¡Qué pasada de palé, Alex!... :wtf :wtf :wtf
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¡Qué pasada de palé, Alex!... :wtf :wtf :wtf
A Nacho Vidal le acaban de contar las dimensiones del paquete de Alex!!!
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Doy fe de lo que comenta Alex del Cex. Pero lo suyo es un mete-saca sin parar, de ahí supongo las dimensiones del paquete. :cortina
Por ahora no dispongo de ninguna copia, ni siquiera en SD :digno, de TIRE-AU-FLANC. Espero que una vez más la :mago haga sus efectos...
Mientras tanto intentaré comentar SUR UN AIR DE CHARLESTON y LA PETITE MARCHANDE D'ALLUMETTES.
Claro que antes tengo que ponerme al día en el rincón Bette Davis de la amiga hannaben que tengo un poco dejado de la mano de Dios con tanta revisión. :sudor
Y luego Hammer.
Y más tarde Lang.
O lo que se tercie... :cortina
Cuando esté todo ordenado hago unas foticos de mi centralización. Pero me quedan un par de meses, ya que tengo que pasar unas 1000 fichas a la aplicación DVDpedia, todo lo que venía de Reus lo tenía que pasar a la aplicación, para saber lo que realmente tengo en Basel. Ahora mismo cojo cinco dvds al azar para "pasarlos a limpio", los suertudos de ser los primeros son:
- Delicatessen
- Prométeme (de Kusturica) no la he visto aún.
- The Artist
- Charada (me encantó)
- la Batalla de Anzio (Dmytryk), la he visto pero de muy joven, apenas me acuerdo.
Pues parece que la magia no ha desaparecido completamente de este mundo tan afligido... :cortina
Efectivamente, la magia existe. :cuniao
Pero antes tengo que entregar la crónica del rincón (pre)Bette Davis (SO BIG! (1932), de Wellman), más tarde el siguiente coleccionable del foro Hammer (con/sin Fisher) seguramente (aunque no al 100 x 100) con LA GORGONA (1964), de... Fisher y finalmente ponerme con EL TESTAMENTO DEL DR. MABUSE (1933), de Lang.
E incluso tal vez me tome un pequeño descanso puesto que tengo varias entregas ya medio terminadas de un nuevo foro que quiero abrir dedicado a la Republic Pictures Corporation porque lo llevo arrastrando ya desde hace varias semanas (meses, diría yo).
Y me gustaría reactivar el foro Von Sternberg con las colaboraciones con Marlene Dietrich dado que las tengo todas en HD, entre lo editado por Divisa y lo editado por la británica PowerHouse.
Pero lo primero mi escrupulosamente cronológica revisión de la gran Bette.
Porque como alcalde vuestro que soy, os debo una explicación...
:digno
7. Le tournoi (1928)
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Un par de precisiones iniciales. Por un lado, sobre el título: tanto he visto citado este film con el título de Le tournoi dans la cité (por ejemplo, en imdb) como con el más simple de Le tournoi. Finalmente, me inclino por este último, que es el que aparece en la copia que he visionado, editada en DVD por Gaumont, y también en el cartel que enlazo.
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La otra precisión es sobre la duración del film. En la edición en DVD citada alcanza los 127 minutos, pero al parecer, por comentarios recogidos en imdb, hasta hace unos años solo se podía acceder a una versión muy abreviada y en muy mal estado.
La película, nuevamente un encargo, como Tire au flanc, tiene un origen curioso. Hay que situarla en el marco de la celebración del bimilenario de la ciudad medieval de Carcassone, celebrado en el verano de 1928. Renoir filmó el film durante esa época y otoño del mismo año, aprovechando la recreación histórica de un torneo llevada a cabo delante de las espectaculares murallas medievales de la ciudad occitana. La película era una producción de la Société des Films Historiques, siendo precisamente esa recreación del torneo que da nombre al film su verdadera razón de ser. Se comenta que se escenificó en presencia del presidente de la República, Gaston Doumergue, con la participación del “Cadre Noir” (un cuerpo de jinetes de élite de la École Nationale d’Équitation de Saumur), conducido por el coronel Wemaere, que actuó como asesor técnico del film.
A todo esto, ¿qué pintaba un director como Renoir en un proyecto tan oficialista, en principio tan alejado de sus intereses y del conjunto de su filmografía? Ciertamente, la Francia de 1565, que es cuando se desarrolla la trama del film, sorprende como tema para una película renoiriana. A las indudables motivaciones económicas (hasta el momento, no se podía decir que la obra de Renoir fuera garantía de beneficios económicos), se podría quizá añadir la libertad que le daba un film de estas características para introducir algunas de sus experimentaciones sin tener que preocuparse demasiado del argumento, muy definido ya a priori.
¿Cuál es el contexto histórico? Hasta una ciudad del sur francés se desplaza el rey, adolescente, Carlos IX, acompañado de la regenta, su madre, la poderosa reina Catalina de Medici (Blanche Bernis).
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En la ciudad donde se va a celebrar el torneo (que no se identifica como Carcassonne, sino con un nombre ficticio), se van a reproducir las tensiones, que han provocado durante años dolorosas luchas intestinas dentro del reino, entre católicos y protestantes. Catalina intenta mantener el equilibrio entre los dos bandos, por lo que se muestra disgustada con la celebración del torneo, que acepta un tanto a disgusto. Así, su primera medida al llegar a la ciudad es publicar un edicto en que se avisa que cualquier duelo será castigado con la pena de muerte.
Pero todas las precauciones saltan por los aires por motivos amorosos. Una de sus damas de honor, Isabelle Ginori (Jackie Monnier),
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prometida en secreto de Henri de Rogier (el actor chileno Enrique Rivero), gentilhombre de los Guisa, familia que abandera a los católicos,
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despierta el interés de François de Baynes (el italiano Aldo Nadi, que en la vida real era maestro de esgrima, y al que solo veo acreditado en otro film: To Have and Have Not, de Hawks), hijo de la condesa de Baynes, considerada la “reina de los protestantes”.
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François es un crápula sin escrúpulos, que parece solo tener interés en satisfacer sus pasiones, rodeado permanentemente de una especie de harén compuesto de numerosas mujeres (en especial, su amante oficial, Lucrèce), con las que se divierte y celebra fiestas desenfrenadas.
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Pero la visión de Isabelle, que pierde accidentalmente la máscara que le cubre su rostro, como mandan las convenciones, le lleva a afirmar provocativamente que aquel mismo día la “hará suya”. El hermano de Isabelle (Manuel Raaby), presente, le reta a duelo. François, que es un gran espadachín, vence a Ginori, en una larga contienda. El cuerpo de Ginori queda, sin vida, oculto tras unas hierbas. Renoir filma el duelo de forma curiosa: desde lejos, a veces fuera de campo, escondidos los espadachines tras los muros fortificados, o finalmente en picado, cuando la lucha los lleva hasta lo alto de las murallas, haciendo un reiterado uso de la profundidad de campo, señal de identidad de su cine durante la década siguiente.
François no tiene suficiente con ello, sino que pide a la reina que le conceda la mano de Isabelle, como compensación por la colaboración solicitada por la regente en su intento de apaciguar a ambas facciones religiosas. La reina cede, ante la desesperación de Henri y de la propia Isabelle. Esa noche François organiza una fiesta en su mansión. Despechado, Henri entra por la ventana del palacio y se bate en duelo a espada con el anfitrión. La llegada de la guardia de la reina evita males mayores, pero no hace más que aplazar el enfrentamiento hasta el día siguiente, donde tendrán que batirse en el torneo, quedando la decisión sobre quién es culpable al resultado del “juicio de Dios”.
De vuelta a su mansión, la fiesta deriva en una orgía. En la larga secuencia en dos etapas de la fiesta de François, Renoir se entrega a fondo, no solo en unos espectaculares travellings sobre la larga mesa donde se celebra el banquete, sino también con una planificación a menudo arriesgada, extraña, que huye de lo convencional, algo que no se puede decir de la mayor parte del film. Así lo contó el propio director: "Una de las realizaciones técnicas que me produjo más satisfacción fue la toma de una comida en Le tournoi dans la cité [vemos que Renoir utiliza la denominación larga], en 1928. Se trataba de fotografiar a los convidados de un gran banquete sin proceder por una sucesión de primeros planos. No quería un travelín lateral, pues me habría presentado una serie de espaldas poco atractivas. Mandé construir una mesa de banquete larga y estrecha, unos veinte metros de larga por un metro de ancha, y un puente montado en cuatro ruedas de bicicleta. La cámara estaba fijada debajo y en medio del puente, y era impulsada hacia el centro de la mesa. El objetivo pasaba justo por encima de las cabezas de los actores. Los maquinistas, durante las tomas, ponían en lugar adecuado los accesorios demasiado altos que hubiesen resultado decapitados por la parte superior de ese puente rodante".
Como es de esperar, el anfitrión intenta beneficiarse a la doncella, que conseguirá escapar de sus garras y buscar protección en los brazos de la condesa Baynes, la madre de François.
A la mañana siguiente todo está a punto para la celebración del gran torneo. Aquí es cuando la película adopta un aire más oficialista, como si fuera un acto más de la conmemoración del bimilenario.
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Afortunadamente, la cosa se anima cuando el torneo desemboca en el combate entre François, “le Chevalier Noir”, representante de los hugonotes, y Henri, “le Chevalier Blanc”, de los católicos, de manera que lo que se dilucida sobre el campo de honor no solo es un duelo por razones galantes, sino también una reproducción a pequeña escala de las tensiones religiosas.
François, mejor luchador que Henri, que además arrastra una herida de la lucha de la noche anterior, vence al católico. Pero justo en ese momento la guardia encuentra el cadáver de Ginori y, además, su amante, Lucrèce, despechada, lo denuncia. Así, un grupo de veinte jinetes intentará reducirlo, defendiéndose François ardorosamente con una maza. Renoir se sirve de una planificación basada en una combinación de planos generales y planos cortos, que dota a la secuencia de un dinamismo que se agradece. La superioridad numérica hace inevitable la derrota de Baynes, que expira en brazos de su madre, mientras que Henri recupera a Isabelle y a la maldita máscara se la lleva el viento.
Y colorín colorado, este cuento se ha acabado… pero ¿comieron perdices? Pues probablemente no, al menos no todos, porque lo que queda fuera del marco temporal del film son los terribles acontecimientos de 1572, en particular la matanza de protestantes en París, durante la noche de San Bartolomé, algo que, de seguro, tenía bien presente cualquier espectador francés.
Poco que añadir. Me parece un film fácil de olvidar, que si no fuera por ser el director quien es (lo que nos permite entretenernos a destacar cualquier detalle que nos haga pensar en su estilo) pasaría a engrosar el amplísimo desván de los films mudos olvidados, salvo quizá para interesados por la historia del siglo XVI en Francia. Eso sí, hay un espectacular despliegue en los apartados de vestuario y de ambientación (fue una producción costosa), aunque el mayor logro es llevar la filmación a la misma Carcassonne, ciudad de gran belleza.
La próxima semana volveremos a ver una película de encargo de la Société dels Films Historiques, esta vez ambientada en Argelia, Le bled. Por mi parte, como en el caso de Le tournoi, es una película que vi hace unos 25 años, en un completísimo ciclo que la Filmoteca de Catalunya dedicó a Renoir, y de la que no recuerdo nada de nada.
Dado que estoy en varios fregados a la vez voy un "pelín" retrasado pero espero veme esta noche la pelìcula anterior a la que acabas de comentar. Por ahora me saltaré los cortos para evitar perder comba en el foro.
:sudor
Tranquilo, a tu aire. Siempre puedes poner a trabajar alguno de esos "negros" que comentas en el hilo de la Hammer. :cortina
Ni siquiera usando los "negros" de los "negros" podría ponerme a día, que además ya toca la segunda entrega del doctor Mabuse en el rincón Lang.
:sudor
8. Le bled (1929)
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De encargo a encargo. Tanto Le tournoi como Le bled son producciones de la Société des Films Historiques con motivo de sendas conmemoraciones. Si aquella era la del bimilenario de la ciudad de Carcassonne, motivo que dio como resultado un film un tanto marciano dentro de la obra de Renoir, aunque atractivo por algunos detalles, la conmemoración que se celebra en el caso de Le bled (título que remite a la palabra que, en el norte de África, hace referencia al campo, tierra adentro) resulta aún más sorprendente, sobre todo visto en perspectiva: el centenario de la conquista de Argel (1830) por parte de las tropas del ejército francés. Renoir, que se vincularía al Partido Comunista Francés en diferentes proyectos durante la década de los 30, entrega una apología de la colonización francesa, manu militari, del territorio argelino, con la excusa argumental de una historia de intrigas familiares y romanticismo primario, con un final digno de un film de Griffith o incluso de Rodolfo Valentino. Quizá por todo ello no cita el film en sus memorias: ¿mala conciencia? Desde luego, en esta época de revisionismo en que vivimos, un film como Le bled tiene muchos números de ser apedreado en la plaza pública, sobre todo en los países árabes.
Con guion de Henry Dupuis-Mazuel y André Jaeger-Schmidt, que repiten después de Le tournoi, la película se sostiene sobre una frágil trama argumental. Pierre Hoffer (el apuesto chileno Enrique Rivero, que luce tipito) llega a Argel después de haber dilapidado una herencia. Calavera incorregible, hecho a los ambientes parisinos, se desplaza a la colonia francesa para intentar sablear a su tío, Christian (Alexandre Arquillière), un rudo agricultor que ha prosperado a base de esfuerzo. En boca de Christian el film pone el alegato procolonialista: esas tierras que ha cultivado él y sus antecesores con “el sudor de su frente” eran anteriormente terreno pantanoso. Solo gracias a los colonos, llegados bien protegidos detrás de las bayonetas del ejército francés, que desembarcó en 1830 en la zona donde tiene la propiedad, en Sidi Ferruch, se consiguió el “milagro”. Renoir recurre a un montaje curioso en que se visualizan las tropas francesas como si siguiesen a Christian en su conversación con Pierre, y detrás de los soldados un ejército de tractores, en la mejor tradición soviética.
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El tío acepta dar al sobrino 100.000 francos con una condición: que trabaje durante seis meses en la granja, que deje de ser un petimetre parisino (objeto de burlas del tío y de sus trabajadores) para convertirse en un digno colono francés.
Pierre acepta, a lo que ayuda la presencia cercana de la joven Claudie (Jackie Monner, que, como Rivero, era la protagonista de Le tournoi), a quien ha conocido durante la travesía de Marsella a Argel.
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Claudie viene a hacerse cargo de la herencia de un tío fallecido, consistente en una villa próxima a la granja de Christian y una propiedad agrícola al sur del país. Pero la herencia ha dejado a sus primos, Manuel y Diane, resentidos y con deseos de venganza y de apropiarse de las tierras.
Así, cuando el amigo argelino de Pierre, Zoubir, le propone que le acompañe en un viaje al sur, el joven le pide que invite también a Claudie y a sus primos, para hacer que coincidan su tío y la joven, y salvar la desconfianza de Christian con respecto a la sofisticada francesita. Durante el viaje se programa una cacería de gacelas, durante la cual los primos intentan deshacerse de Claudie. Manuel, que disimula dejar la cacería, espera a Claudie en una zona apartada para raptarla con el objetivo de forzarla a que se case con él (algo, por otra parte, bastante inverosímil) o, directamente, matarla y heredar así las propiedades. Pero durante la caza su hermana, Diane, sufre una caída del caballo. Agonizante, le confiesa a Pierre lo que han tramado, iniciándose una larga persecución entre el joven enamorado y el taimado primito, con el resulto esperable.
Contada así, la película tiene un interés más bien reducido, esas tramas de intrigas familiares se habían contado ya muchas veces y mejor. Donde quizá el film despunta, aunque sin llegar a alcanzar niveles demasiado brillantes, es en la forma con que Renoir estructura la película. Por una parte, en su inicio recurre a un tono casi documental, lógico si la película había de ser un recordatorio para los franceses de las peculiaridades de su centenaria colonia norteafricana.
Más tarde, juega con los cielos tormentosos para enmarcar el “surgimiento del amor” entre Pierre y Claudie, como un presagio de las futuras dificultades. Pero donde se concentra lo más atractivo del film es en su tercio final, en la cacería, para lo bueno y para lo malo. Entre lo malo destaca la crudeza de las imágenes de la caza de las gacelas, frágiles rumiantes que intentan abatir a tiros y con la ayuda de feroces perros. Como hemos comentado más de una vez, la sensibilidad sobre este tipo de secuencias ha ido cambiando con las décadas, de manera que a mí a día de hoy me resultan incómodas.
Lo bueno consiste en un montaje frenético, que ya hemos visto en otros films anteriores de Renoir, con una cámara extremadamente móvil. Hay las persecuciones a caballo de las pobres gacelas; luego con coches, entre Pierre y Manuel, en unas secuencias de acción muy bien realizadas;
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finalmente, Pierre continúa la persecución a caballo de un Manuel que huye a lomos de dromedario (los méharis), con Claudie como carga. Para detenerlo, los perseguidores no dudan en lanzar unos halcones sobre el pobre dromedario, en otro momento que produce escalofríos.
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Como ya ocurría en Le tournoi, Renoir descompone las secuencias de acción con numerosos planos cortos en encuadres extraños, forzados, confiriendo a la secuencia momentos casi de abstracción visual. Una vez más, es el cómo lo que salva hasta cierto punto un film en que su contenido no pasa de discreto, incluso de discutible en su defensa del colonialismo.
Acabo con dos referencias a la copia que he visionado. Se trata de un DVD editado por Gaumont, con rótulos en francés sin subtítulos (fáciles de seguir, a poco que se sepa algo de la lengua vecina), con una buena banda sonora al piano, compuesta especialmente para la película (nada de acordeón, querido Alex:cortina). Desgraciadamente, la calidad de la imagen es deficiente, de manera que poco se puede juzgar de sus méritos fotográficos, debido a la poca nitidez y el tono blanquecino y difuso de las imágenes.
Con la próxima entrega, On purge bébé, un mediometraje, dejamos atrás la etapa silente de la obra de Renoir y llegamos a su primer film sonoro, en el que nos reencontraremos con el vodevil y con Michel Simon.
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Voy a ir rápido con el comentario: "todo mal" und fertig. Voy a aclarar un poco más esto, pero no mucho más, ya que a falta de tiempo, y de ganas, ya que la peli no se lo merece. Para empezar he conseguido de por ahí :picocerrado un archivo no muy grande, y unos subtítulos que se pueden decir, bastante descompensados, creo recordar que los subtítulos van 25 segundos por delante, ni uno, ni dos ni tres, 25 !!!!!. A pesar de que el compañero Mad está en lo cierto, los intertítulos en francés son de fácil seguir, pero con una lengua por descubrir tengo suficiente.
Después, la primera media parte del film, ah sido casi una tortura, ya sea por el estilo documental que comenta Mad o por lo que fuere, pero dicho estilo hace que empatices 0 con la historia del film, y lo peor de todo, 0 interés por los personajes. Y créeme si te digo, que he echado de menos al acordeonista, ya que el monoritmo que se imprime con el piano, ayuda al estupor, vuelve acordeonista!!!!!
La parte de África si que tiene un mayor impacto visual, pero igualmente no es suficiente, quizá vengo escaldado del estupor, pero dicha segunda parte no lo arregla, no se muy bien que destacar, nada destacable la verdad, espero que se acabe la propaganda francesa en el cine de Renoir, o si hayla con más mala leche que buena. En resumen, si le pusiéramos nota, sería un....
https://www.youtube.com/watch?v=so9PV_Xq5Sg
Bueno, la parte de África es toda la película, porque empieza con la llegada de los protagonistas a Argel... y Argel es África. :cortina Pero entiendo que te refieres a la parte final, con la cacería de gaceles y el rapto de Claudie.En todo caso, a mí la música de piano no me ha molestado, más bien al contrario. Pero, en fin, estoy de acuerdo en que es un film fácilmente olvidable.
Sorry, sorry, me refería al safari party.
La próxima espero y deseo que sea mejor, por lo menos algo mejor.
Es una comedia, bastante escatológica por lo que recuerdo. En todo caso, nos acercamos al territorio de Tire au flanc y dejamos definitivamente atrás las recreaciones históricas y conmemorativas. Ahora bien, es un mediometraje que no está entre lo más lucido de Renoir. Después sí que llegaremos a una de sus grandes películas, La chienne, de la cual Fritz Lang hizo un remake, Perversidad (Scarlett Street).
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Renoir quiso hacer una película enteramente artesanal, en la que incluso el revelado y positivado fue hecho de forma casera,mientras que para rodarla se improvisaba un estudio en el desván del teatro Vieux-Colombier.
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Hay una deuda de Renoir..siempre amigo de experimentar y de correr riesgos, con Griffith al recordar "Las dos tormentas" (1920) o "La culpa ajena" (1919), e incluso el tratamiento del rostro de Catherine Hessling remite directamente a Lillian Gish.
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7.5/10
9. On purge bébé (1931)
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Después de sus encargos conmemorativos, Renoir entra en el sonoro con una pequeña obra, de solo 46 minutos en la copia que he visionado, en la que se vuelca decididamente en el uso del sonido, que tuvo un arranque lento y problemático en el cine francés.
Para ello se sirve de un vodevil de uno de los autores clásicos del género, Georges Feydeau (1862-1921), “On purge bébé”, obra en un acto estrenada en París en 1910. Así, con un esquema argumental muy codificado, como era el del vodevil, Renoir puede concentrarse en el sonido, no solo las voces, aunque tratándose de la adaptación de una obra teatral, estas tendrán un papel esencial.
Quizá sorprenda hoy en día que todo el sentido del humor de la obra gire alrededor de elementos escatológicos al servicio de una desenfadada y procaz ridiculización de la burguesía. M. Follavoine (Jacques Louvigny) es un industrial dedicado a la fabricación de objetos de porcelana. Aspira a unos beneficios futuros derivados de la venta al ejército de 300.000 orinales, supuestamente irrompibles, para que cada soldado tenga uno para su uso personal. Para ello espera la llegada de M. Chouilloux (Michel Simon), el representante de la comisión del Ministerio de la Guerra que ha de aprobar el orinal.
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Follavoine ha invitado a Chouilloux, con su esposa y el primo de esta (su amante, lo que convierte al funcionario en un cornudo) a cenar. Pero el domicilio de los Follavoine vive el estallido de un conflicto doméstico: el hijo, Toto (al que se refieren a menudo como “bébé”) no va de vientre, por lo que su madre (Marguerite Pierry) insiste en que se ha de purgar.
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Toto se resiste y la madre, desesperada, intenta que el padre asuma la responsabilidad de obligar al hijo (para ello irrumpe en el despacho de su marido, transportando un cubo de agua sucia, lo que pone de los nervios a su cónyuge).
En plena discusión conyugal, hace su aparición M. Chouilloux. Follavoine intenta dejar de lado el problema intestinal de su hijo para concentrarse en convencer al funcionario de las bondades del orinal. Pero fracasa en demostrar que el artefacto es irrompible: por dos veces lanza un orinal y este se rompe.
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La obra deriva en una mescolanza de diálogos entre todos los personajes sobre purgas, restreñimientos, curas en balnearios, etc., ante la mirada divertida de Toto que se muestra en todo momento insolente y recalcitrante ante la insistencia paterna de que se ha de purgar.
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En el transcurso de la conversación, Chouilloux pregunta al niño sobre su hipotética participación en una guerra, a lo cual el infante declara que no iría, que se marcharía a Suiza (no sé si esto está en la obra o lo añadió Renoir, pero teniendo en cuenta que la obra es de 1910, pocos años antes del estallido de la I Guerra Mundial, la respuesta tiene su miga).
Toto plantea una condición para purgarse: que también lo haga Chouilloux, ante el escándalo de este. Incluso la madre insiste al invitado en que lo haga. En el calor de la discusión se le escapa a Madame Follavoine que a Chouilloux le pone los cuernos su mujer con el primo. El funcionario, sofocado, bebe sin darse cuenta el vaso con el purgante, por lo que ha de desaparecer de escena a toda prisa para refugiarse en el lavabo.
Mientras, llegan Madame Chouilloux (Olga Valéry) y el primo (el famoso actor cómico Fernandel, en una de sus primeras apariciones en el cine).
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La velada fracasa estrepitosa y definitivamente con la discusión de los Chouilloux, de resultas de la cual el primo abofetea a Follavoine, el cual cae en el error de beber también la purga para recuperarse del disgusto creyendo que es un vaso de agua. Toto, finalmente, se ha librado de purgarse y, por el camino, ha conseguido que se arruine el negocio del padre y que el “honorable” matrimonio de un funcionario del Ministerio de la Guerra también naufrague.
Renoir declaró en una ocasión: “creo en el diálogo, pero no es más que una parte del sonido”. Para ello intentó que en la película se reprodujeran los sonidos con la máxima autenticidad. El director expresó: “considero el doblaje, es decir, añadir el sonido después de filmar, una infamia”. Así, la película resulta fresca en los diálogos y en los sonidos añadidos (que incluyen la descarga de una cisterna del váter… 30 años antes de Psycho).
On purge bébé fue, en definitiva, una obra rodado en pocos días (cuatro días de rodaje, precedidos de seis días de preparación del guion y seguidos de seis días de montaje), lo que supuso un coste muy bajo que se amortizó rápidamente. El éxito económico supuso una buena carta de presentación de Renoir para los productores de cara a su siguiente película, que preveía mucho más costosa.
Vista hoy en día resulta una simpática muestra de los inicios del sonoro en el cine francés, un divertimento que Renoir aprovechó bien para jugar con la nueva técnica del sonido. Aunque las interpretaciones son algo teatrales (salvo quizá la de Simon), el director supo huir en la medida de lo posible del estaticismo del escenario, con una planificación variada que evita en lo posible la reiteración de los planos frontales. En definitiva, On purge bébé le serviría sin duda como banco de pruebas para su próxima película, capital dentro de su filmografía: La chienne. Pero eso será la próxima semana.
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Tengo sensaciones encontradas con este minifilm, sensaciones que al final, temo que gana el diablo al ángel, y me explico pero no mucho, es innegable que el argumento es de esos que me gustan, argumento que no repetiré ya que el compañero ya la ha expuesto de manera perfecta, y evitaré un exceso de subrayado y repetición innecesaria, o lo que viene a ser lo mismo, me da pereza sinopsear. Pues eso la situación de partida del film es fascinante, estando al nivel de ver a Dracula (C.Lee) hacer sus necesidades en el lavabo antes de ir de cacería, claro es un deseo más que una realidad; pues en el minifilm de Renoir, dicho punto de partida que coquetea con el patetismo y lo absurdo, y poniéndolo en el marco de una alta burguesía, hace innegable mi interés por el film; a bote pronto y sin pensar mucho me viene a la cabeza el vendedor de porteros automáticos de Berlanga, que seguro, y mira que me he leído dos libros suyos pero no me acuerdo de ello, que visionó y disfruto de algún film de Renoir.
Pero todo este afán argumentativo se topa con la puesta en escena, que sobretodo en su inicio la cámara está muy lejos de los personajes, y aunque huye de lo estático (como bien indica Mad), con planos variados pero siempre manteniendo cierta distancia, para mi demasiada, con los personajes, que hace sentirme lejos de ellos y no disfrutar con sus paridas e idas de olla. Esa falta, o por lo menos, pocos primeros planos, o planos muy cercanos,se contradice con el amor al primer plano que predica en el libro que estoy leyendo. Primeros planos que hemos disfrutado en sus primeros films, y que en su película anterior, Le Bled, es tan regulara y aburrida, que no me acuerdo si haberlos haylos.
Y como efectos indirectos al film, decir que acabo de ver el film ahora, después de una dura jornada laboral, con muchas cagaleras de los viejitos, y que la copia del visionado, es un archivo como muy poco peso, diría que casi raquítico, le salva unos subtítulos en castellano incrustados y con un logo borroso de la 2, quizá fue un pase del show de Garci y sus chimeneas y copazos. Vaya lo que quiero decir, es que la imagen es de mala calidad.
En resumen, no me esperaba ni más ni menos, no tenía expectativas en el film, las expectativas me las ha creado Renoir a lo largo del film, que el mismo me las iba quitando.
Espectante estoy con el siguiente visionado, a la par, remakeada por Fritz Lang, que como estoy out del ciclo de Lang, estoy pensando en hacer una doble sesión con Perversidad, un título que echa pelotas fuera comparando con el de Renoir, algo más directo:cuniao
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La copia de Filmax no es para echar cohetes, pero se deja ver. Renoir, a pesar de gustat del primer plano, también tendía a jugar con la profundidad de campo, por lo que ulitiza a menudo planos generales. Sospecho que el escaso recurso al primer plano tiene que ver con el uso del sonido. Recordemos que Renoir intentaba rodar con sonido directo, lo que probablemente dificultaba los primeros planos.
La distancia está bien para lucir paisaje no? como en Nana, pero aquí, en el film a comentar hay poco que lucir, y dicha distancia, en mi opinión, le quita punch a unos diálogos, que sobre texto, son muy interesantes.
Pero son diálogos cruzados entre dos, tres o más personajes, por lo que el primer plano obligaría a un montaje muy fraccionado, e intuyo que eso sería complicado si se pretendía filmar con sonido directo. Recordemos que estamos en los inicios del sonoro, y al parecer en Francia iban un poco retrasados técnicamente.
10. La golfa (La chienne, 1931)
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Con La chienne llegamos, sin duda, al primer gran título de la filmografía de Renoir. En ella se adapta una novela de Georges de La Fouchardière (1974-1946), publicada el año anterior al estreno. No obstante, según se comenta en la monografía de Cátedra de Ángel Quintana, Renoir se sirvió, más que de la novela, de la adaptación teatral que hizo del texto André Mouézy-Éon, autor de la pieza de vodevil Tire au flanc que Renoir había llevado anteriormente a la pantalla.
A pesar de esa posible filiación vodevilesca, La chienne, al menos en su versión cinematográfica, va mucho más allá. Al inicio, muy renoiriano, unos títeres en un teatrillo de guiñol nos presentan la obra y los tres personajes principales: Maurice Legrand (un espléndido Michel Simon), un cajero apocado, serio, tímido, dominado por una mujer tiránica, y que solo encuentra satisfacción en su afición por la pintura; Lucienne Pelletier, llamada Lulu (Janie Marèse), una joven de “vida alegre”, que imaginamos dedicada a cierta forma de prostitución; y Dédé (Georges Flamant), su chulo, o su amante, según como queramos verlo, aunque la película huye de todo romanticismo.
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La historia que se nos va a contar, se nos dice, no es ni una comedia ni un drama, y no contienen moraleja alguna. Y, ciertamente, no es ni una cosa ni otra, o puede que, mejor dicho, sea tanto una comedia como un drama. A lo largo del film tendremos muchas ocasiones de reírnos de las situaciones, sin poder evitar que también nos conmueva el patetismo de Legrand o el desgraciado final de Lulu. En lo que no hay duda es en que Renoir huye del moralismo que suele ir asociado a historias de este tipo, y tampoco entra a hacer “psicologismo”, a buscar motivaciones en las conductas de los personajes, tendencia en el cine que, según cuenta en sus memorias, odiaba.
La trama argumental de La chienne es simple, y puede que nos suene a déjà vu, en especial a los conocedores de la obra del vienés al que estamos revisando en otro hilo, Fritz Lang, puesto que en su etapa hollywoodiense dirigió un remake del film francés: Scarlet Street, con Edward G. Robinson en el papel del cajero aficionado a la pintura, y Joan Bennett como la “chienne”. Cuando analicemos la película de Lang será el momento de establecer las comparaciones pertinentes, pero avanzo que, a la espera de revisar la versión americana, creo recordar que Lang sigue bastante de cerca la película de Renoir, salvo en el final.
Legrand, que es objeto de burlas por parte de sus compañeros de trabajo, conoce accidentalmente a Lulu al final de una cena de celebración con los de su empresa.
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Lulu es maltratada por su acompañante, Dédé, borracho como una cuba. Legrand tercia y acerca a Dédé en taxi al hotel donde habita y escolta a Lulu hasta su domicilio, obteniendo de la joven la promesa de volverse a ver. Cuando regresa a su “hogar”, Adèle, su mujer, le suelta una bronca monumental, a la cual el pobre hombre ya parece mostrarse indiferente por habitual.
La película salta en el tiempo, hasta un mes después, una elipsis que elude la relación que durante ese lapso han consolidado Legrand y su objeto oscuro del deseo. Vemos que ha instalado sus pinturas en el piso donde vive Lulu, pagado por él. El objetivo de la muchacha es sacarle el máximo dinero posible a su “amante”, aunque sin pasar por el peaje de acostarse con él. Dédé se dedica a vender los cuadros, que Legrand no firma, con lo que pueden atribuirlos a Lulu, una supuesta pintora norteamericana que responde al nombre de Clara Wood (lo de “pintora norteamericana” está un poco traído por los pelos, porque me temo que la muchacha no da el pego).
A todo esto, Legrand ha empezado a meter mano en la caja de su empresa, para pagar los gastos de Lulu. Y, de repente, en un giro argumental, este sí muy vodevilesco, aparece Alexis, el brigada marido de Adèle, que esta creía muerto durante la Gran Guerra. Legrand se encuentra de golpe y porrazo que ya no es el esposo de Adèle y que, por tanto, puede (y debe, porque está en una situación de bigamia) recobrar su libertad. Para ello, le prepara una ingeniosa trampa al brigada, de manera que este se acabe reencontrando cara a cara con su esposa.
Contento y liberado, Legrand se dirige a casa de Lulu… para encontrársela en la cama con Dédé, al que esta había hecho pasar por su hermano. En principio, se marcha cariacontecido, pero, a la mañana siguiente, volverá.
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La película llega aquí a su momento culminante, genialmente resuelto por Renoir. Mientras en la calle se organiza un corrillo de personas alrededor de unos músicos ambulantes y suena una canción, mediante un uso espléndido del fuera de campo Renoir nos cuenta lo que ocurre en el piso de Lulu. Legrand, que ha regresado dispuesto a reclamar de Lulu un trato digno, que obviamente pasa por encamarse. La muchacha le espeta a la cara lo desagradable que le parece y que nunca ha sentido por él ningún afecto ni atracción, que solo ha sido un medio de conseguir dinero para ella y para su hombre, Dédé. Legrand se da cuenta de hasta qué punto ha pecado de ingenuo, la acusa de ser una “chienne” y la mata.
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Abandona el edificio y, poco después, llega Dédé, que aparca su coche en medio de la gente que escucha los músicos. Sube, ve el cadáver y deja el edificio con rostro demudado, arranca el vehículo y desaparece de pantalla. Poco después, la portera sube al piso de Lucienne y oímos sus gritos: ha descubierto el cuerpo sin vida. Ni hemos visto cómo Legrand apuñalaba a Lulu con un abrecartas, ni cómo Dédé encontraba el cuerpo de su amante, ni cómo lo hacía la portera, pero toda la escena, prodigiosamente rodada y montada, nos lo explica todo a la perfección, sin necesidad de palabras ni subrayados.
Lo que resta del film da para el despido de Legrand, descubierto sus desfalcos, los interrogatorios sobre el crimen y el juicio a Dédé, con el resultado esperado de una condena a muerte. Y, finalmente, Renoir concluye con un brillante epílogo, que Lang no utilizó en su remake (y que, de hecho, creo que no aparece en la obra de La Fouchardière): un Legrand envejecido, convertido en un pordiosero, se encuentra con Alexis, el brigada, que también es ahora un mendigo, que le cuenta que Adèle hace años que murió.
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Mientras conversan animadamente frente a una galería de arte, un chofer transporta hasta el coche un cuadro que representa un retrato: es el autorretrato de Legrand, que un cuadro que hemos visto que pintaba en su casa, ahora una obra de arte apreciada, con la firma de Clara Wood.
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Un final de una gran ironía, donde se nota el carácter de Renoir, tan aficionado a este tipo de detalles que salpimientan su obra. Ya puede bajar el telón del teatrillo: la función ha terminado.
Junto a la brillantez del tratamiento argumental, la magnífica planificación del film (en formato casi cuadrado, como el de los primeros films sonoros de Lang), con unos encuadres precisos y un uso de la profundidad de campo que será señal de identidad de su cine, y una cámara que sabe moverse entre personajes y decorados (hay un plano curioso en que parece bailar a la vez que lo hacen Lulu y Dédé), con mención especial a la secuencia del crimen, cabe destacar, una vez más, el uso del sonido por parte de Renoir. El director afirmaba: “no doblé ni un metro de cinta. Cuando rodábamos en la calle, intentábamos filtrar los ruidos de fondo con la ayuda de mantas y colchones". Y se nota en la frescura de los sonidos callejeros. Además, consigue insertar a la perfección toda una serie de sonidos que dan vida a los planos: desde los que llegan del patio de luces (una niña tocando el piano) a la pianola de un bar, pasando por un magnífico encadenado visual y sonoro con unos relojes.
Sin duda, se trata de la primera película de Renoir que podría optar a la categoría de obra maestra. En todo caso, un film excelente, que 80 años después no ha perdido nada de su atractivo, del que además disponemos de una magnífica copia restaurada editada, en BD por Divisa. En cambio, desgraciadamente, de la próxima entrega, La nuit du carrefour, solo he podido localizar una copia bastante lamentable en YouTube (otra, que me ha proporcionado el amigo Alex, no puedo utilizarla por problemas de ordenador). Para paliarlo, espero leer este fin de semana la novela de Georges Simenon que adapta, una más del extenso ciclo dedicado por el escritor belga al comisario Maigret.
Tengo una buena copia de LA GOLFA así que podré volver a participar de nuevo en el foro tras la (obligada) ausencia de las últimas entregas.
Y, como bien dices, la versión de Lang, que recuerdo como magnífica, fue la primera de las dos únicas películas que pudo rodar en EUA como productor independiente.
:agradable
Vista esta noche espero ponerme en breve con el comentario aunque me gustaría antes entregar otro en "el otro rincón" de un director neozelandés (y que no es Peter Jackson... :cortina) que visioné ayer y que no había vuelto a ver desde su estreno a finales de los '90...
Aunque reconozco que me ha gustado y bastante la película de Renoir me quedo con la de Lang y eso que el primero pudo hacer cosas que el segundo no pudo por el código de (auto)censura de la industria cinematográfica norteamericana.
Uno de los motivos es que Renoir rueda la obra como una comedia mientras que Lang lo hace como un drama y, al menos para mi gusto, la segunda opción me parece más ajustada al relato.
Pero de todas formas ya digo que me ha gustado bastante.
Y excelente trabajo tras las cámaras del alemán Theodor Sparkuhl que también trabajó en el cine norteamericano incluidas las espléndidas SI YO FUERA REY (1938), de Frank Lloyd o el clásico del cine negro LA LLAVE DE CRISTAL (1942), de Stuart Heisler.
:agradable
Yo creo que tiene tanto de drama como de comedia, no es ni una cosa ni otra. Cuando revisemos la de Lang ya afinaré esa comparación, pero en todo caso lo humorístico en la de Renoir creo que no solo no resta sino que suma.
No lo niego, querido amigo. De hecho, John Ford y Jean Renoir son dos cineastas muy afines y ambos se admiraban mutuamente. El primero siempre solía introducir momentos de comedia incluso en sus películas más dramáticas, como por ejemplo en CENTAUROS DEL DESIERTO (1956).
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Una jornada de lo más ajetreada :P en casa de Jacques Louvigny...su esposa, Marguerite Pierry,deambula angustiada en bata quejándose de que su hijo está estreñido y no quiere purgarse,Michel Simon acude a negociar un contrato para el ejército de miles de orinales...
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La primera película sonora de Jean Renoir a partir de una obra teatral de G Feydeau, especialista en satirizar a las clases medias. Hay chismes, desvaríos y cuernos hasta pulula Fernandel entre orinales de porcelana irrompibles que se rompen. Me ha gustado este embrollo JAJAJ
7.5/10
Como por ejemplo el título, allí en USA como que el título "the Bitch" no hubiera colado:cuniao.
Entre ayer y hoy me he visto las dos, la de Renoir y Lang, y no se por cual decantarme, empate técnico, siendo un remake clamoroso, o sea nada de versión libre, tiene cosas diferentes, que ahora empezaré a describir en la siguiente intervención, haciendo ya el 2x1 mencionado.
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Para empezar de manera anárquica, que novedad!!!, desde hoy, bueno de ayer, soy por lo menos vicepresidente adjunto del club de fans de Michel Simon, ya que su actuación es candidato, faltando muchos por ver, a chico Renoir, pero a ver quien supera esto, su personaje e interpretación son los que me gustan de verdad, gente de bajo perfil, desgraciado de la vida, utilizado de manera puntual por la chienne y humillado continuamente por su mujer, y parece que ya viene de antes dichas humillaciones, por como las encaja el bueno de Legrand. Y es ahí donde pueden haber los latigazos de comedia que mencionan los compañeros, esa (no) relación marido y mujer, es sin decir nada gracioso, se crea una ambiente de comedia, por como encaja los golpes Legrand. Para acabar con los elogios a Simon, por ahora, decir que gustándome mucho su tocayo en "the Bitch":cuniao de Lang, Edward G.Robinson, encuentro la interpretación de Simon superior. No hay maldad en Legrand aunque comete actos aberrantes, a parte de un asesinato, un robo también, pero en su cara, sus andares, su acciones, su lenguaje no verbal, no hay nada de maldad predispuesta, incluso en los momentos climax del film, que como bien dice Mad, no se ve el asesinato en si, sino que por el excelente montaje se sacan conclusiones . En cambio E.G.R, se da un festín con Joan Bennett, tiene una transformación a lo hombre lobo muy salvaje, ya no solo en el momento del asesinato, ya que vemos con una discusión con la mujer de E.G.R como cuchillo en mano hay ganas de asestar un par de puñaladas, allí no hay inocencia en absoluto!!!. Después adorna, dicha no inocencia, con una sonrisa post ejecución, que hace que el título de "Perversidad" no sea sólo para el duo sacapuntas de Bennett/Duryea, que Lang hace suyos los valores USA tan típicos de la venganza es dulce, cosa que en el film de Renoir, y como bien ha dicho mad, no hay posicionamiento moral absoluto por parte del director cosa que no se puede decir del film de Lang. Por ahora dos a cero para Renoir:P
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Vamos a por la golfa, Janie Marese, que arrastra del cine mudo, la fealdad femenina que he ido anunciando (y masculina también) en el cine mudo en este hilo y en el de Lang. Perder la cabeza por esa mujer, mmmm, será que no congenio con las rubias, Grace Kelly aparte, pero por Joan Bennett si que lo haría. También encuentro la interpretación de Marese mejorable, que veo que no hizo mucha carrera (añado y no borro el comentario anterior, leo que dos semanas después de terminar el rodaje murió en un accidente de coche), la he encontrado algo robótica en escenas puntuales, aunque en la escena de la humillación verbal y el despido de la vida, está francamente bien. Que voy a decir de Joan Bennett, magnífica en el film de Lang (Y en Suspiria de Argento también, que la vi hace poco), una femme Fatale de primera linea, con escenas icónicas del cine, como por ejemplo ésta:
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Y el tercero en discordia, Flamant vs Duryea. Si Dede (Flamant) sería realmente el villano del film, Renoir, no se como lo hace, pero siéndolo, no se recrea en el personaje a parte de los hechos visibles, ya sea la frialdad como trata a la golfa o las estafas realizadas, se ve un "cabrón", pero no un "puto cabrón", como si lo es Duryea en el Lang, un estafador de poca monta, que aparte de ser un tirillas, incomprensible como la Bennett pierde el seny català por dicho mindundi, porque intentando siendo parcial, que no lo soy, Duryea me parece poco atractivo, un bruto, vestido como un pariguayo (como dicen los dominicanos) y muy poco elegante. Su interpretación, de idiota que va de listo (a su desenlace me remito), la encuentro un poco histriónica. Creo que vamos 3-1 para Renoir.
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Y ahora el duelo de directores. Por todo lo que ha comentado Mad, su no posicionamiento moral, el rodaje en exteriores, profundidad de campo.....su introducción con las marionetas con unos diálogos espléndidos (1), su introducción de la historia y los personajes, el desarrollo de esta, y el desenlace no hay ningún pero que dar y si mucho elogio, el desenlace es magnífico, fuera de lo común en lo que sería un supuesto melodrama, que por dichos aspectos no lo es, y siendo ventajista, en boca de él, lo pondría en el género "realismo poético". También como maneja la comedia sin serlo, como dibuja a los personajes, sobretodo LEgrand, donde la sitúa propicio al desarrollo y apología al patetismo, por ejemplo con el subrayado inicial del desprecio laboral que le suma al ambiente bélico en casa. Tan diferente a la presentación de E.G.R en el film de Lang, muy apreciado por su jefe y sus compañeros de trabajo, no es un Loser en el trabajo como si lo es Legrand. La pega que le pongo a Renoir, es un recurso que ha usado mucho en el film, el fundido a negro, Lang, en su "the Bitch", lo usa mucho menos, y cuando lo usa es para elipsear. Pues si, hay mucho fundido a negro en el film, que no me molesta hasta cierto punto, curiosamente si que me ha resultado molesto en una de las mejores escenas del film, el montaje del asesinato, ya que usa otro fundido a negro para cambiar de localización sucediendo en el mismo instante. A parte de eso, y para finiquitar el asunto, es un film excelente, y es de esos, que al finalizar su visionado, su día posterior, el volver a refrescarlo leyendo el excelente comentario de Mad, al escribirlo servidor y recordando detalles de este, hace que me entren muchas ganas de revisionarla pronto, y eso, pienso yo, es el máximo piropo que se le puede dar a un film en su primer visionado.
Y los puntos fuertes de Lang, para empezar decir que es una gran película, pero el tono y las formas, prefiero la de Renoir, Perversidad es puro noir, un trabajo de estudio, decorados, atrezzo que ayudan a crear dicho ambiente noir, y un trío protagonista que están a muy alto nivel, bueno sobretodo, E.G.R y Joan Bennett. Lo que menos me gusta es su desenlace, que no su escena final (fantástico cierre con Cross en solitario en una calle muy concurrida), muy diferentes al de Renoir, en tono y formal.
Pero lo dicho, he disfrutado mucho de este doble programa de fin de semana, ayudado claro está, de dos magníficas ediciones en bluray, siendo unas décimas superior la de A contracorriente, con una nitidez de imagen más allá de la excelencia.
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(1) Es sabido por todos, de ser un poco perezoso para la búsqueda de información, solicitando muchas veces a los propios foreros que busquen por mi, pero esta vez, gano a mis debilidades y os transcribo el genial diálogo en la introducción de las marionetas:
"No es un drama ni comedia. No comporta intención moral, y no les demostrará nada. No son héroes ni traidores. Hombres como yo, como ustedes. Tres personajes: él, ella y el otro, como siempre. Es un tipo ya no tan joven con una cierta cultura intelectual y sentimental, superior a la de su medio, de tal suerte que parece imbécil. Ella es una mujercita con un encanto particular y vulgaridad personal. Siempre es sincera, siempre miente. El otro es Dédé y eso es todo. Y ahora, señoras y señores, el espectáculo va a comenzar"
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Para dar una muestra más del atractivo del film de Renoir, recuerdo que la vi "de estreno" en Barcelona en 1978 (creo que estaba inédita en nuestras pantallas) y tuvo entonces un gran éxito, con semanas y semanas en cartel. Me pregunto si hoy en día un film de estas características produciría ese efecto entre la cinefilia local. Bien es verdad que en aquel entonces cualquier "retorno del pasado" que viniera a ampliar el horizonte cinéfilo, tan empobrecido durante la dictadura, despertaba mucho interés.
¡Fantástica presentación! :palmas:palmasEl tono ya nos da a entender que Renoir huirá del moralismo convencional a la hora de presentarnos el suceso criminal que se desarrolla en el film. Me encanta eso de "el otro es Dédé y eso es todo", con el nombre ya queda todo dicho. :D
Es fantástico, a mi también me encanta esa coletilla, quizá autobiográfica:
"Es un tipo ya no tan joven con una cierta cultura intelectual y sentimental, superior a la de su medio, de tal suerte que parece imbécil"
No se porque, automáticamente el personaje de Simon, lo yuxtapongo a Renoir, obviando la parte del asesinato y el robo:cuniao
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Un empleado de banco de lo más apacible convive sin amor con una bruja, tiene un placer en la vida: pintar. Una noche, un encuentro casual le hace conocer a una mujer mucho más joven, a quien comienza a ayudar económicamente. El la quiere y cree que tienen una relación,sin saber que ella es una prostituta que sigue liada con su chulo, el hombre al que realmente ama. Legrand le entrega algunos de sus cuadros para decorar el apartamento en el que le paga para que viva, que el proxeneta luego vende a un marchante de arte con el pretexto de que son obras de una artista estadounidense imaginaria llamada Clara Wood; pronto se convierten en artículos muy buscados. No pasa mucho tiempo antes de que los acontecimientos se tornen de lo más trágico.Cita:
Lulu : Y tiene mucho talento. Hace una tremenda imitación de Maurice Chevalier. Pero no tiene conexiones, así que tengo que ayudarlo.
Legrand : ¿ Le ayudas?
Lulu : Sí, hemos estado juntos tres años. Eso es como estar casado, ¿no?
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La peli fue controvertida en su día mostraba una justicia de desigualdad de clases en la que un inocente era condenado por el crimen de otro.Y seguro que la gente diria por culpa de la golfa!!!
Nada nuevo.. los personajes teela,el prota asesino,su esposa autoritaria y desagradable, su exmarido un derrochador mentiroso, Lulu utiliza a Legrand sin remordimiento alguno mientras que el novio es un violento abusador macarra. Un ejemplo del tipo de películas sonoras de los primeros tiempos antes de que la moral de Hollywood y compañia se interpusiera en el camino.
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7/10
Pensaba haberme puesto esta misma noche con el comentario de LA GOLFA pero lo cierto es que llevo varios días muy cansado y no me ha dado tiempo más que a pergeñar la ficha técnica de la misma, complicada por cierto.
Tal vez el hecho de que dos de mis compañeras de turno (de tarde) han dado positivo en Covid-19 me haya vuelto más susceptible o simplemente es que me estoy haciendo viejo...
De todas formas, mañana y sin falta, aunque sea en formato breve (ya me conocéis...) intentaré ponerme a la tarea.
Ahora me voy a la cama a leer un poco, quizás algo de profundo contenido filosófico...
... como los cómics de Conan, el cimmerio, de la mano del inefable Roy Thomas...
... si es que donde esté un buen mandoble que se quite todo lo demás...
:cuniao
Un consejo. Déjate de comics y busca a "la golfa" :ceja :abrazo
En realidad el título original es más contundente... LA PERRA.
Chien / Perro // Chienne / Perra
Recordad UN CHIEN ANDALOU (1929, UN PERRO ANDALUZ), de Luis Buñuel (y Salvador Dalí)
:digno
Jó. Peor me lo pones. :lengua Ya había censura por entonces. :sudor