Tema: Humphrey Bogart: revisando sus películas (1941-1956)

Eso es algo que admiro del amigo Alcaudón. Yo no puedo llevar varias cosas a la vez. Al menos, sin perder la chaveta. Yo soy más de disfrutar algo en concreto, sin pensar en lo que viene después.

Y este fin de semana tenías Oscar.

Iniciado por mad dog earle

Y este fin de semana tenías Oscar.

Con cachetada incluida Ultimamente no falta nada. Bueno, sí. Que premien más la calidad y algo menos el buenismo.

Yo ando fatal de las rodillas. Hoy me he tenido que tomar un Nolotil a la mañana. Ayer de hecho no pude estar más que un breve momento delante del ordenador y encima para un comentario a tres bandas.

La patrulla perdida (The Lost Patrol, 1934), de John Ford



Recogiendo el guante lanzado por Alcaudón, completo el programa doble (lo del programa triple queda para superhombres de la cinefilia, como nuestro querido pájaro bilbaíno), que tenía Sahara como primera parte, con este curioso film de John Ford, The Lost Patrol, inspirado como aquel en el relato “Patrol” de Philip MacDonald, adaptado por Garrett Ford y convertido en guion por Dudley Nichols, en una producción de la RKO (con Merian C. Cooper, uno de los directores de King Kong, como productor ejecutivo).

De entrada, y contradiciendo a nuestro enciclopédico compañero de foro, he de decir que, contados y recontados, los integrantes de la expedición de soldados británicos en Mesopotamia en 1917 son solo 12 (de hecho, el cartel que reproduzco habla de "twelve battered fighting men"), no 13 (quizá para evitar la mala suerte, aunque visto el resultado…), a no ser que queramos incluir en el cómputo un despistado piloto británico que tiene la mala idea de aterrizar justo en medio del fregado, con fatales consecuencias.

Uno de ellos, el oficial (un teniente), muere al inicio del film. Los demás, como si de la famosa obra de Agatha Christie se tratara, van muriendo uno a uno (en un caso, dos de golpe), hasta que, finalmente, solo quedará en pie el sargento, Victor McLaglen.



Comparado con el film de Korda, The Lost Patrol es una especie de destilado argumental, una pura abstracción, con una situación única: una patrulla perdida en el desierto se instala en un oasis, junto a las ruinas de lo que parece ser una mezquita.



A diferencia del film protagonizado por Bogie, aquí todos son británicos, el oasis ofrece abundante agua y alimentos (los dátiles), hay sombra gracias a las palmeras, y el enemigo, una partida de árabes, permanece invisible (uno de los aspectos más atractivos del film) durante casi todo el metraje (breve, por cierto), solo harán acto de presencia al final.



Como he dicho, de los 11 soldados que llegan al oasis, solo sobrevive uno, aunque otro, Brown (Reginald Denny), abandona el lugar con la intención de matar árabes atacándolos por la retaguardia (es de suponer que con poco éxito) y desaparece de la narración. El resto, van cayendo por los disparos de los atacantes. En especial, la película resalta el papel de Sanders (un Boris Karloff en mi opinión algo exagerado en su interpretación), un santurrón, obsesionado con la Biblia, que amonesta a sus compañeros por no ser suficientemente puros en sus palabras y actos, y que acabará enloquecido, vestido con unos harapos y cargando una cruz, no se sabe si dispuesto a evangelizar a los musulmanes.



Por lo que se puede ver, poco se parece la película de Ford a la de Korda. Sin ser uno de los films más destacados del maestro, incluso entre los de los años 30, tiene algunos elementos de interés. Además de esa abstracción argumental, funciona a la perfección la sensación de aislamiento en medio del desierto, dominado por el viento y la arena. Además, Ford hace algo en lo que siempre destacó: otorga su momento a cada uno de los personajes, de manera que no se trata de un grupo anónimo de soldados, sino que cada uno tiene su personalidad. Resaltaría a Pearson (Douglas Walton) y Morelli (Wallace Ford), además de los ya citados Brown y Sanders. Especialmente siniestra es la muerte de Cook y MacKay, que habían salido para intentar conectar con la brigada a la que se han de reintegrar, y no por lo que vemos, sino por lo que imaginamos: los árabes depositan los cadáveres de ambos soldados a las afueras del oasis, y Ford no nos muestra sus caras, que, por un comentario de uno de los soldados, están desfiguradas.

Veremos qué nos cuenta Alcaudón de la película de De Toth, que hace muchos años que vi y de la que no recuerdo gran cosa. Y pronto, la próxima entrega del ciclo Bogart, Passage to Marseille, que he revisado esta tarde, confirmando mi opinión crítica del film.

Max Steiner, que era el compositor de la banda sonora, recibió una nominación (aunque en ese momento, 1934, la recibió como jefe del departamento musical.
Además, The lost patrol fue considerada en el top-10 de la National Board of Review. En ese mismo top-10 encontramos cintas tan famosas como La cena de los acusados, que tuvo tanta popularidad y dio lugar a una saga famosa en la época, y la ganadora de todo ese año, la fantástica Sucedió una noche, de Frank Capra.

Últimamente no estoy para muchos trotes y por eso la demora en las reseñas, aunque ahora mismo estoy con una triple para este mismo rincón.

Efectivamente, querido amigo, son 12 y no 13 los integrantes de la patrulla. Yo también tuve que contarlos.

Como hoy no me gusta lo que escribí anteayer (ayer estaba demasiado muerto como para ponerme delante del ordenador) procedo a hacer una (espero) rápida reescritura.

A ver qué tal se me da la noche.

Ya sabéis que mi tope son las 00:00, como Cenicienta.

Me pongo a ello.

Tengo casi finiquitado el triple comentario, notablemente abreviado, incluso para los estándares del querido compañero Alex Fletcher, pero me es imposible finiquitarlo porque ya no aguanto más delante del ordenador.

Salvo los pósteres correspondientes y las capturas de pantalla de los títulos de crédito no tengo pensado incluir ningún otro material gráfico al mismo.

Mañana a la mañana me traen la nueva lavadora (que, afortundamente, la paga la arrendadora ) y un paquete de Amazon con un par de películas del Batman que todo el mundo detesta...

A ver si entre una cosa y otra finiquito de una vez la reseña.

He repetido tres veces la palabra finiquitado lo cual es un claro síntoma de que no estoy en las mejores condiciones físicas y mentales.

Iniciado por Alcaudón

He repetido tres veces la palabra finiquitado lo cual es un claro síntoma de que no estoy en las mejores condiciones físicas y mentales.

Tranquilo, eso me pasa a mí a menudo y de forma más notoria A veces me sucede por intentar ser lo más pulcro y extenso en una review (solamente reviso un poco por encima el escrito final, así que errores tiene que haber), razón por la cuál estimo que es más liberador ser muchas veces más escueto e ir al grano sin los preámbulos que hacía Garci en su programa (que hasta repasaba acontecimientos sucedidos a escala mundial en el año del estreno de un film, lo que sin duda es un buen aliciente para conectarlo a su época de lo más ilustrativo, pero aquí no creo que haya que llegar hasta esos términos de forma regular aunque se disfrute mucho haciéndolo).

Este fin de semana me pondré con mi primera review tras varias semanas, relacionada con el hilo pre-code, y luego me pasaré al de Lang o al de Renoir, sin olvidarme aún de Elia Kazan, que desde poco antes de Navidades estoy queriendo revisar "de adulto" Esplendor en la hierba" y por unas cosas y otras se ha ido quedando rezagada. Y me veré también el primer film protagonizado por James Cagney y Bette Davis. Y con lo vago que me siento a veces a la hora de escribir, en fin .....

Iniciado por Alcaudón

He repetido tres veces la palabra finiquitado lo cual es un claro síntoma de que no estoy en las mejores condiciones físicas y mentales.

No te preocupes. Lo peor sería que fueras tú el finiquitado Hay días buenos y días malos. Nos ocurre a todos.

THE LOST PATROL (1934, LA PATRULLA PERDIDA)



Director: John Ford.

Producción y distribución: RKO Radio Pictures, Inc.

Productor: John Ford.

Guion: Dudley Nichols, a partir de la adaptación de Garrett Fort de la novela “Patrol” de Philip MacDonald (Londres, 1927).

Fotografía: Harold Wenstrom, en blanco y negro (1.37:1).

Dirección artística: Van Nest Polglase y Sidney Ullman.

Música: Max Steiner.

Montaje: Paul Weatherwax.

Reparto: Victor McLaglen (El sargento), Boris Karloff (Sanders), Wallace Ford (Morelli), Reginald Denny (Brown), J. M. Kerrigan (Quincannon), Billy Bevan (Hale), Alan Hale (Cook), Brandon Hurst (Bell), Douglas Walton (Pearson), Sammy Stein (Abelson), Howard Wilson (Aviador) y Paul Hanson (MacKay).

Rodaje: del 31 de agosto al 22 de septiembre de 1933.

Duración: 1 h 05 m 43 s.

Estreno: 16 de febrero de 1934.





Mesopotamia / 1917

…

09. SAHARA (1943)



Director: Zoltan Korda.

Producción y distribución: Columbia Pictures Corp.

Productor: Harry Joe Brown (no acreditado).

Guion: John Howard Lawson y Zoltan Korda, a partir de la adaptación de James O’Hanlon de la novela “Patrol” de Philip MacDonald (Londres, 1927).

Fotografía: Rudolph Maté, en blanco y negro (1.37:1).

Dirección artística: Lionel Banks.

Decorados: William Kiernan.

Música: Miklós Rózsa.

Montaje: Charles Nelson.

Reparto: Humphrey Bogart (Sargento Joe Gunn), Bruce Bennett (“Waco” Hoyt), J. Carrol Naish (Giuseppe), Lloyd Bridges (Fred Clarkson), Rex Ingram (Sargento Mayor Tambul), Richard Nugent (Capitán Jason Halliday), Dan Duryea (Jimmy Doyle), Carl Harbord (Marty Williams), Patrick O’Moore (Osmond “Ozzie” Bates), Louis T. Mercier (Jean Leroux, “Frenchie”), Guy Kingsford (Peter Stegman), Kurt Krueger (Capitán von Schletow) y John Wengraf (Comandante Von Falken).

Rodaje: del 29 de enero al 17 de abril de 1943.

Duración: 1 h 37 m 40 s.

Estreno: 11 de noviembre de 1943.





Libia / 1942

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LAST OF THE COMANCHES (1953)



Director: André De Toth.

Producción y distribución: Columbia Pictures Corp.

Productor: Buddy Adler.

Guion: Kenneth Gamet.

Fotografía: Charles Lawton, Jr. y Ray Cory, en Technicolor (1.37:1)

Dirección artística: Ross Bellah.

Decorados: Frank Tuttle.

Música: George Duning.

Montaje: Al Clark.

Reparto: Broderick Crawford (Sargento Matt Trainor), Barbara Hale (Julia Lanning), Johnny Stewart (Little Knife), Lloyd Bridges (Jim Starbuck), Mickey Shaughnessy (Rusty Potter), George Mathews (Romany O’Rattigan), Hugh Sanders (Denver Kinnaird), Ric Roman (Martínez), Chubby Johnson (Henry Rupert), Martin Milner (Billy Creel), Milton Parsons (Satterlee el Profeta), Jack Woody (Capitán Floyd) y John War Eagle (Black Cloud).

Rodaje: del 27 de noviembre de 1951 al 3 de marzo de 1952.

Duración: 1 h 24 m 26 s.

Estreno: 1 de febrero de 1953.





Comanchería / 1876

…

Desfaciendo entuertos, quiero decir, malentendidos.

Lo primero que me gustaría indicar es que pese a lo que indican los títulos de crédito de LA PATRULLA PERDIDA...



... y SAHARA...



... las mismas se basan no en una historia del escritor británico Philip MacDonald (1901-1980) sino en su novela “Patrol” publicada por la editorial W. Collins Sons & Co., Ltd. en 1927.





En los de LAST OF THE COMANCHES ni siquiera se menciona el nombre de MacDonald de tal forma que parezca que el guion sea original de Kenneth Gamet (1903-1971)…



… uno de los escritores favoritos de Randolph Scott (1898-1987), quien trabajó en seis de los once westerns que dirigió el húngaro André De Toth (1913-2002) a lo largo de su carrera…

… y que se encargaría de la segunda unidad en la cinta de Korda, además de la dirección de esta…

De Toth y el actor Lloyd Bridges serían los únicos que repetirían en las versiones de 1943 y 1953.

Como ya comenté MacDonald tiene en su currículo, por ejemplo, la adaptación, junto a Michel Hogan, de la novela “Rebeca” (1938), de Daphne du Maurier y que serviría de base al guion pergueñado a cuatro manos por Joan Harrison y Robert E. Sherwood y que todos sabéis quién acabó dirigiendo…

O el libreto de THE BODY SNATCHER (1945), de Robert Wise, otra pieza maestra del productor Val Lewton para la RKO.

También es paradójico que en los créditos de SAHARA se indique que la misma se basa en un incidente de la cinta soviética TRINADTSAT [“LOS TRECE”] (1937), de Mikhail Room y no así en la de John Ford, cuando es muy probable que esta última la tomase como base, teniendo en cuenta la admiración que los cineastas bolcheviques sentían por la obra del norteamericano.

Y ahora vayamos por partes.

LA PATRULLA PERDIDA:

La acción transcurre en la Mesopotamia del Imperio Otomano de 1917, por tanto, en plena Primera Guerra Mundial.

Efectivamente y como muy bien indica el querido compañero mad dog earle, son 12 y no 13, como en la película soviética que antes mencionaba, los componentes de esa patrulla que son acosados por un enemigo invisible – en este caso, los árabes - y que van cayendo uno a uno hasta que sólo queda el sargento, cuyo nombre jamás sabremos y que encarna el fordiano (valga la redundancia, dado que estamos ante un cinta del Gran Jefe) Victor McLaglen.

Curiosamente el hermano pequeño de este, Cyril, había encarnado al mismo personaje en la versión muda británica de 1929 de igual nombre (aunque sin el THE por delante).

Lo cierto es que la película de Ford tiene muy poco que ver con las de Korda y de De Toth (esta última sí muy deudora de la anterior).

Los protagonistas son todos soldados británicos y la acción se centra exclusivamente en el oasis que los mismos encuentran en pleno desierto.

El enemigo, como decía, apenas asoma al final del relato, lo que ayuda a crear una acertada atmósfera ominosa, algo a lo que ayuda la contrastada fotografía de Harold Wenstrom y la acertada partitura de Max Steiner, que como bien indica el amigo tomaszapa fue nominada a los Oscar de 1935.

Muy inteligente, por cierto, la idea de Ford de eliminar la música cada vez que uno de los soldados británicos cae víctima de los disparos de sus enemigos, por cierto, los legítimos propietarios de las tierras.

El, efectivamente, muy cargante personaje encarnado por Boris Karloff y que más parece sacado de una cinta de corte fantástico de la Universal (o de una película de Luis Buñuel ), podría tener su contrapartida en las versiones de 1943 y 1953 en los del capitán von Schletow (Kurt Krueger) y del contrabandista Denver Kinnaird (Hugh Sanders), los villanos de las mismas, aunque reconozco que eso sería hilar muy fino.

Esa gradación, película a película, de las tinieblas a la luz, no se debe exclusivamente al paso del blanco y negro al color sino también porque en cada nueva película aumenta el número de supervivientes de la expedición original.

Como decíamos, uno en LA PATRULLA PERDIDA.

Tres en SAHARA.

Y seis en LAST OF THE COMANCHES.

Curiosamente y pese a lo que acabo de indicar el sargento (todos los protagonistas tienen la misma graduación) encarnado por el fornido Broderick Crawford en la cinta de De Toth es el menos empático de todos ellos y seguramente por ello se le añadió a la historia un (tenue) esbozo de relación amorosa con la hermana del capitán a cuyo fuerte se dirigen los supervivientes de la matanza de la (intuyo ficticia) población de Dry Buttes, en la Comanchería, bajo los rasgos del hermosa Barbara Hale.

Además la ausencia de agua y que forma el nudo gordiano de la trama tanto de la versión de Korda como la de De Toth, no se da en la de Ford puesto que en el oasis en el que se refugia la patrulla disponen de ella en abundancia, así como de alimento en forma de dátiles.

En esencia LA PATRULLA PERDIDA es una película notablemente abstracta y cargada con un halo de fatalidad, algo, por otra parte, muy característico de los guiones que Nichols le suministraba a Ford en los años ‘30 y ‘40.

Una cinta ciertamente muy alejada de ese componente épico y colonialista de otros títulos coetáneos y que la convierten en un (atípico) clásico del cine de aventuras.

SAHARA.

Desierto de Libia. Verano de 1942.

De las tres versiones comentadas, ciertamente la de Korda es la mejor.

Rodada casi íntegramente en exteriores – al contrario que la de Ford y, especialmente, la de De Toth – la película destila (una expresión muy ajustada al devenir de la historia) una credibilidad a prueba de bombas… aunque sean las de sus enemigos, las potencias del Eje.

Bogart está de nuevo perfecto y ello a pesar de que como en ACTION IN THE NORTH ATLANTIC el protagonismo de la historia está equitativamente repartido.

Primera fuga del actor a un estudio de la competencia y de la que salió muy satisfecho como demuestra el hecho de que cuando fundó su propia compañía, Santana, lo hizo bajo el ala protectora de la Columbia de Harry Cohn, un magnate con fama de tirano pero que cobijó a muchos blacklisted durante la Caza de Brujas.

En ese sentido, comparte con la versión de Ford la perfecta definición de todos y cada uno de los personajes gracias al excelente guion firmado a cuatro manos por John Howard Lawson (y que había hecho lo propio en la entrega anterior (¿la mano de Bogie?)) y el propio director.

Importancia destacada tiene el personaje encarnado por el afroamericano Rex Ingram (el genio de la lámpara de la maravillosa EL LADRÓN DE BAGDAD (1940), de Ludwig Berger, Michael Powell y Tim Whelan) puesto que primero encontrará el tan ansiado pozo de agua en el oasis de Bir Acroma y finalmente pagará con su propia vida al evitar que el prisionero alemán comunique a sus compatriotas que la oferta del sargento no es mas que… un espejismo…

El hecho de que André De Toth se encargase de los trabajos de la segunda unidad seguramente fue uno de los motivos por los que fue elegido para rodar la versión de 1953.

Un trabajo excelente, como el del propio Zoltan Korda, un director francamente interesante pero demasiado eclipsado por la labor como productor de su hermano mayor, Alexander.

La puesta en escena es brillante a pesar de su aparente sencillez y es de las tres versiones la que mejor refleja las penurias que sufren no sólo los protagonistas sino también sus antagonistas.

Muchas de las mejores ideas de la cinta serán retomadas por la versión de 1953, aunque no se alcance, ni de lejos, la intensidad de esta magnífica película.

De nuevo, la fotografía (espléndida, del gran Rudoph Maté) y la música (bellísima, del no menos grande Miklós Rózsa) juegan un papel determinante en una propuesta mucho más dinámica y emocionante que la versión de Ford.

LAST OF THE COMANCHES.

A pesar del tono crepuscular del título el mismo no hace referencia al ocaso de la tribu de los (fieros) comanches, como sucede en (ya lo siento ) la fordiana CHEYENNE AUTUMN y que aquí se tradujo incomprensiblemente como EL GRAN COMBATE (¿?) dado que los mismos abren el relato arrasando por completo una pequeña población en un lugar indeterminado del suroeste de los EUA.

De dicha matanza únicamente escaparán seis soldados de caballería al mando del inflexible sargento Trainor (Crawford), a los que posteriormente se les unirán los pasajeros de una diligencia, más tarde un joven indio kiowa (Stewart) y finalmente el villano de la función, el traficante de armas Kinnaird (Sanders).

Es una lástima que la copia a la que he podido acceder esté lejos de ser impecable puesto que de nuevo tenemos tras la cámara a otro excelente operador, Charles Lawton, Jr. (aunque en este caso comparta créditos con – un para mí desconocido – Ray Cory), que se manejaba igual de bien en el blanco y negro (EL TREN DE LAS 3,10 (1957), de Delmer Daves) que en el color (DOS CABALGAN JUNTOS (1961), de John Ford).

Igualmente la banda sonora está firmada por el gran George Duning, seguramente el compositor más destacado que tuvo la Columbia.

Como vemos, las tres cintas destacan tanto por su cualidad pictórica como sonora.

Si uno fuese un malpensado no podría evitar deducir que el convertir a los alemanes (los invasores) en indios (los invadidos) no es precisamente políticamente correcto.

Al menos el personaje del traficante de rifles entiendo que es una reformulación del capitán alemán capturado por el sargento Gunn (apellido que no deja de tener su tranca ) y compañía.

Aunque es cierto que en algún caso puntual los indios atacaron alguna población de tamaño medio no era ni mucho menos su forma habitual de guerrear.

De hecho, es un tanto extraño que los mismos sean comanches y no sioux o cheyennes puesto la acción acontece un par de meses después de la famosa Batalla de Little Bighorn (25 y 26 de junio de 1876) en la que perecieron el general Custer y 267 de sus hombres en la mayor derrota jamás sufrida por el Ejército Norteamericano frente a los indios.

Como antes decía, a pesar de esa (notable) divergencia inicial, el guion de Gamet sigue más o menos fielmente el de la dupla Korda/Lawson, aunque como también indicaba la presencia de la hermosa hermana del capitán hacia cuyo fuerte se dirige la expedición comandada por el sargento Trainor permite introducir, aunque sea con calzador, una leve trama amorosa entre ambos.

Aquí el personaje del sargento sudanés Tambul (Ingram) será sustituido por el explorador Satterlee “El Profeta” (Parsons) aunque correrá mejor destino que el anterior puesto que será uno de los seis supervivientes del ataque de los comanches.

Y si el sargento Gunn disponía de un tanque su homónimo hará buen uso de la dinamita que transportaba la diligencia que hará pagar cara la masacre perpetrada por los indios al comienzo de la proyección.

LAST OF THE COMANCHES es un western que se disfruta más si no se ha visto previamente SAHARA puesto que es una versión simplificada de la anterior.

Lo que me parece extraño es que la película se terminara de rodar en marzo de 1952 y no se estrenase hasta casi un año después.

Uno de los motivos por los que me gusta indexar las filmografías por la fecha de rodaje y no por la de su estreno.



Resumiendo.

LA PATRULLA PERDIDA es una notable película.

SAHARA es una excelente cinta.

LAST OF THE COMANCHES es un agradable western.

Un programa triple de lo más placentero.

Feliz noche o lo que se tercie y a esperar que lleguen tiempos mejores…

… al menos para un servidor…

… que falta le hace…



P.D. Se me olvidó mencionar que hay al menos una edición en castellano de la novela de MacDonald y de igual título que la película de John Ford...



... Ediciones G.P., colección Alcotán, 1958...

... aunque al parecer hay ediciones previas, por ejemplo de 1955...



Ah, y unos bonitos lobby cards originales para darle un poco de color a la reseña...



















... qué poco me conozco...

10. Pasaje para Marsella (Passage to Marseille, 1944), de Michael Curtiz



Cuando anuncié esta entrega al final del comentario de la película anterior, Sahara, dije que Bogie siguió combatiendo a los alemanes en sus dos siguientes films, pero sin uniforme. La memoria me jugó una mala pasada, porque Passage to Marseille se abre, “somewhere in Germany”, precisamente con Bogart de uniforme, como artillero de un bombardero del escuadrón Victoire. De hecho, la película, nueva contribución de la Warner al esfuerzo de guerra (en una producción de Hal B. Wallis), se presenta como un homenaje a un Free French Air Squadron, un grupo de pilotos, con base en Inglaterra, que combatieron contra los alemanes dentro de la France Libre (y luciendo su emblema, la cruz de Lorena, pintado en el fuselaje del avión).



Si algo caracteriza Passage to Marseille es, por un lado, una de las interpretaciones más antipáticas de Bogart (en ocasiones uno diría estar viendo a Duke Mantee), al menos de las que entregó desde el momento en que alcanzó el estatus de estrella, y, por otro lado, uno de los guiones más retorcidos estructuralmente dentro del cine mainstream hollywoodiense.

Jean Matrac (el nombre ya tiene una sonoridad extraña y desagradable) es un periodista, permanentemente malhumorado, que se enfrenta con su pequeño periódico a la política pusilánime del gobierno Daladier (con el Acuerdo de Múnich de 1938 como momento culminante). Su posición le acarrea graves consecuencias: una turba de reaccionarios destroza los talleres del diario, “La Verité Française”, y Matrac se refugia en el campo con Paula (Michèle Morgan), con la que se casará.



Pero en el asalto ha muerto un periodista y se le hace a él responsable. Es juzgado y condenado a 15 años en la infausta Isla del Diablo en la Guyana francesa.

De ahí conseguirá escapar, junto a cuatro presos más, gracias a la ayuda de un anciano, “Grandpere” (Vladimir Sokoloff), que se sacrifica por ellos para que puedan volver a Francia y combatir a los nazis. Los compañeros de fuga son: Renault (Philip Dorn), Garou (Helmut Dantine), el forzudo Petit (George Tobias) y el pequeño Marius (Peter Lorre). Durante la fuga, Matrac no tendrá miramientos en matar a otro preso que se quería añadir a la escapada.



Rescatados en alta mar por un barco francés, el “Ville de Nancy”, al mando del cual se encuentra el capitán Malo (Victor Francen), los fugados cuentan su historia al capitán Freycinet (un magnífico, como siempre, Claude Rains), que simpatiza con ellos, todo lo contrario del mayor Duval (Sydney Greenstreet, también excelente), que se alinea claramente con la política colaboracionista del mariscal Pétain cuando se conoce la noticia del armisticio firmado por Francia en junio de 1940.



Durante la travesía por el Atlántico, hay un intento de Duval de hacerse con el control del barco, pero con la ayuda de Matrac y sus compañeros Malo retiene el control del “Ville de Nancy”. Después, son atacados por un avión alemán (Marius morirá acribillado), al que consiguen derribar. Cuando los pilotos alemanes piden ser rescatados, Matrac los ametralla sin piedad.

[IMG]https://images.moviefi*****/t/c/b/3/11180-passage-to-marseille.webp[/IMG]

Todo esto se nos cuenta en un encadenado de flashbacks, unos dentro de los otros, que complica notablemente el seguimiento de la narración y provoca un distanciamiento del espectador, agudizado por la dificultad de identificarse con los protagonistas, en especial con Matrac.

Recuperamos el hilo y volvemos al marco donde se inició el primero de los flashbacks, una base en Inglaterra donde el capitán Freycinet cuenta el pasado de Matrac a un periodista norteamericano.



Ese antiguo periodista fugado de la Isla del Diablo es ahora un artillero de vuelo que parece gozar con los ataques sobre Berlín, que aprovecha, además, para comunicarse con su mujer y su hijo (al que no ha visto nunca) mediante unos mensajes que les lanza desde el avión. Pero el último no podrá lanzarlo, ya que morirá en la misión. Durante el funeral de Matrac, Freycinet le dedica un discurso laudatorio (destinado también a dar ánimo en la lucha contra el enemigo), cerrándose el film, como mandan los cánones, a los sones de la “Marseillaise”.

¿Por qué muere Matrac? Por un lado, se convierte en un héroe, un mártir de la lucha de la France Libre contra el ocupante. Pero, por otro, probablemente hay una supeditación a los códigos hollywoodienses, porque la película de Curtiz nos lo muestra como un hombre capaz de matar despiadadamente a personas indefensas, es decir, poniéndose al mismo nivel que los verdugos que someten a su país.

Curioso y poco habitual guion el que firman Casey Robinson (responsable del de la espléndida While the City Sleeps, de Lang) y Jack Moffitt, a partir de la novela “Men Without Country”, de Charles Nordhoff y James Norman Hall (autores a cuatro manos de la novela “Mutiny on the Bounty”), que desconozco, y que no sé si también juega con la misma estructura de narración dentro de una narración y dibuja un personaje tan antipático como Matrac. Supongo, de todas formas, que los tiempos no estaban para sutilezas, y que a un personaje como Matrac se le podía convertir en héroe. Por supuesto, pero eso ya forma parte de las convenciones cinematográficas, hay una a veces ridícula mezcla idiomática, ya que todos los personajes principales se supone que son franceses (aunque hay variedad en la nacionalidad de los actores), pero hablan en inglés, aunque en ocasiones hay algún personaje que habla en francés o en inglés con acento francés (en el colmo de lo absurdo). Igualmente, por mucho que el periódico de Matrac se llame “La Verité Française”, los artículos están escritos en la lengua de Bogie.

Con tanta mescolanza y confusión no me sorprende que la película tuviera poco éxito en taquilla. En todo caso, aunque me parece uno de los films menos atractivos de la filmografía de Bogart posterior a High Sierra, hay que destacar la magnífica labor de Curtiz para sacar partido de una estructura de guion tan problemática y de una mezcla de transparencias, maquetas (alguna bastante cantona) y decorados. Ayuda, por supuesto, que tras la cámara estuviera James Wong Howe y la música fuera de Max Steiner. Hay también un momento para el tema musical (como pasaba con “As Time Goes By” en Casablanca, aunque esta vez con mucho menos éxito), en esta ocasión “Someday I’ll Meet You Again”, interpretado por Corinna Mura, la cantante y guitarrista texana a la que ya conocimos en el Café de Rick. Dejo una bella interpretación del tema parte de The Ink Spots (a ver qué nos cuenta de ellos tomaszapa ).



Y, atención, porque en la próxima entrega saltarán chispas por culpa de un silbido… que marcó un antes y un después en la vida de Humphrey Bogart.

Pues algo sí tengo que decir, por alusiones. The Ink Spots fue un grupo vocal legendario y pionero. Lo primero, porque tuvieron muchos éxitos en las décadas de los 30 y los 40, y lo segundo, porque, a diferencia del 99,9 por ciento de los artistas negros de la época, también gustaban mucho a los blancos.
De hecho, fueron los primeros artistas negros en aparecer en la tele americana, ya en 1936, y además, fueron los primeros en intervenir en el Show de Ed Sullivan (que años después dio la oportunidad de ser conocidos ante millones de personas a The Beatles), en 1948.

Yo, la primera vez que los escuché fue en la banda sonora de la magnífica Cadena perpetua, con ese If i didn´t care (aparecía en la escena inicial, crucial para el resto de la historia), que fue su primer éxito en las listas, alcanzando el número 2, en 1939. Sus canciones han sonado en muchas otras películas y series, como Dias de radio, Toro salvaje, Revolutionary Road, El aviador, the Walking Dead, Better call Saul, etc...

Se formaron en NY, pero el origen de cada uno es diferente. Por ejemplo, el magnífico vocalista (que llevaba la voz cantante), Bill Kenny, nació en Philadelphia.

Sabía que no nos decepcionarías. Esa "Cadena perpetua" es otro de esos films alabadísimos, pero que no he vuelto a ver desde su estreno... y que confieso (y creo que no es la primera vez) que no me gustó nada de nada.

Iniciado por mad dog earle

Sabía que no nos decepcionarías. Esa "Cadena perpetua" es otro de esos films alabadísimos, pero que no he vuelto a ver desde su estreno... y que confieso (y creo que no es la primera vez) que no me gustó nada de nada.

Gracias por lo primero, y te mando a Will Smith, por lo segundo Era muy difícil (salvo estos Ink Spots, Ella Fitzgerald o Nat King Cole y alguno más suelto) para un negro triunfar en los años 30 y 40. Incluso en los 50, cuando ya con el rock algunos empezaron a romper esquemas tradicionales en la música y en las mentes blancas.
Pensemos que muchos grupos y artistas blancos, durante años, tuvieron éxitos que realmente eran versiones de otros negros a los que se les negaba el pan y la sal o que quedaban relegados a las listas "negras" de éxito, antecedentes de la Hot R&B Songs.

11. Tener y no tener (To Have and Have Not, 1944), de Howard Hawks



Si conseguimos leer la nota que aparece en el cartel que enlazo, veremos que dice: “with his kind of woman in a powerful adaptation of Ernest Hemingway’s most daring man-women story”. Cosas de la forma de promocionar las películas de la Warner (y del resto de productoras de Hollywood), porque en la novela de Hemingway, del mismo título, publicada en 1937, y que tuvo una acogida más bien discreta, no hay ni rastro de esa “most daring man-women story”, de hecho, no hay ninguna relación “hombre-mujer”, si no contamos la prosaica y vulgar relación que mantiene Harry Morgan con su esposa, puesto que nuestro héroe cinematográfico en el papel está casado con tres hijas.

O sea, To Have and Have Not, ya desde su misma concepción, y ya no digamos en el lugar que ha pasado a ocupar en la historia del cine, es, por encima de todo, el intento de generar un mito cinematográfico. Ahí es nada poner el nombre de Hemingway encabezando el título del film y servirse de William Faulkner en la elaboración del guion, junto a Jules Furthman (que realizó el primer tratamiento, manteniendo la localización de la acción en Cuba, como en la novela). El mito, no obstante, se creó, sobre todo, por unir en la pantalla, y fuera de ella, a un actor que, después de muchos años, había alcanzado el estrellato, con una debutante llegada de Nueva York (con 19 años en el momento de iniciar el rodaje), en calidad de protegida de Howard Hawks (de hecho, tenía contrato con la Hawks-Feldman Productions), y que había hecho poco más que algún papelito en el teatro y aparecido en Harper’s Bazaar como modelo.

Hawks no solo la apadrinó y la incluyó en el film de la Warner (presentado como una Howard Hawks Production), sino que la “bautizó” con el nombre de Lauren, en lugar de Betty, e incluso le cedió en la película el sobrenombre de “Slim”, que era el apelativo familiar de su esposa, la elegante y sofisticada Nancy Keith.



Todo ello contribuye a que se haga muy difícil hablar de la película dejando de lado todos estos aspectos que forman parte de la mitología del llamado Séptimo Arte.

De entrada, hago un brevísimo resumen de la novela de Hemingway, que he leído para la ocasión, y que me parece más bien discreta (lectura perjudicada por una traducción poco inspirada). La novela, escrita según parece entre 1934 y 1937, consta de tres partes.

La primera nos cuenta cómo Harry Morgan, que se dedica a poner su embarcación al servicio de turistas estadounidenses en Cuba para la pesca de peces espada y similares, ayudado por Eddie, un permanente borrachín (como Brennan en el film), se encuentra en una situación económicamente apurada, ya que el cliente se va sin pagarle (como lo intenta Walter Sande, el Johnson cinematográfico), teniendo que aceptar el transporte ilegal de unos chinos con destino a Florida. Aquí, cambiando chinos por el matrimonio De Bursac, acaban las semejanzas con el film de Hawks, porque en la novela Harry mata al intermediario y deposita el cargamento humano en la costa cubana, sin cumplir lo pactado.

En la segunda parte, lo vemos dedicado al contrabando de alcohol entre Cuba y los cayos de Florida, operación de la que sale herido. En la tercera, instalado en Florida con su mujer e hijas, Harry, que ha perdido un brazo y tiene su embarcación confiscada, consigue que un amigo le deje la suya para poder transportar a cuatro cubanos revolucionarios, que vienen de robar un banco. Pero el “servicio” acaba a tiros, resultando muertos tanto los cubanos como su compañero (que no es Eddie) y el mismo Harry, que fallece al llegar a puerto a consecuencia de las heridas.

Así pues, el Harry Morgan hemingwayano poco tiene que ver con el Harry Morgan hawksiano (o “Steve”, como le llamará “Slim”). Aquí no hay ninguna causa que defender, aunque sea con un rictus cínico en la cara, y la implicación en la turbulenta política cubana de la época del Morgan literario no responde más que al interés de conseguir dinero.

Porque “Steve”, como el Rick de Casablanca, es un cínico de buen corazón, un romántico que, a pesar de su apoliticismo militante y su escepticismo integral, posee una particular escala de valores que le hace preferir prestar su apoyo a la resistencia francesa en la Martinica, durante el verano de 1940, antes que a los integrantes de la Sûreté del gobierno colaboracionista de Pétain, representados por el siniestro capitán Renard (Dan Seymour), un villano sin matices y sin el encanto del capitán Renault que encarnó Claude Rains (por cierto, uno de los guardaspaldas de Renard está interpretado por Aldo Nadi, al que algunos quizá recordéis de la renoiriana Le tournoi).



Un “Steve” que, al final de la película, parece dispuesto a ayudar a Paul de Bursac (Walter Surovy) a llegar a su meta, la Isla del Diablo (que ya aparecía en el film anterior de Bogart), para rescatar a un preso vital para la Résistence.

En una Fort-de-France, capital de la Martinica, de atrezo, oportunamente envuelta en brumas (fotografiada en estudio por Sid Hickox), To Have and Have Not busca, de forma aún más clara que en la anterior Passage to Marseille, devolvernos la magia de Casablanca. Para ello, esta vez sí, Hawks y sus guionistas se sacan de la manga un personaje de los que van directos a la gloria: el de Marie “Slim” Browning, una joven a la deriva por el Caribe, sin oficio conocido, que tanto sirve para intercambiar frases afiladas con claras connotaciones sexuales con “Steve”, como para cuidar un herido o cantar canciones con Cricket (Hoagy Carmichael), el pianista del Hotel Marquis donde se alojan (hotel que regenta un viejo conocido nuestro, Marcel Dalio, el crupier del Rick’s Café, y actor en dos de los mejores films de Renoir), como, por ejemplo, “How Little We Know” (composición del propio Carmichael).



A pesar de que la película se rodó cuando el conflicto bélico todavía estaba activo, la trama política me parece una mera excusa, un MacGuffin que aporta el esqueleto argumental a un film que si destaca es por los diálogos entre los tres personajes principales, “Steve”, “Slim” y el inolvidable borrachuzo de Eddie. Es en la química irresistible que se desprende de la relación entre los tres actores donde la película alcanza sus mayores logros. Y, por supuesto, la novedad para el espectador de una interpretación y una presencia física tan poco convencional como la de Bacall. ¡Y pensar que la primera opción para el papel fue Ann Sheridan! Una Bacall novata que, se dice, recurrió a esas miradas de abajo a arriba, que tanto la caracterizaron y que la hizo merecedora del apelativo de “The LooK”, debido a su inexperiencia, a sus nervios, a su timidez. Cualquiera lo diría cuando suelto aquello de: “anybody got a match?”. Y es que, como ocurría con Casablanca, la película contiene algunas de las frases más repetidas de la historia del cine, desde la surrealista y reiterada “was you ever bit by a dead bee?” (que da pie a varias réplicas impagables)



hasta el tórrido “you just put your lips together and blow”, pasando por el “it’s even better when you help”.



Y Bogie aguantando el tipo con un aire de estárselo pasando en grande… delante y detrás de las cámaras. Hasta el punto que se cuenta que Hawks sufrió un ataque de celos, produciéndose diversos enfrentamientos con su amigo Bogart. Relación tórrida que hasta mereció el honor de ser inmortalizada en un cartoon de la Warner.



Resultado: éxito espectacular de público, una nueva estrella en el firmamento de Hollywood con nuevo contrato con la Warner, y, al cabo de unos meses, ruptura definitiva de Bogie con Mayo Methot y matrimonio con Bacall.

Para alimentar el apetito de los fans, se recurrió a fotos promocionales tan apasionadas como esta de Martin Weiser.



Pero, como ya señaló Alcaudón anteriormente, Bogart tenía una película rodada con anterioridad, que la Warner mantuvo en un cajón durante un par de años antes de estrenarla, la mediocre Conflict, de Curtis Bernhardt, un fracaso comercial que Bogart no había querido rodar. Esa será la próxima entrega, después de un parón de Semana Santa que puede irnos bien para recuperar fuerzas.

Es curioso el ritmo de los hilos. En el de la Davis, comentaba el inicio como pareja y posterior boda de Bogart con Methot, tras The marked woman. Y aquí, al mismo tiempo, se comenta el final de ese matrimonio tortuoso, eso sí, y la llegada del amor definitivo.

Estimado mad dog earle:

Dos comentarios en cuatro días clama al cielo.

¿Cómo pretendes que podamos seguir tu ritmo sin morir en el intento?

Yo pensaba ponerme esta noche con la excelente PASAJE PARA MARSELLA pero tengo que ponerme al día con mi propio rincón.

Y, efectivamente, RETORNO AL ABISMO precede a PASAJE PARA MARSELLA , como EL SUEÑO ETERNO sucede a TENER Y NO TENER , la mejor colaboración entre la pareja Bacall/Bogart

Iniciado por Alcaudón

Dos comentarios en cuatro días clama al cielo.

Ciclo Jules Verne (el domingo)... Marked Woman (ayer)... Dos comentarios en tres días. No hace falta decir más.

En todo caso, caro amigo, tanto por lo que respecta a Bogart como a Renoir (espero entre viernes y sábado publicar el comentario de The River), abro un paréntesis de Semana Santa, o sea que no volveré a la carga hasta 22 o 23. Eso sí, después seguiré, si el cuerpo aguanta, a comentario semanal.

En mi caso la procesión va por dentro.

Iniciado por Alcaudón

En mi caso la procesión va por dentro.

En el mío, van por el jardín

Todo está preparado para un jueves vacacional con una doble sesión con "The River" y la que toca aquí, y oigan me ha salido otra sesión disfrutona, dos películas punteras y tan diferentes. Edición libro de periódico, con aceptable -pero no excepcional- calidad de imagen, menos claridad en los planes generales que en los primeros o cercanos planos. Extras audiovisuales pelaos, nos tenemos que conformar con el libreto, y eso si, con subtítulos, que en "un momento dado" puse a Bogart doblado, y como cambia la cosa!!!!!.

El film va como un tiro, y aunque en el propio Hemingway afirma que es una de sus peores obras, con la reformulación por parte de Faulkner en el guión, dicha debilidad no se ve por ninguna parte, siendo un film redondo, o casi (vinagre al final). Tenemos a Bogart haciendo de él, insolente y borde, con unas lineas de diálogo excelentes, pero que ocurre cuando se junta con una aún más insolente que él, y encima extremadamente sexy, con esa voz ronca y grave, no se si por exceso de tabaquismo, no creo, era aún muy joven para estar cascada como su futurible en el film, fuere lo que fuere, Bacall lo borda en un papel, que coquetea entre la zona del secundario y el principal, siendo la única estrella nuestro "jamfri" Bogart, eso sí rodeado siempre de excelente secundarios del amigo borrachuzo al jefe obeso de la gestapo, y Bacall, colóquenla donde quieran, pero su presencia es imprescindible y eleva el film a, no quizá en lo más alto, pero si arriba.



El film ha sido muy placentero en su visionado, pero que le impide, en mi opinión natürlich, ponerla como obra total, pues simplemente que parece Casablanca 2, es muy difícil no asociarla con la obra maestra descubierta por mi hace unas pocas semanas, y aunque hay diferencias, esa esencia, ese tufillo casablanquiano, está y no se va. Y sabiendo que en esa época la pela era la pela y los productores abanderados por la Warner, me imagino una de las primeras frases de los Hnos Warner, no a Hawks, ya que entiendo que el director ya tenía un caché importante y no se le podía salir diciendo: "Howard, hazme otra Casablanca" (o quizá si), sino que supongo que los brothers lo comentaban en su círculo de trabajo. No se, lo dicho, todos son hipótesis, sería interesante saber quien es el "culpable", ya sea el primer guionista, o el segundo (este tiene más números), el propio director o los productores, o todos estuvieron de acuerdo de que con la suma de cositas sútiles (o no tanto) al final hay el regusto de Casablanca. Pero oigan, si dicho films con tufillo a clásicos anteriores, salen con el resultado como el de Tener y no tener pues bendito sea.

Se me olvidó preguntar por la calidad de imagen del dvd de warner España: "Pasaje para Marsella"...
Gracias.