Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Terrifier:

La vi hace menos de un año por una web indecentemente y la acabo de ver en el blu-ray americano de la edición steelbook. La película es un slasher sin mayores pretensiones que rendir homenaje a un género denostado y explotado en clásicos personajes killers. Sin aportar nada nuevo al género, le rinde homenaje mostrando lo mejor de este: un psycko-killer con una estética espeluznante y aterradora, secuencias al más puro estilo “set-pieces” de víctima y asesino jugando al ratón y el gato, muertes vistosas y originales y litros de sangre de caramelo por un tubo. Es un digno entretenimiento y no se le puede pedir mucho más. Las prótesis y efectos de maquillaje son bastante decentes para ser una película de escaso presupuesto. Esto se nota bastante en que casi toda la acción se desarrolla en una fábrica antigua .

Lo mejor: destila amor y respeto por el slasher haciéndole homenaje.
Lo peor: casi toda la acción se desarrolla en una localización (fábrica abandonada) y las ¿actrices? parecen salidas de un programa de tele realidad.

Mi puntuecion para este film es de un 6 por pertenecer a un género slasher, por ser una película que no inventa nada nuevo pero copia la fórmula y entrega un producto más que aceptable.

PD: ¡Quiero un funko del payaso!

Vista hoy Tierra firme, de Carlos Marqués-Marcet, vista por múltiples motivos que a la vez son uno mismo: hace un par de semanas vi Estiu 1993, debido a que sale David Verdaguer recordé que tenía pendiente 10.000 km, y al ver esta recordé que tanto Verdaguer, como Natalia Tena salen en Tierra firme, del mismo director, y donde sale otra que me cae muy bien, Oona Chaplin. A mi es que lo de la gente casi 100% bilingüe (sobre todo debido a nacimiento por un lado y padres por otro) me tira.

Tena es inglesa y de padres españoles así que su idioma principal es el inglés pero tiene un acento curioso (ella misma lo dice). Habla bien el español pero no como el inglés. Chaplin es española, caso inverso, pero a ella el inglés se le nota mucho menos que a Tena aunque, prestando atención pues... Un poquito. Pero poco. Luego ya está Dafne Keen que ni en inglés suena 100% inglesa, idem en español, le sucede algo muy raro, como si le restara un 1% para ser ambos. En su caso aprendió y utiliza/utilizó ambos al mismo tiempo así que debe tener una leve contaminación.

Tierra firme presenta una premisa que suele caer en el lado de comedias románticas: pareja lesbiana y tipo por el medio. Pero en este caso no es comedia (aunque no es del todo seria gracias a Verdaguer). Ellas son una pareja que vive en un barco en Londres y él un amigo muy íntimo de una de ellas. La otra quiere tener hijos y propone que él ejerza de donante.

Me ha gustado pero tampoco creo que sea nada especial. Le falta garra, emoción, algo concreto que contar. Me quedo con la química de todos, la de las Chaplin (sale su madre también) porque son madre e hija en la vida real, la de Chaplin y Tena como pareja y sobre todo la de Tena y Verdaguer que te los crees como pareja en 10.000 km y como amigos íntimos en Tierra firme. Y además, claro, su conexión viene de Barcelona. Tena cambia de idioma cuando habla con su pareja y cuando habla con él, aprovechando la película esa dualidad que comentaba, mientras que Chaplin, claro, simula que sólo habla inglés, y él pues se defiende en inglés. No al nivel que debería de ser ya obligatorio en un tipo joven para dejar de ser como somos en este país (suelto esto aquí a mitad de tocho ) pero bueno.

Huele a que algunos fragmentos, especialmente al inicio, con Verdaguer y Tena han sido objeto de alguna improvisación (a lo mejor no, eh) como ya sucedió en 10.000 km. Verdaguer hace de... Bueno, similar al de 10.000 km, y a la vez similar a como es el actor. Tena no, ella está muy distinta

Londres, o lo poco que sale, sale a lo Misfits: zona gris, feaca.

Zombeavers (Castores zombies) (2014)..................................... 6
















Cuando crees que lo has visto todo...
Mi comentario:


Hacía años que tenía pendiente de ver esta película y hoy ha sido el día. Me ha parecido una interesante serie B con muchos toques bizarros desde el primer minuto, tres chicas guapas y la mar de llamativas (Rachel Melvin, Cortney Palm y Lexi Atkins), y se nota que no se toma en serio a sí misma. Yo diría que es todo lo contrario, y eso está bien. Risas y suspense, aunque, ya lo veréis, no es para todos los públicos. Tiene una duración, para mi gusto, ideal, corta y directa al grano. No os comerá mucho de vuestro tiempo, sobretodo si la disfrutáis como yo lo he hecho. Mi nota final es de 6/10.

Rose




Rose y Sam viven en un lugar recóndito,ella está enferma.Ese aislamiento cambiará con la llegada de una joven.

Jennifer Sheridan ofrece una primera peli discreta no exenta de interés ambientada en parajes naturales y despertando la curiosidad del espectador.

Algo inusual sucede, pero qué es?¿

Sam es extremadamente precavido hay un ritual de seguridad en la casa,escasa iluminación...

La peli incide en el amor incondicional de la pareja a pesar de las circunstancias extraordinarias en que se encuentran.Es un debut irregular que me ha mantenido interesada ...a pesar de sus tambaleos.

Intima,con guiños a epidemias y sutil terror aunque Déu n'hi do el final.Combo total:

6.7/10

Esperando a que me llegue esta semana el paquete Wong Kar-Wai (al que, por cierto, Dirigido por... le dedicó un estudio en su número 375 (febrero 2008)) y que reconozco va a ser toda una sorpresa pues del mismo sólo he visto DESEANDO AMAR (y que en el nº 500 (junio 2019) de la citada revista ocupó el 2º lugar en el listado de mejores películas extranjeras del siglo XXI (2000-2018)).



A ver si por extensión reactivo el ciclo de cine clásico japonés del que sólo he podido entregar un par de comentarios (PRIMAVERA TARDÍA (1949), de Ozu y RASHOMON (1950), de Kurosawa) dado que ya tengo acumulado un buen montón de títulos que he ido adquiriendo here, there and everywhere (en el caso de Ozu, en la tienda del BFI de Londres).

Igualmente tengo ganas de hincar el diente a la obra más o menos completa de Zhang Yimou.

Sin prisa pero sin pausa.

Iniciado por Alcaudón

Igualmente tengo ganas de hincar el diente a la obra más o menos completa de Zhang Yimou.

Yimou me gustó mucho en sus inicios (Sorgo rojo, Ju Dou, La linterna roja), a lo cual no era ajeno la presencia radiante de la bellísima Gong Li, pero mucho menos en sus últimos tiempos.



Hablando de directores chinos, ayer vi Largo viaje hacia la noche (Diqiu zuihou de yewan), pero no la comentaré, porque primero tendría que entenderla, y para ello volverla a ver. Teniendo en cuenta que dura 138 minutos, de momento no lo haré. Eso sí, toda la segunda parte del film, una hora, es un espectacular plano secuencia, prodigioso desde el punto de vista formal (que creo que se filmó en 3D, aunque eso no se aprecia en su pase televisivo).

Tres biopics musicales (comentarios dedicados a tomaszapa, al menos los dos primeros ):

Love & Mercy (2014), de Bill Pohlad



Bill Pohland, con guion de Over Moverman (autor del guion del sugerente film de Todd Haynes dedicado a Bod Dylan, I’m Not There) y Michael Alan Lerner, dedica su segundo largometraje (el anterior es de 1990, o sea no estamos ante un director prolífico, aunque como productor ha participado en numerosos films, entre otros The Tree of Life, de Malick, o Brokeback Mountain, de Ang Lee) a un personaje singular: Brian Wilson, líder y compositor de The Beach Boys.

La atribulada vida de Brian Wilson, desde luego, da para una película y para dos. Y Pohland nos la cuenta, precisamente, en dos etapas: la primera, la exitosa de “los chicos de la playa”, aunque ya en aquel momento Brian (Paul Dano, que no solo interpreta el personaje con solvencia, sino que además canta varias de las canciones del grupo, lo que tiene su mérito) empieza a mostrarse como un maniático del sonido, acentuado por sus problemas auditivos (al parecer, a consecuencia de los mamporros que le propinó su padre durante la infancia). Su extremado perfeccionismo llega al límite con el mítico “Pet Sounds”, disco que, según muchas opiniones, incluidas las de algunos de los compañeros del grupo y de su inefable padre, estaba condenado al fracaso, pero que se convirtió en uno de los discos más valorados de la música pop.


Pero después del éxito, sus nuevas obsesiones musicales, que convertían las sesiones de grabación en tour de force inacabables, una tortura para sus colegas, acabaron con el grupo y con sus nervios. De aquellas sesiones frustradas surgió años después la que se considera obra maestra de Wilson: “Smile”, publicado el 2004.



Pero, antes, Wilson vivió un calvario, un infierno particular del que, según la película, fue en buena parte responsable el Dr. Eugene Landy (Paul Giamatti), el villano de la función, que lo tuvo controlado y esclavizado durante años, bajo el pretexto de un falso diagnóstico de esquizofrenia paranoide. Por suerte, aparece en su vida Melinda (Elizabeth Banks), una vendedora de Cadillacs, de la que se enamora y que le ayudará de salir del pozo. La gracia de la propuesta, quizá influida por Moverman, que ya propuso algo similar en I’m Not There, es que este segundo Wilson está interpretado por otro actor, John Cusack, también magnífico, en un papel difícil, que nos muestra muchas de las excentricidades del músico. Al final del film, en cierto modo un “happy ending”, vemos unas imágenes del auténtico Brian Wilson. Si bien no se trata de un gran film, transmite suficientes “good vibrations” como para darle una oportunidad, especialmente si se es un fan de The Beach Boys.

Tina (What's Love Got to Do with It, 1993), de Brian Gibson)



A diferencia del anterior film, este biopic de Tina Turner (Angela Bassett) resulta decididamente hagiográfico, sin matices, no se nos muestra más que una cara de la cantante: la de la sufrida muchacha, abandonada por su madre, que pasa de cantar en el coro de la iglesia a dejar boquiabiertos a los espectadores de un club de St. Louis y, en especial, a Ike Turner (Laurence Fishburne), que la captará para su grupo, la hará su esposa y controlará su vida durante años. De los primeros momentos de éxito pasamos al infierno de la violencia conyugal, que se incrementa con los años: control económico y profesional, chantaje emocional, golpes constantes, violaciones… Ike es el villano de la función, un auténtico hijo de puta, cuya actitud se agrava como consecuencia de las drogas. Un martirologio que cubre la casi totalidad del film, hasta que, al final, Tina decide romper con su marido e iniciar una carrera en solitario. La película acaba en el escenario: mientras “canta” el tema que da título al film, “What's Love Got to Do with It”, Angela Bassett (en una esforzada interpretación, aunque fue doblada en las canciones por la propia Tina) da paso, por corte, a la auténtica cantante, en un guiño final que encaja perfectamente con el tono del film, incondicionalmente al lado de la cantante. De hecho, el guion parte del libro de la propia Tina “I, Tina: My Life Story”.

El bailarín (The White Crow, 2018), de Ralph Fiennes



Completo estos biopics musicales con un notable cambio de género. Del pop, del rock o del rhythm and blues pasamos al ballet clásico, con una de las figuras más populares del siglo XX en este arte: Rudolf Nureyev (interpretado por el bailarín ucraniano Oleg Ivenko), ese “white crow” del título original (que tiene el significado de personaje que no encaja con lo establecido, que rompe moldes, un inadaptado).

Al parecer, se trata de un proyecto personal de Ralph Fiennes, con guion del prestigioso dramaturgo, guionista y director David Hare, del que recordamos sin duda su participación en The Hours, de Stephen Daldry. Se nota la presencia de Hare, porque el film, que se divide en tres fases que se van alternando, muestra una sólida estructura argumental. Por un lado, nos habla de la infancia de Rudolf, nacido en 1938 en un tren. También de su aprendizaje en una escuela de danza de Leningrado, a la que llega a mediados de los 50, donde recibe las enseñanzas del profesor Pushkin (el propio Fiennes, hablando en ruso). Finalmente, el viaje de la compañía de ballet Kirov a París en 1961. Allí, Rudolf respira la libertad que no tiene en la URSS (en otros tiempos, sin duda se hubiera acusado a la película de “anticomunista”), entra en contacto con bailarines franceses y entabla amistad con Clara Saint (Adèle Exarchopoulos, a la que nos hartamos de ver llorar en La vie d’Adèle), joven chilena amiga del ministro de Cultura, André Malraux (había sido la novia de su hijo, muerto en accidente de tráfico). Cuando, ya en el aeropuerto parisino, Nureyev está dispuesto a coger un vuelo para Londres junto al resto de la compañía, los sempiternos guardianes soviéticos le comunican que ha de volver él solo a Moscú, por motivos poco claros, Rudolf intuye que se le va a represaliar por su actitud poco ortodoxa, y decide pedir asilo político, en una secuencia tensa muy bien resuelta. Por lo que respecta a su homosexualidad (Nureyev, desgraciadamente, murió en 1993 a causa del VIH), hay algún apunte (se le ve en la cama con su amigo Teja, interpretado por el alemán Louis Hoffmann), pero el film es muy pudoroso en esta materia.

La película tiene buen pulso, nos permite gozar de momentos de ballet de gran belleza (me declaro ignorante en la materia, no sé si Ivenko tiene el nivel suficiente como para aparentar ser Nureyev, pero en todo caso a mí me ha parecido excelente). Se resiente quizá del carácter hosco, en ocasiones profundamente antipático del personaje (en este sentido, bien servido por el actor), aunque según leo el auténtico Nureyev tenía un carácter bastante insoportable. Como mérito adicional, Fiennes muestra una acusada sensibilidad lingüística, no solo por interpretar su personaje en el idioma que corresponde, sino también por mantener un mesurado y justificado equilibrio entre el ruso (Ivenko es ucraniano y, se comenta, tuvo que mejorar su ruso para el film), el inglés y el francés, cosa que, lógicamente, solo se puede apreciar en la versión original (no sé cómo se presenta en la versión doblada, pero me temo lo peor). Sin ser una gran película, me parece un film interesante, realizado con corrección.

Gracias, mad dog, por la dedicatoria cinematográfica y musical. Ambas, las dos primeras, las vi hace mucho tiempo. Sobre todo, la de Tina, cuyos actores estaban soberbios (ambos, Fishburne y Bassett, recibieron nominaciones en la categoría de intérprete principal). Ella recibió además un Globo de Oro como mejor actriz de musical o comedia (más por el musical, porque su vida tuvo más de dramática). Por cierto, en la última Gala de los Oscar (esa tan deslucida) apareció guapísima Angela Bassett. Qué bien se conserva. Un pedazo de bellezón.

De Ralph Fiennes como director me gustó mucho esta película...



... que trata de esa "mujer invisible", amante "secreta" de Charles Dickens.

Vista "Saint Maud" (2019)



En verdad no cuenta nada nuevo pero, por otra parte, como ópera prima no es nada desdeñable. He leído críticas en las que se le compara con el terror psicológico de Polanski o Roeg, y ciertamente sí que encuentro ese paralelismo. La protagonista lo hace muy bien, mostrándose muy comedida en un papel con el que hubiera sido muy fácil caer en el histrionismo. Otro punto que se agradece es la duración, en su justa medida y "huyendo" de lo que parece ser una especie de tendencia de alargar el metraje hasta el infinito y más alllá, lo cual en algunos casos funciona, claro está, pero es mucho más habitual que esto acabe resultando un lastre... al menos en mi opinión.

En conclusión, una buena ópera prima, con una trama envuelta en una atmósfera malsana y desasosegante bastante conseguida.

Iniciado por Nina Ivanovna

Vista "Saint Maud" (2019)

https://images2.imgbox.com/f7/94/wM0IVddv_o.jpg

Otro punto que se agradece es la duración, en su justa medida y "huyendo" de lo que parece ser una especie de tendencia de alargar el metraje hasta el infinito y más alllá, lo cual en algunos casos funciona, claro está, pero es mucho más habitual que esto acabe resultando un lastre... al menos en mi opinión.

Totalmente querida Ivanovna todo lo alargaaan pssse,respecto a lo que comentas del referente al cine de Polanski o Roeg.

Rose Glass firma una ópera prima muy potente en lo visual, con la mirada puesta en el cine de terror psicológico de los años 60 y 70. Es por eso que junto al director de fotografía Ben Fordesman decidieron utilizar para la cámara lentes fijas Canon K-35 que se fabricaron en esa época. Eso les sirvió para diseñar una atmósfera estética muy particular que convierte sus imágenes en algo atemporal.
https://noescinetodoloquereluce.com/...-pelicula.html

Por cierto te mando mp por aquí o por el otro rincón.?¿¿¿

Iniciado por Alcaudón

De Ralph Fiennes como director me gustó mucho esta película...



... que trata de esa "mujer invisible", amante "secreta" de Charles Dickens.

Yo le tengo puesto el ojo a la primera película dirigida por Fiennes, Coriolanus, una adaptación de la obra de Shakespeare. La pasaron por AXN, pero con un rótulo molestísimo anunciando otra película... que se mantenía durante todo el metraje. Renuncié a verla en esas condiciones.

THE INVISIBLE WOMAN, que yo tuve oportunidad de ver en pantalla grande y que curiosamente se estrenó con el título original tal cual imagino que para evitar asociarla con una película de corte fantástico (ahí tenemos la excelente EL HOMBRE INVISIBLE (2020), de Leigh Whannell), es una espléndida película y ambos protagonistas, especialmente una celestial Felicity Jones, están magníficos.



Si el visionado de la cinta lo acompañamos con la lectura de uno de los libros de Dickens, como diría la querida amiga hannaben, combo completo.

Iniciado por mad dog earle

Yo le tengo puesto el ojo a la primera película dirigida por Fiennes, Coriolanus, una adaptación de la obra de Shakespeare. La pasaron por AXN, pero con un rótulo molestísimo anunciando otra película... que se mantenía durante todo el metraje. Renuncié a verla en esas condiciones.

El año de esta película, 2011, fue el de explosión de una de sus protagonistas, la estupenda Jessica Chastain, con apariciones estelares en Criadas y señoras, El árbol de la vida o Take shelter.

Dado que me considero un fan irredento de Terrence Malick es ciertamente incomprensible que todavía no haya visto la considerada su magnun opus EL ÁRBOL DE LA VIDA (2011), cosa que espero subsanar en breve dado que recientemente he adquirido la magnífica edición británica de Criterion (que incluye subtítulos en inglés aunque no en castellano).



Ah, y ayer recibí de Avalan el cofre Wong Kai-War, magníficamente protegido en una enorme caja y es una auténtica maravilla.



Sólo faltan de su filmografía ASHES OF TIME (1994) y de la que el propio director ha presentado una nueva versión a lo Coppola titulada ASHES OF TIME REDUX (2008), MY BLUEBERRY NIGHTS (2007) y THE GRANDMASTER (2013). De esta última tengo edición en BD de la mano de Cameo.

Iniciado por Alcaudón

Dado que me considero un fan irredento de Terrence Malick es ciertamente incomprensible que todavía no haya visto la considerada su magnun opus EL ÁRBOL DE LA VIDA (2011), cosa que espero subsanar en breve dado que recientemente he adquirido la magnífica edición británica de Criterion (que incluye subtítulos en inglés aunque no en castellano).

Ya sé que lo que voy a decir será digno de anatema para muchos, pero a mí The Tree of Life no me gustó. A pesar de ello, y por ese prurito típico de cinéfilo completista, tengo en espera, grabadas, To the Wonder, Knight of Cups, Song to Song y A Hidden Life, que espero ver en las próximas semanas. Pero, como me pasa con otros directores de prestigio (los Coen, Tarantino...), las películas de Malick que más me gustan, de las que he visto, son las primeras.

Comparto tu (dis)gusto por los hermanos Coen.

No creo que a estas alturas nadie se rasgue las vestiduras porque no coincidan nuestros respectivos gustos cinéfilos.

De Malick sólo he tenido oportunidad de ver en pantalla grande LA DELGADA LÍNEA ROJA (1998), basada en la novela homónima de James Jones y que tuvo una versión previa de la mano de Andrew Marton (EL ATAQUE DURÓ SIETE DÍAS (1964)) y VIDA OCULTA (2019).

Recientemente vía Amazon UK (antes del Brexit) tuve oportunidad de adquirir en BD EL NUEVO MUNDO (2005), EL ÁRBOL DE LA VIDA (2011) y KNIGHTS OF CUPS (2015).

Y parece que A Contracorriente va a editar VOYAGE OF TIME (2016).

En pantalla grande vi, de estreno, Days of Heaven, que aún me parece, junto a Badlands, su mejor película (de las que he visto). También vi The Thin Red Line, pero ahí empecé a distanciarme de Malick.

Iniciado por mad dog earle

Ya sé que lo que voy a decir será digno de anatema para muchos, pero a mí The Tree of Life no me gustó. A pesar de ello, y por ese prurito típico de cinéfilo completista, tengo en espera, grabadas, To the Wonder, Knight of Cups, Song to Song y A Hidden Life, que espero ver en las próximas semanas. Pero, como me pasa con otros directores de prestigio (los Coen, Tarantino...), las películas de Malick que más me gustan, de las que he visto, son las primeras.

El árbol de la vida es un timo de Malick, una fiesta de pretenciosidad (muy barata) y apología del olor de nubes que no va a ningún sitio. Yo siempre he sido un seguidor muy fan de Malick antes de esa película, pero cuando salí del cine de verla lo hice tan molesto y estafado, que le puse la cruz a Malick y no he vuelto a ver nada suyo; por lo que me ha llegado el "hipsterismo" y la pretenciosidad ha ido en aumento, así que posiblemente he hecho lo correcto. Puede que saque alguna obra maestra posterior, y que yo me la vaya a perder, pero es un claro ejemplo de que a veces, una sola película te marca para siempre... en este caso negativamente.

Iniciado por mad dog earle

En pantalla grande vi, de estreno, Days of Heaven, que aún me parece, junto a Badlands, su mejor película (de las que he visto). También vi The Thin Red Line, pero ahí empecé a distanciarme de Malick.

Esas 3, junto con El nuevo mundo, a pesar de que popularmente no se valora igual (¿Farrell tendrá algo que ver?) son grandísimas películas, y merecedoras de mucho más atención de la que tienen... y eso que ya tienen mucha atención.

A mí lo suce lo mismo con el intocable Stanley Kubrick quien en mi modesta opinión alcanzó su cenit con 2001: UNA ODISEA DEL ESPACIO y a partir de ahí empezó su lento (o no tanto) declive.

Iniciado por Alcaudón

A mí lo suce lo mismo con el intocable Stanley Kubrick quien en mi modesta opinión alcanzó su cenit con 2001: UNA ODISEA DEL ESPACIO y a partir de ahí empezó su lento (o no tanto) declive.

Ya sabes, querido Alcaudón, que en esto discrepamos, sin negar que probablemente 2001: A Space Odissey sea su obra cumbre, pero en mi opinión después siguió realizando grandes films.

Iniciado por mad dog earle

En pantalla grande vi, de estreno, Days of Heaven, que aún me parece, junto a Badlands, su mejor película (de las que he visto). También vi The Thin Red Line, pero ahí empecé a distanciarme de Malick.

Pues yo, por edad en vez de Días del cielo, me llevaron a ver La guerra de los niños, de Parchís. Mucho tiempo después, con los eggs duros, fui a ver de estreno El árbol de la vida. Y a mí me maravilló. Es una película diferente a cualquier otra y me cautivó. Me llenó. De hecho, apenas he visto retazos posteriores de la misma, y sin embargo, la recuerdo en mi mente perfectamente.

Iniciado por mad dog earle

Ya sabes, querido Alcaudón, que en esto discrepamos, sin negar que probablemente 2001: A Space Odissey sea su obra cumbre, pero en mi opinión después siguió realizando grandes films.

Mi recorrido por la filmo de Kubrick fue al contrario. De delante hacia atrás. Y si bien es cierto que, teniendo muchas dudas con 2001, terminó gustándome mucho, tengo que decir que una de mis favoritas es La naranja mecánica. Ese impacto en los sentidos no lo cambio por nada.

Precisamente LA NARANJA MECÁNICA me parece una de las películas de Kubrick que peor ha envejecido.

Y pensar que tres años antes facturó 2001...