de fotografía Aldo Tonti y, especialmente, al no acreditado Oswald Morris, uno de los más grandes imagineros que ha dado el cine y la bella partitura del japonés Toshiro Mayuzumi (que ya había colaborado con el director en LA BIBLIA) aporta un atrayente toque exótico.

Y nos nos olvidemos de la maravillosa Julie Harris que les da cien vueltas a la Taylor y al Brando.

Y, por supuesto, ver la película tal y como la concibio Huston.

No es lo mismo esto...



que esto.

El otro día empecé a leer El aliento del cielo, libro que recoge todos los relatos de McCullers y sus tres novelas cortas. Hoy he empezado Reflejos en un ojo dorado y me está pareciendo buenísima. Tras leerla a ve si adquiero el film. Veo que la edición de La casa del cine para todos es anamórfica y parece que, viendo las imagenes de la parte trasera, mantiene la peculiar fotografía del film:

https://www.amazon.es/Reflejos-En-Oj...jos+ojo+dorado

A mí mo me parece mala elección la de Brando, aunque (Montgomery) Cliff junto con Taylor seguramente hubieran quedado mejor. Eso sí la elección de ésta y de Julie Harris me parecen perfectas (y eso que me queda la mitad del relato por leer).

Saludos

Sí, esa edición en DVD de La casa del cine para todos ofrece la fotografía de tonos dorados y es anamórfica. La calidad de la imagen, no obstante, me pareció discreta, pero puede deberse en parte a la elección del tono dorado. De hecho, en las capturas que incluyó Alcaudón en su comentario se aprecia que la versión dorada es mucho menos nítida que la convencional.

LOS CUCLILLOS DE MIDWICH (1957) de John Wyndham / EL PUEBLO DE LOS MALDITOS de Wolf Rilla (1960) Y John Carpenter (1995)

Novelita de cifi a cargo de un escritor inglés habitual al género, desde las variantes catastrofistas (su obra posiblemente más famosa: “El día de los Trífidos (1951)”, también “Kraken acecha (1953)” -tengo debilidad por esta- y “Las crisálidas (1955)”) para acabar en variopintas temáticas (“El problema de los líquenes (1960)”, “Chocky (1968)”). En los “Cuclillos”, Wyndham incide en una invasión extraterrestre pero mucho más sutil de lo habitual, sin guerra abierta con naves y destrucción, sino utilizando el reparo a hacer daño a infantes: adormecen a un pueblo inglés, dejan embarazadas a las mujeres, que darán a luz a niñit@s “hermosamente inquietantes”, con poderes telepáticos. Sugerente el título del libro, aunque el de las películas ha devenido ya mítico.

Llama la atención, leyendo la novela, como Wyndham sustenta gran parte de la narración en diálogos y disquisiciones legales, morales y filosóficas de todo tipo (y que en su traslación a las pantallas sufre, como es de esperar, un gran aligeramiento, por no decir desaparición de muchas de ellas). Por citar solo unas pocas: se nos habla de Adán y Eva y el “poder” superior de la mujer como engendradora de vida; curiosas teorías sobre la evolución; de los derechos civiles inter-especies inteligentes; y hasta de las derivaciones ideológicas y políticos-culturales, por ej: los niños señalan con supuesta jactancia, cómo (no) les afecta si el Gobierno del país es de Derechas o Izquierdas. Si es lo primero, pese a autocalificarse de “defensores de la infancia”, intentarán aniquilarlos, aunque les frenará el peso (¿a futuras elecciones?) de la opinión pública…; si es lo segundo, defenderán sus derechos “humanos”, su presunción de inocencia y legítima defensa –los niños aluden cínicamente a que solo responden ante ataques previos, “por ser diferentes”- … Asimismo, se dice que de nacer en Rusia, serán eliminados porque allí la seguridad de la comunidad es anterior a la del individuo, mientras en Inglaterra es lo contrario. De hecho, en la novela, hay “infecciones” no solo en el pueblecito inglés, también en Australia, Canadá o Rusia (donde, efectivamente, son bombardeados).

Bueno, más allá de todo eso, la película de Rilla es notablemente fiel al libro, en cuanto a la sucesión de hechos mismos que acontecen. Por mencionar algo, el narrador del libro es un tipo del pueblo que, en realidad, no participa casi en nada de lo que sucede, siendo el real protagonista (en la novela y los dos films) otro oriundo que acabará de maestro de los niños en La Granja donde se instalan. En la de Rilla, haría casi de narrador un militar que aparece desde el principio. En la de 1960 el niño, hijo del protagonista y su mujer, es algo así como el jefe-portavoz del grupo, mientras que en el libro no hay una “cabeza destacada”, de hecho todos los niños y niñas tienen unos rasgos faciales idénticos (solo diferenciables los sexos, por el corte de pelo), que permite además ciertos vínculos con temas tipo clonación y recuerdo del nazismo. La película de Carpenter presenta algunas alteraciones más: aparte de hacer que Midwich sea un pueblo USA, añade unos planos aéreos de la “amenaza invisible” acercándose al pueblo, también inventa a una científica que quiere aprovecharse de los niños para sus “loables fines” (y que acabará como víctima en canal juas, de “los experimentos”), hace que el cura del pueblo apunte con un rifle a los infantes (en la novela era otro personaje) y, especialmente, aquí el hijo del protagonista (cuya esposa muere, en esta ocasión) empieza a larvar cierto sentimientos y empatía, porque pierde a “su pareja” (nacen conectados en parejas y, por eso caminan en de dos en dos, en fila). Es en el 95, una niña la Lideresa del grupo.

Ciñéndonos a escenas concretas, la famosa escena del primer film (recuperada para el del 95) con la madre introduciendo involuntariamente su brazo en una olla de agua hirviendo, no existe en el libro. También es curioso como la novela hace elipsis de otras escenas (mostradas claramente en ambos films), como la gente del pueblo intentando atacar todos juntos a los niños, para acabar “auto infligiéndose” heridas mortales. Y el final. La explosión de La Granja pilla al lector y los otros personajes de improviso (si es que no se han visto antes los films, claro) ya que nos sitúa fuera, con la mujer del protagonista y el narrador. En los dos films sí vemos lo que ocurre dentro, y Rilla y guionistas crean la idea del muro de ladrillos (otra vez, repescada por Carpenter) creados por el protagonista en su mente para, que los niños-alien “no vean” la bomba. Aunque en el 95 no mueren todos, no para añadir algún sesgo pesimista con un escapado, sino lo contrario, con un niño “a recuperar” y posible halo futuro para la convivencia.

Por lo demás, niños y niñas rubitos, de ojos de hipnótico color dorado en el libro (muy conseguido e inquietante el efecto en la de Rilla, aunque en blanco y negro, claro; algo excesivos los trucajes multicolor ILM en la de Carpenter). Curioso también cómo el tono de Rilla hace parecer tender su película hacia el terror (el simple uso del blanco y negro seguro que ayuda a eso, y a cierto vago sentimiento gótico) mientras que la estética neutra en la de Carpenter parece ahuyentar cualquier acercamiento a ese género.

Iniciado por Frank Zito

LOS CUCLILLOS DE MIDWICH (1957) de John Wyndham / EL PUEBLO DE LOS MALDITOS de Wolf Rilla (1960) Y John Carpenter (1995)

Novelita de cifi a cargo de un escritor inglés habitual al género, desde las variantes catastrofistas (su obra posiblemente más famosa: “El día de los Trífidos (1951)”, también “Kraken acecha (1953)” -tengo debilidad por esta- y “Las crisálidas (1955)”) para acabar en variopintas temáticas (“El problema de los líquenes (1960)”, “Chocky (1968)”). En los “Cuclillos”, Wyndham incide en una invasión extraterrestre pero mucho más sutil de lo habitual, sin guerra abierta con naves y destrucción, sino utilizando el reparo a hacer daño a infantes: adormecen a un pueblo inglés, dejan embarazadas a las mujeres, que darán a luz a niñit@s “hermosamente inquietantes”, con poderes telepáticos. Sugerente el título del libro, aunque el de las películas ha devenido ya mítico.

Llama la atención, leyendo la novela, como Wyndham sustenta gran parte de la narración en diálogos y disquisiciones legales, morales y filosóficas de todo tipo (y que en su traslación a las pantallas sufre, como es de esperar, un gran aligeramiento, por no decir desaparición de muchas de ellas). Por citar solo unas pocas: se nos habla de Adán y Eva y el “poder” superior de la mujer como engendradora de vida; curiosas teorías sobre la evolución; de los derechos civiles inter-especies inteligentes; y hasta de las derivaciones ideológicas y políticos-culturales, por ej: los niños señalan con supuesta jactancia, cómo (no) les afecta si el Gobierno del país es de Derechas o Izquierdas. Si es lo primero, pese a autocalificarse de “defensores de la infancia”, intentarán aniquilarlos, aunque les frenará el peso (¿a futuras elecciones?) de la opinión pública…; si es lo segundo, defenderán sus derechos “humanos”, su presunción de inocencia y legítima defensa –los niños aluden cínicamente a que solo responden ante ataques previos, “por ser diferentes”- … Asimismo, se dice que de nacer en Rusia, serán eliminados porque allí la seguridad de la comunidad es anterior a la del individuo, mientras en Inglaterra es lo contrario. De hecho, en la novela, hay “infecciones” no solo en el pueblecito inglés, también en Australia, Canadá o Rusia (donde, efectivamente, son bombardeados).

Bueno, más allá de todo eso, la película de Rilla es notablemente fiel al libro, en cuanto a la sucesión de hechos mismos que acontecen. Por mencionar algo, el narrador del libro es un tipo del pueblo que, en realidad, no participa casi en nada de lo que sucede, siendo el real protagonista (en la novela y los dos films) otro oriundo que acabará de maestro de los niños en La Granja donde se instalan. En la de Rilla, haría casi de narrador un militar que aparece desde el principio. En la de 1960 el niño, hijo del protagonista y su mujer, es algo así como el jefe-portavoz del grupo, mientras que en el libro no hay una “cabeza destacada”, de hecho todos los niños y niñas tienen unos rasgos faciales idénticos (solo diferenciables los sexos, por el corte de pelo), que permite además ciertos vínculos con temas tipo clonación y recuerdo del nazismo. La película de Carpenter presenta algunas alteraciones más: aparte de hacer que Midwich sea un pueblo USA, añade unos planos aéreos de la “amenaza invisible” acercándose al pueblo, también inventa a una científica que quiere aprovecharse de los niños para sus “loables fines” (y que acabará como víctima en canal juas, de “los experimentos”), hace que el cura del pueblo apunte con un rifle a los infantes (en la novela era otro personaje) y, especialmente, aquí el hijo del protagonista (cuya esposa muere, en esta ocasión) empieza a larvar cierto sentimientos y empatía, porque pierde a “su pareja” (nacen conectados en parejas y, por eso caminan en de dos en dos, en fila). Es en el 95, una niña la Lideresa del grupo.

Ciñéndonos a escenas concretas, la famosa escena del primer film (recuperada para el del 95) con la madre introduciendo involuntariamente su brazo en una olla de agua hirviendo, no existe en el libro. También es curioso como la novela hace elipsis de otras escenas (mostradas claramente en ambos films), como la gente del pueblo intentando atacar todos juntos a los niños, para acabar “auto infligiéndose” heridas mortales. Y el final. La explosión de La Granja pilla al lector y los otros personajes de improviso (si es que no se han visto antes los films, claro) ya que nos sitúa fuera, con la mujer del protagonista y el narrador. En los dos films sí vemos lo que ocurre dentro, y Rilla y guionistas crean la idea del muro de ladrillos (otra vez, repescada por Carpenter) creados por el protagonista en su mente para, que los niños-alien “no vean” la bomba. Aunque en el 95 no mueren todos, no para añadir algún sesgo pesimista con un escapado, sino lo contrario, con un niño “a recuperar” y posible halo futuro para la convivencia.

Por lo demás, niños y niñas rubitos, de ojos de hipnótico color dorado en el libro (muy conseguido e inquietante el efecto en la de Rilla, aunque en blanco y negro, claro; algo excesivos los trucajes multicolor ILM en la de Carpenter). Curioso también cómo el tono de Rilla hace parecer tender su película hacia el terror (el simple uso del blanco y negro seguro que ayuda a eso, y a cierto vago sentimiento gótico) mientras que la estética neutra en la de Carpenter parece ahuyentar cualquier acercamiento a ese género.

No sabía que las películas estaban basadas en una novela de Wyndham . Por cierto, que ya ha quedado para el recuerdo la parodia que hicieron en Los Simpsons :



"Loush niñoush lo sabemous todou..."

De Wyndham no he leído nada, pero recuerdo la adaptación que en los años 80 se hizo para la televisión de Chocky, con ese toque-siniestro-intelectual-raruno-malrrollero propio de la sci-fi británica. Qué de malos ratos pasé con Chocky . A pesar de éso, era una serie que veía con asiduidad. Una de esas series que muchos pensarían, antes de la llegada de Internet, que la habían soñado:

Iniciado por Jane Olsen

No sabía que las películas estaban basadas en una novela de Wyndham . Por cierto, que ya ha quedado para el recuerdo la parodia que hicieron en Los Simpsons :



"Loush niñoush lo sabemous todou..."

"El Sanguinariamieeeentooooooo" jaja. Recuerdo el gag de un faro de coche o linterna reflejándose en los ojos de Bart & Co, asustando al Jefe Wiggum

Iniciado por Jane Olsen

De Wyndham no he leído nada, pero recuerdo la adaptación que en los años 80 se hizo para la televisión de Chocky, con ese toque-siniestro-intelectual-raruno-malrrollero propio de la sci-fi británica. Qué de malos ratos pasé con Chocky . A pesar de éso, era una serie que veía con asiduidad. Una de esas series que muchos pensarían, antes de la llegada de Internet, que la habían soñado:

No he visto esa serie, pero se del impacto que ejerció en muchos telespectadores, como en tu caso.

Las historias de Wyndham son muy old-fashioned, mucho más centradas en imaginarse cómo serían las reacciones tanto de los individuos (los protagonistas) como de las instituciones públicas y dar muchas vueltas analizando las implicaciones que surgen con ellas; más que con el aparataje cienciaficcionero en si mismo o la descripción de "escenas de miedo", lo que provocará decepción o aburrimiento en muchos lectores (por ej. en, quizá, mi preferida, "Kraken acecha", solo hay una escena de tensión en que la amenaza aparezca en primer término a los protagonistas -y lectores-, no contada de tercera mano). Pero vamos, "las Cuatro del Apocalípsis" (Trífidos, Kraken, Crisálidas, Cucos) me parecen estupendas y muy recomendables; siendo curiosamente la más afamada, Trífidos, la que menos me gusta (aún siendo buena).

Para mí, EL DÍA DE LOS TRÍFIDOS es la obra maestra del autor inglés. Y una novela de gran influencia tanto en dentro de la literatura como en la traslación a otros medios.

Iniciado por Tripley

El otro día empecé a leer El aliento del cielo, libro que recoge todos los relatos de McCullers y sus tres novelas cortas. Hoy he empezado Reflejos en un ojo dorado y me está pareciendo buenísima. Tras leerla a ve si adquiero el film. Veo que la edición de La casa del cine para todos es anamórfica y parece que, viendo las imagenes de la parte trasera, mantiene la peculiar fotografía del film:

https://www.amazon.es/Reflejos-En-Oj...jos+ojo+dorado

A mí mo me parece mala elección la de Brando, aunque (Montgomery) Cliff junto con Taylor seguramente hubieran quedado mejor. Eso sí la elección de ésta y de Julie Harris me parecen perfectas (y eso que me queda la mitad del relato por leer).

Saludos

Yo compré hace un par de meses REFLEJOS en la edición suelta pero he aprovechado la edición conjunta en EL ALIENTO DEL CIELO para poder conseguir todos sus cuentos y el resto de novelas (cortas) salvo EL CORAZÓN ES UN CAZADOR SOLITARIO.

La copia a la que yo he podido acceder, ejem, ejem, es magnífica y recrea espléndidamente el diseño de color ideado por el director y el operador.

La Taylor con una fusta

Hoy he acabado la novela corta. A ver si en breve me compro el film.

Por otro lado, se está reeditando toda la obra de McCullers por su cnetenario

Saludos

Iniciado por Alcaudón

Para mí, EL DÍA DE LOS TRÍFIDOS es la obra maestra del autor inglés. Y una novela de gran influencia tanto en dentro de la literatura como en la traslación a otros medios.

Es curioso, creo que cada novela tiene un sector más o menos bien definido de admiradores. Trifidos sería la preferida a nivel popular, Crisálidas la de la crítica digamos sesuda, Cucos se alimentaría de las dos tendencias y beneficiada por la sección cinefila gracias al culto de la peli de los 60. Kraken sería la más indefinida. Todo esto lo digo con brocha gorda, claro, hay fans de todo tipo para cada una.
Sin duda Trifidos es la más carismática, el tema de la ceguera, la de más acción y suspense y con ese intrigantisimo comienzo que hasta copia la peli 28 días despues.
MI preferida es Kraken porque siempre me ha fascinado la idea de las bases submarinas de alienigenas (no, lo del Kraken no es literal por el monstruo mítico escandinavo) y el hecho de no verlos nunca le da un aire supremamente misterioso e inquietante, para mi gusto.

Ella / She, A History of Adventure (1886), de Henry Rider Haggard
vs. La diosa de fuego / She (1935), de Lansing C.Holden y Irving Pichel



Hace unos días comenté en Las últimas pelis que has visto en casa el film codirigido por Holen y Pichel, y producido por Merian C. Cooper. Animado por la propuesta deliciosamente encantadora de la producción de Cooper, me lancé sobre la novela de Haggard (autor también de “Las minas del rey Salomón”), que devoré en un par de sesiones. Como ya apuntó Frank Zito en su momento, las diferencias son notables, sobre todo en la ambientación geográfica de la aventura que nos narra Haggard. La novela nos lleva hasta un incierto punto de la costa oriental africana, quizá en el territorio de la actual Tanzania, cercano a la isla de Zanzíbar y al norte del río Zambeze, mientras que la película sitúa el reino de She en un territorio ignoto del Ártico. Mientras que la novela habla de una civilización instalada en terreno volcánico rodeado de mefíticos pantanos, el film nos lleva hasta un espléndido valle verde y fértil rodeado de montañas nevadas (a lo Shangri-La). El motor de la acción es parecido: en la novela, Leo Vincey (Randolph Scott en la película, pero allí es el sobrino americano) hereda de su padre, prematuramente muerto (se suicidó), un encargo familiar que se ha transmitido a lo largo de más de dos milenios: regresar a una civilización donde reina una mujer todopoderosa a donde llegaron en el siglo IV a.C. los antepasados de Vincey: un sacerdote egipcio de origen griego, Kallikrates (del cual sabremos que Leo es su imagen viviente), y su esposa, una princesa egipcia (en la película, el vínculo se remonta solo hasta un antepasado aventurero inglés del siglo XV). Leo ha crecido bajo la tutela de Holly, amigo íntimo de juventud de su padre, un hombre, se nos dice, enormemente feo (mientras que Leo es un hombre de gran belleza) y que va a ser el narrador de la historia (en la película, Holly tiene los rasgos de Nigel Bruce, pero su papel es secundario, de compañero de viaje de Leo, al cual ha conocido ya de adulto).

Después de un viaje accidentado consiguen llegar, con mucha fortuna, al país de She, “la que debe ser obedecida” (a la que tardamos en “ver” en la novela más de un centenar de páginas). She reina sobre un pueblo un tanto primitivo, los Amahagger, que hablan árabe, sobre las ruinas de una civilización mucho más antigua, que floreció varios milenios antes de Cristo, de origen incierto, y que se apunta que pudieron ser los antecesores de la cultura egipcia (todo estos elementos, obviamente, son ajenos al film). De esa cultura solo quedan los restos de templos y palacios y un complejo conjunto de tumbas rupestres y sus momias (que, en ocasiones, utilizan ¡como combustible!). El origen de She es misterioso, ella misma al parecer procede de Siria y habla árabe antiguo. Su característica es, aparentemente, la inmortalidad, ya que tiene unos 2.500 años y conoció directamente a Kallikrates, de quien se enamoró y, a pesar de ello, a quien asesinó (lo cual la ha sumido en el dolor durante todo ese tiempo). Se entiende que cuando conozca a Leo su interés sea recomenzar un idilio con más de dos milenios de interrupción (¡que se dice pronto!). She es descrita como una mujer de belleza excepcional, única, a pesar que se muestra poco en público y, habitualmente, lo hace envuelta en vendas, casi como una momia. Esta es otra de las diferencias respecto a la película, ya que en ella la reina (Helen Gahagan) se muestra siempre de manera visible, además que su aspecto no parece que responda a esa belleza irresistible de la novela (difícil de ilustrar, ciertamente: ¿a quién hubiéramos elegido en 1935?).

Hay algunos detalles coincidentes: la tortura de los Amahagger consistente en poner una especie de vasija ardiente sobre los condenados, para después comérselos; el cuerpo perfectamente conservado del antepasado de Leo, que se disuelve cuando She cree haberlo recuperado, encarnado en Leo; ciertas celebraciones, aunque en la novela son más cruentas; el personaje sabio y en parte bondadoso que los ayuda en más de una ocasión; la chica que se enamora de Leo, aunque en la novela es una Amahagger y en la película es una chica occidental, Tanya (también difiere en que en la película la chica muere, “ejecutada” por She, por medio de sus poderes mágicos, mientras que en el film huye finalmente con Leo).

El final de la narración plantea la misma situación:

Spoiler:

She quiere que Leo reciba el fuego de la vida eterna, como ella ya recibió hace siglos, pero cuando vuelve a sumergirse en esa extraña fuerza de la naturaleza para convencer a su amado, empieza a envejecer rápidamente y muere. Esa parte final está vigorosamente narrada por Haggard, ya que el cubículo donde tiene lugar la ceremonia del fuego eterno se encuentra en las entrañas de un volcán apagado, donde para llegar se ha de pasar por un sinfín de dificultades.

En resumen, un texto de agradable lectura, de esos que uno disfruta como un cochino en un lodazal, bien llevado a la pantalla, en una adaptación bastante fiel en lo esencial, aunque a costa de renunciar a muchos de sus elementos, algunos de ellos, como todo lo referente a esa misteriosa y desaparecida civilización antigua, que uno hubiera agradecido que estuvieran más presentes.

Me pregunto si el cambio de ambientación pudo haber venido por influencia de otra novela de aventuras muy de moda en esos años, Vril, de Bulwer-Lytton (autor de Los últimos días de Pompeya), donde también se hablaba de una civilización perdida, y que por cierto, entusiasmaba a los nazis, que al parecer se llegaron a creer a pies juntillas la historia de una raza superior y olvidada por el tiempo que venía del frío norte.

Iniciado por Jane Olsen

Me pregunto si el cambio de ambientación pudo haber venido por influencia de otra novela de aventuras muy de moda en esos años, Vril, de Bulwer-Lytton (autor de Los últimos días de Pompeya), donde también se hablaba de una civilización perdida, y que por cierto, entusiasmaba a los nazis, que al parecer se llegaron a creer a pies juntillas la historia de una raza superior y olvidada por el tiempo que venía del frío norte.

Lo ignoro. Lo cierto es que para cualquiera criado en los 70, cuando los libros de Von Däniken, Jacques Bergier o Charles Berlitz estaban al orden del día, esa civilización perdida en África, con rasgos orientales (se insiste en que su escritura, indescifrable para todos salvo para She, recuerda los idiogramas chinos), posible origen de la cultura egipcia, ese aspecto fantasioso de la novela de Haggard es un punto a su favor. El texto recoge también una colección de interesantes reflexiones sobre la vida y la muerte, sobre la inmortalidad, que aunque formuladas en forma de pulp fiction no resultan en absoluto ridículas ni simplonas.

Yo creo que en aquel momento les debió parecer más atractiva y singular la ambientación "fría": puede que inspirándose más en la secuela del libro, "Ayesha, el Retorno de Ella" -que tiene lugar "cerca del Tibet, un Reino oculto por un glaciar"- que en el original.

La peli atempera un puñado de aspectos de libro (que, por ciertos pasajes, gustaba mucho a Lovecraft), como salvar la chica enamorada de Leo y el final, es obviamente para eliminar la inquebrantable y "problemática" relación amorosa que se estrablece en el libro entre Leo y Ayesha, y optar por la love-story más digerible para el espectador familiar, sin ulteriores mórbidas consecuencias. Pero, con todo, es una peli estupenda.

La "Ella" del film de Pichel y Holden es muy visible, si (adaptar la novela en eso, es complicado), pero al menos es mejor que la voluptuosidad de Ursula Andress, que no me gusta NADA.

Tomo buena nota de esa ¿secuela? titulada "Ayesha, el retorno de Ella", de la que compruebo que hay edición reciente de Valdemar. Probablemente la opción de Cooper fue fusionar ambas obras y optar así por la ambientación gélida por razones que se me escapan (de hecho, a mí me parece que daba más juego la de los pantanos), quizá para distinguirla más de otras de sus producciones, como King Kong o The Most Dangerous Game.

Se entiende perfectamente el interés de Lovecraft por la novela, aunque quizá precisamente lo que más le pudo atraer es lo que menos se destaca en la película: esa civilización misteriosa, de orígenes inciertos, con una lengua desconocida. Lo que no inspiró al de Providence fue el protagonismo de una mujer: lo femenino brilla por su ausencia en su obra. Tampoco era muy dado a los elementos eróticos que se presentan en el texto de Haggard (eso sí, con bastante recato). Queda abierta la pregunta: ¿qué actriz hubiéramos elegido en 1935 para encarnar una mujer exuberante, de belleza sin igual, que se desnuda para recibir su baño de fuego? Mujer que, además, ha de parecer enormemente inteligente y sabia, capaz de pasar en un instante de ser seductora a ser cruel y fría como el hielo.

Hay otra cuestión interesante de analizar: los paralelismos con Horizontes perdidos, el film de Frank Capra basado en una novela de James Hilton, que presenta el mundo perdido de Shangri-La. Como apuntaba Jane Olsen, probablemente era un tópico en la época (finales del siglo XIX y principios del XX) las civilizaciones perdidas, temas vinculados más o menos explícitamente con el esoterismo de movimientos como la teosofía.

La película de Frank Capra me parece una de las menos interesantes dentro de su gran etapa que va de 1936 a 1941. Quizás porque no puedo emparentarla con sus otras producciones coetáneas.

Es difícil elegir una actriz de la época para el papel de Ayesha. Creo que sólo Greta Garbo con esa mirada altiva que poseía le hubiera podido dar ese toque atemporal y distante de una persona que ha vivido durante cientos de años.

Por cierto y hablando de Haggard, una de mis novelas de aventuras favoritas es LAS MINAS DEL REY SALOMÓN de la surgió una estupenda adaptación de la mano de Compton Bennett y Andrew Marton (1950) con unos atractivos Stewart Granger (el mejor actor del género durante los años '50 (como Errol Flynn lo fue en los '30)) y Deborah Kerr (una de mis actrices favoritas desde siempre (TÚ Y YO, THE INNOCENTS)):

Es curioso, pero creo recordar que Ayesha/Ella/La diosa del fuego también estuvo en la génesis de La momia, donde una historia de maldiciones egipcias, de actualidad entonces por el descubrimiento de la tumba de Tutankhamón, es mezclada con otra de amores imposibles y enamorados separados por océanos de tiempo que diría el Drácula cursilón de Coppola. Originariamente la película se iba a llamar Cagliostro, y trataba de las andanzas de este aventurero dieciochesco que supuestamente había vivido en otras épocas y siempre había perdido a la mujer a la que amaba (probablemente, por confusión con el Conde de Saint Germain, otro enigmático personaje del siglo XVIII relacionado con el esoterismo y del que se decía que era inmortal). El proyecto fue sufriendo diversos cambios y modificaciones y al final se quedó en lo que conocemos hoy (en la famosa escena de la piscina, en la que el personaje de Karloff lleva a la chica, le enseñaba no sólo su vida en el antiguo Egipto, sino en otras reencarnaciones: mártir cristiana en la antigua Roma, en la época de las Cruzadas, etc. etc...).



Todas esas escenas se cortaron del montaje estrenado en los cines. El escritor chileno Vicente Huidobro escribió por los años 30 un ambicioso guión cinematográfico sobre Cagliostro que tampoco se llevó nunca al cine. Algunos años después se hizo otra película sobre Cagliostro, con Orson Welles, donde se le mostraba como un siniestro magnetizador al estilo de Svengali, pero al parecer no tiene nada que ver con los proyectos previos.



El Conde de Saint Germain ocupaba un lugar prominente (aunque misterioso) en la maravillosa La dama de picas.



Y entre las películas que nunca existieron, siempre soñé con una película sobre este personaje protagonizada por mi admirado Conrad Veidt .



El siglo XVIII estuvo lleno de personajes de este tipo (Cagliostro, el Conde de Saint Germain, el Barón Von Kempelen, el Príncipe Raimondo di Sangro, Conrad Dippel -que inspiró posiblemente Frankenstein-...), pero con la excepción de Casanova, es curioso lo poco que el cine, en general, ha sacado partido de tales personajes.

Perdón por el off-topic