Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Cuarta entrega del ciclo cristobalino.

La frusta e il corpo.

Había oido hablar muy bien de este filme en este magno foro, y la tenía pendiente de ver desde hace algún tiempo. Y me dije "esta es buena ocasión". Pues...qué quieren que les diga, todavía, la estoy digiriendo. Es de esas que te dejan, no con el culo torcido, sino directamente fuera de la geometría euclidiana . Aún no sé si es una extraña y retorcida obra maestra o algo pergreñado por unos morbosos que se fumaron algo muy caro...

A ver. Tenemos sadomasoquismo, necrofilia, parricidio, adulterio, envidias entre hermanos y así todo por el estilo. Ingredientes muy fuertes para una película de hoy en día, imagínese para los años sesenta. Resumo un poco de qué va la película. En un lugar desolado de Polonia, Rusia, o algún país de por ahí (no queda muy claro), en el siglo XIX, un noble, Kurt Menliff (Christopher Lee) regresa a su hogar, cual una especie de hijo pródigo. Pero este personaje no es nada bien recibido en su casa, a diferencia del personaje bíblico. Su padre (Gustavo de Nardo) lo odia y lo desheredó hace años, su hermano, Christiano (Tony Kendall), tampoco lo soporta, y su antigua prometida, Nevenka (Daliah Lavi, una bella actriz que en los años sesenta gozó de cierta notoriedad, pero que hoy no es demasiado recordada), se acabó casando con su hermano una vez disuelto el compromiso. Más aún, parece ser que el simpático Kurt se tuvo que ir de la casa después de seducir a Tania, la hija de Giorgia, la criada (Harriet Medin), que se acabó suicidando por su culpa, para evitar un escándalo mayor, por lo cual, la criada le odia a muerte. Dónde ha estado ésos años y qué ha estado haciendo, no se dice, y creo que es mejor que no te lo digan. Completan la familia una prima llamada Katia (Ida Galli), que siente una oscura antipatía hacia Nevenka, y un criado, Losat (Lucciano Pigozzi), que siempre aparece donde menos te lo esperas. Añadamos a esto un caserón gótico perdido donde Cristo dio las tres voces, una atmósfera fantasmal y malsana singularmente bien conseguida, y ya solo falta que aparezca por ahí Scooby Doo.

Pero es que esto no es todo. A la tal Nevenka le va la marcha , algo que no saben el resto de los miembros de su familia, empezando por Christiano que está todo el rato en las nubes; pero Kurt sí lo sabe, y sabe cómo ponerla a cien . Una tarde que salen las dos chicas a montar a caballo, regresa solo Katia; a Nevenka la encuentran poco después en una cueva inconsciente con marcas de latigazos por el cuerpo; y poco después, Kurt aparece muerto en su habitación ¿Quién lo ha matado? Todos tenían motivos...¿Pero está realmente muerto..? ¿Parece el final? Sólo es la mitad de la película. Y hay que decir que arranca muy bien, pero hacia la mitad empieza a desbarrar bastante y hay agujeros en el guión por los que podría pasar un gato. Hay todas esas vueltas e idas para adelante y para atrás, ese aire de locura y ese erotismo morboso que tanto entusiasmaban a los realizadores italianos de terror, y que llegarían a su más exagerada expresión en el genero giallo. Aquí se mantienen más o menos dentro los los cánones del terror gótico, aderezados con algo que aún no sé si es un romanticismo exuberante o un erotismo sórdido -y creo que esta ambigüedad es la nota dominante de esta película-. Hay que decir que el suspense está muy bien llevado, y que esa atmósfera mareante de esas películas de terror italianas, aquí resulta singularmente lograda y sugestiva: si no es el principal atractivo de la película, sí contribuye a dotarla de gran interés.

El personaje de Christopher Lee es singularmente desconcertante. Una especie de byronic type que provoca tanta atracción como repugnancia. Lástima que tanto en la versión italiana como en la inglesa (al igual que en la de Hércules que comentaba hace poco) su voz fuera doblada por distintos actores . No sabes si es malo porque el mundo lo ha hecho así o porque encuentra una especie de placer refinado y perverso en serlo. La bella Daliah Lavi hace una notable interpretación, mezcla de angustia, de deseo, de horror, de piedad, de rechazo y de histeria, llevando sobre sí gran parte del peso de la película.

Dirige el ya mencionado Mario Bava, y a pesar de alguna que otra rareza con la cámara, aquí está bastante contenido y creo que hace un trabajo brillante. Por alguna extraña razón, excepto los actores, ninguno aparece con sus nombres de verdad en los créditos de la película -no sé si porque querían que pareciera algo más internacional, porque les molaba ponerse pseudónimos anglosajones sonoros e improbables, para evitarse posibles problemas con la censura, o porque temían que la gente se riera de ellos si les quedaba un churro -.

Una rareza (en todos los sentidos).

Desde luego, Bava no tenía tapujos a la hora de mostrar el reverso de la psique humana, como se ve en su filmografía.

El hecho de poner en primer plano a un personaje tan sádico como el que interpreta Christopher Lee, chocó en su día, causando que se estrenase con cortes y montajes alternativos (aquí, ni por esas, claro).
Y es que, este tipo de referencias sexuales y personajes que exhiben sin tapujos su crueldad, ya se vieron (aunque más bien en un segundo plano), en películas de la Hammer (recordemos a los despreciables caballeros que violan y dan caza a jóvenes sirvientes en El perro de los Baskervilles o la posterior La plaga de los zombies), o a lo largo del ciclo Poe de Roger Corman, el mismísimo James Stewart y su necrofilia en Vértigo.
El goticismo, sadismo y erotismo de la película, se pueden ver en la posterior La residencia, de Narciso Ibáñez Serrador, entre otras.

El hecho de que Bava ponga esto en primer plano de la trama, puede echar atrás y/o incomodar al espectador, ya que, de algún modo se queda sin personajes a los que aferrarse, aunque una vez vista, la película gane con posteriores revisiones, superada esa barrera que provoca el descoloque de la situación.

Me alegro de que hayas disfrutado su escenografía y fotografía; como has dicho, Bava dota a la película de una poderosa atmósfera gótica, que, sumado al excelso uso dramático del color, hacen que la película suba muchos enteros.

Respecto a los cambios en el nombre de los actores, era práctica habitual en el cine italiano de la época, ya que al contar con actores (y productores) de otras nacionalidades, se cambiasen nombres, títulos (en Brasil se lanzó como Drácula , el vampiro del sexo )y diálogos.

Esta película, en particular, fue víctima de cortes y alteraciones en el montaje, dejándola ininteligible y desmembrada, algo que provocó su injusto olvido hasta su edición en dvd (y posteriormente blu-ray), ya con el metraje íntegro.

Bueno, el hermano y la prima son gente más o menos normal . Éso sí, me hubiera gustado ver

Spoiler:

algún plano de la Lavi zurrándole a Christopher con la famosa fusta . Aquí, o jugamos todos o la puta al río . Como decía Cindy Lauper girls just want to have fun

.

Hablando de Bava y su tendencia a mostrar cosas sin tapujos, recuerdo que en Los vampiros, creo que su primera película en que aparece acreditado como director, ya se sugerían cosas bastante chungas: lesbianismo, necrofilia, vampirismo ...Y éso que era muy modosita comparada con cosas que hizo después. Y lo de cambiarse los nombres lo había visto en varios ítalo-péplums de la época (pero nunca al grado en que se lleva aquí ), que con frecuencia eran co-producciones y se distribuían en varios países. A veces creo que incluso las distribuidoras extranjeras pedían que se pusieran otros nombres.

"Drácula, el vampiro del sexo" ...Bueno, creo que en algunos países, a Ercole al centro della terra, la llamaron Hércules vs. the Vampires. Eran los años 60, y si salía Christopher Lee parecía que todo tenía que ir sobre vampiros. Y La marca del hombre lobo, en USA se distribuyó como Frankenstein Bloody Terror .

Iniciado por Jane Olsen

Bueno, el hermano y la prima son gente más o menos normal . Éso sí, me hubiera gustado ver

Spoiler:

algún plano de la Lavi zurrándole a Christopher con la famosa fusta . Aquí, o jugamos todos o la puta al río . Como decía Cindy Lauper girls just want to have fun

O como dirían los Devo en su canción, Whip it

El cambio de nombres de actores, directores, etc... en películas italianas, era para venderlas mejor a mercados internacionales (algo que se hizo aquí en innumerables spaghetti-westerns), aprovechando que estas solian contar con algún conocido actor americano o inglés, que provocaba, de rebote, el que no exista una versión original, ya que al hablar/chapurrear cada actor su lengua, se optaba por doblar en post-producción (en casos como el de El gatopardo, de Visconti, los tres actores principales eran de tres nacionalidades diferentes... ).

Uno de los directores italianos más conocidos que usó varios pseudónimos, fue Antonio Margheriti (a.k.a. Anthony Dawson, Anthony M. Dawson, Anthony Margheriti, etc...), que dirigió también a Christopher Lee en El justiciero rojo (1964) (que, no faltaría menos, fue doblado en la versión inglesa).

En no pocas ocasiones, los productores, sabiendo que tanto cierto tipo de tramas, como la explicitud (o falta) de escenas violentas o de contenido erótico no iban a ser vendibles en todos los mercados extranjeros, llegaban a hacer una doble versión como el delirante caso de Lisa and the devil, de Mario Bava y su versión exploit House of exorcism, para aprovechar el éxito que estaba cosechando El exorcista en medio planeta (se aprovechaban algunas escenas rodadas en España, que en el original se veían en el inicio, para desbarrar cosa fina a continuación).

Y el tema del baile de títulos, ya entra en el terreno del delirio, puesto que, como has mencionado, llegaban a poner en el título desde personajes que ni aparecían en pantalla, hasta nombrarlos como secuelas (no oficiales, claro).


PD: Perdón por el off-topic.

Pues sigo con el ciclo Wim Wenders y me acabo de ver una de las que me recomendasteis:

El amigo americano



Me ha encantado y no quiero parar de ver películas de este genio. Solo Wenders podía hacer un thriller pero sin olvidar su identidad. A esto súmale dos actuaciones colosales (Bruno Ganz y Dennis Hopper) y ya queda una obra que estará marcada en mi retina durante mucho tiempo.

8/10

La oveja Shaun: La película:

Iniciado por fshtravis

Dos películas vistas de Wenders y las dos me han dejado enamorado. A ver cuál es la siguiente, alguna recomendación de este director?

"París, Texas" y "El cielo sobre Berlín" Y si te atreves con el documental, sin duda "Pina".

Iniciado por Derek Vinyard

Y de las últimas, esos dos documentales que son Pina y La sal de la Tierra, [Bno tengo muchas referencias[/B] pero las críticas y en internet no las ponen nada mal...

Eso es porque no lees bien Que yo hablé de ella en su día

Además, tiene el honor de ser la primera película que vi en 3D en el cine Wenders lo merecía

Aquí os dejo el texto que escribí sobre "Pina":

Por fin he podido ver el documental de Wenders y lo primero que hago es avisaros, si no os gusta la temática ni los documentales, no os molestéis en leer mi crítica Ya sabéis que cuando algo me gusta me apasiono un poco También aviso que no sé nada de danza contemporánea, así que no puedo hablar desde el tecnicismo, sólo sobre las sensaciones que me transmitió la película.

Pues ahí va...

Difícil hacer una crítica de tan curioso documental. Lo cierto es que es tan único que le ocurre lo mismo que a la película “El árbol de la vida”, o aceptas sumergirte en lo que te propone, o no entrarás. Yo entré y de cabeza. Debo decir que me ha encantado.

Lo primero, la técnica del 3D realmente asombrosa en algunas partes, especialmente el primer baile: viendo a las bailarinas salir de la pantalla, los objetos, el entorno. Muy impactante. También me maravilló toda la del agua, ha sido mi favorita.

Otro punto a su favor es la gran diversidad de tipologías de bailarines que utilizaba Pina, de todas las edades, fisionomías, lugares… Cuerpos avejentados, diferentes, únicos… Nada de un clásico cuerpo de baile de figurines. El conjunto forma una estampa tan única y sorprendente que te hace entrar más y disfrutar más de la realidad que transpira cada baile, cada cuerpo, cada escena, cada gesto. Los bailarines transmiten realidad por cada poro de su ser, y ni siquiera notas que ese hombre o mujer, es bastante mayor. Menuda fuerza y vitalidad. Viendo la película te sorprende la cantidad de movimientos que puede abarcar el cuerpo humano cuando sale de los parámetros ordinarios de la danza. Asombra ver toda la belleza que puede alcanzar un cuerpo humano en movimiento.

Hay que decir que no se trata de baile clásico ni convencional, se enmarca dentro de la danza contemporánea, pero es mucho más. Toca el teatro, la expresión corporal y facial, e incluso, algo de la técnica del mimo (o eso me parece a mí). Es por ello que hay partes en las que el espectador puede desconectar más, pues es una propuesta radicalmente diferente de lo visto hasta el momento. No es fácil ver algo en determinadas coreografías o escenas si no se ve más allá de los movimientos, si no se piensa un poco en la intencionalidad de lo que se muestra. Por ejemplo: en un momento en la estación, un hombre hace un baile repetitivo de movimientos desesperados que cada vez se aceleran más, hasta finalmente caer sobre el suelo agotado. Si sólo ves movimientos acelerados, no lograrás ver que lo que transmite realmente, es un estado de desesperación.

Hay que destacar que al parecer, Pina creaba a partir de imágenes, nombraba una imagen y los bailarines debían representarla a través del cuerpo y el movimiento. Así que hay partes más experimentales y otras más coreográficas.

Un hallazgo muy bueno es cuando en una coreografía se detiene el tiempo y mediante fotografías, se accede a diferentes mini-coreografías de parejas. Muy bonita la expresividad del momento blanquecino del flash… se detiene el tiempo y a continuación… la pareja realiza un baile en otro escenario diferente.

Las partes en las que los bailarines hablan a cámara contando todo lo que Pina supuso para ellos, son bellísimas, pues no tratan de contar la vida de la artista, sino la esencia misma de su alma y de su trabajo. Hay frases preciosas de los bailarines: uno dice que ahora la ve bailando en las nubes, otro sueña con ella, otras recuerdan cómo logró quitarles la timidez y sacar lo mejor que tenían escondido, otros que les decía cosas hermosas como que eran ángeles, alguna confesaba que había pasado más tiempo con Pina que con sus propios padres, otro recordaba como Pina le dijo que lo más importante era que transmitiera amor, etc.

Mis partes favoritas coreográficas han sido:

- Todos y cada uno de los bailes sobre el escenario con la roca, y posteriormente los del agua. Sencillamente maravillosos, especialmente todos los del agua, me robaron el corazón . Os dejo una muestra en vídeo:

[ame="http://www.youtube.com/watch?v=kV2mPO5Ckeg&feature=related"]http://www.youtube.com/watch?v=kV2mPO5Ckeg&feature=related[/ame]


- El baile de la alegría (aquél en el que un alumno inventó un paso y Pina lo introdujo en el número) Bellísimo y el más alegre junto con el del agua.
- El inicial, sobre la arena. Maravilloso, con esos cuerpos saliendo de la pantalla, estirados en el suelo sobre la arena….
- Todos los de amor y desamor, especialmente el del exterior en la carretera bajo el tren colgante y el de la pareja en la habitación de cristal.
- El de escalar la montaña. ¡Wow! Maravilloso, sensacional… La música que le acompaña me encanta también y el bailarín, le da una vitalidad pasmosa
- El del único bailarín que creo que es español. Jamás he visto un hombre bailar de una manera tan hermosa ataviado con un vestido de mujer.
- La danza en la calle de la chica rubia del vestido dorado. De una belleza y delicadeza sublime.
- La de la chica ensangrentada. Muy impactante.
- La del hombre que se bajaba los pantalones jajaja. Fue la más graciosa.

Por cierto, es curioso, pero la parte que menos me gustó fue la más larga, la del Cafè Muller. No sé bien por qué, pero lo mejor de esa parte para mí, fue la fantasmagórica aparición de Pina, inundando el escenario con esa fragilidad, sensibilidad, fuerza, elegancia… todo al mismo tiempo, componiendo un baile bellísimo y extraño al mismo tiempo.

Sólo tengo un pero para Wenders y su trabajo, una cosa negativa. La manera de cortar los bailes introduciendo abruptamente las palabras de los bailarines. No sé si es algo intencional o no, pues desconozco la duración de los bailes, no sé si son tan cortos o es que los corta Wenders. Pero me ha dado muchísima rabia estar extasiada observando un baile maravilloso y a los 2 o 3 minutos ¡zas! Me lo cortan. ¡No Wenders! Quería ver más, quería seguir viendo el baile. He tenido constantemente la sensación de que me dejaban a medias. Quería ver más. Cuando más estaba disfrutando de una coreografía ¡zas! Me la cortan otra vez. Eso es lo único negativo que puedo destacar, los constantes y bastante abruptos cortes.

Finalmente, debo alabar la maravillosa B.S.O. Qué piezas más bellas. Además, sorprende que un tipo de baile tan diferente, pueda encajar tan bien con la música. Hay piezas hermosísimas. De hecho, fui de las últimas en abandonar la sala, porque me quedé escuchando la canción de los créditos, que si mal no recuerdo, ya aparecía en el tráiler. Extraordinaria B.S.O.

Desde luego hay que verla en pantalla grande para disfrutarla, pero como he dicho, no es nada convencional y típico. Así que si no tienes un poco de gusto por la danza, por la belleza de los cuerpos en movimiento, ésta no será tu película. Si eres de mente inquieta y te atrae descubrir cosas nuevas, dale una oportunidad. Conocerás a una artista única y diferente a todo lo que hayas podido ver.

No le pudo dar un 10 por ese problemilla de los cortes, pero se merece un 9.

Aquí os dejo una de las canciones más hermosas del documental:

[ame="http://www.youtube.com/watch?v=Si3HJVhnKYk"]http://www.youtube.com/watch?v=Si3HJVhnKYk[/ame]

Y aquí os dejo también algo más sobre Wenders y lo que había visto de él:

Wenders me parece un director interesantísimo. No he visto toda su filmografía, pero lo que he visto me ha encantado. Especialmente "París, Texas" adoro esa película , no creo que por mucho que haga en su vida, pueda volver a alcanzar la grandiosidad de esa película. Por detrás iría seguramente "El cielo sobre Berlín" (qué grande Bruno Ganz ) y le seguiría "Más allá de las nubes" que a pesar de ser bastante irregular, tiene frases, escenas, fotografías, momentos... muy bellos. También he visto "Buena Vista Social Club" y la verdad es que me pareció muy interesante. Ahora tengo pensado ver "El amigo americano", que sorprendentemente todavía no he visto

Pues este finde eh aprovechado para poder ver completa ( siempre la eh tenido pendiente) .
El Resplandor de Kubrick. Peliculon . Imagen sonido , actuacion , en conjunto un sobresaliente.
Lo que mas me molesta , es que deja mucho a la imaginacion . Un poco mas de explicacion podrian dar jeje
Y anoche tube mi revision anual de Terminator . La prueba que con un presupuesto bajo , se puede pasar a la historia

MOISES82 si te gusto mucho el tema del Resplandor y quieres saber mas...,puedes ver aquella pelicula que hicieron para la TV.
es mas fiel al Libro,o eso creo recordar,tiene mas metraje y explica mas cosas,obviamente no es tan excelsa como la Cinematografica,pero para saber mas sobre el argumento y el Lore que creo King esta muy bien.
saludos.

Horns

Into the Abyss - A Tale of Death, a Tale of Life 7/10

Genial documental de Werner Herzog que gira en torno a la sentencia de pena de muerte y de cadena perpetua de dos convictos que en 2001 cometieron un triple homicidio simplemente para robar un coche.

Cuenta con imagenes de archivo de la propia policia de las escenas del crimen, y testimonios tanto de amigos, familiares de los convictos como de las familias de las propias víctimas, además de por supuesto los testimonios de los dos condenados.

Como dato a añadir uno de los condenados fue ejecutado exactamente 8 días después de participar en el documental lo cual hace que su testimonio y la frialdad con la que asume su destino sean francamente perturbadoras, pero sin duda destacaría el del jefe de funcionarios que trabajó durante más de 10 años en el corredor de la muerte, impresiona la metódica descripción de como llevaban a cabo su trabajo.

April apocalypse




La invasión de los ladrones de cuerpos

Cuatro visionados de fin de semana:
El rito, de Mikael Hafström, película sobre exorcismos con un tufo preconciliar que tira de espaldas. Un joven (el sosaina de Colin O’Donoghue) que trabaja en la funeraria de su padre (un Rutger Hauer que vivió mejores tiempos) asume la tradición familiar: los que no valen para enterradores, se han de meter a curas (vaya, que la familia en cuestión es un encanto). Resulta, no obstante, que el muchacho flojea en eso de la fe, tiene demasiadas dudas, aunque, eso sí, aguanta los cuatro años de estudios como si nada. Finalizada la formación, cuando plantea al tutor que no piensa tomar los votos, este le sugiere una alternativa, la que se le ocurriría a cualquiera en su lugar: que haga un curso de exorcista en Roma, como si de un Erasmus se tratara. El chico lía el petate y se marcha a la Ciudad Eterna. Allí, a las primeras de cambio, entra en contacto con un exorcista veterano (Anthony Hopkins), que lleva una vida solitaria rodeado de gatos (porque “en Roma hay muchos gatos”), y que tiene una clientela fija con la que realiza exorcismos a ratos perdidos (porque de demonios, haberlos, haylos). A partir de aquí, todo resulta muy previsible, con un argumento que parece un queso Emmental: evidentemente, el joven seminarista tendrá que enfrentarse al diablo y de esa lucha saldrá reconciliado con su fe católica, apostólica y, nunca mejor dicho, romana. Lamentable. Da grima ver a Hopkins protagonizando este film con el piloto automático.

La última llamada, de Brad Anderson. Anderson es uno de esos directores que en su día dirigieron un film más que estimable (en su caso, Session 9) y que después van acumulando decepción tras decepción. La película en cuestión es una variante más del psicópata asesino, que se dedica a raptar y asesinar jóvenes muchachas de aspecto similar debido a un hecho traumático, o sea, en la línea tan imitada de El silencio de los corderos, sustituyendo aquí la agente del FBI por una aguerrida operadora del 911 [sic] (Halle Berry) y la voluntad de transformarse en mujer por el deseo de recuperar una hermana muerta (detalle necrófilo e incestuoso poco desarrollado). Guion bastante inverosímil, realizado con un estilo televisivo en el mal sentido de la palabra (parece un episodio de Mentes criminales o similar), del cual lo único positivo que se puede decir es que es breve y que al menos tiene un ritmo aceptable, con lo cual se puede pasar una tarde calurosa delante del televisor si uno no está para muchas exigencias.

Nightcrawler, de Dan Gilroy, retrata el mundo de los carroñeros de la noche (esos nightcrawlers del título), los pseudoperiodistas que se dedican a buscar la noticia sensacionalista siempre y cuando permita ofrecer un primer plano sangriento: accidentes, asesinatos, violaciones, lo que sea mientras incluya unos segundos lo suficientemente gores como para que se disparen los índices de audiencia. El carroñero protagonista es un arribista a la vieja usanza que pasa de cometer pequeñas raterías a aprender el negocio de la pornografía informativa y a ascender dentro del mundillo, o sea, lo que hoy en día se considera un emprendedor de éxito, sin escrúpulos y sin la más mínima empatía respecto a las víctimas. Extraordinaria interpretación (una más) de Jake Gyllenhaal al servicio de un film de tesis, quizá demasiado evidente, y que, a mi modo de ver, se queda algo corto a la hora de desarrollar un argumento con mucho potencial. La interpretación de Gyllenhaal está muy por encima del resultado final del film, que hubiera agradecido un retrato de los personajes secundarios algo más trabajado.

Mr.Turner, de Mike Leigh, la mejor del lote. Film que puede sorprender de entrada a los seguidores de Leigh, porque en esta ocasión nos propone un retrato de época del célebre pintor británico del siglo XIX. Personaje atrabiliario, misterioso, hosco, Turner se nos muestra en su intimidad, en sus peculiares relaciones familiares y amorosas (si es que en su caso se puede utilizar este adjetivo), y a la vez su maestría revolucionaria a la hora de plasmar en sus cuadros un mundo hecho fundamentalmente de luz y color (impresiona sus “last words”: “the sun is god”). Imprescindible para cualquier admirador de la obra de Turner y para quien guste de la cinematografía de Leigh, de su forma pausada y compleja de trabajar con sus actores (aquí todos excelentes, pero merece mención especial Timothy Spall, inmenso). Una advertencia: son dos horas y media, o sea que hay que tomárselo con calma.

Cleo de 5 a 7.........................9/10
Hasta el momento, es la mejor película de la Novelle Vague que he visto. Trata sobre una mujer burguesa que aparentemente lo tiene todo pero conoce la posibilidad de que padezca cáncer, en la película seguimos a la protagonista de 5 a 7 por las calles de Paris hasta el hospital para los resultados del análisis. Está rodada de forma impecable y con una fotografía blanco y negro memorable.

Contiene un divertido cameo de Jean-Luc Godard y Anna Karina lo que le añade, desde mi punto de vista, mayor valor dentro del movimiento de la Novelle Vague.

Me parece divertido que conste de capítulos tipo: Capítulo 3, de 5.08 a 5.16

El Rito es una pelicula que en general decepciono mucho,con un tema como el de los exorcismos y un Actor como Hopkins uno se espera una pelicula muy diferente.
Nightcrawler si me gusto bastante,tampoco esperaba nada de ella,ni sabia de que va,y me sorprendio,el protagonista no es precisamente lo que estamos acostumbrados a ver y eso a dia de hoy ya es mucho decir desde mi punto de vista.
he podido ver Desconexión,me gusto mucho,un Dramon bien construido.
saludos.

Quinta entrega del ciclo cristiano: Rasputín, el monje loco.

Esta misma la comenté hace no mucho en este mismo hilo y como estoy cansada y es tarde, no me explayaré mucho.

Viene a ser algo así como la versión de la Hammer a películas históricas de moda en los años sesenta, como Guerra y Paz o Nicolás y Alejandra. Con el toque Hammer, éso sí.

Algo tiene la Rusia del siglo XIX-principios del XX, que resulta muy atractivo para los cineastas (y también para mí). Acaso sean los amplios paisajes, el pintoresquismo de las costumbres de ese país entre Asia y Europa, su agitada historia, sus contrastes o su folclore. Pienso ahora en Anna Karenina, en Los hermanos Karamazov, La dama de picas...y surgen en mi mente un montón de imágenes evocadoras. Acaso, sin embargo, esto no pase con este Rasputín de la Hammer: probablemente a ello se deben su ajustadísimo presupuesto (decorados reaprovechados de Drácula y El Fantasma de la Ópera, lo que hace que el mismo exterior de castillo sirva tanto para el palacio real ruso como la residencia de uno de los conspiradores) y una escritura de guión muy ajustada, que deja muy borrosos la mayor parte de los hechos históricos del momento y vuelve las ansias de poder de Rasputín en un vulgar deseo de emborracharse e irse de putas. Además, según parece había habido problemas legales con algunas de las versiones previas de la película (concretamente con la de los hermanos Barrymore), lo que hizo que los autores de este Rasputín lo enfocaran como un entretenimiento más bien ligero, sin muchas pretensiones de historicidad, pese a lo cual, parece que tuvieron que suprimir varias cosas de la historia para contentar a los descendientes del príncipe Yusupov, quien había estado muy implicado en la historia del verdadero Rasputín. Con todo, esta película es quizá uno de los títulos más originales y menos conocidos de todo el repertorio hammeriano: una especie de drama histórico con elementos de terror, a pesar de que el elemento sobrenatural está más bien ausente. Rodada de una forma casi tan estilizada y fantástica como cualquiera de las películas de Drácula o Sherlock Holmes. La escena, por ejemplo, en que la aburrida aristócrata Sonia se escapa del baile de sociedad con tres amigos suyos (creo que son los mismos cuatro sinsorgos que se meten en problemas de los gordos al visitar, contra todo consejo, el castillo de Drácula en Drácula príncipe de las tinieblas) se va a la taberna donde conoce a Rasputín y éste baila frenéticamente a su alrededor mientras la chica se emborracha, es hipnótica, de lo mejor visto en una peli de la Hammer.

Muchos grandes actores han interpretado a Rasputín, ese turbio y controvertido personaje. He mencionado ya Lionel Barrymore; también lo hizo Conrad Veidt (desgraciadamente no he podido ver ninguna de estas dos versiones) y Tom Baker, quizá el más ajustado al original (pongo un par de hilos que he repescado al respecto por si le pudieran ser de interés a alguien: https://www.mundodvd.com/peliculas-rasputin-86509/ y https://www.mundodvd.com/leonardo-di...r-bros-110896/). Lee no se queda atrás. Lástima que el guión no profundice demasiado en la época ni en el trasfondo, y acabe por transformar a Rasputín, al igual que hizo con Drácula, en un vulgar chuloputas que ejerce una singular atracción en el género femenino, al que acaba por usar como instrumentos para extender su maléfica influencia, y que se pasa el resto del tiempo entregado a su segundo pasatiempo preferido: empinar el codo (aunque sospecho que el Rasputín histórico no debía de andar muy lejos ). Alto, potente, con una poblada barba, una copiosa cabellera, su grave y profunda voz característica, sin embargo, pasa con una facilidad pasmosa (y convincente) de lo cachondo (atención al los bailecitos que se marca en varios momentos de la película y a la frescura con que vacía botellas sin arrugarse) a lo terrorífico (esa escena final con Rasputin, vestido de rojo, los pelos revueltos, inyectados en sangre los ojos...Drácula no daba tanto miedo ). No sabes si este tipo es una especie de iluminado extraño con alguna clase de extraño poder o un endemoniado. Según parece, dado su interés por la historia, Lee puso un gran empeño en hacer esta película y se documentó mucho sobre la figura de Rasputín y su época:

Spoiler:

según parece, hasta se informó de los efectos del cianuro en el organismo humano para hacer la escena de la muerte de Rasputín lo más realista posible

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Resumiendo: a pesar de exceso de cartón piedra e interiores, de la poca fidelidad histórica y de la excesiva draculización de Rasputín, estamos ante una de las películas más interesantes y originales del repertorio hammeriano. Si les gusta el cine de la H gótica no se la pierdan. Y si les gustan las películas del amigo Cristóbal, tampoco. Y si les gusta la Rusia del siglo XIX-XX, tampoco. Y si les gusta el cine entretenido, tampoco.

Locke (Steven Knight, 2013): peculiar película con única localización, en este caso el interior de un vehículo. Mantiene el interés, pero peca de unos planos demasiado reiterativos, un montaje rutinario y una fotografía experimental (desafortunado abuso de reflejos y luz nocturna). Tom Hardy salva una película del montón que ha sido excesivamente aplaudida a mi parecer.

Bienvenidos al norte (Dany Boon , 2008): antes de "Ocho apellidos vascos" esta película ya reventó las taquillas de su país (Francia). El que espere humor salvaje aquí va ha encontrar una comedieta políticamente correcta y actores que parecen bufones. No apta para los que busquen ingenio y crítica soterrada.

Tengo que ver esta de Rasputin el monje loco,estoy seguro de que la vi por Television de crio,
aunque podria ser otra version,hace demasiados años.

Recien vista The Search,me parecio una gran pelicula,vaya Odisea vive este niño,y esto es solo una brizna en lo que la realidad es.
varias historias,la de un niño que escapa de la guerra entregando a su hermano pequeño por miedo a no poder cuidarlo,
una hermana que busca a sus hermanos tras sobrevivir a la ejecucion mas cruenta imaginable de sus padres,
un muchacho que pierde toda su humanidad por verse metido d ela forma mas absurda en una absurda guerra,
y alguna mas,
muy buena pelicula,abstenerse personas en temporada de depresion,es de esas peliculas que te hace pensar que la humanidad es un Fail.
muy bien rodada,escenas muy duras que parecen rodadas en las mismas zonas del conflicto.
saludos.

Nightcrawler




El doblaje me ha parecido especialmente malo

Hola a tod@s.
Da Sweet Blood of Jesus,Vampiros Afroamericanos,
es una pelicula diferente desde luego,la BSO es preciosa,por momentos se escucha un Track con un Piano que es puro preciosismo en plan Yann Tiersen.
la verdad es que a mi no me ha terminado de gustar,tampoco se me ha echo pesada,pero no termina de entrar en el genero de Terror ni por asomo,y cuando uno se pone a ver una pelicula sobre Vampiros
"por muy afroamericanos que sean"espera un poco de Terror,
tiene alguna sorpresa,pero enseguida la trama se dirige por otros derroteros apartandose de ese punto que parecia seria interesante como cuando

Spoiler:

el protagonista descubre que al crear una nueva Vampira provoco que esta se alimentara de su Bebe causando una abobinacion¿o quiza causando la muerte del Bebe?,no lo sabemos ya que no nos lo muestran,lejos de eso el protagonista se va a cantar a la iglesia...

recomendada para quienes crean que hay que ver todo por ser de cierto director...,o para quienes gusten de este cine tan especial,
no esta mal y tiene imagenes muy preciosistas,preciosos paisajes entre Mar y montaña muy a lo Casa de Arena y Niebla.
saludos.

La última película que ví en casa fue... Tierra Prometida 8/10

http://www.filmaffinity.com/es/film399710.html

Protagonizada por Matt Damon (El indomable Will Hunting) y Frances McDormand (Fargo).

Cuenta la historia de un equipo de expertos que se instalan en un pequeño pueblecito con la intención de comprar los derechos de perforación a los propietarios de las tierras, casi todos agricultores y ganaderos.

A pesar de la crisis económica, los vecinos del pueblo se muestran contrarios en un principio, y más tarde se complicarían aun más las cosas cuando una ONG se entera del proyecto.
Tras el fracaso de intentar convencer a los vecinos de los beneficios de perforar sus tierras, todo cambia cuando se enteran que todo ha sido una estrategia de la multinacional para la que trabajan.

Una historia muy bien argumentada, con un desenlace que invita a pensar...
Por contra quizás el final es demasiado acelerado y esperado, una vez descubierta la trampa.

En cualquier caso, 100% RECOMENDABLE.

Nymphlight (Joseph Cornell, 1957)

Siete minutos y medio de pura delicia silente.

Hola a tod@s.
Creep,una de estas peliculas de Terror camara en mano,
un Camara es contratado por un extraño para filmar su vida por un dia,
no quiero Spoilearos,no e suna gran pelicula pero tiene su punto,en el mundo hay gente buena y gente mala,
tambien hay gente MUY buena y gente MUY mala y es en esa mezcla donde esta la magia ,
si quereis conocer a Aaron una de esas buenas personas y a Jossef echadle un vistazo,esta entretenida tiene momentos tensos de esos que hacen que te digas

"yo no haria eso...,vete no seas tonto...,pero dale una patada en los cojones tioooooo!!!",

ademas de un final bastante inquietante,por lo demas pues ya sabeis...tipica pelicula de ver todo el tiempo todo a traves de la carara...un royo.
entretenida y para mi gusto sale de la media en cuanto a peliculas filmadas de esta forma,
saludos.

Lucy, de Luc Besson, impactao me ha dejao
No se si es una obra maestra absoluta o la tomadura de pelo del siglo
Tiene algunas escenas en las que me he sentido identificado con Matías

Spoiler:

Por momentos me ha parecido una comedia al estilo de agarralo como puedas por lo absurdo,ridículo e inesperado de algunas situaciones

Yo creo que la droga que la hacían pasar a la scarlett es la que le sobró a los guionistas

Y tiene cosas de 2001,de kubrik

Con todo este coctel es una película bastante divertida y entretenida y la scarlett está muy bien (y eso que no es de mis favoritas)

Algunas películas vistas estos últimos días:

A propósito de Llewyn Davis, de los hermanos Coen. Retrato de los ambientes del Greenwich Village de principios de los 60 a través de la mirada de un cantante de folk bastante poco afortunado, que vive traumatizado por el suicidio de su compañero musical. Al muchacho (Oscar Isaac) todo le sale mal, profesionalmente y personalmente, incluida su vida sentimental, o sea una especie de Calimero, un lastimero cenizo. Mezcla de drama y comedia, algo reiterativa, cuenta con una aparición estelar de John Goodman, lo mejor de la función.

La chispa de la vida, de Álex de la Iglesia, nueva confirmación de que los guiones son el talón de Aquiles del director vasco. En esta ocasión, además, ni la realización (tópica y poco inspirada) ni las interpretaciones salvan la función (se da la alternativa a José Mota, nada acertado, y se cuenta con una Salma Hayek completamente despistada; sólo se salva algún secundario más puesto en su papel, como Fernando Tejero). Un publicista en paro (el autor del célebre eslogan “la chispa de la vida”) sufre un accidente en el teatro romano de Cartagena, quedando inmovilizado a causa de un hierro que se le clava en el cerebro. A partir de aquí, se pone en marcha el previsible circo mediático que ya en su día plasmó magistralmente Billy Wilder en El gran carnaval (en este caso vale aquello de que las comparaciones son odiosas). A destacar que los personajes se desplazan de Madrid a Cartagena (más de 400 km) como si de desplazarse en metro de Sol a Nuevos Ministerios se tratase. De risa.

Chloe, de Atom Egoyan, que hace años que dejó de ser un director interesante. Una ginecóloga (Julianne Moore) sospecha que su marido, profesor universitario (que ya se sabe que están siempre prestos a enrollarse con sus alumnas), la engaña. Para ponerlo a prueba contrata los servicios de una joven prostituta que se ha cruzado en su vida de un modo un tanto sospechoso (para todo el mundo menos, al parecer, para ella), encarnada por Amanda Seyfried. El punto de partida podría tener cierto interés, pero pronto se malogra todo cuando el film se inclina hace la variante “atracción fatal”, repetida ad nauseam desde el ya lejano éxito del film de Adrian Lyne. Que en este caso haya ciertas inversiones de género no es más que una concesión a los tiempos actuales. El desenlace, de pena.

La vida de David Gale, de Alan Parker. Y seguimos con profesores universitarios supuestamente tentados por jóvenes estudiantes. En este caso, la broma le sale cara al personaje que encarna Kevin Spacey, el David Gale del título. Es acusado de violación y, a pesar de evitar la prisión, su vida queda arruinada. Cae en el alcoholismo y se centra en la defensa de la abolición de la pena de muerte en Texas, en compañía de su amiga Constance (Laura Linney). Pero Constance aparece muerta y todas las sospechas recaen sobre él. Todo esto nos lo cuenta ya desde el corredor de la muerte, a donde se desplaza la intrépida periodista Bitsey (Kate Winslet) para entrevistarlo durante los tres días anteriores a su ejecución. Por supuesto el personaje no es tan culpable como parecía; por supuesto que Bitsey descubrirá algo que lo podría exculpar, con lo que ya tenemos las típicas carreras contra reloj para detener la ejecución. Y no digo más para no chafarle el desenlace a un posible espectador. Aunque advierto que hay diversas piruetas finales que, como también es de rigor, pretenden sorprender al espectador (aunque creo que no lo conseguirá en demasiados casos). La dirección de Parker es algo más sobria de lo habitual, pero en general se trata de un film perfectamente olvidable.

Y acabo con El último de los injustos, de Claude Lanzmann. Para quien haya visto Shoah no hacen falta muchas aclaraciones: sobrio documental-entrevista (de más de tres horas y media) con Benjamin Murmelstein, quien fuera presidente del Consejo Judío de Theresienstadt, el campo de concentración nazi cercano a Praga, que se utilizó como escaparate ante organizaciones internacionales como la Cruz Roja. Al parecer, Murmelstein fue el único de estos presidentes que sobrevivió a la guerra. La entrevista se realizó en la década de los 70, pero no fue hasta el 2013 que Lanzmann se decidió a completar el documental. Imprescindible para quien sienta la necesidad de saber más después de ver Shoah. No obstante, si no se ha visto Shoah, yo creo que es preferible empezar por verla (con sus más de 9 horas) antes de acercarse a este nuevo documental.