Tema: David Lean: revisando sus películas

Iniciado por Alcaudón

No te lo creerás pero no recuerdo haber visto nunca Papillón y eso Schaffner era un director excelente y no solo por El planeta de los simios o Patton.

Creo que el motivo se debe a que la copia a la que tuve acceso, no sé si por la televisión o en VHS o DVD no respetaba el formato original.

Creo...

Papillon la vi por primera vez hace poco más de un año, creo que en Movistar. Ciertamente, el DVD no respetaba el formato.

Iniciado por Alcaudón

No te lo creerás pero no recuerdo haber visto nunca Papillón y eso Schaffner era un director excelente y no solo por El planeta de los simios o Patton.

Creo que el motivo se debe a que la copia a la que tuve acceso, no sé si por la televisión o en VHS o DVD no respetaba el formato original.

Creo...

El Señor de la Guerra , uno de esos films que recuerdo haber visto por primera vez de tiempos de Garci en el 2º canal de RTVE y que nunca he revisado en versión original.... Tampoco he visto su reencuentro con George C. Scott tras Patton en "La isla del adiós" ....

Iniciado por mad dog earle

Papillon la vi por primera vez hace poco más de un año, creo que en Movistar. Ciertamente, el DVD no respetaba el formato.

¿Brevísima opinión a modo de titular? Aunque no te hago fan de McQueen, yo solamente a veces, y bueno, quizá sus muecas o caracterización te haya echado algo para atrás.

No, desde luego, no soy fan de McQueen. Nunca he comprendido la fama extraordinaria que alcanzó en su día. En Papillon comparte protagonismo con otro grande de la época, Dustin Hoffman. La película... esta bien, pero sin entusiasmarme. Aclaro que no he leído la célebre novela.

Iniciado por Otto+

El Señor de la Guerra , uno de esos films que recuerdo haber visto por primera vez de tiempos de Garci en el 2º canal de RTVE y que nunca he revisado en versión original.... Tampoco he visto su reencuentro con George C. Scott tras Patton en "La isla del adiós" ....

Una excelente cinta "La isla del adiós" y uno de los mejores papeles de Scott, que ya es decir.

No sabía muy bien dónde citar este artículo que he encontrado hoy en El País, pero aprovechando que estamos en una época del ciclo lean donde tiene cabida Peter O'Toole o Tom Courtenay, aquí lo dejo. Y de hecho, Oliver Reed en un film como "La hija de Ryan" no hubiese desentonado.

“Cuando está sobrio es aburridísimo”: 25 años sin Oliver Reed

Trancrito PARCIAL en el spoiler:

Spoiler:

El 2 de mayo de 1999 era día de descanso en el rodaje de Gladiator, y el equipo de la película se dispuso a disfrutar del soleado domingo. También Oliver Reed (Londres, 1938 – La Valeta, 1999), que había jurado a Ridley Scott no probar el alcohol hasta concluir el trabajo pero, habiendo mantenido rigurosamente su palabra durante meses y no quedándole más que un par de escenas por delante, dio por cumplida su promesa y se acercó a un pub de La Valeta. Ocho pintas después decidió volver a su hotel. Claro que al salir por la puerta escuchó una frase que equivalía a toda una declaración de guerra: “¿Tomamos una copa, Ollie?”.

Unos soldados de la Marina Británica lo habían reconocido. Ocasión idónea para pasarse al trago largo. Reed se ventiló una docena de copas de ron charlando con ellos. Dobles. Y para evitar el reseco durante los pulsos a los que le retaron, una botella de whisky. Nada mal para sus 61 años. Ganó unos, perdió otros, firmó autógrafos, se despidió con abrazos cuando llegó la hora de que los marinos regresaran al barco. Y fue ahí cuando sintió que le faltaba el aire. El cuerpo le había reventado. Al día siguiente los periódicos hablaron de lo absurdo de aquel final, pero Reed no hubiera estado de acuerdo: morir bebiendo en un pub siempre le pareció la mejor de las opciones posibles.

Puede que para entonces Reed fuera una estrella en declive, pero qué podía importar eso a alguien que se sabía en el terreno de la leyenda. Y Reed se sentía allí desde su infancia, cuando veía en los ojos de sus compañeros la admiración por su resistencia ante los castigos físicos, único método que los 14 colegios británicos que pisó emplearon para intentar controlar a un alumno incontrolable que conjugaba confusamente la dislexia, la hiperactividad y una timidez extrema.

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Su gran amigo Michel Winner, años antes de dirigir a Charles Bronson en El justiciero de la ciudad (1974), consideraba que “Ollie era el hombre más amable, tranquilo y educado del mundo, excepto cuando se tomaba una copa”. Y de copas Reed nunca anduvo escaso. “Entrar a un pub era un continuo OK Corral”, se excusaba, porque tras ellas solían llegar las peleas. Su manera favorita de afrontarlas era la del gentleman que obligaba su origen nobiliario: retarse, ir a casa, ponerse su mejor traje de Savile Row y acudir puntualmente a la cita. Pero solían ser más habituales las otras. Una de ellas estuvo a punto de costarle la carrera, cuando disintió con una docena de parroquianos que mantenían que todos los actores eran “maricones”.

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En un plató se cruzó con Ken Russell, enfant terrible del cine británico empeñado en labrarse una filmografía a golpe de exceso sobre el exceso. Reed encajó milimétricamente en aquella mecánica. Fue entonces cuando su fama se disparó por su papel en Mujeres enamoradas (1969), que incluía el primer desnudo frontal masculino del cine inglés. No le fue fácil hacerlo, pero una vez cumplido, abandonó cualquier timidez. Una noche etílica decidió acercarse a un local clandestino para tatuarse un ala de águila en la parte más querida de su organismo. Solía explicar cómo amoldó su anatomía para que la tatuadora tuviera una superficie lisa sobre la que trabajar. A partir de ahí, bajarse los pantalones a la mínima ocasión se convirtió en ua performance habitual que no tenía reparos en cumplir por igual en una fiesta de la alta sociedad que en un bar frente a Ozzy Osbourne.

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Nunca alcanzó la primera división del estrellato. Estuvo cerca de hacerlo cuando Sean Connery decidió abandonar el personaje de James Bond y fue designado como su sucesor, pero el escocés se lo repensó. También cuando Steve McQueen viajó a Londres para proponerle una película conjunta, pero Ollie lo recibió en su pub de confianza y no tardó en vomitarle encima. Y cuando le ofrecieron El golpe (1973) y Tiburón (1975), pero las terminó rechazando porque a él del cine no le interesaban las películas, sino el reto de trabajar con intérpretes que entendía de su estirpe.

No todos se mostraron receptivos. Al concluir Pesadilla diabólica (1976), Bette Davis lo calificó como “uno de los seres humanos más repugnantes que nunca he tenido la desgracia de encontrarme”. Piers Haggard, director de Veneno (1981) se lo encontró intentando volcar la caravana de Klaus Kinski al grito de: “¡Sal de ahí si tienes cojones, nazi hijo de puta!”. A Robert Mitchum no le hizo particular gracia tener que ver el ala de águila ya el primer día de rodaje de Detective privado (1978). Pero cuando Reed encontraba un amigo, lo era de por vida. La presencia de Lee Marvin, uno de los borrachos más legendarios de Hollywood, fue el único motivo que le llevó a embarcarse en el ignoto western Botas duras, medias de seda (1976). La camaradería quedó forjada su primera noche conjunta en Durango, cuando en un club de striptease Marvin cayó al suelo por un coma etílico en medio de una balacera y Oliver consiguió sacarlo de allí a rastras.

Reed comenzó a intuir el final de sus años de gloria al cruzar la barrera de los cuarenta, cuando todos los excesos se hicieron visibles de golpe: un crítico diría de su rostro que había mutado en la parte peor conservada de Stonehenge. Pero demostrando que sentía la misma vitalidad que siempre, anunció su tercer matrimonio con una chica 25 años menor que él. Y muy comprensiva, a juzgar por sus declaraciones: “Lo prefiero borracho, es mucho más divertido. Cuando está sobrio es aburridísimo”.

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Reed nunca vio nada ofensivo en algo que entendía como una simple prolongación de los famosos bromazos que había empezado a gastar a todo el mundo desde que al acabar las sesiones de rodaje de La maldición del hombre lobo decidiera decidiera no quitarse el maquillaje para divertirse viendo la reacción de la gente que se cruzaba por la calle. En uno de aquellos programas un presentador le preguntó si era incapaz de entender su vida como una continua fiesta y ahí Reed no había dudado: “Debería serlo. A todo el mundo le gustaría que su vida lo fuera. Pero solo unos pocos tenemos la oportunidad”. Y si de algo no queda duda es de que Reed la aprovechó hasta sus últimas consecuencias.

Tan excesivo en la vida como en la ficción. Esa permanente intensidad que muestra en sus composiciones tiende a agotarme a los pocos minutos. Desde luego, no es uno de mis actores favoritos.

16. Pasaje a la India (A Passage to India, 1984)



Catorce años después de Ryan’s Daughter, Lean entrego su siguiente film, A Passage to India, con el que, a la postre, concluiría su carrera. A diferencia del anterior, esta vez Lean vuelve a las adaptaciones literarias, una constante en su filmografía: la novela de 1924 de E.M. Forster, pero a partir de la traslación teatral que había llevado a cabo la escriptora india Santha Rama Rau, y que se había representado tanto en Londres como en Broadway. Por cierto, parece ser que Forster no quería que se adaptara a la pantalla ninguna de sus obras. Murió en 1970, lo cual le evitó ver cómo, en especial en los 80, se llevarían al cine varias de sus novelas. Además de la que nos ocupa, James Ivory dirigió A Room with a View, en 1985, Maurice, en 1987, y Howards End, en 1992, por lo que podemos afirmar que la película de Lean inaugura una década en que el nombre de Forster quedó asociado a la pantalla grande.

La propia Rama Rau preparó un guion para Lean, pero este lo rechazó, haciéndose cargo el mismo en solitario de su elaboración final (también aparece acreditado como montador), y, al parecer (como no he leído la novela ni he visto la pieza teatral no puedo confirmarlo), introduciendo notables cambios.

Aunque la película posee ese aliento leaniano que tantos éxitos (y algunas críticas) le deparó, en especial a partir de The Bridge on the River Kwai, no es un dato menor que por primera vez desde el film ambientado en Tailandia, Lean recurrió al formato panorámico habitual (1,85:1), dejando atrás los formatos en scope de sus cuatro films anteriores. Anotamos otro cambio en la fotografía: Ernest Day, que había sido el operador en los tres films anteriores, substituye al veteranísimo Freddie Young (que había ganado el Oscar en cada uno de ellos), lo cual redunda en un conjunto de imágenes menos “espectaculares”, lo cual, unido a una banda sonora de Maurice Jarre reconocible pero más contenida de lo habitual (por la que ganó un Oscar), da como resultado un film en su conjunto menos “grandioso” que los cuatro anteriores.

Incluso en lo que al reparto se refiere hay también una mayor modestia: salvo la presencia, reiterativa dentro de la filmografía de Lean, de Alec Guinness (aunque había faltado a la cita en Ryan’s Daughter), en el papel de místico profesor Godbole,



el resto de los actores y actrices, correctos en general, no tienen la aureola, ni entonces ni después, de algunos de los presentes en los films anteriores. Particularmente, me gustan mucho las dos protagonistas, tanto Judy Davis, como la joven inexperta Adela Quested, a la búsqueda de nuevas experiencias en un mundo que presupone exótico, pero que la superará,



como la veterana Peggy Ashcroft en el papel de Mrs. Moore (por el que ganaría también un Oscar).



Junto a ellas, nos encontramos con un competente James Fox, como el maestro de la escuela, Mr. Fielding; Nigel Havers, como el hijo de Mrs. Moore y prometido de Adela; y, quizá en el papel principal, Victor Banerjee, como el viudo doctor Aziz, indio de religión musulmana.



En mi opinión buena parte de los elementos que no me gustan de la película radican en la interpretación de Banerjee, aunque reconozco que no sé si responden a la caracterización del personaje por parte de Forster. Me da la impresión, a lo largo de todo el film, de ser un personaje apocado, disminuido delante de los británicos, incluso a veces cayendo en lo ridículo. Puede que todo ello sea una forma de acentuar la diferencia cultural y, en definitiva, política entre dominadores y dominados, pero a menudo me da la impresión de que Lean carga demasiado las tintas por medio de la interpretación de Banerjee.

Uno de los añadidos respecto a la novela (según comenta Moreno Cantero) es el largo prólogo que se inicia en un Londres lluvioso, cuando Adela visita una agencia de viajes y siente una especial atracción por unas fotos de las cuevas de Marabar, que van a tener un papel central en la trama de la película. Adela viaja con la que ha de ser su futura suegra, Mrs. Moore, en barco hasta Bombay, y luego hasta la ciudad ficticia de Chandrapore, donde se alojarán en el elegante y exclusivo barrio de los ingleses, separado claramente de la sociedad india a la que pertenece Aziz. Allí, Ronny, el hijo de Mrs. Moore, ejerce como magistrado del tribunal, no temblándole el pulso, a pesar de su juventud, a la hora de condenar a la población autóctona, a la que, como la mayoría de británicos, trata con cierto desdén y superioridad.

Casualmente, Mrs. Moore se encontrará con Aziz, por la noche, en una mezquita semiderruida. Se establecerá entre ellos una fuerte corriente de simpatía y amistad que propiciará una excursión con Adela a las cuevas de Marabar.



Allí se produce el hecho clave que marcará la parte final del film. Con anterioridad, Lean nos deja clara la represión sexual que sufre Adela mediante una visita fortuita a un templo hindú en ruinas, en el que las estatuas de claro contenido erótico, la interpelan directamente y la escandalizan forzándola a huir (a lo que contribuye una manada de monos poco amigables).





Será en las cuevas donde toda esa represión acumulada estallé de forma violenta y enigmática. Adela huye corriendo montaña abajo, con riesgo de su vida, para acusar a continuación a Aziz de haber intentado violarla. A pesar de la, en mi opinión, excelente interpretación de Judy Davis, y de lo atractivo de introducir el elemento misterioso en el marco de las profundidades de la montaña, toda la situación me parece un tanto insatisfactoria, cosa que se verá agravada por el juicio al que tendrá que someterse Aziz.



El suceso muestra a los ojos de los más intolerantes entre la colonia británica lo inútil e improcedente del intento de intimar entre ingleses e indios, en lo que no coincide en absoluto Mrs. Moore, que considera Aziz inocente, al igual que Mr. Fielding.

El juicio me parece la parte menos interesante y peor resuelta del film, cayendo por momentos en lo esperpéntico. Mrs. Moore ha decidido abandonar la India y morirá en el barco durante el viaje de regreso, con lo que su testimonio, solicitado por la defensa, queda imposibilitado.

Será la propia Adela, en un giro de guion imprevisto, la que acabe confesando que Aziz es inocente, quedando en la penumbra el porqué de su denuncia, como si fuera la exteriorización de ese estallido sensual que no ha sabido controlar.

La película finaliza con un breve epílogo en el que se produce el reencuentro, años después, en otro lugar de la India, cerca del Himalaya (Lean no puede evitar aquí caer en un cierto cartepostalisme fascinado por los impresionantes picos nevados de la cordillera), entre Aziz y Fielding, el cual llega en compañía de su esposa: Stella, la hija de Mrs. Moore. Como curiosidad, la actriz que encarna a Stella, en un breve papel (el único que interpretó en el cine), es Sandra Hotz, que por aquel entonces estaba casada con David Lean (del que se divorciaría en ese mismo año).



Con la imagen de una solitaria Adela, que ha recibido una carta exculpatoria de Aziz, mirando a través de los cristales mojados por la lluvia londinense, acaba el film, y con él la obra de Lean.



Quedaron diversos proyectos sobre la mesa, entre otros rodar Empire of the Sun, sobre la novela de J.G. Ballard, que acabaría en manos de uno de sus admiradores, Steven Spielberg, o sobre todo la adaptación de la novela de Joseph Conrad “Nostromo”, proyecto al cual dedicaré un breve comentario con el que daré por finalizada la revisión dedicada al director británico.

Nostromo: el sueño imposible de David Lean (2017), de Pedro González Bermúdez



Curiosamente será un documentalista español el que pondrá fin a la revisión que hemos dedicado a la obra de David Lean, por medio de un documental producido por TCM. De González Bermúdez ya había tenido la ocasión de ver algunos interesantes documentales, como El último adiós de Bette Davis, sobre la visita de la estrella a San Sebastián en 1989, poco antes de morir; Peckinpah Suite, sobre el director californiano visto a través de los ojos de su hija Lupita; o La naranja prohibida, en que conmemora los 50 años del estreno de la película de Kubrick y las circunstancias que rodearon su primer pase público en España, en el marco de la Seminci de Valladolid.

Pero, sin duda, el mejor documental del director, al menos de los que le he visto, es este más que notable film sobre al proyecto al que dedicó Lean los últimos años de su vida (empezó a trabajar en él con casi 80 años): la adaptación cinematográfica de “Nostromo”, novela de Joseph Conrad publicada en 1904. Con Nostromo, parece como si Lean quisiera completar una particular galería de personajes compuesta por el coronel Nicholson, Lawrence y el capitán Blight de la Bounty, el gran proyecto que no pudo llegar a filmar (personajes a los que quizá podríamos añadir el revolucionario Strelnikov o Tim O’Leary, el luchador por la independencia de Irlanda).



Se trata de un completísimo documental sobre las diversas fases y protagonistas del proyecto, acompañados en todo momento por el testimonio de Sandra Lean (Sandra Cooke de soltera), la viuda de nuestro director.



Aparecen en pantalla los guionistas, primero Christopher Hampton, que abandonó el proyecto cuando Stephen Frears llevó a la pantalla su guion de Dangerous Liaisons; después, el amigo y colaborador habitual de Lean, Robert Bolt, que, a pesar de sufrir un ictus en 1979 y estar parcialmente paralizado, todavía tuvo fuerzas para volver a trabajar con el director.

Aparecen los productores, en principio Steven Spielberg para Warner. Spielberg siempre se ha declarado admirador de Lean (en algún momento del film dice que fue Lawrence of Arabia la responsable de su dedicación al cine) y acababan de colaborar en Empire of the Sun, proyecto que inicialmente iba a dirigir Lean, pero que acabó en manos del de Cincinnati. Pero la relación se enfrió cuando Spielberg formuló una serie de críticas al guion, lo que unido a las dificultades presupuestarias del acuerdo con Warner, le obligó a buscar otra fuente de financiación en la figura de Serge Silberman.

También se pasa revista a la elaboración del reparto. Lean quería a Brando (no queda muy claro si para el papel de Nostromo), pero el astro norteamericano estaba enfermo (acababa de sufrir un ictus). El papel principal acabó recayendo en un actor desconocido (Lean presumía de haber descubierto actores como Peter O’Toole o Omar Sharif), el francés Georges Correface, al que recomendó que fortaleciera su cuerpo con sesiones de gimnasio.



Se habla de otros actores con los que se hicieron pruebas para diversos papeles, como Alan Rickman o Tilda Swinton (también se pensó en Christopher Lambert o Dennis Quaid). O el deseo contrapuesto entre Lean y Silberman: Lean quería a Irene Papas y Silberman a Isabella Rossellini.

Respecto a la localización, se pasó de Loreto, en la Baja California, a Almería, donde Lean ya había rodado parte de Lawrence of Arabia.

Pero la edad y los problemas de financiación obligaron a abortar el proyecto. Por un lado, Columbia Tristar, que era la que finalmente tenía que poner el dinero, se negó a aceptar a Correface: quería una estrella norteamericana. Por otro lado, el octogenario director precisaba de un cuantioso seguro y de la presencia de un suplente (se habla de Guy Hamilton). Ya al final, con un Lean que tenía que moverse con silla de ruedas, se pensó en rodar la película en unos estudios en el sur de Francia, pero el descubrimiento de un tumor puso punto final al último intento de David Lean de hacer uno de sus grandiosos films: según sus palabras “Nostromo” tenía que ser “más grande” que Lawrence of Arabia. Genio y figura hasta la sepultura.

Si os interesa la obra de Lean, no os lo perdáis. Me parece uno de los documentales más completos, amenos e interesantes sobre un proyecto cinematográfico fallido que he visto nunca. Ya solo nos queda cerrar la revisión con el cuestionario Fletcher de rigor y las conclusiones finales.

Yo esta semana, aunque no sé cuándo, me pondré con el visionado y posterior comentario de LA HIJA DE RYAN que será además el último que haga dado que PASAJE A LA INDIA fue una de las últimas películas que vi con mi ama y no me apetece volver a verla no por nada especial sino porque es una cinta larga y aunque me gustó tampoco está a la altura de sus mejores obras.

Eso sí, esta semana voy a estar liado entre los viajes a casa de ami ama para llevarme mis últimas cosas (entre ellas mi televisión de 42'' en 3D), la firma de la venta (definitiva) el viernes y la (posible) recepción de la carta certificada de la SS con la fecha de alta y consiguiente disfrute de las vacaciones del año pasado.

Ahora mismo estoy con el comentario de EL FANTASMA DEL PARAÍSO (1974), de Brian De Palma (segunda entrega del coleccionable) aunque no sé si incluirla en el OR o abrir uno nuevo dedicado a él reutilizando la primera y más adelante CARRIE (1976) que reseñé dentro del subhilo dedicado a Stephen King.

Iniciado por Alcaudón

Ahora mismo estoy con el comentario de EL FANTASMA DEL PARAÍSO (1974), de Brian De Palma (segunda entrega del coleccionable) aunque no sé si incluirla en el OR o abrir uno nuevo dedicado a él reutilizando la primera y más adelante CARRIE (1976) que reseñé dentro del subhilo dedicado a Stephen King.

Si realmente vas a dedicarte a comentar su filmografia, extensa e irregular, mejor que abras un hilo. Ahora bien, ¿quieres comentar todos sus films o solo algunos?

Todos de los que disponga copia que son, por ahora, como una veintena pero, eso sí, a mi ritmo.

Primero de todo perdón por el retraso, mucho trabajo por la Suiza alemana, tiempo de impuestos, exámenes y curro, pero bueno, ahora gozo de una semana libre, el cual usaré para finiquitar el ciclo, algo decepcionante, por cierto, y ver algunas que otras pelis más. También han ayudado las pocas ganas de escribir que me han entrado al ver el film, que ya lo comenté por red interna, que me aburrió lo suyo.

Es evidentemente que tiene un poderío visual, sólo por la típica escena que da la mayoría de portadas de DVD y BD y esos acantilados, creo que se llamaban de Moher, que tuve la suerte de pisarlos, pues ya vale la pena, un caramelo fotográfico icónico. Pero todo lo épico que pueden ser los Lorenzos de Arabia y Doctores Zhivagos de turno, aquí se intenta, pero no hay nada épico a nivel histórico, de un aburrido triángulo amoroso, ya que el amante me parece un coñazo interpretativo digno del peor "modelo" de Bresson de turno, estamos casi atravesando la delgada linea roja MAd de ser irritante. La pareja protagonista, sin ser lo mejor de Lean, aguantan una por interpretación, ella, y el otro más por bagaje quizás, Mitchum está también en la frontera de su filmo, creciendo exponencialmente ese perímetro abdominal tan característico en su última etapa, por ejemplo en films revisados por aquí: DETECTIVE PRIVADO o el ULTIMO MAGNATE de Kazan.



Como he dicho lo mejor lo centro sobretodo en su aspecto visual, siendo sólo esos minutajes de épica la fantástica escena de la tormenta, quizá, y sin él, lo mejor del film. Momentos de angustia que, por el cansancio producido per "l'esdevenir " (no me sala la palabra en castellano) del film, me saben a muy poco aunque es indiscutible su poder cinematográfico de dichas escenas. Estoy con Mad, que los secundarios le dan algo de vidilla al relato, aunque no es suficiente, me quedo con el tonto del pueblo, por cierto John Mills sale en todos sus films?. La música de Jarre, también, no se si por agotamiento del relato, se me pasó bastante desapercibida. También el factor de haber visto el film hace más de una semana y no gozarlo, hace que se me hayan olvidados varias cosas que quería comentar en su visionado, pero que se evaporaron.

En fin, lo dejo aquí, seguramente, la peor de los supuestos Blockbuster de LEan, espero que su último film me de algo más de frescura, no quiero mirar su duración, espero unas 15 horas de duración . Ya de paso mando a calentar a Kurosawa, que ya le falta poco.

Mills no sale en todas, pero sí en muchas. Como Guinness. Y yo también estuve en esos acantilados.

Y yo también.

Aunque mi intención es ver y comentar las dos últimas películas del ciclo (al menos LA HIJA DE RYAN) no sé cuándo podré ponerme a ello dado que estos días estoy muy ocupado por asuntos personales y profesionales.

También tengo una reseña del subhilo dedicado a Brian de Palma a medio hacer (o acabar) y el boceto de un programa dedicado al díptico (ya tríptico) de Ti West, X/PEARL (y sí, es mejor la segunda que la primera, pero esta también está muy bien) para el OR.

De todas formas, no esperéis por mí para el ineludible cuestionario Fletcher dado que mis puestos de cabecera no van a cambiar pues las dos que me quedan por rerevisar (no, no es un error) las tengo bastante recientes, especialmente PASAJE A LA INDIA.

Ya se ya se, sigo yendo tarde en las entregas, pero ya lo suelo hacer en la última entrada del ciclo, ya que no tengo esa presión de la siguiente, a parte, he estado de exámenes, que no olviden, que tenía que hacerlos en alemán, por tanto doble mérito y doble sufrimiento. También las duraciones eternas de los films, y en particular éste, que no me ha enchufado en ningún momento, no me han ayudado a ir on Time.

Al largo del visionado del film notaba quizá cansancio de ciclo, o simplemente no me apasionaba lo que estaba viendo, sí, a simple vista parece otra film más épico de Lean, pero lo noté más intimista, que esto no quiere decir que sea malo o bueno, a mi esta apuesta poco habitual de Lean en este tipo de productos, sí me interesa, pero no tengo muy claro que logre funcionar. La presencia de Judy Davis, de esas actrices que lo hacen siempre, como mínimo, bien, me sirven de agarre al film, durante 2/3 del film, pero como dice Mad, la parte del juicio, INSUFRIBLE!!!!, porque se tiene que poner siempre una escena de juicios en este tipos de filmes, Porque???? Díganme por favor!!!!. Parte dilatadísima, que no funciona en absoluto, pareciendo más un partido de futbol con Hooligans en primer fila, que algo serio, y el final del juicio, pues bueno ya lo rematamos, vergüenza ajena.

En fin, no hay muchas ganas de escribir y sí de finiquitar el ciclo, en breve Fletcher Rule's y cargado de energías para el ciclo de Aki, pero no el finlandés, que ya se hizo

Este ciclo se me ha hecho bola. Me ha pasado algo parecido como con Kazan. En mi opinión las revisiones de Kazan y Lean han sido los dos ciclos hechos hasta ahora que me han resultado menos atractivos y gozosos. Incluso un director con bastantes churros, como Peckinpah, me resultó más fácil de llevar. Ahora nos espera Kurosawa, ciclo de los largos aunque con un puñado de obras maestras de calidad contrastada a lo largo de los años por medio de numerosas revisiones. Pero en este caso una más no solo no me importa, sino que me atrae.

Nos queda el cuestionario (que ya tengo medio redactado ), un pequeño descanso de un par de semanas, y a por el japonés (y no me refiero al coronel Saíto ).

¡Por fin Ozu!

Tampoco me refería a Ozu, como bien sabes. Esa revisión te toca a ti.

Mi enhorabuena a Alex por su triunfo en Eurovisión, Suiza twelve points

A mi también se me ha hecho pesadito, me lo esperaba más disfrutón.

Iniciado por Alex Fletcher

A mi también se me ha hecho pesadito, me lo esperaba más disfrutón.

¿El cantante suizo de Eurovisión?

¡Horrorvision!

Iniciado por Alcaudón

¡Horrorvision!

Eso cuando comience el ciclo de la Universal, "filmado y revisitado en Horrorvision"

Si se enteras Campanilla de que no os gusta el Festival, os deshereda Y hay cosas peores que tener que ver ese acontecimiento televisivo, por ejemplo tener que adaptarte al proceso previo de "vaciado" para una colonoscopia o que te toque de vocal en la mesa electoral de las próximas elecciones ¿Tengo razón o tengo razón, señores? Festival Vs "Colono" Vs "Mesa electoral", elige tu opción preferida para pasar el lindo día

Creo que el ciclo ha salido perjudicado por haberse hecho en orden cronológico (mucho epic largo al final oscilante en calidades) y por tratarse de films que son muy vistos y de los que apetece revisitar de vez en cuando.... pero no seguidos encima como habéis hecho!!!
¿Acaso no dijo Hannaben que se tomaba muy entre algodones ciertas fases de la retrospectiva?

Total, agujetas mentales "porque se me ha hecho bola el ciclo y necesito pequeñas vacaciones para recuperar mi líbido cinematográfica"

Por cierto, en la lista, creo que de Alcaudón, me sorprendió ver tan baja "Un espíritu burlón", de la que tengo buen recuerdo aunque hace ya mucho tiempo de aquello. En fin... ¿alguna opinión de pasada con la vuelta a la dirección de Coppola en "Megalópolis"?