El callejón de las películas perdidas

La presentación en sociedad de este nuevo hilo se debe básicamente a la desazón y al malestar que sentimos algunos de los participantes en el ya añejo https://www.mundodvd.com/las-ultimas...sto-casa-7998/ debido a la deriva que el mismo ha tomado hacia posiciones con las que muchos no comulgamos ni en la forma ni en el fondo.

Quizás sea que nos estamos haciendo viejos pero algunos creemos que independientemente de los gustos de cada uno las críticas cinematográficas tienen que cumplir unos mínimos que, me temo, no se dan últimamente en el citado rincón.

Y que conste que servidor ha sido uno de sus principales valedores con subhilos dedicados a temas tan dispares como el cine de zombis moderno, la adaptaciones a la gran (y a la pequeña) pantalla del escritor Stephen King, el cine fantástico español o el más reciente a Brian De Palma.

Mi intención es seguir con los mismos pero en el hilo que acabo de abrir.

Nunca debimos abandonar el Misisipi...

:digno

“Caballero soy armado, que corre el mundo para desfacer agravios y enderezar entuertos…” (Primera parte del ingenioso cavallero Don Quixote de la Mancha, Madrid, 1605)…

o

Revisando la filmografía del productor Leonard Goldstein (28 de mayo de 1903 / 23 de julio de 1954) / Acto I. Escena I (Su etapa en la Universal-Internacional):

BLACK BART (1948, EL ENMASCARADO)

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Copyright 1948 by Universal Pictures Company, Inc.

Director: George Sherman.

Productor: Leonard Goldstein.

Producción: Universal-International Pictures Co., Inc.

Distribución: Universal Pictures Company, Inc.

Guion: Luci Ward, Jack Natteford y William Bowers, basado en una historia de Luci Ward y Jack Natteford.

Fotografía: Irving Glassberg, en Technicolor (1.37:1).

Dirección artística: Bernard Herzbrun y Emrich Nicholson.

Decorados: Russell A. Gausman y William Stevens.

Música (de stock): Hugo Friedhofer, Charles Maxwell, Hans J. Salter, Paul Sawtell, Frank Skinner y Leith Stevens (no acreditados).

Montaje: Russell F. Schoengarth.

Reparto: Yvonne De Carlo (Lola Montez), Dan Duryea (Charles E. Boles), Jeffrey Lynn (Lance Hardeen), Percy Kilbride (Jersey Brady), Lloyd Gough (Sheriff Gordon), Frank Lovejoy (Lorimer), John McIntire (Clark) y Don Beddoe (J. T. Hall).

Presupuesto: 854.000 dólares.

Rodaje: de principios de junio a mediados de julio de 1947.

Duración: 80 minutos.

Estreno: el 17 de febrero de 1948 en San Francisco, California.

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…

California / segunda mitad del siglo XIX

…

Aunque los hermanos gemelos Leonard (1903-1954) y Robert (1903-1974) Goldstein no aparecen ni siquiera mencionados en el -por otra parte - ejemplar “Diccionario del western clásico” de Javier Coma (Plaza & Janés, Barcelona, 1992) lo cierto es que ambos y, muy especialmente el primero, contribuyeron de forma sustancial a la que con toda rotundidad puede considerarse como la Edad de Oro del género. O sea, los años 40 y 50.

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Ya habrá tiempo de hablar del segundo puesto que se encargaría de recoger el testigo de su hermano cuando este falleció súbitamente a los 51 años de edad.

Y aunque Goldstein produjo películas de todo tipo de géneros fue en el western, y en menor medida en el cine negro y en el de aventuras, donde consiguió sus mayores logros.

Intuyo que fue el formidable éxito de taquilla que supuso EL HUEVO Y YO (1947), de Chester Erskine, con Claudette Colbert y Fred MacMurray (¡5.570.000 dólares!) y en la que Goldstein trabajaba como productor adjunto lo que le valió el ascenso al cargo de productor aunque dentro del ámbito de producciones que ciertamente no eran A pero tampoco B.

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- Por cierto, dos de los actores que intervinieron en la misma, Marjorie Main y Percy Kilbride (1888-1964), se convertirían en dos de los rostros más populares de la compañía al protagonizar una serie de (muy exitosas) comedias producidas precisamente por Goldstein. -

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Justamente sería EL ENMASCARADO, la cinta hoy comentada, su primer trabajo como productor dentro de la Universal-International para la que trabajaría desde 1947 hasta 1953, con un bis en 1954, el año de su fallecimiento.

Un western, como todos los que produjo para la compañía, rodado en Technicolor, un aditamento entonces notoriamente lujoso dado lo aparatoso de las cámaras y lo caro que resultaba el revelado de los tres negativos que se usaban.

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- También fue la primera película en color de su coprotagonista, Dan Duryea (1907-1968)...

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... a quien los amigos del foro dedicado a Fritz Lang seguramente no habrán olvidado puesto que colaboró con el director vienés en tres de sus mejores cintas, EL MINISTERIO DEL MIEDO (1944), LA MUJER DEL CUADRO (1944) y PERVERSIDAD (1945)… por no mencionar WINCHESTER ‘73 (1950), un (muy querido) proyecto de Lang que acabó finalmente en manos de Anthony Mann y que es una de las obras maestras del género y cuyo nombre saldrá a colación más adelante… - :cafe

Si nos ceñimos a este género, los directores con los que más (y mejor) trabajó el productor fueron el norteamericano George Sherman (1908-1991) y el argentino Hugo Fregonese (1908-1987).

Sherman había iniciado su carrera en el seno de la Republic Pictures Corp. (1935-1959) en 1937 dirigiendo la undécima entrega de la popular serie “The 3 Mesquiteers”, WILD HORSE RODEO (6 de diciembre de 1937).

Sería precisamente Sherman quien se encargaría de dirigir las entregas 17 a 25 de la misma y protagonizadas por el westerner por excelencia, John Wayne (1907-1979).

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* Primera de las ocho entregas de dicho serial protagonizadas por Wayne, PALS OF THE SADDLE (15 de septiembre de 1938)

- Recordemos que Wayne trabajó (aunque no en exclusiva) para la Republic desde 1935 hasta 1952 en un total de 33 películas, incluidas algunas de las obras mayores de su mentor, John Ford (1894-1973), como son RÍO GRANDE (1950) y EL HOMBRE TRANQUILO (1952). -

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Después de un breve paso por la Columbia Sherman se asentaría definitivamente en la Universal-International.

Para Goldstein dirigió 7 (+1, el bis al que antes hacía referencia) westerns:

1948, BLACK BART / EL ENMASCARADO

1948, RIVER LADY / RÍO ABAJO

1949, RED CANYON / HURACÁN

1949, CALAMITY JANE AND SAM BASS

1950, COMANCHE TERRITORY / ORGULLO DE COMANCHE

1951, TOMAHAWK / EL PIEL ROJA

1952, THE BATTLE AT APACHE PASS

+

1955, CHIEF CRAZY HORSE / EL GRAN JEFE (estrenado póstumamente)

Prueba palpable de la confianza (y del aprecio) que Goldstein sentía por Sherman es el hecho de que este dirigiera los cinco primeros westerns producidos por aquel y que aparecen en el listado anterior.

- El 6º vendría firmado, como no, por el mencionado Hugo Fregonese, SADDLE TRAMP (1950), con Joel McCrea (1905-1990) - el otro westerner por excelencia junto al citado Wayne y Randolph Scott (1898-1987) - de protagonista. -

Como decía al inicio de mi intervención, a pesar de que las producciones Goldstein oscilaban entre las categorías A- y B+, lo cierto es que las mismas contaban con los mejores profesionales a uno y otro lado de las cámaras.

Además no deja de ser curioso el hecho de que en esos cinco primeros westerns a los que hacía referencia sea una mujer la que encabece el reparto: Yvonne De Carlo (1922-2007) en EL ENMASCARADO, RÍO ABAJO y CALAMITY JANE AND SAM BASS; Ann Blyth (1928) en HURACÁN; Maureen O’Hara (1920-2015) en ORGULLO DE COMANCHE.

Y digo que es curioso porque el western siempre ha sido un género “masculino” y no sería hasta los 50 (salvo honrosas excepciones) en que alguno de sus mejores exponentes estuviese protagonizado por mujeres: ENCUBRIDORA (1952), de Fritz Lang; JOHNNY GUITAR (1954), de Nicholas Ray o FORTY GUNS (1957), de Samuel Fuller.

EL ENMASCARADO es una película ciertamente simpática donde se mezclan con alegre desparpajo las figuras reales del famoso atracador de diligencias de la Wells Fargo & Co., Charles E. Boles (el “Black Bart” del título original), con la no menos conocida Lola Montez (1821-1861), a la que el gran Max Ophüls consagró en su última magnum opus, LOLA MONTÈS (1955).

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El primero encarnado por Duryea...

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... y la segunda por De Carlo...

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El (desequilibrado) trío (amoroso) lo completa Jeffrey Lynn (1909-1995), uno de los actores que fue descartado para encarnar a Ashley Wilkes (el interés amoroso de Scarlett O’Hara) en LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ (1939).

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Y el trío de “villanos” lo completa el ya mencionado Percy Kilbride que será además quien narre la historia del famoso atracador a un periodista en un largo flashback que ocupa prácticamente toda la película.

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En cuanto al guion si la parte “histórica” seguramente puede atribuirse al matrimonio formado por Luci Ward (1907-1969) y Jack Natteford (1894-1970)…

- Tengamos en cuenta que ya previamente habían reunido a los James (Jesse y Frank), los Dalton (Grat, Bill y Bob), Sam Bass y Belle Star (¡!) en BADMAN’S TERRITORY (1946), de Tim Whelan y con Randolph Scott de protagonista. -

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… con mayor razón los divertidos (e ingeniosos) diálogos...

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... parecen ser obra de William Bowers (1916-1987) en cuyo currículo se encuentran joyas como EL PISTOLERO (1950), de Henry King, DESAFÍO EN LA CIUDAD MUERTA (1958), de John Sturges o, especialmente por lo que a la presente cinta se refiere, FURIA EN EL VALLE (1958), de George Marshall...

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Y es que es precisamente en el humor (sin que la película llegue a ser una comedia en sentido estricto dado que al final tanto Charles (Duryea) como Lance (Lynn) mueren acribillados a balazos a manos de las fuerzas del orden) donde la propuesta obtiene sus mejores réditos.

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Como en ese giro final en el que descubrimos que Jersey (Kilbride) nos ha narrado la historia mientras se encuentra en prisión y donde intuimos que su final no será muy distinto al de sus antiguos compañeros de fechorías. :horca

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Aunque evidentemente la relación amorosa que se da entre los protagonistas nunca tuvo lugar en la vida real lo cierto es que la hermosa Lola Montez (De Carlo) vivió entre 1853 y 1855 en los EUA y, más en concreto, en California, estado en el que ejercía sus actividades el galante Charles E. Boles (Duryea)… de 1875 a 1883…

O sea, coincidencia espacial pero no temporal. :aprende

De hecho, Montez murió en 1861 mientras que nadie sabe a ciencia cierta cuándo lo hizo el famoso atracador (a pesar de lo que indica la lápida donde - supuestamente - descansan sus restos...) y es que, al contrario que su contrapartida en la gran pantalla, Boles fue condenado en 1884 a seis años de cárcel en la prisión de San Quintín de los que solo cumplió cuatro por su buen comportamiento (al parecer “Black Bart” jamás llegó a disparar ni un solo tiro en los 28 robos que se le atribuyen a las diligencias de la Wells Fargo, algo ciertamente… homérico… :cuniao) y por su deteriorado estado de salud.

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Antes de finalizar este breve comentario que inaugura este hilo “alternativo” me gustaría destacar la presencia de una bellísima Yvonne De Carlo, una de mis actrices predilectas desde que la vi en LA ESCLAVA LIBRE (1957), de Raoul Walsh, junto a Clark “Rhett Butler” Gable, cuando no era más que un embrión de cinéfilo.

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Una actriz además cuyos primeros papeles protagónicos se dieron en el western, con títulos como SALOMÉ, LA EMBRUJADORA (1945) y LA DAMA DE LA FRONTERA (1945), ambas de Charles Lamont y rodadas en rutilante Technicolor.

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A pesar de que la copia de la que dispongo no es la calidad que sería esperable a las alturas del milenio en el que nos encontramos justo es de reconocer la espléndida labor del gran director de fotografía Irving Glassberg (1903-1958), otro casi debutante puesto que esta era su segunda película.

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- Recordemos sus trabajos para los antes mencionados Anthony Mann (HORIZONTES LEJANOS (1952)) y John Sturges (EL SEXTO FUGITIVO (1956)) o el gran Douglas Sirk (ORGULLO DE RAZA (1955), ÁNGELES SIN BRILLO (1957)). -

Ah, y entre los actores de reparto destacar la presencia del colosal John McIntire (1907-1991), quien a pesar de trabajar para la Wells Fargo es el compinche en la sombra de Boles.

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Y dada mi predilección por la circularidad de las películas (y de mis propios comentarios) no me queda más que indicar que precisamente el famoso Winchester ‘73 de la película homónima pasará por las manos tanto de McIntire como de Duryea aunque el que se lleve finalmente el gato al agua será el mismísimo James Stewart.

Presiento que este es el comienzo de una hermosa amistad…

Buenas noches y, buena suerte.

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…

Filmografía como productor de Leonard Goldstein (1903-1954):

[En color rojo sus westerns; en azul las que se englobarían dentro del cine negro y en verde sus cintas de aventuras]

* Películas de las que dispongo copias

Universal-International Pictures Co., Inc. (1948-1953, 1955):

1948

Black Bart / El enmascarado / George Sherman / Yvonne De Carlo / Technicolor / Western / 17-2-48 *

River Lady / Río abajo / George Sherman / Yvonne De Carlo / Technicolor / Western / 6-48 *

Feudin’, Fussin’ and A-Fightin’ / George Sherman / Donald O’Connor / Blanco y negro / Comedia / 6-48

Larceny / Aves de rapiña / George Sherman / John Payne / Blanco y negro / Cine negro / 3-9-48 *

1949

Ma and Pa Kettle / Charles Lamont / Marjorie Main / Blanco y negro / Comedia / 1-4-49

Red Canyon / Huracán / George Sherman / Ann Blyth / Technicolor / Western / 5-5-49 *

Yes Sir, That’s My Baby / George Sherman / Donald O’Connor / Technicolor / Musical / 14-9-49

Calamity Jane and Sam Bass / George Sherman / Yvonne De Carlo / Technicolor / Western / 20-9-49 *

Artic Manhunt / Edwing Scott / Mikel Conrad / Blanco y negro / Aventuras / 24-9-49

1950

Ma and Pa Kettle Go to Town / Charles Lamont / Blanco y negro / Comedia / 1-4-50

One Way Street / Murallas de silencio / Hugo Fregonese / James Mason / Blanco y negro / Cine negro / 1-4-50 *

Comanche Territory / Orgullo de comanche / George Sherman / Maureen O’Hara / Technicolor / 1-5-50 *

I Was a Shoplifter / Charles Lamont / Scott Brady / Blanco y negro / Cine negro / 13-5-50

The Desert Hawk / El halcón del desierto / Frederick de Cordova / Yvonne De Carlo / Technicolor / Aventuras / 5-8-50

Saddle Tramp / Hugo Fregonese / Joel McCrea / Technicolor / Western / 21-9-50 *

The Sleeping City / George Sherman / Richard Conte / Blanco y negro / Cine negro / 16-10-50 *

1951

Tomahawk / El piel roja / George Sherman / Van Heflin / Technicolor / 5-2-51 *

Up Front / Alexander Hall / David Wayne / Blanco y negro / Comedia / 5-3-51

Katie Did It / Frederick de Cordova / Ann Blyth / Blanco y negro / Comedia / 1-4-51

Double Crossbones / Charles Barton / Donald O’Connor / Technicolor / Aventuras / 26-4-51

Francis Goes to the Races / Arthur Lubin / Donald O’Connor / Blanco y negro / Comedia / 1-5-51

Ma and Pa Kettle Back on the Farm / Edward Sedgwick / Marjorie Main / Blanco y negro / Comedia / 10-5-51

Hollywood Story / William Castle / Richard Conte / Blanco y negro / Cine negro / 1-6-51 *

The Prince Who Was a Thief / Su alteza el ladrón / Rudolph Maté / Tony Curtis / Technicolor / Aventuras / 2-7-51 *

The Lady from Texas / Joseph Pevney / Howard Duff / Technicolor / Comedia / 1-9-51

You Never Can Tell / Lou Breslow / Dick Powell / Blanco y negro / Comedia / 23-9-51

Reunion in Reno / Kurt Neumann / Mark Stevens / Blanco y negro / Comedia / 10-51

Cave of Outlaws / William Castle / Macdonald Carey / Technicolor / Western / 11-51 *

Flame of Araby / Los hermanos Barbarroja / Charles Lamont / Maureen O’Hara / Technicolor / Aventuras / 19-12-51 *

1952

Finders Keepers / Frederick de Cordova / Tom Ewell / Blanco y negro / Comedia / 1-52

The Treasure of Lost Canyon / Ted Tetzlaff / William Powell / Technicolor / Aventuras / 1-3-52

Meet Danny Wilson / Joseph Pevney / Frank Sinatra / Blanco y negro / Musical / 1-4-52

Flesh and Fury / Joseph Pevney / Tony Curtis / Blanco y negro / Melodrama / 26-6-52

Steel Town / George Sherman / Ann Sheridan / Technicolor / Cine negro / 9-5-52

The Battle at Apache Pass / George Sherman / John Lund / Technicolor / Western / 9-5-52 *

Scarlet Angel / El capitán Panamá / Sidney Salkow / Yvonne De Carlo / Technicolor / Aventuras / 20-6-52 *

Just Across the Street / Joseph Pevney / Ann Sheridan / Blanco y negro / Comedia / 27-6-52

Ma and Pa Kettle at the Fair / Charles Barton / Marjorie Main / Blanco y negro / Comedia / 11-7-52

Sally and Saint Anne / La casa del abuelo / Rudolph Maté / Ann Blyth / Blanco y negro / Comedia / 7-52

Francis Goes to West Point / Arthur Lubin / Donald O’Connor / Blanco y negro / Comedia / 7-52

Untamed Frontier / Hugo Fregonese / Joseph Cotten / Technicolor / Western / 23-7-52 *

Son of Ali Baba / Kurt Neumann / Tony Curtis / Technicolor / Aventuras / 15-8-52

It Grows on Trees / Arthur Lubin / Irene Dunne / Blanco y negro / Comedia / 2-9-52

The Duel at Silver Creek / Don Siegel / Audie Murphy / Technicolor / Western / 5-9-52 *

Back at the Front / George Sherman / Tom Ewell / Blanco y negro / Comedia / 10-52

1953

The Redhead from Wyoming / Lee Sholem / Maureen O’Hara / Western / 8-1-53 *

Ma and Pa Kettle on Vacation / Charles Lamont / Marjorie Main / Comedia / 20-4-53

It Happens Every Thursday / Joseph Pevney / Loretta Young / Comedia / 22-4-53

Francis Covers the Big Town / Arthur Lubin / Donald O’Connor / Comedia / 10-6-53

Take Me to Town / Douglas Sirk / Ann Sheridan / Technicolor / Comedia / 19-6-53

The Great Sioux Uprising / La carga de los indios sioux / Jeff Chandler / Technicolor / Western / 17-7-53 (coproducida con Albert J. Cohen)

The Golden Blade / La espada de Damasco / Nathan Juran / Rock Hudson / Technicolor / Aventuras / 23-9-53 (coproducida con Richard Wilson)

Walking My Baby Back Home / Lloyd Bacon / Donald O’Connor / Technicolor / Musical / 6-12-53

- Películas estrenadas póstumamente -

1955

Chiez Crazy Horse / El gran jefe / Victor Mature / Technicolor y CinemaScope / Western / 4-55 (coproducida con William Alland)

Ma and Pa Kettle at Waikiki / Lee Sholem / Marjorie Main / Comedia / 4-55

:sudor

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Fichando :P

:gano

Cita:

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Iniciado por hannaben

PRECODE y alrededores

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VON Helsing nada de Van...es arrestado por el asesinato de Drácula. Scotland Yard cuestiona comprensiblemente la historia que cuenta el brasas...de vampirismo y le recomienda que contrate a un abogado. El holandés recurre al renombrado psiquiatra J Garth (O Kruger), antiguo alumno.

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Mientras tanto, el cadáver de Drácula es robado de la sede de la policía,ojo al par de individuos encargados JAJA... para ser incinerado por su hija.
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La condesa Zaleska (G Holden) cree que con la destrucción de su padre, "la maldicion al fin se romperá". Por desgracia, pronto se da cuenta de que no puede resistir su heredada sed de sangre.
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ZALESKA no escatima en atacar a hombres peero se nota predileccion hacia las feminas,lo disfruta mucho más...

Un encuentro casual con Garth teniendo como anfitriona ni más ni menos que a H Hopper...la combinacion de elementos en esta peli es muy top :P.. pues eso, el psiquiatra convence a la perfida,la ayudará con su "adicción", ignorando la naturaleza de la misteriosa artista.
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Las buenas ideas pululan, aunque no logran desarrollarse dada la reducida duracion del entramado.La presentacion de un monstruo que se rebela marca la diferencia ...la vampira de Holden conserva sus emociones humanas luchando entre el bien y el mal.
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La necesidad imperiosa de sangre domina uno de los mejores momentos de la peli. El maléfico y alerta Sandor (ideal caracterizado y certero I Pichel) recoge a una joven pobre en los muelles y convence a la chica para que pose para una celebre artista, la condesa intenta resistir su insaciable apetito... mientras la muchacha luce hombros y cuello. Al fin, el vampiro cede ante el horror de la pobre niña (aunque no vemos el ataque) beneficiando el efecto en el imaginario.
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Basándose principalmente en esta escena, algunos críticos remarcaron la aureola lésbica...reforzada con el posterior secuestro de la asistente de Garth y el acercamiento especialmente erotico de la condesa de nuevo.

Pocas veces una víctima sin escapatoria transmite tanta desolación como la estupenda en todos los sentidos N Grey.
https://www.youtube.com/watch?v=bGQ2j_vEGkM
Gloria H es una presencia imponente,más allá de sus cualidades interpretativas.. el rol le va totalmente.
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Con sus looks BRYMER estupendísimos más el recogido de su oscura melena sobrio y a la vez sensual más el acertado anillo hipnotico. O Kruger es un héroe casual... correcto y M Churchill interpreta a la secretaria con la que juega a un ni contigo ni sin ti que sorprendentemente funciona aliviando tanto drama.

Tras idas y venidas...
https://womenwriteaboutcomics.com/20...hter-part-two/
El director L Hillyer, especialista en pelis del oeste mudas y serie B se hizo cargo del cotarro..sorprendentemente, infunde una atmósfera hiper atractiva. También aprovecha el hecho de que, a diferencia del Drácula31 ambientado en la época victoriana, su secuela tiene lugar en tiempos contemporáneos.
https://64.media.tumblr.com/473dda7b...546924692.gifv
Los coches modernos y las calles tradicionalmente brumosas proporcionan un sugestivo contraste.
https://www.imcdb.org/m27545.html
Si hasta tenemos bodorrio folklore,el principe :lol
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La cinta costó cerca de 300.000 dólares, presupuesto considerable para Universal en ese momento. No logró encontrar audiencia en taquilla y se olvidó durante décadas. En los 70 resurgió cual fénix afortunadamente..

Atencion al tapiz con LUGOSI.
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El ninguneado Sandor acomete su venganza.
https://www.youtube.com/watch?v=hUiVNJAkWYA&t=134s

Es placer culpable :digno y le doy un:
:cortina
10/10

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Cita:

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Iniciado por Alcaudón

Después de un breve paso por la Columbia Sherman se asentaría definitivamente en la Universal-International.

Para Goldstein dirigió 7 (+1, el bis al que antes hacía referencia) westerns:

1948, BLACK BART / EL ENMASCARADO

1948, RIVER LADY / RÍO ABAJO

1949, RED CANYON / HURACÁN

1949, CALAMITY JANE AND SAM BASS

1950, COMANCHE TERRITORY / ORGULLO DE COMANCHE

1951, TOMAHAWK / EL PIEL ROJA

1952, THE BATTLE AT APACHE PASS

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1955, CHIEF CRAZY HORSE / EL GRAN JEFE (estrenado póstumamente)

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El segundo título recuerdo haberlo visto hace pocos años, también con Duryea y De Carlo junto al inexpresivo Rod Cameron. Poco recuerdo de él más allá de su premisa: un barco en el río en el que se juntan jugadores y juegos de azar del que la madame es De Carlo y conflicto por el negocio de la madera y los taladores cuya materia desciende y se cría en los márgenes de su cauce. Curiosamente en aquella época creo recordar que vi varios westerns de serie más bien B: The virginian (1946), protagonizado por Joel McCrea y Brian Donlevy; Whispering Smith (1948), con Alan Ladd y Robert Preston; Devil's Canyon (1953), con Dale Robertson y Virginia Mayo, más alguno de Sterling Hayden como protagonista. Se ven rápido y se olvidan igual por lo general.

A mi también me gustan mucho "El enmascarado" y "La hija de Drácula", ambos filmes entre la serie B, pero de la buena...:D marca Universal, que era experta en realizar películas muy vistosas y entretenidas para un público ávido de aventuras, terror, fantasía, paisajes orientales o del far west, nadie como la Universal para este tipo de entretenimiento entre los años 40 y 50. :agradable Sin olvidar los años 30, que fueron su década sublime del terror, con todas aquellas maravillosas películas de horror, que tanto disfrutamos hoy en día, al menos yo. :cuniao

Coincido con Alcaudon acerca de la fascinación desde niño por Yvonne de Carlo, me acuerdo bastante del pase lejano de "La dama de la frontera", en un chillón technicolor, en aquellas teles de tubo gigantes de finales de los 70, también me impresionó "La princesa y el pirata", pero esta ya juega en otra escala.:agradable

Bienvenido, cinefilototal :abrazo

En fin, dejaré una reseña para estrenar el hilo que vi ya hace unas semanas.... aprovechando que está reciente el aniversario de su actriz protagonista.

La chica con la maleta (1961, Valerio Zurlini)

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Desde los años 50 venía apuntando muy alto la filmografía italiana con sus estudios Cinecittá de reciente construcción y se conformó como un crisol espectacular para gente no solamente italiana sino francesa e incluso norteamericana y que devendría en una señal de identidad más que notable donde se consolidaban temáticas argumentales de todo tipo, desde las más autorales hasta las más genéricas. Una de estas temáticas busca adentrarse en el arraigo de la nueva juventud en una época decididamente nueva, más moderna y rebuscar en las vicisitudes de estos nuevos jóvenes en un mundo siempre cambiante para ponerlos en contraste con generaciones precedentes y en una sociedad italiana que busca exorcizar y pasar página de un tiempo inmediatamente anterior muy convulso. Por si no fuera poco este film también arroja luz intensa sobre el transitar de la infancia o adolescencia a la madurez por circunstancias repentinas que ponen a prueba la moral de entonces y los valores aprendidos por uno mismo hasta entonces marcados por la limitación de la edad: el amor incipiente de una persona hacia otra que podría ser mal visto por el hecho de que esta vez la mujer tiene más experiencia vital que su compañero masculino. ¿Puede ser una pareja adecuada para un chaval que aún estudia toda una mujer algo más mayor que él?

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Lo que lleva a indagar en la frontera entre un flechazo platónico y otro más intenso que frecuenta la infatuación justificada. Tan cerca y al mismo tiempo tan lejos, ¿qué podría ofrecerle él a élla como garante de futuro si ni aún ha terminado la escuela?

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A Lorenzo Mainardi (el francés Jacques Perrin, 1941-2022) el mundo le cambia de la noche a la mañana el día que conce a la simpática y atractiva Aida (Claudia Cardinale) gracias a una estratagema de su hermano para librarse de tan explosiva jovencita, de ahí que intuyamos que pueda haber algo con esa joven que parece de alguna manera advertir que puede traer problemas de antemano con facilidad. Pero Lorenzo es aún un titubeante sin experiencia en líos de adultos y encima vive bajo los dictados de la mansión que rige su tía, bajo cuidado está por expreso de su padre, el cual no aparece en todo el film. Por no tener, Lorenzo no tiene ni madre, luego puede resultar imprevisible hasta cierto punto cómo evolucionarán sus afectos tras el encuentro tan casual inicial con mentirijilla importante de por medio, y es que la chica se hace querer, impulsiva y dicharachera como bien hemos visto en otras muestras de celuloide italiano a través de sus madonnas cinematográficas.

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Para reforzar el talante adorable de nuestra heroína Claudia desplega ocasionalmente ese lado más desnvuelto que atesora la joven.

La amistad está garantizada entre ambos casi de inmediato, pero es que la sensación de química conjunta entre Lorenzo y Aida es obvia hasta el punto de que se lo pasan muy bien juntos sin que la diferencia de clase se pueda percibir, él vive bien pero ella está en pos de descubrir su lugar en el mundo, y sea un obstáculo.... más bien diríase lo contrario. Lorenzo, a falta de un referente maternal, siente una genuian atracción po Aida; Aida siente una atracción semejante a quien admira a su hermano. Y una de las grandes cualidades es percibir la admiración y respeto que sienten mutuamente sin ningún tipo de egoísmo o interés por su parte, lo que de inicio está presentado de forma admirable en la primera hora del film, donde se suceden diversas fechorías o aventuras inocentes que la pareja afronta revitalizada.
Y es durante el transcurso de esos momentos relajados que se va construyendo de forma muy efectiva, tanto como subrayada (atención a la letra de las canciones que aparecen en diversas circunstancias) o la escena en la que se glorifica a Aida bajo el manto de lamúsica de Giuseppe Verdi de título homónimo).

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Si en la primera hora o mitad se goza del embeleso de la buena concordia de los dos, en la segunda se acude a la destrucción paulatina de lo conquistado previamente. El pequeño mundo construído por ambos se tambalea sobre sus cimientos y asoma la cruda realidad, con un pasado y una meta (futuro) en ciernes. Entra en tromba el mundo de los adultos, aquél que mira con desdén al chaval y a su amiga como un manjar para la vista. Es el momento de darse cuenta cuán lejos han llegado en esa relación marcada por un marco que conjuga una realidad tozuda y una ficción ingenua. Los obstáculos surgen bien es verdad como si todos los hombres adultos que cortejan a su manera a Aida fueran como sombras amenazantes episódicas e incluso metafóricas de un ente, esa edad adulta para las que Lorenzo no tiene capacidad de réplica formada y que termina por dañar la estabilidad como si se tratara de una tupida cortina que separa a ambos cada vez más. Breve papelito sin más aquí para un Gian Maria Volonté años antes de encarnar al "Malo en cierto film de cierta trilogía de Sergio Leone.

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Gracias a la elegante y serena planificación de la que hace gala el film somos partícipes de los sentimientos de duda, culpabilidad y celos que se arremolinan como un temporal. Includo el vació de los escenarios resaltan los momentos cumbres anímicos y amplifican la recién hallada soledad. La intimidad se revela tan absoluta que predispone al espectador a entender al mil por ciento las turbulencias personales y a querer un final no desgarrador para la pareja.

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Personalemente prefiero la primera mitad del film a la segunda y no por la felicidad y diversión que envuelve a los protagonistas sino por la categoría algo difusa de los obstáculos a los que se se tendrán que enfrentar para mantener el estatu quo alcanzado, por no estar del todo bien perfilados en su continuación y adquirir ciertos manierismos cliché (de todos ellos, la fiesta en la terraza del hotel donde bailan me parece el poéticamente más sangrante y demoledor en su exposición; sin duda una de las grandes secuencias del film junto a aquellas que acontecen de estrangis en la mansión de la tía) y manierismos. Más que obstáculos, los hombres se sienten atrezzo del film, maniquíes sin vida aunque con historia; que tampoco está mal por otra parte si piensas en la primera hora como un relato cenicentiesco, pero que en un neorrealismo italiano, que pone la llaga en lo social, se me queda corto y deja con gana de algo más. Los protagonistas son los que son, la lástima es que acaparen tanto el relato que no dejan ningún resquicio a los secundarios para que adquieran un tinte de amenaza más prosaico. Sacrificamos secundarios con un ligero empaque en pos de lograr un embelesamiento con la pareja protagonista de los más digna, pero me pregunto sí no podía haber rascado más....

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Gran labor de escenografía y fotografía para irradiar las malas sensaciones que transmiten esta secuencia. El final del sueño.

Por lo demás, el film rezuma honorabilidad, pulcritud y genera confianzas y desamores como la vida misma. Es sinónimo de muy buen cine. Perrin como Lorenzo cumple perfectamente y dota a su mirada y a su imagen angelical de una intensidad evocadora (recomiendo de él otro film italiano de esta época, La Corruzione (1963, Mario Bolognini)), y para Claudia Cardinale (1938) supone ya el punto de no retorno definitivo en su trayectoria. Curioso que la tunecina de nacimiento no hablara italiano hasta ya entrada la adolescencia, lo que a la postre le sirvió para ser una de las divas europeas más solicitadas de los sesenta (aunque de diva como tal parece que tenga bien poco en la vida real, llevando una vida plena y tranquila en cuanto su nombre empezó a ser menos reclamado). La suya es una presencia que agrada a los sentidos y agudiza el interés pues más allá de una fachada bonita se encuentra una intérprete todoterreno, independiente y desenvuelta.

Como decía el director de fotografía Conrad L. Hall (Los profesionales -1966, Richard Brooks): "She's a cameraman's dream - a perfect piece of nature - there is not much you can do wrong in photographing her". 86 años tiene ya la criatura... larga vida a Claudia.

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Aprovecho para recomendar otra historia de picores adolescentes e iniciativa a la sensualidad adultoa: I dolci inganni (1960) de Alberto Lattuada, con una Catherine Spaak embriagadora interpretando a una jovencita de 17 años.

Cita:

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Iniciado por Otto+

El segundo título recuerdo haberlo visto hace pocos años, también con Duryea y De Carlo junto al inexpresivo Rod Cameron. Poco recuerdo de él más allá de su premisa: un barco en el río en el que se juntan jugadores y juegos de azar del que la madame es De Carlo y conflicto por el negocio de la madera y los taladores cuya materia desciende y se cría en los márgenes de su cauce. Curiosamente en aquella época creo recordar que vi varios westerns de serie más bien B: The virginian (1946), protagonizado por Joel McCrea y Brian Donlevy; Whispering Smith (1948), con Alan Ladd y Robert Preston; Devil's Canyon (1953), con Dale Robertson y Virginia Mayo, más alguno de Sterling Hayden como protagonista. Se ven rápido y se olvidan igual por lo general.

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Coincido contigo en que se ven rápido pero no en que se olviden igual de raudo. De hecho, una de las cosas que me gustaría conseguir en este hilo recién creado es comentar películas aparentemente menores pero que en muchos casos tienen más sustancia que otras mucho más valoradas.

Aquí otro fan de "La hija de Drácula" (y en general, del cine de terror de la Universal) :abrazo

La secuela tiene un aire triste, deprimente, de seres condenados que intentan escapar a su destino sin ningún éxito. Se ve al vampirismo no como un don lúdico que se disfruta y se transmite, sino como un peso, una auténtica maldición. Me encantan esas escenas en las que la condesa Zaleska, enamorada del galán de turno, intenta ver la vida de forma positiva mientras que su siniestro criado intenta empujarla una y otra vez a la senda de la oscuridad.

La idea de unos caza-vampiros que deben explicarse y "vender" sus actos ante una policía y una justicia modernas, escépticas y racionales para defenderse de una acusación de asesinato, como le ocurre aquí a Van Helsing es, creo, la primera vez que se ve en el cine, aunque no será la última vez que se explote (los improvisados caza-vampiros modernos de "El conde Yorga", por ejemplo, se veían ante la misma tesitura).

En general, hubo una época increíble en que la Universal aún trataba a sus "monstruos" con respeto, y se parieron secuelas interesantes que suelen caer en diversos grados de olvido.

Más allá de la siempre mencionada en primer lugar (con toda justicia, añadiría yo), "La novia de Frankenstein" sin ir más lejos, la siguiente secuela "La sombra de Frankenstein" (Son of Frankenstein, titulada aquí como les dio la gana, como tantas otras veces :cuniao) me parece que goza de un lirismo y unos tintes expresionistas fabulosos y una de las mejores y más turbias interpretaciones de Bela Lugosi, aunque no tenga tan buena prensa al no estar ya dirigida por Whale. "El hijo de Drácula" aún siendo una trama mundana de amoríos sureños con un Lon Chaney Jr. bastante limitado al ponerse la capa del conde transilvano, tiene toda esa maravillosa ambientación de los pantanos sureños envueltos en niebla que me es irresistible en ese blanco y negro tan especial que lograban aquellos operadores.

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Incluso un título ya claramente serie B, menor y despojado de todos sus elementos fantásticos, limitado a una intriga de corte más psicológico como "La loba humana" me parece una absoluta delicia a día de hoy.

Acabo de completar el listado de TODAS las películas que Leonard Goldstein produjo (alguna de ellas estrenada póstumamente) para la Universal-International.

Y que, por cierto, es más completo que el que aparece en la mismísima IMDb.

:sudor :sudor :sudor

Evidentemente solo está a mi disposición una pequeña fracción del mismo.

Eso sí, tengo todos sus westerns entre los que se incluyen algunos excelentes.

También tiene algunas atractivas incursiones en el cine negro e igualmente son muy agradables sus cintas de aventuras.

Como podéis apreciar, no obstante, el grueso de su filmografía lo forman las comedias incluidas varias de la famosa mula Francis... :blink

Y como curiosidad Goldstein produjo la primera película del gran Douglas Sirk en la que intervino su operador favorito, Russell Metty, TAKE ME TO TOWN (1952).

Y todavía quedaría por indexar (y comentar en la medida de mis disponibilidades) su etapa como independiente bajo la cobertura de la Fox y de la que ya llegué a comentar un par de títulos, uno en el OR y otro en el de Hitchcock... :ceja

Y no quisiera despedirme sin agradecer a tod@s el gran recibimiento que ha tenido este nuevo hilo en el que tendrán cabida todo tipo de cine y todo tipo de comentarios.

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Se me olvidaba.

Tengo intención de incluir en este las nuevas entregas de los coleccionables que estaba llevando a cabo tanto en sus hilos específicos (Laughton - no así Hammer o Hitchcock -) como en el OR (zombis, Stephen King, fantaterror, Brian De Palma), aunque no es mi intención recuperar las anteriores.

O sea, que el presente hilo tiene, al menos por mi parte, vocación de auténtico cajón de sastre donde tenga cabida todo tipo del cine, desde el A hasta el Z siempre que los comentarios se hagan con respeto y siguiendo las mínimas normas gramaticales/ortográficas que se presupone a cinéfilos de la talla intelectual y moral (Alcaudón aparte...) como los que aquí toman (o tomarán) parte.

:agradable

Por cierto, acabo de recibir de Correos un doble envío.

Primero de Powerhouse...

THE CRIMINAL CODE / HOWARD HAWKS / 1930

2OTH CENTURY / HOWARD HAWKS / 1934

CAPTAIN CLEGG / PETER GRAHAM SCOTT / 1962

THE PHANTOM OF THE OPERA / TERENCE FISHER / 1962

- Creo que ya tengo más películas de la Hammer que las que la propia compañía facturó :cuniao -

A TIME FOR DYING / BUDD BOETTICHER / 1969

CHRISTINE (amigo Charles Lee Ra :cortina) / JOHN CARPENTER / 1983

- Novena entrega del ciclo dedicado a Stephen King, si las cuentas no me fallan y que comentaré tan pronto acabe la lectura de la novela, bastante atractiva por cierto. -

Y segundo de Radiance...

PLANET OF THE VAMPIRES (o sea, TERRORE NELLO SPAZIO) / MARIO BAVA / 1965

... en un pedazo de edición de :rev

Y como no solo de reseñas y/o revisiones vive el cinéfago/cinéfilo en este rincón podréis hablar de todo lo relacionado con el Séptimo Arte, incluidas las ediciones tanto patrias como foráneas que compramos y que aunque nos arruinan económicamente nos enriquecen culturalmente.

Lógicamente queda automáticamente excluido hablar de deportes, de política, de religión, de sexo, (mal) del moderador y, especialmente, de comedias románticas de Netflix del siglo XXI.

:cuniao

Amig@s hannaben y Otto+:

Menudo pedazos de comentarios os habéis metido entre pecho y espalda. :palmas

Por cierto, si finalmente abrimos el anunciado hilo sobre las producciones de terror (sean fantásticas o no) de la Universal LA HIJA DE DRÁCULA sería el colofón de la primera entrega, la cual englobaría sus mejores títulos. O sea, los que van de 1924 a 1936. Aunque creo que ya lo he hecho en una próxima entrada incluiré el listado que, lógicamente, tendrá que ser consensuado por tod@s las participantes. Y si tiene éxito pasaríamos a una segunda entrega que iría de 1938 a 1946. Y...

Y ya que estamos alguno de los compañeros del foro tenemos previsto acudir este año al Festival de Sitges. Yo lo hice aunque solo un par de veces el año pasado y quedé tan encantado que este pienso vermelo de cabo a rabo. Además tuve así la oportunidad de reencontrarme con el maestro mad dog earle y de conocer en carne y hueso al encantador Alex Fletcher y a alguno@s de l@s moderadr@s del foro en una cena que jamás olvidaré. O sea, que si alguno vivis en Catalunya (o cercanías, como yo, en el País Vasco :cuniao) y queréis si no uniros al frenético ambiente de un festival de cine si al menos quedar para conocernos estarem@s encantad@s.

That's All Folks!

Cita:

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Iniciado por Alcaudón

Coincido contigo en que se ven rápido pero no en que se olviden igual de raudo. De hecho, una de las cosas que me gustaría conseguir en este hilo recién creado es comentar películas aparentemente menores pero que en muchos casos tienen más sustancia que otras mucho más valoradas.

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Al menos yo aseguraría que no dejan poso, lo que no quivale a que sean malas o flojas, sino que no destacan en su ejecución, inventiva, argumento, etc. Como películas artesanales están bien hechas, que no es poco, pero no sobresalen ante la saturación lógica del medio o del género, en este caso el western. O sea, que no quiero que se interprete que no es que no valgan la pena.

Of course. :cuniao

Viendo las fotos de la bellísima Yvonne de Carlo en El enmascarado me ha venido a la memoria que una vez leí que la denominaban la reina del Technicolor, aunque ese título siempre lo atribuí a la sultana Maria Montez.
Quién era la monarca?

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Cita:

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Iniciado por Alcaudón

Por favor, no entremos en polémicas estériles. Aquí estamos para hablar de cine. Lo demás son tonterías.

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Hombre, entiendo que el honor de ser Reina del Technicolor puede dar para un acalorado debate, pero no hay para tanto. :cuniao

:apaleao :cuniao

Tal como le gusta decir a hannaben, con su estilo inconfundible: "fichando". :D

Felicito a Alcaudón por este nuevo hilo, que sé que responde a una inquietud suya (y de otros) que le venía desasosegando desde hace tiempo. Y si algo necesita nuestro querido bilbaíno es sosiego y tranquilidad para poder dar rienda suelta a su afición primordial: el cine, algo de lo que nos beneficiaremos todos.

Tampoco quiero dejar pasar este momento sin destacar que si alguien de este foro se ha hecho merecedor de un monumento por sus aportaciones homéricas al hilo "Las últimas pelis que has visto en casa" es él. Y desde hace ya un montón de años. Aún recuerdo aquellos primeros posts en los que Alcaudón confesaba no saber insertar imágenes... ¡Quién lo diría! Ahora nos apabulla con sus colecciones de capturas, siempre hechas con criterio, que ilustran a la perfección sus documentadísimos comentarios. Es un lujo poder contar con alguien como él en mundodvd.

Aunque hoy por hoy me atrae más la revisión monográfica de la filmografía de un director (ayer, David Lean; mañana, Akira Kurosawa), y que mi ritmo de comentarios en ese "cajón de sastre" que Alcaudón ha bautizado como OR ha descendido notablemente, no quita que lo siga haciendo en el futuro. Así, mi intención será distinguir entre el comentario ocasional de películas mainstream o recientes, que continuaré publicando en OR, a los dedicados a películas poco conocidas u olvidadas entre la cinefilia, acogiéndome a la primera parte de la denominación de este nuevo hilo: ese "callejón de las películas perdidas", que nos resuena a un célebre (y magnífico) film de Edmund Goulding, revisado hace poco por Guillermo del Toro, ambos films basados en la estupenda novela de William Lindsay Gresham "Nightmare Alley". En todo caso, jugando con el título original, espero y deseo que el tránsito por ese callejón no sea una "nightmare". :cortina

Para empezar, espero comentar en los próximos días un programa doble de dos films sin ninguna relación entre sí, uno de ellos de un "bavoso" director italiano que me consta que tiene algunos fans entre los "sospechosos habituales", y el otro de un director británico completamente olvidado, con protagonismo para uno de los actores más asiduos a la filmografía de David Lean. :ceja

El compañero tomaszapa ha dejado de intervenir según veo.
Aunque se conecta.
Seguro que el hilo le interesaría.

Tod@s hemos pasado o estamos pasando por circunstancias personales que escapan a nuestro control.

En este hilo todo el mundo será bienvenido.

Y, por supuesto, siempre manteniendo el buen humor y el respeto mínimo que todo el mundo se merece.

:agradable

Creo que si en algo coincidimos tod@s, es en que Alcaudón es una auténtica enciclopedia de cine viviente y sus aportaciones son de lo mejorcito del foro.

Este hilo me parece una muy buena iniciativa como oasis para comentar aquellas películas que quizás pasan más desapercibidas debido a los tiempos vertiginosos que corren, donde el consumo rápido y fácil está a la orden del día.

Por mi parte, intentaré aportar mi humilde granito de arena siempre que el tiempo me lo permita :hola

Esta semana me llega el BD de The Belstone Fox.
Me parece una buena candidata para el hilo.

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Sin prisa pero sin pausa…

EL LARGO Y SINUOSO CAMINO QUE LLEVA… AL CINE DE ZOMBIS MODERNO… CON ALGÚN QUE OTRO DESVÍO… / PARTE VIII:

28 DAYS LATER (2002, 28 DÍAS DESPUÉS)

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Coproducción entre el Reino Unido y los EUA.

Copyright 2002 DNA Films Limited.

Director: Danny Boyle.

Productor: Andrew Macdonald.

Producción: Fox Searchlight Pictures / DNA Films / British Film Council.

Distribución: Twentieth Century-Fox Film Corp.

Guion: Alex Garland.

Fotografía: Anthony Dod Mantle, rodada en video digital y en 35 mm en Technicolor y formato panorámico (1.85:1).

Diseño de producción: Mark Tildesley.

Música: John Murphy.

Montaje: Chris Gill.

Reparto: Cillian Murphy (Jim), Naomie Harris (Selena), Christopher Eccleston (Comandante Henry West), Megan Burns (Hannah) y Brendan Gleeson (Frank, padre de Hannah).

Duración: 1:48:29 (Copia en DVD editada por Fox en 2008).

Estreno: el 16 de octubre de 2002 en Londres y difusión general a partir del 1 de noviembre; el 27 de junio de 2003 (EUA) y el 18 de julio de 2003 (España).

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…

Coordenadas espacio / temporales:

Cambridgeshire (prólogo) > Gran Londres > Cumbria (epílogo) / 28 días después… > 28 días después…

…

Si para George A. Romero EL DÍA DE LOS MUERTOS (1985) – la anterior entrega del presente coleccionable - supuso la culminación de su “trilogía” dedicada al monstruo por excelencia de los tiempos modernos, el 5º largometraje del inglés Danny Boyle (1956) ha acabado por convertirse en la primera de otra junto a 28 WEEKS LATER (2007, 28 SEMANAS DESPUÉS), de Juan Carlos Fresnadillo y la próxima 28 YEARS LATER (2025, 28 AÑOS DESPUÉS), del propio Boyle.

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El posapocalípsis ha sido desde siempre uno de los temas fundamentales que han vertebrado la literatura de ciencia ficción y, especialmente, la generada en las Islas Británicas.

28 DÍAS DESPUÉS (como, más adelante, “Los muertos vivientes” [2003-2019, de Robert Kirkman y Tony Moore > Charlie Adlard]) toma como punto de partida la famosa novela de John Wyndham Parkes Lucas Beynon Harris (1903-1969) “El día de los trífidos” (1951) [Minotauro, Buenos Aires, 1956]. :cafe

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- Portada de la primera edición en castellano -

“Cuando un día que usted sabe que es miércoles comienza como si fuese domingo, algo anda muy mal en alguna parte”

Una inmejorable inicio para una novela excepcional...

Sin embargo, al contrario que en esta la amenaza no proviene del espacio exterior (las plantas que dan título a la novela) sino que es fruto de los experimentos que unos científicos de un centro de investigación en Cambridge han llevado a cabo en los últimos años con un grupo de chimpancés a los que se les ha inoculado una variante mucho más agresiva y contagiosa del virus de la rabia que se transmite a través de la sangre y de la saliva.

Un virus psicológico (al menos así lo denominan en el audiocomentario Boyle y Garland) que más que convertir en zombis (al menos en el sentido estricto de la palabra) a sus víctimas les provoca un estado incontrolado de ira asesina.

A pesar de contar con un guion del futuro (y excelente) director Alex Garland (1970) [EX_MACHINA (2014), ANIQUILACIÓN (2018), MEN (2022), CIVIL WAR (2024)] el mismo (su segunda colaboración con Boyle tras LA PLAYA [2000]), aunque atractivo, no es especialmente original y será precisamente en el prólogo al que acabo de hacer referencia y en el tramo que transcurre en las desiertas calles de un Londres asolado por la pandemia donde podamos encontrar los mejores momentos de la película.

Por lo que respecta al primero no deja de ser un pulla nada velada el que sea precisamente un grupo de ecologistas (radicales) los causantes de que la plaga se extienda primero por las Islas y luego al resto del mundo al intentar liberar de su cautiverio a los mencionados primates.

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Seguramente la secuencia más impactante de toda la película sea precisamente esa imagen de un pobre chimpancé atado de pies y manos y testigo a través de los monitores de televisión que le rodean de la violencia (rabia / ira) que se produce en distintas partes del planeta por causa del ser humano.

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De ahí seguramente esa idea de virus psicológico a la que aluden los responsables y que no sería más que la conversión de toda esa violencia que el ser humano viene cargando sobre sus espaldas desde la noche de los tiempos en una especie de plaga bíblica y en la que el citado virus no cumpliría más función que la de simple vector de propagación.

Como decía al principio, el segmento que acontece en un Londres desierto y donde iremos conociendo a los protagonistas es, junto al mencionado prólogo, lo mejor de la película.

Al igual que el protagonista de la novela de Wyndham, Jim (el recientemente oscarizado Cillian Murphy), despierta en la soledad de la habitación de un hospital.

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En el caso de Jim, 28 días después del inicio de la pandemia.

Impresionantes las imágenes de los rincones más icónicos de la capital británica absolutamente vacía, algo además acentuado por el uso de las pequeñas cámaras digitales que proporcionan a las mismas una mayor sensación de veracidad.

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Será gracias a la ayuda de Selena (Naomie Harris) y su compañero (quien pronto será víctima de los “zombis”) que Jim pueda sobrevivir en este Londres posapocalíptico.

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Más tarde encontrarán refugio en un piso situado en una torre de apartamentos donde (sobre)viven Frank (Brendan Gleeson) y su hija, Hannah (Megan Burns).

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El posterior tramo de la película - salvo el magnífico momento en el que Frank se convierte cuando una gota de sangre de un zombi le salpica en un ojo -...

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... y que llevará a los protagonistas a un (supuesto) refugio a cargo del Ejército Británico es más previsible, aunque no deja de ser un embrión de lo que más tarde se convertirá en uno de los leitmotivs de la serie de televisión surgida a partir del citado cómic, “The Walking Dead” (2010-2022), mi favorita de lo que llevamos de milenio… :viejo

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Aquí también la escena en la que un infectado ve su imagen reflejada en un espejo (detrás del cual se oculta Hannah) es seguramente la más turbadora.

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Originalmente la película finalizaba con Jim desangrándose en brazos de Selena a consecuencia de los disparos del comandante West (Christopher Eccleston) mientras que este parecía a manos de uno de sus propios soldados convertidos cuando Hannah hace empotrar su coche contra la entrada de la mansión donde todos se encontraban refugiados.

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Sin embargo, a la Fox no le gustó un final tan poco gratificante y de esta forma, aunque los propios Boyle y Garland comentan que no fue una imposición, se rodaron nuevas secuencias que transcurren… 28 días después de los acontecimientos anteriores…

En un remoto paraje del condado de Cumbria los tres protagonistas, ya recuperados, podrán fin a su periplo cuando la enorme “Help” que han confeccionado con las sábanas que han encontrado en la casa deshabitada sea vislumbrada desde el cielo por un caza de la Real Fuerza Aérea.

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Un final demasiado feliz teniendo en cuenta la devastación prácticamente total que ha provocado la pandemia.

Una película que supuso tuvo un enorme éxito de taquilla (más de 80 millones de dólares frente a los 8 de su presupuesto) y que daría lugar a una segunda entrega, para mí superior, dirigida por nuestro compatriota Juan Carlos Fresnadillo (1967).

Pero esa es otra historia y debe ser contada en otra ocasión…

… si la hay…

Buenas tardes y, buena suerte.

:digno

Scott en la Antártida (Scott of the Antarctic, 1948), de Charles Frend

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Si se trata en este hilo de comentar películas desconocidas de directores más desconocidos aún, confieso que, al menos yo, del británico Charles Frend no tenía noticia hasta la fecha... como director, aunque su nombre ya hizo su aparición en el ciclo dedicado a David Lean al referirnos a Major Barbara (película sobre la que flota el interrogante de a quién dar más mérito como director, si a Gabriel Pascal, el director titular, o a los “assistants in direction”, el propio Lean o el responsable de los diálogos, Harold French). Para acabarlo de complicar, Frend aparece acreditado en Major Barbara como “film editor”, mientras que a Lean se le atribuye la responsabilidad del “montage”.

Sea como sea, al igual que en el caso de Lean, Frend empezó su carrera en la década de los 30 como montador de títulos tan célebres como Goodbye, Mr. Chips, de Sam Wood, o The Citadel, de Henry King, o en varios titulos de Sir Alfred: Waltzes from Vienna, Secret Agent o Young and Innocent.

Ya en los cuarenta, Frend inicia una no demasiado extensa carrera como director, acabando en los sesenta en la televisión, dirigiendo, por ejemplo, episodios de la célebre en su día Cita con la muerte (Danger Man), protagonizada por Patrick McGoohan.

Entre sus largometrajes destaca esta Scott of the Antarctic, a medio camino entre el film de aventuras (algo soso como tal), el biopic de Robert Falcon Scott, el gran rival de Roald Admunsen en la llamada “conquista del Polo Sur”, y el documental. Hay un poco de todo, servido con pulcritud por la cámara de hasta tres directores de fotografía (entre ellos Jack Cardiff), en Technicolor (aparece acreditada la inevitable Natalie Kalmus), la música de Ralph Vaughan Williams, toda una figura de la música contemporánea británica, y un reparto amplio con nombres habituales de la cinematografía británica, empezando por el leaniano John Mills, encarnando al capitán Scott, Kenneth More o James Robertson Justice (incluso Christopher Lee, aunque confieso que no lo he sabido identificar viendo el film).

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Scott of the Antarctic es una muestra más de que la Ealing no solo se dedicó a las comedias. Aquí asume además las tareas de producción un viejo conocido nuestro, Michael Balcon. Rodada en el Jungfrau, en Suiza, en Noruega y en los estudios Ealing, la película se adereza con imágenes de archivo rodadas por uno de los directores de fotografía acreditados, Osmond Borradaile, en la Antártida. Se puede, pues, jugar a intentar identificar qué secuencias están rodadas en estudio, cuáles en Suiza o Noruega, y cuáles en la Antártida. El resultado es, en mi opinión, interesante por lo que a la hazaña de Scott se refiere, narrada sin ningún tipo de exaltación patriótica o heroica, con una frialdad (nunca mejor dicho) muy británica, aunque se queda corta en lo que a aliento aventurero se refiere. De fondo , planea la figura alargada de Amundsen, que fue el que finalmente se llevo el “gato al agua” de llegar por primera vez al Polo Sur en 1911.

El orgullo desmesurado de Scott, eso que los griegos llamaban la “hibris”, lo acaba pagando la expedición británica con la muerte de cinco de sus miembros, después de sufrir todo tipo de penalidades (enfermedades, hambre, frío, congelación), forzados a un regreso amargo, una vez vista ondear la bandera noruega en la meta del Polo.

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El visionado del film me ha llevado a la reflexión de hasta qué punto estaba contemplando la recreación de una heroicidad o la muestra de una irresponsabilidad malsana. En todo caso, se puede confrontar con un film más reciente, Amundsen, de Espen Sandberg, que nos ofrece la otra cara de la rivalidad entre exploradores.

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Diabolik (Diabolik, 1968), de Mario Bava

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Frente a la amarga aventura de Scott, la chispeante alegría delictiva de Diabolik (también conocida como Danger: Diabolik). Si en el film de Frend el Technicolor quedaba algo desleído entre tanta superficie blanca, aquí estamos ante toda una explosión de colorines pop, que Bava sabe reflejar con su acostumbrada habilidad para la iluminación de sus películas. Pura pulp fiction, la película se inspira en el cómic italiano del mismo nombre, creado en 1962.

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A la hora de visionar Diabolik es fácil pensar en otros ilustres enmascarados: desde el venerable Fantômas de Louis Feuillade a la versión actualizado por André Hunebelle, con Jean Marais como el famoso ladrón.

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Pero, por encima de todo, es inevitable pensar en la serie de películas de James Bond, influencia presente a lo largo de todo el film, incluso en los títulos de crédito y en la banda sonora, un pastiche de difícil digestión firmado por Ennio Morricone, que, como no podía ser de otra manera, recurre a una cancioncilla pop para castigar nuestros oídos.

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Por si faltaba algo para acercarnos al territorio Bond, ahí está la austríaca Marisa Mell (que responde al filosófico nombre de Eva Kant), para satisfacer el voyerismo de las plateas en celo.

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El Diabolik de Bava está interpretado por el inexpresivo John Phillip Law, muy de modo en aquellos años (recordémoslo presente también en otro icónico film pop, estrenado el año anterior: Barbarella), luciendo una variada gama de atuendos:

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Completan el conjunto un malo bondiano, Adolfo Celi, que había protagonizado Operación Trueno (Thunderball),

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y el esforzado inspector de policía Ginko, que como es de esperar fracasará en todos sus intentos de atrapar a Diabolik. Lo sorprendente es encontrar a Michel Piccoli en tal tesitura.

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En resumen, un medianamente divertido film, lejos de las obras mayores de Bava, adecuado si acaso para nostálgicos del mundo pop de los 60. Eso sí, hay que reconocerle al personaje de Diabolik un cierto desparpajo anarcoide, especialmente cuando decide colapsar el sistema poniendo bombas en los centros del poder económico, mientras que para él el dinero no es más que una excusa para retozar con su compañera de aventuras.

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El guiño final mirando a cámara de un Diabolik al que creíamos muerto es toda una declaración de intenciones. En todo caso, el personaje no tuvo continuidad en su momento, aunque ahora ha conocido una sorprendente resurrección en forma de trilogía dirigida por los hermanos Manetti, Antonio y Marco: Diabolik (2021), Diabolik: Ginko all’attacco! (2022) y Diabolik chi sei? (2023), que no he visto y que no creo que vea.:fiu

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Yo vi una de las nuevas de Diabolik y no me gustó mucho, el año pasado estaba la nueva en Sitges.

Sobre 28 DIAS DESPUES, me gusta pero la parte final con los militares me irrita.

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EL UNICO SUPERVIVIENTE (1985) - Geoff Murphy -

Me estreno en el hilo de nuestro capo, el cual me apunto tanto por defecto, o sea yo sigo a los míos, y porque lo encuentro más atractivo que el OR, que he ido disminuyendo mi aportación lentamente hasta ser casi inexistente.

Siempre me ha interesado en cine apocalíptico, y sabiendo que no es un producto USA, pues me apetecía ver, por ver lo que se me expone. Parecido en su inicio con la comentada por el boss 28 DIAS DESPUES, ya que el protagonista, Bruno Lawrence, se despierta sin saber que ha pasado, va viendo sobre la marcha que está bien solito.

Primera parte interesante, donde asume el personaje que está solo, después seguido de una rápida locura menos interesante, por abrupta, pasando de un estado a otro con demasiada ligereza en tan poco tiempo, escenas de destrucción por desesperación, curiosas escenas como la de la mansión y los cartones simulando discursillos baratos. Y de pronto aparece otra persona viva, una mujer, interesante mano a mano, emotivo el primer abrazo, ese abrazo contra la soledad. Hay diálogos interesantes, el personaje femenino interesante. Pero falta por aparecer un tercero, como no, raza negra, y allí ya no me interesa tanto, aparece el amor, celos, todo previsible y aburrido, pasando a primer plano. Con una resolución abierta, que ya el protagonista lo suelta en los primeros diálogos con la chica. En resumen, un film curioso, que no deja poso, pero arriesga, con esa estela fuera del mainstream, más cercano el cine apocalíptico europeo, como por ejemplo la trilogía de THE END OF THE CIVILIZATION de Piotr Szulkin, una de ellas vista en Sitges 2023.

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Cita:

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Iniciado por Alex Fletcher

Yo vi una de las nuevas de Diabolik y no me gustó mucho, el año pasado estaba la nueva en Sitges.

Sobre 28 DIAS DESPUES, me gusta pero la parte final con los militares me irrita.

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Sí, un tanto tópica. Pero el inicio es magnífico.

Negro + Blanca + Blanco...

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:viejo

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ROCK'N'ROLL HIGHSCHOOL -1979- (ALLAN ARKUSH)

Creo que en el otro rincón discutimos cual era el mejor año cinematográfico, yo con toda la razón, dije mi año de nacimiento 1979, con la carta y abanderado de ALIEN, pero la lista es maja: Apocalypse Now, Drácula de John Badham, El síndrome de China, el tambor de Hojalata, Arrebato, la peli de Tomas Kramer vs Kramer, la vida de Brian, Mad Max, Nosferatu de Herzog, Stalker, Tess, Cromosoma 3, Phantasma, N.Y. bajo el terror de los zombis y the Warriors (y no nombro Star Trek porque no me gusta) y si nos ponemos cinéfagos: Rocky Carambola, los Bingueros, Trampa para turistas, Supersonic man, Perros callejeros II, Malabimba, y como no ROCK'N'ROLL HIGHSCHOOL: la peli promocional de los Ramones.

Siempre he dicho que no soy fan de las pelis de musicos pasados a actores, la franquicia de ELvis son entre malas y muy malas, musicales, encefalograma plano, un horror. Claro, el film los Ramones no son actores, simplemente tocan y dicen cuatro frases. Estamos ante el subgénero de comedia juvenil highschoolera pre Porky's, que quiere decir esto?, pues fácil, sexualmente de convento, o sea hay potencial para mostrar, pero la era Porky's aún no aterrizo en los USA y aquí nos muestra un producto donde la gamberrada es un pellizco, todo muy azucarado, sin mala baba, muchas buenas intenciones incluso con los Bad Boys. Los actores y actrices pues bueno, que voy a decir, sólo destaco la prota PJ Soles, participe de pelis sensacionales como LA NOCHE DE HALLOWEEN y CARRIE, y con morralla interesanta como ALIENATOR o COMANDO SAIGON (peli mala de temática Vietnam, alquilada en la segunda o tercera tanda de la era VHS de VIDEOCLUB con mis padres, y después me la compré en VHS por pura nostalgia). Después destaco al secundario por antonomasia CLint HOward, y poca cosa más.

Pues que mola de la peli, pues los Ramones claro, ese look, esa performance a veces punk rockera, a veces con el tono dulce inofensivo del film, como la escena que estan tocando en un piso minúsculo, y creo que es Dee Dee Ramone tocando en la ducha. Muchas canciones de ellos, She's the one, el himno Blitzkrieg Bop, y claro la que da el título al film, entre otras.

Edita el BD 101 Films, audio y subt. en ingles, suficiente, no hay diálogos profundos. Calidad de imagen muy buena, con un book y extras jugosillos, por un precio de 12 Pounds.

En Resumen, film emocional más que cualitativo, poco que destacar a nivel cinematográfico y mucho que sentir, soy un romántico, pero no como Dawson.

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Me gustan hasta cierto punto The Ramones, pero esta peli tiene una pinta... :fiu

Me ha agradado ver 28 días después, una de mis películas favoritas, en este hilo (pero yo si la vi en casa :cafe). La tengo en DVD pero me cabrea que D+ la haya borrado del catálogo :xploto

El prólogo:

"He preguntado infectados con qué"
"Con ira"

Jim despertando y paseando por la soledad de Londres y añado la sórdida escena de la iglesia en la que Jim dice "Hello?" y dos infectados reaccionan (uno de ellos como si ya lo hubiera visto nada más asomarse). Y luego la aparición del cura.

Todo ello adornado con una OST que aumenta lo truculento del momento.

Bueno, toda la BSO es una puñetera maravilla.

Ah, se me olvidaba, el final. Me pasé toda la película con muy mal rollo y muy mal cuerpo (llegó a acojonarme tanto que me pasé una época muy larga sin repetir visionado. Fue una película que incluso me provocó pesadillas) y la verdad que se agradeció ese final.

Me gustaría aportar al hilo con la maravilla de Man from Earth, una película fascinante, pero una crítica extensa me da perezaca y ja verdad tampoco podría aportar mucho :sudor

Revisada, por mi parte, "El abominable doctor Phibes" una de las mejores películas nacidas bajo el ala de la AIP, con un Vincent Price soberbio, un aspecto visual camp de la época (tan extraño a nuestros ojos hoy en día, como irrepetible) y dirigida por Robert Fuest, un director británico sobre todo, televisivo, que filmó algunos trabajos para cine, sobre todo dentro del terror, entre los que destaco el tensísimo thriller "De repente, la oscuridad".

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Phibes era en vida un organista, filósofo y teólogo genial. Tras un accidente, se le da por muerto, y su esposa, Victoria Regina, es intervenida de urgencia por un equipo médico que no logra salvarle la vida. Deshecho, Phibes enloquece, finge su propia muerte y se dedica a organizar una fastuosa venganza desde las sombras, imitando las plagas de Egipto bíblicas para decidir la suerte que aguarda a cada médico, y dedicando al jefe médico, doctor Vesalius (Joseph Cotten) la peor...

Especialmente impactantes algunas de las muertes (como la del doctor atacado por las ratas a bordo de su avioneta, o la máscara de rana) la película supone una auténtica borrachera visual en unos decorados de fantasía pura (y todo ello, hemos de suponer, con 4 duros) que apenas dura 1 hora y media y su ágil estructura lo hace parecer incluso menos. Apuntes de pura comedia negra no dejan de sucederse, desde las charadas de Phibes en su cueva secreta (un poco fantasma de la ópera, un poco Fu-Manchú) a esos torpes y estúpidos inspectores de Scotland Yard, diríase sacados de la típica comedia de Blake Edwards sobre las aventuras del inspector Closeau que hacían furor en la época...

Lastima que la secuela, Dr. Phibes Rises Again, no tenía la misma gracia (o al menos a mí, en su día, no me hizo ninguna).

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Cita:

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Iniciado por mad dog earle

Lastima que la secuela, Dr. Phibes Rises Again, no tenía la misma gracia (o al menos a mí, en su día, no me hizo ninguna).

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Sólo la he visto una vez, y tampoco me dejó satisfecho. La recuerdo más pulp y ligera. Eso sí, destaco la presencia de Robert Quarry, el Conde Yorga de los 70, un actor que se prodigó poco, pero que me parece que tenía una presencia muy inquietante, ideal para el género. Curiosamente, al igual que ocurre con el díptico de Phibes, en el díptico que se rodó sobre el vampiro Conde Yorga, la primera es muy interesante (dentro de su reducido presupuesto) y la segunda nunca me ha llegado, no me parece que estén al mismo nivel.

Por cierto, ¿alguien recuerda quién era la (sensual) actriz que encarnaba a la esposa del ínclito doctor?

:ceja

Cita:

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Iniciado por Alcaudón

Por cierto, ¿alguien recuerda quién era la (sensual) actriz que encarnaba a la esposa del ínclito doctor?

:ceja

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¿Quién si no...?

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La grandiosa Caroline Munro :wtf :wtf :wtf

Aunque su presencia se reduce a las fotografías de ella que vemos a lo largo del filme, su hechizo se hace notar. Al final ves hasta normal que el pobre Phibes haya perdido la cabeza hasta esos extremos tras morir su amada.

:gano

Luego buscaré la review de mad :cortina

Cita:

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Iniciado por hannaben

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Testamento cinematográfico de M Naruse.


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A partir de este punto, la cinta inicia un rumbo en apariencia diáfano pero que nos lleva del odio al desprecio, duda, temor, curiosidad, ternura y deseo; hasta desembocar en la imposible historia de amor entre Mishima y Yumiko, separados por las implicaciones morales de su relación.
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Las miradas de Yumiko funcionan emocionalmente, marcando el tiempo de la peli. En la ceremonia fúnebre, Mishima, el autor del siniestro, es expulsado. En ese instante vemos a una Yumiko en primer plano, vestida de luto, con lágrimas de rabia.
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Al final de la cinta, en la última mirada que Yumiko le dirige a Mishima, volvemos a verla en primer plano, pero esta vez viste de blanco. Vuelve a llorar y, sin embargo, las lágrimas son ahora de amor y resignación.

A destacar el uso del espacio, interior y exterior, que Naruse utiliza para encuadrar a sus personajes,vale la pena fijarse en todo el trabajo, matizando lo público y lo privado

El ir y venir de ambos.. viviendo sin establecerse en una casa propia. Su acercamiento en espacios naturales fluye mientras que en el hotel presagia el desenlace.Los recuerdos con el marido también disfrutando de la naturaleza y el breve y nada redundante después, momento del aborto,muy de agradecer.
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En definitiva,este primer visionado de Naruse precisamente con su obra póstuma, me ha dejado con ganas de más.. forma parte del melograma japonés aparentemente ligero con algunos tramos y roles para aligerar el meollo que me sobran.A destacar el trabajo de Y Tsukasa,el galán muy atractivo pero como actor flojillo...hacen una bonita pareja que funciona eso sí, en esta peli sutil que invita a revisionado.
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6.8/10

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