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Esta me llama la atención.
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Esta me llama la atención.
Es muy mala como giallo, estéticamente hay cositas interesantes, guión para tirarse los pelos, dirección muy deficiente. Nudies gratuitos los que quieras, inclusive algún frontal masculino. No la recomiendo, sólo para afines al exploit y aún así tampoco lo haría.Cita:
Iniciado por hannaben
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Renoir decía que la peli era basicamente fisica.
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Pues más o menos las mismas virtudes que me describen a mi en alguna aplicación de citas. :cuniaoCita:
Iniciado por Alex Fletcher
30. El río (The River, 1951)
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Después de dejar el cine estadounidense (pero no el país, siguió viviendo la mayor parte del tiempo en Beverly Hills), Renoir inició un largo periplo fuera de Hollywood hasta el final de su carrera, que, con la India como primera etapa, seguiría con su vuelta a Europa para rodar en Italia y Francia.
El director franco-estadounidense (había adquirido la doble nacionalidad) se sintió atraído por la novela “The River” de la escritora inglesa Rumer Godden (1907-1998), publicada en 1946. Godden era la autora de “Black Narcissus” (1939), llevada al cine en 1947 por Michael Powell y Emeric Pressburger, en una adaptación que no satisfizo en absoluto a la novelista. Por ese motivo, se mostró muy reluctante a la hora de aceptar que Renoir convirtiera su novela, escrita sobre la base de sus recuerdos de infancia en Bengala, en una película.
Pero la charme de Renoir consiguió que Godden no solo cediera los derechos, sino que además aceptara escribir el guion junto al director, desplazándose para ello a California. Para su financiación, Renoir consiguió el apoyo de un curioso personaje, Kenneth McEldowney, propietario de una importante floristería en Los Angeles, que vendía sus productos en la modalidad de drive-in. Como en otras ocasiones en la historia del arte, The River fue posible gracias al capricho, a la veleidad artística, de un rico empresario, que, ciertamente, dejó su nombre inscrito en la posteridad con este único film producido con su aportación económica.
Para el rodaje, Renoir se instaló en la India, en la región de Bengala, en las cercanías de Calcuta. La novela sitúa la acción en un punto no determinado de esa zona a caballo entre la India y la actual Bangladesh, sin llegar a identificar en ningún caso de qué río se trata. Godden había crecido en el seno de una familia semejante a la que aparece en la película, cerca de Narayangaj, próxima a Dacca, capital de Bangladés, pero cuando la India todavía no se había independizado ni se había producido la conflictiva separación entre el gigante asiático y los dos Pakistanes musulmanes (acontecimientos que habían tenido lugar poco antes del rodaje del film).
He leído alguna crítica a la película que aduce que no refleja de manera suficientemente clara la dependencia colonial del Imperio Británico ni la conflictiva partición entre la India y el Pakistán Oriental. A la primera crítica, hay que decir que la película visualiza los recuerdos de infancia de una adolescente, Harriet (Patricia Walters), acompañados de su voz en off ya de adulta. No se problematiza ni la relación de dependencia política ni los problemas sociales o económicos de la región, sino más bien es un acercamiento espiritual a la diferencia cultural, el paso del tiempo, la pérdida del paraíso de la infancia, el miedo a crecer, el primer amor y la muerte, todo ello contado con suavidad, no exenta de dramatismo, en algunos momentos como si de una ensoñación se tratase.
Respecto a la segunda crítica, no parece tener sentido, puesto que, aunque no se precisa la fecha en la que transcurre la acción (tampoco en la novela, que, a diferencia de la película, está narrada en tercera persona, aunque sea Harriett el personaje que actúa como hilo conductor), parece evidente que nos encontramos en los años posteriores a la I Guerra Mundial, ya que el personaje del norteamericano capitán John (Thomas E. Breen, hijo de Joseph Breen, el infausto censor de la MPPDA) ha perdido una pierna en la guerra (como la perdió realmente el actor en Guam), y la voz de la narradora, una Harriett adulta, impide que se trate de la II Guerra Mundial.
https://www.filmfreakcentral.net/.a/...bd55970c-800wi
La colaboración de Renoir y Godden, en mi opinión, obtuvo un resultado más rico y con más facetas que la novela. Aunque el tono e incluso el lenguaje en algunos pasajes es el mismo, la película introduce más personajes y dramatiza de manera más aguda la tragedia que cae sobre la familia de Harriett. Así, a diferencia de la novela, Harriett es la hermana mayor y tiene cuatro hermanas más pequeñas y un hermano, Bogey. Además, juega un papel relevante el vecino, Mr. John (el fordiano Arthur Shields, hermano de Barry Fitzgerald, uno de los pocos actores profesionales del reparto), primo del capitán John, al que ha invitado, y padre de una muchacha mestiza, Radha, personaje ausente en la novela y que permite introducir una reflexión sobre las diferencias culturales y lo problemático de su entrecruzamiento (tema central, años después, de un magnífico film de George Cukor, Bhowani Junction). Radha, de casada Radha Burnier, es, además del nombre del personaje y de la actriz, el de la consorte de Krishna, dentro de la religión hinduista. Radha era bailarina clásica de danza india, que demuestra sus habilidades como tal durante el film, en una secuencia en que se visualiza una narración alegórica escrita por Harriett en la que encarna, precisamente, a esa otra Radha.
https://www.youtube.com/watch?v=ho_5IMcL8og
Harriett, Radha y Valerie (una amiga algo mayor) van a sentir, de manera diversa, una fuerte atracción por el joven norteamericano, que en el caso de Harriett supone su primer enamoramiento, el adiós a la infancia.
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Entre coloristas fiestas populares, como el Diwali (fiesta de la luz), flores multicolores y una mirada impresionista sobre el paisaje bengalí, se teje una pudorosa trama de amores y desamores.
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Lo tierno del cruce de relaciones, de los primeros besos, se ve ensombrecido con la trágica muerte de Bogey, mordido por una cobra que habita en la higuera sagrada. La fascinación del niño por los animales en general y las serpientes en particular le acarrea fatales consecuencias, lo que sirve, a su vez, para marcar el final de una época para Harriett.
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La joven, una muchacha sensible con veleidades poéticas (como la misma Godden), sintiéndose responsable de la muerte de su hermano pequeño, intentará suicidarse lanzándose al río (momento ausente de la novela), pero será rescatada por unos pescadores y reconfortada por el capitán John.
https://www2.bfi.org.uk/films-tv-peo...-the-river.jpg
Una elipsis nos traslada unas semanas después, en plena fiesta de la primavera, cuando las tres jóvenes reciben carta del capitán John. Pero algo más importante acontece en la familia: el nacimiento de una nueva vida. Así, a la muerte de Bogey le sucede el nacimiento de una nueva hermana, con lo que el ciclo de la vida muestra una vez más su movimiento imparable, como el del río con cuya imagen acaba el film, acompañada de las últimas palabras de la Harriett adulta: “The day ends. The end begins”, que apelan a la circularidad de la existencia.
The River es un film bellísimo, una experiencia inolvidable, en la que Renoir, con su sobrino Claude como director de fotografía (y con la colaboración como ayudante de dirección de Satyajit Ray, que todavía no había debutado como director), experimentó por primera vez con el color, lo que le obligó a una larga postproducción. Se comenta que fue debido a las dificultades en el rodaje (el material rodado se tenía que enviar diariamente a un laboratorio de Londres y no se podía ver, de vuelta a la India, hasta unos días después), lo que provocó que a la hora del montaje Renoir se encontrara con huecos que dificultaban la comprensión de la trama, para solucionar lo cual se añadió la voz en off, que no estaba prevista inicialmente.
En todo caso, la película que podemos ver hoy en día, especialmente si lo hacemos en la magnífica restauración del Academy Film Archive, editada por el BFI, es un placer sensorial (aunque no se hayan eliminado todos los defectos de celuloide). La experiencia con el color va a ser la tónica imperante en las próximas tres entregas de este ciclo: La carrosse d’or, French Cancan y Elena et les hommes. Pero eso ya será dentro de quince días. Que descanséis esta próxima semana… ¿de pasión cinéfila? :cortina
La National Board of Review la consideró una de las mejores películas extranjeras de 1951 a The River, junto a Milagro en Milán o la considerada mejor extranjera del año, Rashomon.
En los BAFTA también fue considerada entre las mejores películas y también entre las mejores películas británicas (allí se ha estilado siempre los dos apartados), aunque la gran ganadora ese año fue La barrera del sonido, de David Lean.
En Venecia ganó el León de Oro de 1951. Fue el "redescubrimiento" de Renoir en Europa. La edición del BFI incluye un interesantísimo documental en que se ve al productor, Kenneth McEldowney (el florista), ya anciano, enseñando con orgullo el galardón.
Realmente la ganadora de ese León de Oro fue Rashomon. El río se llevó un premio ex-aequo al mejor guión. :cortinaCita:
Iniciado por mad dog earle
Eso parece ser. Pero tengo delante de mis ojos a McEldowney con un León que dice "Produttore" Il Fiume" (The River)". No sería el de Oro, quizá solo el de laton. :cuniao Ya sabes que estos premios están hechos con la materia de nuestros sueños, y si no que se lo pregunten a Will Smith. :D
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Empalmando :cuniao directamente con las críticas vertidas sobre el film que menciona Mad, y concretamente que no refleja el problema bélico social del momento, a mi sinceramente, agradezco que no se le diera ningún peso en el film, a mi me ha interesado otras cosas, como por ejemplo, ver el día a día de una familia acomodada en un país tan diferente al de donde provienen, centrado sobretodo en el mundo teeneger, con las tres adolescentes con las hormonas rockanrolleando; de verdad, un conflicto bélico aquí, ni pega ni interesa.
https://filmschoolrejects.com/wp-con...The_River.jpeg
Ya lo he comentado por algún sitio del foro, que no me gustan el film con tragedias, pero con tragedias tramposas, esas tragedias que salen de la nada con el objetivo de impactar al espectador y abrir la veda de la lágrima fácil, esas tragedias inesperadas tan típicas en los culebrones mejicanos, colombianos.....y ahora, parece ser turcos, el cual tienen el número más alto de tragedias por metro cuadrado. Si, hay tragedia, pero no de este tipo, ya que Renoir, nos prepara el terreno dedícandole mucho minutaje a unos de los deportes más peligrosos del mundo, jugar con cobras. No iré de listillo y diré que me esperaba la tragedia, pero dicha tragedia era probable y no surge de la nada, hay un trabajo previo para llegar a ella, y vaya trabajo, excelentes momentos con el profesional indio de ello, e impactante el momento que dos huevos el niño quiere sacar a la cobra de su jaula elegante. Después con el asedio en el árbol en busca de ella y el momento flautista, conduce a una probabilidad alta de tragedia, eso y al tratarse de un niño que se cree invencible ante todo.
El colorido es impactante, lo llevan de fábrica y Renoir lo potencia, y no sólo en los momentos "culturales", como en la excelente historia montada por Harriett donde se ve el recorrido de una historia de amor made in India y allí, dicha explosión de colores ayudada con los bailoteos estrambóticos, para nosotros, y normales para ellos, acentúa más el impacto total de la escena. También excelente las escenas de la decoración con pintura blanca en el suelo. Y un largo etc...el cual me conduce a sentir que estoy viendo un documental ficcionado, un film didáctico, y eso, siempre es de agradecer.
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No encuentro vinagre alguno para darle, aunque si entiendo el poco renombre del film, al ser un film poco convencional, pienso que el film debería ser referencial en el cine clásico, y por ende del cine, pero no tiene ese status, quizá injertado un par de escenas bélicas, que seguramente hubieran sido del estilo gatopardianoviscontiano, pero Renoir fue mucho más vivo que Visconti y no quiso hacer algo que no sabe o no tiene recursos para hacerlo, hay alguna escena bélica en la filmo de Renoir? ahora mismo y por ahora no me viene ninguna a la cabeza.
En resumen, un film de obligado visionado al cinéfilo que se preste, eso si, si busca un film sobre el colonialismo y a la par belicista, que se ahorre el visionado y vaya a pasear a Bobby. Un film fijo al top5, y a mi lista de futuras compras, y concretamente de la edición de BFI, que por cierto,no hay ninguna queja del archivo usado, muy pesado, creo recordar de 4GB, eso es mucho para un archivo y le da un muy buena definición en pantalla, además con subtítulos en castellano. Como dije en el hilo de Bogart, me ha salido una doble sesión de lo más disfrutona.
https://64.media.tumblr.com/f81beb68...27eoo1_400.gif-"Digamos que regular, hay margen de mejora."
En todo caso, la edición de BFI no lleva más subtítulos que en inglés, y solo en la película, los extras, muy interesantes, a pelo.
Más que reflejar una guerra (¿cuál debería ser?), alguna crítica va más en el sentido de falta de reflejo de los conflictos propios de un país bajo el control colonial de los británicos. Pero ese, en todo caso, hubiera sido otro film (y, de hecho, otra novela). Me parece evidente que no era la intención de Renoir ni de Godden.
La Fox lució orgullosa ese galardónCita:
Iniciado por tomaszapa
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Creo que debo rectificarme a mi mismo. The river o Le fleuve, de Renoir, se llevó uno de los premios del apartado del Festival de Venecia titulado International Award, porque el premio a mejor guión original fue a parar a Oro en barras.
Nadie es perfecto, tomaszapa. :cortina Supongo que ese es el galardón que luce con orgullo el productor en el documental citado. Lo que no sé es si es de oro o solo "oro parece". :D
Difícil lo tendría el jurado, entre Rashomon y The River, dos peliculones, que además representaban todo un descubrimiento para el público europeo.Cita:
Iniciado por tomaszapa
:cuniaoCita:
Iniciado por mad dog earle
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Rashomon también se llevó el Honorary Award a la mejor película extranjera en los Oscar. De cuando aún no se había consolidado esa categoría en los Premios de la Academia y lo daban como algo excepcional, un año si y tal vez otro, no.Cita:
Iniciado por mad dog earle
Qué bien revisionar Le fleuve
la semana que viene comento :agradable
https://imagesdelaculture.cnc.fr/-/autour-du-fleuve
La belleza es la unica protesta
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Basada en la novela de Rumer Godden.
A orillas del Ganges,vive una familia de británicos.La hija mayor es Harriet de catorce años quien comparte juegos con Valérie,hija de un terrateniente y Mélanie,una joven mestiza.Pronto desembarca el capitán John,herido en la guerra, del que las tres adolescentes se enamoran.Bogey,el menor y único varón,quiere ser encantador de cobras..
Renoir pone el ojo con delicada reserva y la más sutil psicologia.
Historia sencilla como el fluir del río..sorprende lo espontaneo,dejando efectos dramáticos,para narrar con discrecion lo más intimo de mente y corazon.
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En palabras de Jean Renoir: “es una especie de apunte sobre la vida de una familia inglesa en Bengala. No hay relato, ni principio, ni fin. Es como si se hubiera
recortado un fragmento de la vida de un grupo humano sin pretender hacer de él una historia”
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Con un elenco amateur y poco conocido.. Renoir incide en la importancia de naturaleza y espiritu,utiliza el color por primera vez,fotografía bellísima de C Renoir que capta los tonos luminosos y perturbadores, aparte de lo filmado documental,la peli luce evanescente como de cuento.
En 1952,Renoir confiesa: “Algo muy importante me pasó a mí y a millones de personas..la Segunda Guerra Mundial.Antes de la guerra, mi forma de participar en este concierto universal era tratar de llevar mi voz de protesta. Hoy, el nuevo ser que soy se da cuenta que ya no es tiempo de sarcasmos y que lo único que puedo traer a este universo ilógico, irresponsable y cruel es mi amor".
8.8/10
Más tarde me iré poniendo al día con vuestros comentarios :sudor pero estos días estoy luchando a la desesperada...
... en busca del tiempo perdido...
THIS LAND IS MINE (1943)
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Director: Jean Renoir.
Producción: A Jean Renoir-Dudley Nichols production.
Distribución: RKO Radio Pictures, Inc.
Productores: Jean Renoir, Dudley Nichols y Eugène Lourié (no acreditados).
Guion: Dudley Nichols y Jean Renoir (no acreditado).
Fotografía: Frank Redman, en blanco y negro (1.37:1).
Diseño de producción: Eugène Lourié.
Dirección artística: Albert S. D’Agostino y Walter E. Keller.
Decorados: Darrell Silvera y Al Fields.
Música: Lothar Perl.
Montaje: Frederic Knudtson.
Reparto: Charles Laughton (Albert Lory), Maureen O’Hara (Louise Martin), George Sanders (Georges Lambert), Walter Slezak (Comandante Erich von Keller), Kent Smith (Paul Martin), Una O’Connor (Emma Lory), Philip Merivale (Profesor Sorel), Thurston Hall (Alcalde Henry Manville), George Coulouris (Fiscal), Nancy Gates (Julie Grant), Ivan Simpson (Juez) y John Donat (Edmund Lorraine).
Rodaje: del 11 de octubre al 11 de diciembre de 1942.
Duración: 1 h 43 m 19 s.
Estreno: 7 de mayo de 1943.
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El título del segundo de los cinco largometrajes que el director francés Jean Renoir rodó en suelo norteamericano bien podría haberse enfatizado todavía más con el añadido de una interjección final (THIS LAND IS MINE!) para de esta forma hermanarlo con una obra coetánea de Fritz Lang como es HANGMEN ALSO DIE!, con la que comparte no tanto la forma pero sí el fondo. Por cierto, ambas citas jamás llegaron a estrenarse en salas comerciales en nuestro país, algo lógico teniendo en cuenta la situación política de España hasta muy avanzados los años ‘70… :cafe
Viendo las imágenes que nos muestran los telediarios día sí y día también una película como THIS LAND IS MINE, todo lo irregular que se quiera, es más necesaria que nunca.
Dicen que una imagen vale más que mil palabras.
Pues bien, THIS LAND IS MINE es el ejemplo perfecto de que semejante aseveración no tiene por qué ser siempre cierta.
En THIS LAND IS MINE el (poderoso) guion de Dudley Nichols se impone claramente a la sencilla (aunque funcional) puesta en escena de Jean Renoir.
Tal vez por ello el único Oscar que ganó la cinta en 1944 fue a parar al mejor sonido.
Un bonito homenaje a la importancia que el sonido, la palabra, tiene en la película y que Nichols/Renoir escenifican no sólo en las tres escenas cumbres de la misma, los parlamentos de Albert Lory (Charles Laughton) en el juicio y el postrero en la escuela, sino también en las reveladoras conversaciones que mantiene el comandante von Keller (Walter Slezak) con el traidor (uno de tantos) director de la estación, Georges Lambert (George Sanders) y con Albert.
Aunque en el rótulo inicial se indique que la acción transcurre en…
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… está claro que nos encontramos en una pequeña localidad francesa.
- Por cierto, no deja de ser curioso que en otra película cuasicoetánea (y que acabo de comentar en el rincón Bogart) PASAJE PARA MARSELLA aparezcan dos rótulos similares…
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Prueba evidente es el momento en el que el director Sorel (Philip Merivale), Albert y Louise (Maureen O’Hara) tienen que iniciar la penosa labor de arrancar las páginas de los libros de texto se dice lo siguiente…
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Estoy de acuerdo en que a pesar del excelente reparto con que cuenta la película algunos papeles están descompensados, por un lado por la inadecuación de alguno de los actores que los encarnan (O’Hara o Una O’Connor) y por otro lado porque no están desarrollados en igual medida (Paul (Ken Smith)).
Ciertamente puede resultar un tanto brusco el cambio del apocado y tímido Albert en el tramo final de la película y que tiene su Rubicón particular en la terrible escena en la que es testigo del fusilamiento de su admirado director y de otros nueve ciudadanos, pero sus dos parlamentos (el primero, por cierto, antes de la citada ejecución) son ejemplos pluscuamperfectos del poder de la palabra o si se quiere, de la razón sobre la sinrazón.
Seguramente Charles Chaplin lo había dicho más alto y más claro en la profética EL GRAN DICTADOR (1940), pero es justo reconocer que THIS LAND IS MINE es una de sus más dignas descendientes.
Por su parte, Maureen O’Hara era una mujer muy bella...
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... y una excelente actriz (especialmente en sus trabajos para John Ford, para quien Nichols escribió alguno de sus mejores guiones) pero no creo que fuese la mejor elección para el papel de alguien que se debate entre el amor fraternal (Paul) y el carnal (Georges).
Curiosamente la cartelería de la época potenció notablemente su figura...
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... a pesar del protagonismo indiscutible de Charles Laughton, con quien ya había trabajado en un par de ocasiones (una de ellas ya tuvimos oportunidad de comentarla en el rincón Hitchcock tiempo ha…).
El gran George Sanders ya había encarnado a otro villano en la espléndida (ya lo siento) EL HOMBRE ATRAPADO (1941), de… ya sabéis quién e igualmente escrita por Nichols.
Si allí personificaba al elegante (aunque brutal) comandante Quive-Smith, aquí por el contrario su papel de Georges tiene algo (o más bien bastante) del Judas bíblico, pues traiciona a su mejor amigo, Paul, la persona que está detrás de los sabotajes contra las fuerzas ocupantes no tanto por beneficio propio como por el de toda la comunidad, para evitar males mayores.
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Por cierto, su suicido (en plano subjetivo) me recuerda al del doctor Murchison (Leo G. Carroll) con el que Hitchock ponía (casi) punto final a RECUERDA (1945).
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Y ya que mencionamos al director británico, un año antes Walter Slezak había coprotagonizado una (¡otra!) de sus grandes obras maestras, NÁUFRAGOS.
Si allí demostraba ser el más listo de la función, aquí encarna a un oficial alemán menos estereotipado de lo habitual, conocedor de los clásicos y que admira en cierta forma a sus enemigos pero a los que combatirá sin piedad.
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El personaje de Paul, encarnado por el lewtoniano Ken Smith (LA MUJER PANTERA (1942), THE CURSE OF THE CAT PEOPLE (1944)), me recuerda al del doctor Svoboda (Brian Donlevy) en la mencionada HANGMEN ALSO DIE!, aunque su recorrido vital es mucho menos tortuoso.
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Como decía, es uno de los personajes menos trabajados, aunque sus escenas de confraternización con los alemanes no sólo le alejan del estereotipo a él sino que, en cierta forma, humanizan a los invasores, si bien ya estamos muy lejos de los tiempos de LA GRAN ILUSIÓN.
Y en verdad Una O’Connor, habitual en las producciones fantásticas de la Universal (especialmente las de su amigo James Whale), es más bien un lastre, aunque es justo reconocer que su (excesiva) expresividad combina a la perfección con el retraído carácter de su vástago.
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Y no debemos olvidar que es ella quien provocará (involuntariamente) la muerte de su propio hijo al delatar a Paul.
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Sin embargo, es algo más complejo y para ello de nuevo debo recurrir a la ya reiteradamente mencionada HANGMEN ALSO DIE!, en concreto a la escena en la que el profesor Novotny (Walter Brennan) le dice a su hija, Marscha (Anna Lee – por cierto, otra actriz lewtoniana (BEDLAM (1946) -) aquello de “A se lo confía a B, B… ¡y G significa Gestapo!”, puesto que Emma se lo cuenta a Georges, este hace lo propio al alcalde y este a su vez al comandante von Keller.
Por su parte, el personaje del director del colegio encarnado por un magnífico Philip Merivale, a pesar de lo escaso de su presencia en pantalla, protagoniza alguna de las secuencias más emotivas de la película, como las ya mencionadas de la mutilación de los libros (algo que Ray Bradbury tomaría como el corazón de su obra más popular, “Fahrenheit 451” (1953)) o la de su fusilamiento, con ese bellísimo gesto de cambiar de gafas para así poder ver a Albert, al que saluda alborozado…
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... antes de caer antes las balas enemigas…
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Al contrario que en AGUAS PANTANOSAS aquí Renoir gozó de una notable libertad gracias a la creación de una empresa conjunta con el guionista Dudley Nichols y al apoyo de la RKO que no sólo distribuyó la película sino que también intervino en la financiación, así como en la cesión de estrellas de la casa (Maureen O’Hara, Ken Smith) y de buena parte del equipo técnico.
Seguramente el paso del tiempo ha pasado factura a THIS LAND IS MINE, pero la contundencia de su mensaje – porque es una película con mensaje y no se avergüenza de ello – sigue igual de vigente casi ochenta años después.
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Buenas tardes y, buena suerte.
:digno
Muy pronto colocaré un breve comentario sobre "Una mujer en la playa" y otro más en el hilo "pre-code" de "Penthouse" (Asesinato en la terraza) (1933, W.S. Van Dyke). También tengo intención de ver el film con Paulette Goddard pero tendrá que ser un poco más adelante. En el hilo de Fritz Lang, el díptico de Edward G. Robinson vendrá enseguida; esta semana veré la primera. Y así, poco a poco iré remontando y leyendo vuestros comentarios desde donde me quedé.
Un saludo para todos, campeones.
En su momento de intimidad con el querido capitan está guapa guapa :PCita:
Iniciado por Alex Fletcher
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Aha, el viejo truco del pelo mojado!!!!!Cita:
Iniciado por hannaben
Que no le funciona a todo el mundo!Cita:
Iniciado por Alex Fletcher
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:cuniao
31. La carroza de oro (Le carrosse d'or/The Golden Coach, 1952)
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Después de 12 años sin rodar en Europa (desde que dejó en 1940 el rodaje de Tosca en Roma debido a la II Guerra Mundial, y acabó emigrando a los Estados Unidos), Renoir aceptó hacerse cargo de la adaptación de la comedia en un acto de Prosper Mérimée, “La Carrosse du Saint-Sacrament” (1829), que había previsto rodar Visconti (nuevamente, los destinos de Jean y Luchino se cruzaban; precisamente, será el montador habitual del italiano, Mario Serandrei quien hago lo propio en La carrosse d’or).
Le carrosse d’or (o La carroza d’oro o, incluso mejor, The Golden Coach, ya que Renoir filmó con sonido directo en inglés, estando las versiones francesa e italiana dobladas, por lo que el director prefería sin dudar la inglesa, conocida su aversión a los doblajes) es una coproducción franco-italiana, rodada en Cinecittà. Su argumento responde al típico exotismo hispano, muy habitual en el siglo XIX, que Mérimée también hizo suyo en la famosa “Carmen”. La acción se sitúa en Lima, a principios del siglo XVIII, cuando coincide la llegada a la ciudad de una compañía teatral italiana de la commedia dell’arte, en la que la temperamental Camilla (Anna Magnani) interpreta el papel de Colombina, y una espectacular carroza de oro, encargada por el virrey, Ferdinand (el británico Duncan Lamont).
Como dato curioso, al parecer la historia de Mérimée se inspira en la relación del virrey Amat (Manuel d’Amat, militar catalán que da nombre a una popular plaza en Barcelona, responsable de la construcción del conocido Palau de la Virreina, que, incluso después de muerto, siguió ocupando su esposa) y una actriz peruana, Micaela Villegas, conocida como la “Perricholi”.
Esta historia de amores varios e intrigas palaciegas le sirve a Renoir para dos cosas: por un lado, seguir experimentando con el color, junto a su sobrino Claude Renoir, continuando lo iniciado en The River y sirviendo de puente con otros dos films en los que el color será el elemento fundamental, French Cancan y Elena et les hommes, estos dos rodados ya en Francia. Además, Renoir juega con los diferentes niveles de representación, volviendo a su gusto por la teatralidad, y abandonando su interés por la naturaleza y la naturalidad.
Ya desde la imagen inicial, Renoir nos sitúa en el escenario. La cámara se acerca al telón y este se levanta. Con ella, entramos en la historia, los personajes “saltan” del escenario y empiezan a reproducir la vida. Lo que nos van a contar es simple: Camilla, desbordando energía como corresponde a una actriz como la Magnani, se echa tres amantes: Felipe, un castellano que los ha acompañado en su viaje a América (el norteamericano Paul Campbell); el virrey y un torero popular en Lima, Ramón (el italiano Riccardo Rioli).
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El enamoramiento del virrey comporta otros problemas, ya que genera escándalo en la corte, movilizándose la nobleza para destituirlo, mucho más cuando el virrey accede a regalarle a Camilla la carroza, ya que los nobles consideran que se ha de poner a disposición del Estado y no dárselo a una comedianta.
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Con el desenfado y exceso habitual en Renoir, la historia avanza entre representaciones de los comediantes, celos, encuentros nocturnos, corridas de toros, duelos a espada e intrigas cortesanas. Todo ello con la típica inadecuación lingüística, debido a lo diverso de los actores. En la versión en inglés se supone que esta es la lengua equivalente al castellano, la que hablan en la corte, mientras que los actores de la compañía utilizan a menudo el italiano. Con todo, hay algo de artificial en los diálogos. Aunque Renoir filma con agilidad, a mí personalmente la película no me llega a interesar y no comparto su sentido del humor. Renoir, no obstante, parece volverse a sentir a gusto con esa mezcla de vodevil y de comedia galante del XVIII, ilustrada con música de Vivaldi.
La resolución del conflicto, cuando parece que Felipe y Ramón acabarán en la horca y Ferdinand destituido, viene de la mano de Camilla que dona la carroza al obispo (el francés Jean Debucourt) para que lleve el Santo Sacramento a los moribundos, restableciéndose el orden social, que se había visto perturbado por la presencia de la actriz. Al final, Renoir recupera el carácter de representación del film, devolviéndonos la visión del escenario y cerrando la película con Camilla, en solitario, delante del telón, ya bajado.
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La película fue un fracaso comercial y de crítica, a pesar de ser, según leo, el primer film en Technicolor producido en Europa sin participación norteamericana. Con todo, Truffaut lo admiraba, llegando a decir que era “le plus noble et le plus raffiné jamais tourné”, y bautizando su productora como “Les Films du Carrosse” en homenaje al film de Renoir. En mi caso, lejos de lo hiperbólico del comentario de Truffaut, junto al colorido (para valorar el cual haría falta disponer de una copia mejor que la vista, un DVD de Regia Films bastante deficiente), me quedo con la interpretación de la Magnani, para lo bueno y para lo malo, y en un curioso discurso de Felipe, que podríamos calificar de protoecologista, defendiendo una vuelta a la naturaleza y una comunión con la población indígena.
La próxima semana seguiremos con la experimentación con el color, esta vez con el decorativismo de la sinfonía de colores que despliegan las bailarinas del Moulin Rouge en French Cancan.
Dado que a mis dolencias habituales se ha añadido ayer un inesperada ciática (y menos mal que trabajo en un ambulatorio y mi enfermera me ha puesto dos inyecciones, una en cada nalga) tendré que demorar (todavía más) mis aportaciones en los distintos foros, incluidos los míos, aunque tengo algunos (breves) comentarios para "el otro rincón" de un surtido de películas variadas que no sé si podré finalizar o dejar en el limbo de los justos. Por orden cronológico: PÁNICO EN EL ESTADIO (1976), LA GUERRA DE LAS GALAXIAS (1977), BATMAN (1989), EL HOYO (2019) y LAMB (2021).
Y, por supuesto, intentaré ponerme al día con vuestras reseñas, desde THE SOUTHERNER en adelante.
No se puede llegar a viejo...
:sudor
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Muy breve comentario de un film que está dentro del grupo "nunca mais", ya que la he visto doblada al castellano y nuevamente me ha parecido horrible, otra peli, como diría Mad. A parte de esta lacra, intentando separar lo inseparable, el film siendo una comedia con colorido, no se ha esbozado ni una leve sonrisa en mi, a parte de que esté bien hecha, sólo faltaría, ya que Renoir, ya tiene muchas tablas (estamos casi en la recta final de la revisión) y a nivel formal, sus films tienen el mínimo de calidad exigible en un grande. Ahora bien, a mi lo que me cuenta y como lo cuenta, me interesa más bien poco, y siendo lo más grave no llego a conectar en ningún momento con la star del film, la Magnani. Hace ya dos días que la he visto, y se me ha borrado casi por completo, no destaco nada ni rajo de nada en concreto, simplemente ha sido un film olvidadizo.
Lo que si me ha dado cuenta que Renoir cuando quiere hacer comedia más pura y alejarse de otros géneros que ha destacado, sus films no me convencen, si que lo hacen cuando estamos en un tono dramático y con muchas licencias de comedia, como por ejemplo "La regla del juego" y "la golfa", eso que llamo yo, drama con latigazos de comedia.
En resumen un film muy inferior a su anterior film ya comentado, ya sea por propuesta, tono o simplemente por gusto personal, y muy lejos de estar entre sus mejores trabajos, es más creo que estará algo bajo en el top 36? o 37? o las que sean. Y a diferencia de otros títulos de la subsección "nunca máis", con La carroza de oro (en su inicial escritura, que ya he corregido, me he hecho la lia un picho y había escrito La regla del oro y la carroza del juego) no es de esos film que a priori, me apetezca comprármelos en formato físico para disfrutar de su VOSE.
A mí también me pasa que no conecto con este film, a pesar de las alabanzas superlativas de directores como Truffaut. Con todo, además del problema del doblaje (ya en origen, puesto que la versión que contó con el beneplácito de Renoir es la inglesa, la lengua empleada en el rodaje, con la Magnani mezclando el italiano con el inglés, siendo la francesa y la italiana versiones dobladas, ), problema que lo agrava sin duda, también hay que tener en cuenta la calidad de la imagen, poco satisfactoria en un film que debería ser resplandeciente en su colorido. Tampoco me satisfacen, en general, los actores masculinos. En cuanto a la Magnani, genio y figura, está tan desbordante como siempre, pero, sin negarle su valor interpretativo, nunca ha sido una actriz muy de mi gusto.
La próxima, French Cancan, que ya he revisado, también me genera sentimientos enfrentados, aunque un final apoteósico salva la función.
Editada por versus creo recordar, hace de ello un entorno favorable creando un caldo de cultivo dando ganas de su visionado. Seguro que viene generosa de extras
El recuerdo que tengo yo de estas películas es muy fugaz y está centrado básicamente en el (excelente) uso del color del que hace gala su director.
A ver si culmino el stock de reseñas que he ido acumulando estos días de asueto para "el otro rincón" y recupero, aunque sea pasito a pasito, el pulso de las revisiones tanto propias como ajenas, aunque no puedo prometer nada.
Versus sacó unas magníficas ediciones tanto de FRENCH CANCAN como de ELENA Y LOS HOMBRES.
Muy generosa de extras, todos ellos más que interesantes. Y la calidad de la imagen, en una copia restaurada, es francamente buena, a pesar de ser un DVD.
Yo tengo la edición en BD que sacó A Contracorriente en 2018 de French cancan. Se ve bastante bien.
32. French Cancan (French Cancan, 1955)
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Después de 15 años, Renoir vuelve a Francia. Según se comenta en uno de los numerosos (e interesantes) extras de la edición de Versus de French Cancan, Renoir tenía motivos personales de índole legal para mostrarse prudente a la hora de volver a su país natal, ya que se encontraba en una situación que se podía tipificar de bigamia. Nunca se había divorciado de Catherine Hessling, mientras que en Estados Unidos se había casado con Dido Freire.
Sea como sea, después de filmar The River en la India y The Golden Coach en Italia, ambas en inglés, finalmente rueda su primera película en Francia y en francés desde la ya lejana La règle du jeu. Para la ocasión acepta un encargo que hará suyo. Se trataba de llevar a la pantalla la figura de Charles-Joseph Zidler, empresario francés cofundandor del mítico Moulin Rouge junto al catalán Josep Oller. La película, basada en una idea de André-Paul Antoine, iba a ser dirigida por Yves Allégret, pero discrepancias con el productor supusieron que se abortara el proyecto y que, más tarde, acabara en manos de Renoir en una coproducción franco-británica de la Franco London Films.
Renoir elabora el guion, en el cual se convierte al personaje histórico de Zidler en Henri Danglard, encarnado con Jean Gabin, actor clave en la mejor etapa francesa de Renoir, pero que se había distanciado del director. La película se define en los créditos como una “comédie musical”, sustentándose la parte musical en la reproducción de los ambientes parisinos de diversos cabarets, desde el que, inicialmente, regenta Danglard, Le Paravent Chinois, donde actúa una bella y espectacular bailarina conocida como “La Belle Abbesse”, pero de nombre real Lola de Castro de la Fuente de Extremadura (encarnada con arrolladora presencia por la mexicana María Félix),
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hasta el Moulin Rouge, entregado a la causa de la recuperación del cancán, pasado de moda pero que con el añadido de “french” Danglard consigue que vuelva a atraer al público burgués deseoso de vivir emociones fuertes en el barrio de Montmartre.
Como ya comenté la película hace un tiempo en el otro rincón, no me extenderé demasiado, ya que, en el fondo, esta nueva revisión me reafirma en lo dicho entonces.
Me centro en tres aspectos que me parece esenciales. Por un lado, la teatralidad, algo siempre presente en Renoir desde sus inicios (o, al menos, el gusto por lo teatral, por el espectáculo; recordemos la habitual presencia de escenarios o de escenificaciones en sus films), pero que en la trilogía no declarada que componen La carrosse d’or/The Golden Coach, French Cancan y Elena et les hommes llega a su máxima expresión: rodaje en estudio, cierto histrionismo interpretativo, decorados poco o nada naturalistas, estructura en escenas.
El segundo aspecto es, por supuesto, el uso del color. Todo el film se beneficia de un uso del Technicolor realmente brillante, con fotografía de Michel Kelber (desconozco el motivo del porqué no fue el director de fotografía su sobrino Claude Renoir, que sí lo será en su siguiente film). En especial, la apoteosis final en la exhibición de cancán en el Moulin Rouge. Me autocito: “Un canto al mundo del music hall, de clara matriz teatral, donde por encima de todo predomina el colorido de la fotografía de Michel Kelber, luminosa e impresionista (no como la del film de Huston), y el brío, la fogosidad, del violento cancán, con ese torbellino de enaguas y faldas y esos vertiginosos spagats (que solo de verlos a uno le asalta un cierto dolor de entrepierna)”.
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Por último, las relaciones amorosas entre los personajes. Si son habituales en el cine de Renoir los triángulos (mejor cuadrángulos) amorosos (solo hace falta recordar films como La règle du jeu o los recientes The River y The Golden Coach), aquí nos presenta un “más difícil todavía”, puesto que se encadenan hasta tres cuadrángulos amorosos: 1) el de Danglard con “La Belle Abbesse”,
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la debutante Nini (la encantadora y dulce Françoise Arnoul)
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y Esther Georges (Anna Amendola), cantante descubierta por Danglard de forma casual, oyéndola cantar desde una ventana);
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2) el de Nini con su novio, el panadero celoso Paulo (el italiano Franco Pastorino), el príncipe Alexandre (Giani Esposito) y el propio Danglard; y 3), el de Lola con el adinerado Walter (Jean-Roger Caussimon), el capitán Valorgueil (un joven Michel Piccoli) y, por supuesto, Danglard.
Con esos tres cuadrángulos en movimiento, Renoir compone una comedia vodevilesca, pero que encuentra en la figura de Danglard una reivindicación que va mucho más allá de lo galante o burlesco: la del creador, la del profesional entregado a su arte, por el que está dispuesto a darlo todo… incluso a enamorarse si hace falta. Cuando Nini se siente despechada al ver que deja de ser el centro de atención de Danglard, que se ocupa preferentemente de su último descubrimiento, la cantante Esther, amenaza con abandonar su carrera durante la mismísima noche de la inauguración del Moulin Rouge, Danglard la convence con un apasionado discurso sobre la libertad de los creadores en el cual uno intuye que se cuela entre líneas un manifiesto de autodefensa del propio Renoir (recordemos que las tres mujeres “de su vida” estaban todas ellas relacionadas con el arte: Catherine Hessling fue modelo de su padre, Auguste Renoir, y después actriz; Marguerite Renoir fue la montadora de muchos de sus films en su primera etapa francesa; y Dido Freire fue la más estrecha colaboradora, además de esposa, de Renoir desde La règle du jeu donde trabajó como script).
Una muestra más de la implicación de Renoir en el film, a pesar de ser un encargo, es que, al lado de la presencia de cantantes populares del momento, como Patachou o Edith Piaff, encarnando a artistas de la Belle Époque, el propio director escribió la letra de la canción que actúa como hilo conductor del film, y que Danglard oirá cantar a Esther (con la voz de Cora Vaucaire): “La Complainte de la Butte”, canción que se ha convertido en un clásico de la chanson (la “butte”, “colina”, del título es, lógicamente, Montmartre). Os la dejo en versión de la excelente cantante francesa Zaz (de la que seguro que tomaszapa nos podrá decir algo :cortina):
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Con la próxima entrega, Elena et les hommes, cerraremos esta trilogía "del color" no declarada, antes de volver al blanco y negro con Le testament du Docteur Cordelier.
No me voy a tirar el folio. De Francia, musicalmente hablando y sobre todo, aparte de los clásicos y el pop de los 60, estoy bastante negado. Me gusta la canción que ha puesto mad dog, y escucharé más de esta mujer.
De madre española, pronto destacó en la música y tiene influencias de todo tipo (clásica, jazz, música africana, latina o cubana). En el 2010 pegó el pelotazo en media Europa con su primer álbum, igual que su nombre artístico, Zaz, que imagino, será el diminutivo familiar de Isabelle.
https://www.youtube.com/watch?v=0TFNGRYMz1U
Yo la descubrí hace unos años en el programa de la 2 que presentaba otra interesante cantante, Maika Makovski, "La hora musa", y me encantó. Esa "Je veux" es espléndida.
https://www.youtube.com/watch?v=rRkTrfBxqtg
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Vista hace un par de horas, de una como siempre fantástica edición de Versus, con una buena calidad de imagen, que no espectacular (una razón para pensarse lo de adquirir el BD), y con previo susto en su carátula poniendo: una comedia musical, y como el tengo el chip alemán, donde el segundo sustantivo es el importante y el primero el asistente, por ejemplo "Haarwaschung", el que le da la fuerza, el significado es el segundo sustantivo, o sea Waschung, pues eso ya me pensaba que se trataba de un musical por la regla alemana, pero no, aquí predomina el primero, o sea comedia, aunque no me he reído mucho, pero eso si, la he disfrutado. Sólo recuerdo un par de canturreos del flaco larguirucho más propio de Freaks que no se como se llama (invitación para que lo busquen los demás:cuniao) que se podría decir que tontea con el musical, aunque me decanto de que está haciendo el payasete. Entonces estamos ante una comedia sobre música, y eso si que me entra bien por los ojos.
Tenemos una parte inicial de lo más interesante, presentación de los personajes, el fucker de toda la vida Jean Gabin, fantástico discurso final de puro cerdo, pero muy sincero, y al final Nini tiene que hacer como las lentejas, y las acabó tomando. María Felix está rompedora, una bomba sexual, el cual la había visto hace poco en la enciclopedia amarilla de las estrellas de cine que comentamos con cinéfilotatal por aquí, y un par de pelis mejicanas. Me encanta la relación de esta pareja el tira y afloja, donde es la celosa y no acepta compartir al fucker de Gabin, pero si que se deja compartir, y como bien dice Gabin "yo no soy celoso". Ya en toda esa introducción, me sorprende hasta algún nudie, un pechito por ahí, un cuerpo desnudo bañándose de fondo y de refilón, pero igualmente agradable a la vista. Encuentro muy sexy y sensual, a la par que divertida, la escena del inicio cuando Gabin la ayuda a poner el vestido a la Felix.
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Como he dicho, no me ha hecho reír el film, siendo una comedia, pero sí alguna sonrisa y es de agradecer, que aunque sea un film teatral, en lo que se refiere a comedia hay poco histrionismo, algo de slapstick, que no falte!!!! y mucho mucho planos corales berlanguianos (o viceversa), o sea cámara más o menos estática, y mucha gente en pantalla, entrando y saliendo de plano, la anarquía controlada que siempre me refiero cuando hablo del primer o segundo mejor director del cine español de todos los tiempos. Curiosamente la escena que me ha hecho reír de verdad, es la última secuencia con plano general y alejado del Moulin Rouge (por cierto no soporto la peli de Baz Luhrmann, por motivos ya expuestos en la introducción de la reseña, y la de Huston, aún no la he visto, por lo tanto, mi peli de referencia del Moulin Rouge es ésta) y en la parte inferior de éste, se ve a un hombre dando tumbos, se supone que algo borracho, y lo que parecía que estaba haciendo una coreografía o algo similar. Por cierto, la escena de Gabin detrás de bastidores, disfrutando del número sin estar viéndolo me ha calado mucho.....mierda me estoy dando cuenta que la reseña es anarquía pura!!!!
Otra cosa que me ha encantado es ver el comportamiento hooligiano del público, sobretodo del masculino en el número del french Cancan, eso es afición, hormonalmente excitada, pero sigue siendo afición, aunque el número vale dicha excitación. Y claro está la traca final es fantástica, hay un poderío visual y formal, un saber hacer que se ve, me imagino que estoy en el plató observando a Renoir y seguro que se lo pasó teta, porque se nota, dicha parte debe durar 20-25 minutos, y para que no se haga largo, tiene que haber mucho saber hacer por parte del director & CO. Sin duda una escena candidata a la mención como mejor escena Renoiriana del test final.
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Que no me ha gustado? la de verdad que poca cosa, quizá la parte central se me hace un poco aburrida, ya que venía del hype inicial, que aparte de la intro, la parte de los primeros ensayos de las cancanianas es muy visual a la par que divertido. Y con la explosión del final, hay una parte por ahí el medio que no es que sea mala, pero se estanca o baja un poquito el nivel, como por ejemplo la subhistoria del príncipe Alexandre.
En resumen, una obra impresionante a nivel visual, con esos minutos de espectáculo amando al arte, dignos de mención, con personajes que quieres y odias, entras en el film facilmente, no como otras, o sea, la anterior la carroza de oro, que cada vez que pienso en ella y que ahora comparo cáon el film comentado, se lleva aún más hostias de las dadas.
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Largo y apasionado comentario. :cortina Se nota que te ha gustado. El tipo ese digno de Freaks (no voy a buscar el nombre:cuniao) es lo que más me ha molestado del film, incorpora ese humor populista que a Renoir parece que le encantaba (como el de Carette en La grande illusion, pero que a mí tiende a resultarme de lo más cargante.
Por lo demás es un film que va creciendo y creciendo (aunque coincido que hay alguna caída de ritmo), para llegar a la larguísima secuencia final que es de lo mejor que filmó Renoir. ¡Qué dominio del conjunto: color, ritmo, música, figurantes, bailarinas, resolución argumental, discurso de Gabin! Espléndido.
En algo no coincido: me encanta el Moulin Rouge de Luhrman.:digno ¡Esa Kidman! :babas:encanto
Me adhiero al gusto por el Moulin Rouge de Luhrman. Hasta Ewan McGregor me encantó! Y los secundarios estaban muy bien.
Luego comento, pero a mi me gustan las dos películas . :agradable
French Cancan (1955)
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Ayer me vi el bluray de A contracorriente que tenia comprado hace algunos meses, pero que por H o por B no había tenido la oportunidad de visionarla.
Hace años la había visto por tv en vose, pero mi recuerdo era muy lejano, solo me acordaba del final, claro... :D
La imagen de este bluray a mi me ha parecido estupenda, y la he disfrutado muchísimo, según la veía, me iba acordando, ya que como aficionado de los musicales, sobre todo los clásicos, mi memoria se agudiza... :P
Aunque no sea una gran comedia musical, y si más una comedia sobre el baile y la música, creo que cualquier aficionado al mismo la va ha encontrar muy agradable de ver.
Estoy de acuerdo con los compis Alex y mad dog, que se resiente en la parte central un poco... ¿demasiado metraje?, ¿falta de canciones?... no sé, yo hubiera metido algunos números musicales más, por ejemplo, es una lástima que una cantante de la categoría de Edith Piaf, salga unos 30 segundos cantando.... porras, es una grande, te pone la carne de gallina solo escuchar su voz... ¿y solo se le ocurren hacer un cameo?... :| muy mal y una lástima para los demás...:bigcry
En cambio el comienzo es genial y la parte final es apoteósica... eso si. :agradable
Me ha encantado el aspecto visual de la película, lo bien decorado que está todo, el vestuario, los peinados, los carteles pintados de los espectáculos, ese ambiente de barraca de feria, esa construcción del Moulín Rouge... la fotografía en technicolor brilla. Esa cámara tan pausada pero tan atenta a sus personajes, quizás algo teatral, pero a mi me gusta.
Los personajes, pues me parece que el tono es coral, la mayoría de personajes se lucen: el panadero, los ladronzuelos, las lagartas, la madre lavandera, la profesora de baile, la pareja del cafetín, el príncipe bonachón... y por supuesto los principales protagonistas:
Jean Gabin, el típico productor/director de un espectáculo (me recordó un poco al Warner Baxter de "La calle 42"), aunque aquí Gabín se las cepilla a todas...:cuniao pero oigan él va de sincero por la vida...
María Félix tiene un cuerpazo, es bellísima, pero una negada para el canto y el baile, al menos, lo suyo es el striptease...:D, su papel de lagarta también tiene tela, ella no deja a Gabín, pero se cepilla a los demás cuando le da la gana... :cuniao
Esa escena del corpiño con Gabin que habéis comentado es muy erótica y a la vez divertida.
Francoise Arnoul, es lo suficiente bonita y pizpireta para que nosotros (y varios de los personajes) nos enamoremos de ella, y en el baile se defiende bien, aunque se nota cuando la doblan en algunas piruetas, pero todo muy bien hecho.
El tipo largiducho es Philippe Clay (yo si lo he buscado :P) un cantante, bailarín y actor, pero que no lo conocía, es el tipo graciosete de la historia, junto al que silva, que me pareció muy cuco... :cuniao
Anna Amendola interpreta la canción "la complainte de la butte" que me puso la carne de gallina...:agradable
Y llegamos a la parte final, unos veinte minutos en donde al fin explota lo verdaderamente musical, para mi una delicia, ese encadenado de números musicales hasta llegar al famoso cancan, que desde luego es lo mejor que he visto en una película, que maravilla de planos, que vitalidad, que emoción, que original... esas chicas apareciendo por todos lados, esa energía en el baile, todo aparece tan perfecto y bonito que dan ganas de mover la pierna igual que hace Gabin entre bastidores, porque el ritmo es verdaderamente contagioso.
Desde luego las bailarinas tienen todas una talento excepcional, no recuerdo una coreografía tan virtuosa desde hace tiempo (quizás el cancan de "La viuda alegre" (1952) de Curtis Bernhardt con Gwen Verdon y/o "Can-can" (1960) de Walter Lang, con Shirley MacLaine y Juliet Prowse, quizás pueden alcanzar su nivel), y lo bien filmadas que están todos sus pasos, es super largo, pero parece super corto... y esos "pulpos" metiendo mano a las chicas...:cuniao eran todos tipos elegantes, porque los pobretones solo miraban... :P
Por cierto, el tipo ese borracho del final que se tambalea, es el propio Renoir, según he podido leer.
En fin, una gozada.
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¡Hay que ver lo dura y sacrificada que es la vida de una bailarina, y lo bien retratado que aparece en esta película, o se tienen cualidades para el baile o no se tiene, me encantaron todas esas escenas!. :encanto:llama
Bueno, acabo ya... :D :D