Tema: Federico Fellini: revisando sus películas

Iniciado por muchogris

O una figura de una caja de música, porque al final sigue bailando en círculos con el que dice es su amor en una pose congelada. Luce igual que su compañera.

Sí, al final de su vida se ve a sí mismo como una figura mécanica junto a Rosalba, en una comunión perfecta, convertidos en una caja de música que gira y gira. Es un final precioso, a la vez que patético, en especial por ese primerísimo primer plano de los ojos (una máscara) de Casanova que Fellini inserta justo antes del último plano.

Es un 10 el de AMARCORD diferente al 10 de VERTIGO.
Compi muchogris

No me parece excelsa en toda la extensión de la palabra.... peero es una de las pelis de mi vida,como un hijo

Y van la tira de visionados y me sigue emocionando.

Como bien dice Mad, otro film de Fellini que requiere varios visionados, como viene siendo habitual, cosa que haré, pero no será con la misma edición que tengo, o sea una colección de cine erótico editado por Filmax, debe ser la misma basurilla que la de Mad; cosa que ha hecho disminuir mi disfrute, ya que Fellini, es poderío visual y colorido.

A pesar de ser larga, para mi lo es, yo soy muy de código Hammer, al ser también episódica como Satyricon y con el plus del impacto visual habitual, no se hace larga en lineas generales. A mi lo que más me ha gustado del film, y creo que es una norma habitual de Fellini, es el afeamiento del sexo, con ese Casanova un tanto peculiar, uno acostumbrado a ver un fucker guapo, y Fellini nos muestra al hombre más feo del mundo. Y después está como enfoca el sexo, 0 disfrutable 0 sensual, tratado como un día más en la oficina, apretar un botón y listo, así se ve a Sutherland en todo el film; me encanta esta visión de Casanova fuera de la fogosidad y tratado como una mera máquina sin fallos, no hay lugar al error, se ejecuta el trabajo y Ciao.

De los episodios me gustan mucho la de su etapa final, donde la máquina se humaniza, por pura nostalgia y por verse cerca de la muerte, que aún acentúa el patetismo general de su personaje en el film. Hablando de patetismo, el concurso o duelo en la embajada contra el cochero es otro episodio genial, rutinario para el Casanova más feo del mundo, pero al ser una máquina, siempre gana. También me encanta el episodio de de la gigante y los enanitos, aunque la escena del baño no me cuadra mucho, ella sentada, no cabría en un espacio tan pequeño, y los enanitos están a la misma altura suya en dicha bañera, así que supongo que el gigantismo de ella es un efecto óptico más que real, ya que parece y nos muestra que los enanitos miden la tibia de ella. Y hace poco se hablaba en el otro rincón de Lars y una chica de verdad, también el episodio con la muñeca mecánica, es fascinante y perturbador, donde como bien apunta Mad, por fin el Casanova más feo del mundo parece disfrutar con el sexo.

Como he ido destacando, el impacto visual, el exceso de maquillaje en los personajes, el atrezzo, el comportamiento de muchos personajes, hacen que , otra vez, Fellini coquetee transversalmente con el género de terror, un punto, o quizá el punto, que más me gusta del director, y su arte en tocar dicho género sin tener nada que ver con él; el rostro de Sutherland como Casanova es terror puro.





Como vinagre, esta vez, como ya he dicho, va todo para la duración y sobretodo la calidad del dvd, que me han hecho estar cabreado todo su visionado. La sitúo un poco por debajo a Satyricon.

Iniciado por Alex Fletcher

También me encanta el episodio de de la gigante y los enanitos, aunque la escena del baño no me cuadra mucho, ella sentada, no cabría en un espacio tan pequeño, y los enanitos están a la misma altura suya en dicha bañera, así que supongo que el gigantismo de ella es un efecto óptico más que real, ya que parece y nos muestra que los enanitos miden la tibia de ella.

Pues no, es una auténtica giganta. Según imdb era una norteamericana, Sandra Elaine Allen, de unos 20 años, y que llegó a medir 2,32 metros.

Iniciado por Alex Fletcher

Y hace poco se hablaba en el otro rincón de Lars y una chica de verdad, también el episodio con la muñeca mecánica, es fascinante y perturbador, donde como bien apunta Mad, por fin el Casanova más feo del mundo parece disfrutar con el sexo.

Hay un plano, del que no he encontrado la imagen en Internet, a la mañana siguiente de la noche de sexo entre Casanova y Rosalba, en que vemos a la muñeca con las piernas abiertas mostrando su sexo abierto, muy perturbador, una especie de muñeca hinchable avant la lettre, y con movimiento.

2,32 !!!! maría santísima, supera por un cm al jugador más alto de la historia de la nba, George Muresan.

Solo en pantalla grande, habré visto “Il Casanova” unas cuatro o cinco veces. En pantalla pequeña no tantas, entre otras razones porque, como ya se ha apuntado, las ediciones domésticas que he encontrado no han sido buenas: la de Filmax hace bueno el “Amarcord” de Warner (creo recordar que incluso el fotograma pierde color del lado derecho al izquierdo de la pantalla, es rarísimo), la recuperación por Regia en un doblete con “Roma” se ve exactamente igual, e incluso un DVD francés que me traje, que tenía como curiosidad la versión en inglés con la voz de Donald Sutherland, no era ni anamórfico. Por lo tanto suelo aprovechar cada pase que hay en cines para disfrutar de uno de los Fellini que más me fascinan.

Es cierto que Fellini va bastante a la contra en su planteamiento del célebre veneciano: casi cualquier otro cineasta lo habría visto como la quintaesencia del vitalismo, como la encarnación del sueño de cualquier varón heterosexual que se precie. En cambio, aquí se lo ve como el ser menos libre del mundo, prisionero de su reputación, que nunca encuentra el tipo de reconocimiento que desea. A pesar de que “Il Casanova” es una película encuadrable en una categoría de cine de autor de temática explícita muy fecunda en aquella época (desde la “Trilogía de la vida” pasoliniana al ya mentado Borowczyk), lo cierto es que el erotismo de Fellini aquí es paródico, es en esencia una especie de gimnasia acrobática deliberadamente ridícula, que termina con una “pequeña muerte” exagerada para enfatizar que se está en plena carrera hacia la “gran muerte”.

La visión del gran seductor como un ser en esencia vacío ya la teníamos desde el Fausto de “Los inútiles”. Hasta qué punto esto es o no moral católica dependerá de la visión de cada uno: desde luego la visión del sexo es oscura, Casanova prostituye sus habilidades para tratar de llamar la atención sobre sus facetas intelectuales, buscando mecenas adinerados que solo se interesan en su talento como follarín, y toda tentativa de hallar una compañera “a su altura” (Henriette o Isabella, la hija del profesor Moebius) fracasa estrepitosamente. La idea de que el único amor verdadero de Giacomo es la muñeca Rosalba es claramente irónica: se trata de una muñeca, igual que él, pero en esencia todos somos muñecos de nuestros instintos, en mayor o menos medida. Fellini se me antoja bastante severo con su personaje, aunque, dados sus eternos componentes autobiográficos, no sería raro que estuviese exorcisando sus propias facetas de donjuanismo, haciendo un desarrollo ultrabarroco de las fantasías del harén de Guido Anselmi, que volverán a verse plasmadas, de un modo igualmente desaprobador, en la mansión del doctor Katzone en “La ciudad de las mujeres”.

El segmento homosexual al que se refiere Mad Dog quizá se hizo bien en eliminar, dado que refleja una especie de lugar común sobre los muy mujeriegos, que en mi opinión están más enamorados de sí mismos que de cualquier otro hombre. De hecho, habría sido rara, aunque coherente con el castigo sistemático que sufre el mito del veneciano, esta idea después de ver el grotesco episodio en casa de Dubois, que veo como otro ejemplo más de la homosexualidad vista por Fellini como algo tirando a ridículo. Es difícil no reír ante la escenificación operística del deseo de la mantis hacia el joven insecto, con ese estribillo recurrente de “Ogni maschio è tentatore”, y las muecas y gestos de Daniel Emilfork. Alejandro Jodorowsky cuenta en su libro “La danza de la realidad” cómo Emilfork se vio obligado a abandonar Chile porque su condición gay empezaba a darle serios problemas en la sociedad de aquel tiempo (Jodorowsky afirma asimismo que Emilfork despedía de la compañía teatral que ambos dirigían a todas las jóvenes actrices que intimaban físicamente con el primero, dado que Emilfork, enamorado de él, estaría terriblemente celoso). Siempre me ha llamado la atención que el actor chileno aceptara un papel que ridiculizaba sus propias tendencias, pero, claro, quién le dice que no a Fellini, en la que sigue siendo, junto a “La ciudad de los niños perdidos” de Jean-Pierre Jeunet, su aparición más recordada en el cine).

El episodio londinense es uno de los más fantasmagóricos, con unas escenas sumidas en la niebla que son pura marca de la casa, y siendo fiel a un principio constante en la película, que a una escena excesiva o grotesca suele seguir un episodio emotivo que nos revela una faceta más humana del seductor. Después de la ópera de Dubois, tenemos ese momento en que Casanova llora porque Henriette toma un violonchelo e improvisa unas variaciones sobre el tema que se acaba de cantar (y mientras llora y reflexiona, esto lo considero excelente, se pierde en un seto ¡con forma de laberinto! ¡El gran seductor está perdido en sus emociones!) Del mismo modo, el episodio de la giganta Angelina (interpretada por Sandra Elaine Allen, que, si no me equivoco, entonces estaba considerada la mujer más alta del mundo) termina en una nota increíblemente nostálgica, pues este fenómeno de feria, cuya historia recuerda bastante a la de Gelsomina en “La strada”, proviene nada menos que de Venecia, patria chica del aventurero, cantando la muy evocadora canción “Pin penin”, cuyo sabor italiano popular es memorable (Rota está verdaderamente sembrado aquí, ya volveré a ello).

También la cacofónica “set piece” de la corte de Württemberg, uno de los momentos excesivos que muchos espectadores no aguantarán (siempre me he preguntado si esta especie de estruendo basado en los teclados estaría inspirado por la fama setentera de grupos como Emerson Lake & Palmer, que partiendo de bases clásicas lograron un sonido de gran poder rockero con el sintetizador como elemento principal), es seguida por uno de los episodios más maravillosos, poéticos y “monos” (pese a su final sexualmente explícito) de toda la filmografía felliniana, a saber el baile con la muñeca Rosalba, un prodigio de coreografía y pantomima que, como atestigua el final, es uno de los puntos culminantes de la película, esencial para capturar su sentido. De hecho, nos damos cuenta en ese momento que el tema musical principal, ese vals fantasmagórico con sonidos como de celesta que evocan una caja de música, no es otro que el tema de Rosalba y por extensión el de Casanova, cuyas notas ingrávidas evolucionan en un eterno círculo que parece reflejar la obsesión sin final de Giacomo por las mujeres.

Pero es que la genialidad de la música no acaba ahí, pues, si atendemos a la interrelación de motivos musicales (me haría falta aquí poder cantar o disponer de medios tecnológicos de los que carezco ahora mismo para hacer capturas de audio), oímos a menudo superpuestos al motivo principal un tema seudo-gregoriano que evoca la persecución eclesiástica que sufre el protagonista, la fanfarria del carnaval de Venecia, escuchada en la secuencia inicial, la melodía de “Ogni maschio è tentatore”, que podemos asociar al amor imposible por Henriette, o la nostálgica canción “Pin penin”. El tema de “l’uccello magico” (ese pájaro autómata que representa sin confusión posible el pene de Casanova) entra de lleno en la “música circense” de Fellini-Rota, otro vals mucho más grotesco que el de Rosalba, lleno de curiosísimas disonancias e interpretado al piano eléctrico para subrayar, supongo, su artificialidad.

Uf, llevo ya hora y media escribiendo y creo que no he rascado ni la superficie de la peli. Así rápidamente, hay una conexión explícita, en el episodio del conde Ildebrando (en el que Giacomo compite sexualmente contra el caballerizo Righetto) con el “Satyricon”, cuando el protagonista dice algo así como “no sabía que Roma se había quedado igual que en los tiempos de Trimalción”. Ahí también hay un ejemplo maravilloso de paradoja dramática, en ese triunfo apoteósico de Casanova, llevado a hombros como un héroe cuando de hecho ese triunfo lo ve el espectador como un gran fracaso de sus aspiraciones y, como bien dice Mad Dog, el punto más bajo de su dignidad. La orgía con la jorobada y los miembros de la compañía teatral es exceso puro y no estaría fuera de lugar en un film del británico Ken Russell; la veo como un ejemplo de que Fellini, en la cúspide de su fama, podía permitirse cualquier capricho, pero es el tipo de escena, como la de la caótica corte de Württemberg, que terminaría alienando a gran parte del público y bajando de su pedestal al cineasta, que, como es lógico en toda carrera larga, terminaría perdiendo la unanimidad en torno a sus méritos hasta llegar a la cierta humillación de que su película final, “La voz de la luna”, no obtendría ni siquiera distribución internacional. El final, en efecto, con los patéticos últimos días de Casanova como bibliotecario en Bohemia, víctima de las burlas que él atribuye a Faulkircher y Viderol, según él una pareja homosexual (de nuevo ese fantasma), y con el pájaro mecánico roto y arrumbado en un rincón, es una conclusión muy triste pero onírica y mágica, con todas las mujeres de su vida huyendo sobre el agua congelada, con la excepción de Rosalba, lo más parecido a un amor verdadero a lo que Giacomo pudo aspirar, que lo espera para un último baile en el que el veneciano admite definitivamente su condición de muñeco, girando en círculos, hasta que el terrible primer plano de su rostro destruido por el tiempo cierra de modo brutal la historia.

No sé, viendo todo lo que ha antecedido me da la impresión de que esta peli me gusta un poquitín, también.

Como bien dices el episodio cacofónico de la corte del duque de Württemberg (por cierto, interpretado por un actor que podemos ver en The Devils, de Ken Russell), puede expulsar a parte del público, pero a mí, como ya dije en mi conentario, es uno de los que más me gustan, sin contar que acaba dando paso a la aparición de Rosalba.
En cuanto a la música de Rota, hay otro tema que va apareciendo a lo largo de film y es el "Canto della Buranella" , uno de los fragmentos musicalmente más dulces del film.