Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

La familia Bélier (La Famille Bélier, 2014)........................... 8










Echar a volar




Mi comentario:


Un nuevo visionado es el que le he dado a esta maravilloso film francés de 2014. La califican como una comedia, una comedia familiar, pero en mi opinión lo que yo he visto ha sido un gran melodrama, aunque esté mayormente presente el toque cómico a lo largo de su metraje. Es/y sigue siendo, para mí, el primer largometraje del director Eric Lartigau que veo, al menos en solitario. En 2012 fue uno de los varios directores que hicieron posible la cinta títulada Los infieles con Jean Dujardin, Guillaume Canet, entre otros, a la que ya ni recuerdo. Pues bien, podemos quitarnos el sombrero antes el más que notable trabajo que ha hecho el señor Lartigau tras las cámaras. Me ha encantado el muy buen hacer de todo el reparto, en especial los que interpretan a los padres sordos de la chica protagonita. Actores que no son sordos, ya que los recuerdo de verlos en un film de Dani Boon (el actor y director de Bienvenidos al Norte) titulado Nada que Declarar. Muy divertida, por cierto. En La familia Bélier, como he dicho, hacen de sordos y, en mi opinión, están brillantes y muy realistas. La sorpresa la da, la que fuera por aquel entonces, la joven actriz protagonista y que se llama Louane Emera. Además de saber actuar, canta de maravilla. Un film que consigue llegarte al corazón, al fondo del alma. Sobretodo, en su tramo final que te agarra muy fuerte. Merece mucho la pena, de verdad os lo digo. Mi nota final es de 9/10.

Julia (Julia, 1977), de Fred Zinnemann



Julia es el único film de Zinnemann que vi en su día de estreno. Se habló bastante en su momento de esta película, sobre todo con motivo de la entrega de los Oscar de 1978 (aquí espero que tomaszapa amplíe los datos), puesto que fue nominada a mejor película, mejor director, mejor actriz (Jane Fonda) y a algunas otras nominaciones técnicas (como la de mejor fotografía para el veterano Douglas Slocombe), llevándose el premio en las categorías de mejores actor y actriz de reparto (Jason Robards y Vanessa Redgrave respectivamente) y mejor guion adaptado para Alvin Sargent (guionista “de prestigio” por entonces, ya había sido nominado por Paper Moon en 1974), que trasladó a la pantalla un capítulo del libro de memorias “Pentimento: A Book of Portraits”, de Lillian Hellman, publicado poco antes, en 1973. Al parecer el libro generó cierta controversia, ya que se argumentó que el personaje de Julia era la ficcionalización de la vida de otra mujer,

Revisada más de cuarenta años después, la película me ha parecido un film de qualité, muy propio de los años 70, bien envuelto, pero un tanto insípido. No comprendo esa avalancha de premios, porque, por ejemplo, el papel de Robards no solo es muy breve, sino que además no veo en él ningún mérito especial. Tampoco me parece que Redgrave entregue uno de sus mejores trabajos. Si acaso, puede que el del mejor guion adaptado sea más justo, puesto que la estructura narrativa del film es sólida, aunque desconozco el libro de Hellman. Supongo que parte del éxito del film radica en dos aspectos: por un lado, el ver en pantalla dos personajes tan ligados a la historia de Hollywood como la propia Lillian Hellman (Jane Fonda) y su compañero de entonces (estamos a mediados de los 30), el también escritor Dashiell Hammett (Jason Robards). Además, es otra película ambientada en la Alemania nazi de entreguerras, período que estuvo muy presente durante esos años, desde la contribución de Visconti por medio de La caduta degli dei/The Damned a la celebérrima Cabaret, de Bob Fosse.

La película nos cuenta las peripecias de la intrépida Hellman durante una estancia en Europa, cuando acude a la llamada de su amiga de la infancia, Julia (Redgrave), implicada en la defensa de los represaliados por el nazismo desde una perspectiva socialista. Lillian acepta llevar una importante suma de dinero a Berlín (su contacto en París es Maximilian Schell) para entregarla a su amiga, con la cual Julia y sus compañeros de lucha intentarán liberar a un buen número de prisioneros, muchos de ellos judíos como la propia Lillian.



Lo mejor del film es la ilustración de ese tenso viaje en tren (aunque plagado de inverosimilitudes argumentales), con cierto aroma hitchcockiano, aunque el maestro siempre ha sido difícil de imitar. En paralelo, el film nos recuerda algunos momentos de la juventud de Lillian y Julia, cuando establecieron un fuerte vínculo amistoso (parece sugerirse que ligeramente homoerótico).

El trágico final de la odisea, en especial para Julia, nos deja un regusto amargo, aunque en conjunto me parece un film tan cómodo de ver, como fácil de olvidar. Un dato curioso para cinéfilos: en Julia aparece por primera vez en pantalla grande la gran Meryl Streep (al parecer, Zinnemann la consideró para el papel de Julia, pero, al tratarse de una actriz desconocida entonces, se acabó prefiriendo a Redgrave).

Infierno blanco (Island in the Sky, 1953), de William A. Wellman



Si hace unos días comenté dos films bélicos de Wellman, Story of G.I.Joe y Battleground, ejemplares dentro del género (un género que, como ya dije, nunca me ha atraído demasiado), esta Island in the Sky se inclina más por la aventura, o si se quiere la supervivencia en condiciones extremas. Aunque el contexto histórico es la Segunda Guerra Mundial, el conflicto bélico no tiene ningún especial protagonismo. En este caso se trata de organizar el rescate de la tripulación de un avión desaparecido en una zona canadiense desértica, prácticamente inexplorada.

El piloto del avión es el capitán Dooley (John Wayne, cuya presencia condiciona sin duda el film, rodado para su productora, Wayne-Fellows Productions). Obligado a un aterrizaje forzoso por las inclemencias meteorológicas y la formación de hielo sobre el aparato, Dooley y los otros cuatro tripulantes se ven obligados a sobrevivir, casi sin alimentos, rodeados de nieve y soportando unas temperaturas extremas.



Los integrantes de la operación de rescate, en la que participan diversos aviones (entre los pilotos, encontramos a Andy Devine, James Arness o Lloyd Nolan),



tienen grandes dificultades en localizarlos, aunque, como es de esperar, la película tiene un final feliz, sin que se nos ahorre algún apunte trágico y la consecuente tensión final, cuando los accidentados se encuentra ya al límite de sus fuerzas.

La película me ha parecido demasiado reiterativa en su planificación. Alterna las conversaciones de las tripulaciones que van al rescate (generalmente en planos medios frontales), con planos de los aviones sobrevolando paisajes espectaculares (sin CGI alguno, por supuesto ), y, la parte más interesante (al menos para mí, que tengo un interés por los aviones más bien escaso), las tribulaciones de Dooley y su tripulación.

La película, que interesó a Wellman por motivos obvios (recordemos que participó como piloto en la escuadrilla Lafayette durante la Primera Guerra Mundial y que, además, fue el director de un film clave en el subgénero de aviación como es Wings, además de otros títulos dedicados a la aviación), contó con el asesoramiento de Ernest K. Gann, autor del guion basado en su novela del mismo título (de 1944), él mismo piloto y autor de diversas novelas, como, por ejemplo, “The High and the Mighty” (1953), llevada a la pantalla por el propio Welman al año siguiente de Island in the Sky, también con guion de Gann y protagonizada por John Wayne, de nuevo para la Wayne-Fellows Productions.

Efectivamente, mad dog. Julia, de Fred Zinnemann consiguió 10 nominaciones, nada menos, a los Premios de la Academia. De ellas, cuatro por interpretaciones de actores y actrices. Finalmente, consiguió los dos que comentas, mejor actriz, para una Vanessa Redgrave, que fue la comidilla de la Gala de los Oscar, pues había hecho campaña pro-palestina por un corto que había nominado, denunciando la situación del pueblo palestino. El lobby judío se le echó encima, y aunque finalmente ganó el premio, hubo división de opiniones, en la platea. Pitos y aplausos.



Alvin Sargent, que se llevó el premio a mejor guión adaptado, repetiría tres años después, por adaptar el guión de Gente corriente, la gran triunfadora cinta dirigida por Robert Redford.

En los BAFTA británicos, corrió mejor suerte, si cabe, pues fue elegida como mejor película del año y Jane Fonda, mejor actriz principal (ya había ganado el Globo de Oro).

Con todo, la gran sorpresa de los Oscar de 1977 fue el triunfo de una pequeña película, dirigida por Woody Allen, con apenas 5 nominaciones, llamada Annie Hall. Se llevó a casa 4 premios, incluyendo mejor película, director y actriz principal (Diane Keaton).

Musa


Fallida peli de Balagueró y lástima porque tiene momentos que están bien pero no termina de cuajar...adaptacion de la novela de J C Somoza...con un reparto con actores patrios y extranjeros desaprovechado...empezando por el prota que es un actor endeble para llevar el cotarro.

Pretende una trama impactante y reveladora peero el director se pierde en una pretenciosa historia de musas y poetas que termina olvidando crear suspense. A Balagueró no le ha acompañado la inspiración en esta peli… talento no le falta pero esta vez todo te deja con ganas de más y mejor.Técnicamente cumple.Esperemos que vuelva a hacer algo tan malrrollero como Los sin nombre

No aburre del todo y el
Combo total es un:
6/10

Revisada True Lies. Esta pude verla en su estreno original y, claro, muchas otras veces más en casa. La pondría a la cola de la filmografía de Cameron pero que, claro, ¿cual podría ir sino? Avatar, tal vez, pero el resto ni en broma. Y aún así me parece deliciosa por todo ese concepto de marcarse una comedia de acción a saco, casi burlándose del género (parece dedicada a Michael Bay antes de la llegada del propio Michael Bay). Es todo basto, enorme, los FX son brutales (el uso de miniaturas recuerdan a las dos Terminator) en un momento en el que mezclaban muchas técnicas. Y encima Cameron mete ahí todo eso bajo un guión la mar de certero, y cerrado, con comedia inesperada (joder que nunca había hecho algo así), las subtramas bien relacionadas, un Arnold perfecto en su tempo cómico (aunque ese acento me mata: a veces es que parece salido hace 3 días de Alemania/Austria ), y JC jugando con Lee Curtis como si fuera menos diosa física que Tia Carrere (no olvidamos el momento bikini en Wayne's World) para llevarnos al momento baile donde luce ese cuerpo bendecido por la genética.

Mola ese JC marcándose esto entre T2 y Titanic aunque por ahí tenía ese Spider-Man, la posible T3...

Yo también pude verla con unos colegas, esas Mentiras arriesgadas, de cuando íbamos todas las semanas a ver una peli al América Multicines (hoy inexistente) en la sesión golfa de las 12 de la noche.
Eso lo puede hacer uno cuando tiene 19 o 20 años. Hoy en día, seguramente me hubiera quedado frito a la mitad.

La cuestión es que nos encantó a todos. Y nos sorprendió ese giro fantástico de Arnold y esa presencia extraordinaria de la hija de Janet Leigh, que estaba muy buena, por cierto.
Esa mezcla de géneros y ese tono socarrón en muchas fases, me hacen a mí, ponerla entre las mejores de Cameron.

Ya que la cosa va de Cameron, confieso que es un director del que no me ha dejado satisfecho del todo ninguna de sus propuestas. Esas Mentiras arriesgadas no la he visto, pero el resto, salvo quizá Titanic (será porque soy fan de Kate Winslet)y en menor medida el primer Terminator, no me han gustado, aunque sin duda han tenido un gran éxito e incluyen momentos de gran espectacularidad.

Ah, y esa Muse que comenta hannaben me pareció mala con avaracia. Una pena, porque Balagueró ha demostrado ser capaz de hacer películas mucho más interesantes.

Yo sí tengo que reconocer que tiene algunas películas que, en su momento, me impactaron. Esa, creo que es la virtud mayor de su cine. Titanic (que también vi de estreno con un amigo en el cine), esa comentada de Mentiras arriesgadas, u otras, como Terminator 2, que vimos mi recordado tio Tomás (que en Gloria esté) y yo, en el pase de estreno del plus, o la segunda de Aliens, o cuando compré el BD de Avatar y me quedé con la boca abierta, del espectáculo que había en pantalla.

Seguramente, podía haber hecho más cosas, y diferentes, pero no le voy a reprobar porque ya digo, hay basntates cosas suyas que me agradan mucho.

He visto ¨La chica del tren¨...Las reminiscencias a ¨Gone Girl¨ se pueden encontrar fáccilmente: El género thriller, ciertas similitudes en los personajes, ect.

Es mala por comparación...Y nos da una muestra de donde está el talento, el oficio de director...Los libretos pueden ser parecidos...La chicca del tren más thriller...Pero que más da, ¨Seven¨ es thriller puro.. Se trata de dotar importancia a personajes, atmosfera, ect...En fin, lo mil veces dicho.

El libreto, los actores están bien...Sale Justin Theroux (al que bautizamos después de The leftovers, ¨El triste¨)...Un gran actor que aquí está solvente. Todas las actrices y actores lo están..Lo malo, me repito, es que está mal escrito el guión (le falta 1 año de cimentación) y a la dirección estar míninmamente pensada. Todo demasiado precipitado.

A James Cameron, sin conocerlo, sin haber leído ninguna entrevista de él, 0 datos, lo tengo como el Cristiano Ronaldo del cine, o sea que bueno soy y que guapo soy. Y su filmografía, pues montaña rusa, me gusta su Aliens aunque un peldaño por debajo a la masterpiece original, los dos terminators los tengo que revisionar, pero el primer visionado de juventud fue satisfactorio. Abyss la recuerdo interesante. Las otras pues no me gustan o me irritan, siendo la number one irritable Mentiras arriesgadas, no me hace np gracia y me aburre de tanta acción, prefiero Piraña II. Titanic tengo anticuerpos Winslet, me gusta como actriz, pero sino me gusta la peli donde actúa, tampoco se salva. La eterna hipotetica franquicia de Avatar, esperando mucho más de su primera parte, tengo 0 ganas de seguir con el franquiciado, como más se demoren mejor, más espacio para otros contenidos en las revistas de cine.

Anoche puse una grabación del i-plus, de hace unos meses.

Se trata de Vivarium, de Lorcan Finnegan.
Estamos ante un thriller de ciencia ficción, pero con toques de comedia y de terror. Una mezcolanza que no siempre sale bien parada.



Imogen Poots (que aparece en la muy recomendable El Padre, que le ha valido el Oscar a Hopkins este año) y Jesse Eissenberg (que todos sabemos quién es) interpretan correctamente, a una pareja de jóvenes deseando iniciar su vida como tortolitos en una nueva casa.
Cuando parece que se les echa el tiempo encima, encuentran una oportunidad. Una casa mona, pero rara, en una zona indeterminada, alejada del mundanal ruido. Aunque no saben en realidad, cuánto de alejada.

La película tiene algunas ideas y escenas efectivas, bien pensadas. Pero poco a poco, ronda por el "nido del cuco" una sensación de pesadez, aburrimiento, etc...que va deteriorando lo poquito bueno que tiene el film.

Como idea de lo que es la vida, sobre todo, en la familia, en el hacerse mayor, etc... y en lo que puede resumirse, queda bien. Pero el desarrollo de esa idea, deja mucho que desear.
En mi caso, es para ver, por esas cositas interesantes, pero desde luego es de las que tacharé de la lista de "compras".

Iniciado por tomaszapa

La película tiene algunas ideas y escenas efectivas, bien pensadas. Pero poco a poco, ronda por el "nido del cuco" una sensación de pesadez, aburrimiento, etc...que va deteriorando lo poquito bueno que tiene el film.

Como idea de lo que es la vida, sobre todo, en la familia, en el hacerse mayor, etc... y en lo que puede resumirse, queda bien. Pero el desarrollo de esa idea, deja mucho que desear.
En mi caso, es para ver, por esas cositas interesantes, pero desde luego es de las que tacharé de la lista de "compras".

De acuerdo al cien por cien (¡qué cosas! ). Me pareció un episodio de The Twilight Zone demasiado alargado.

Iniciado por mad dog earle

De acuerdo al cien por cien (¡qué cosas! ). Me pareció un episodio de The Twilight Zone demasiado alargado.

Y esto de estar de acuerdo es un episodio de Cuarto Milenio
Ahora en serio, creo que coincidimos en bastantes ocasiones. Los dos controlamos el tema

Como corto, hubiese quedado fantástico. Pero a un largometraje, le pido mucho más.

Doblete de cine español pre-Transición, propuestas atrevidas para su tiempo, bocanadas de aire fresco.

Algo amargo en la boca (1969), de Eloy de la Iglesia



He defendido numerosas veces en este hilo el cine de Eloy de la Iglesia, a pesar de sus muchos defectos: su estilo a menudo zafio; su falta de sutileza; su tremendismo; lo pobretón de muchas de sus producciones; lo desaliñado de los montajes; lo descompensado de sus repartos, etc. Pero, a pesar de todo ello, en De la Iglesia encuentro siempre algo de interés, me parece un cine rodado a contrapelo, valiente y arriesgado.

Algo amargo en la boca fue, en cierto modo, su primer largometraje, aunque previamente había realizado una película infantil (Fantasía…3, que no he visto). Ya encontramos en ella esa tendencia a lo sórdido habitual en su cine, un argumento extremo filmado sin tapujos, a cara descubierta, lo cual, para 1969, era mucho (se comenta que la censura se cebó en el film y que quedó aparcado durante un tiempo: según los datos de imdb se estrena en Barcelona en 1969 y en Madrid tres años después).

Un joven estudiante universitario, César (Juan Diego, un gran actor ya en su juventud), deja a su novia en Madrid (la escena de despedida está filmada en blanco y negro) y se desplaza a la casa de unas parientes, situada en una zona montañosa (quizá la Sierra madrileña), para pasar unos días en Navidad. Viven allí dos hermanas maduras, solteronas, con “esqueletos en el armario”, Aurelia y Clementina (magníficas Maruchi Fresno e Irene Daina), y una sobrina, Ana (Verónica Luján), de la edad de César, que ha pasado un tiempo en un convento. Además, también vive en la casa el hijo de una antigua criada, Jacobo (Javier de Campos), discapacitado psíquico como consecuencia de una caída sufrida de niño, que muestra un comportamiento violento, además de una tendencia a la escopofilia.



El clima en la casa es opresivo, asfixiante. La presencia del joven y desinhibido César supone una entrada de aire fresco que remueve las estancadas vidas de las tres mujeres. Aurelia ve en él un sustitutivo de su antiguo novio, muerto durante la guerra, del que conserva, como un fetiche, su uniforme de soldado; en Clementina, algo más joven, despierta su deseo sexual, largamente reprimido; y en Ana acentúa sus contradicciones, que la llevaron a ingresar en el convento después de un desengaño amoroso. Con las tres mantendrá relaciones sexuales, de un tipo u otro. Pero su osadía tendrá su castigo. Merece un visionado.

Manuela (1976), de Gonzalo García Pelayo



Gonzalo García Pelayo es un personaje de lo más polifacético, digno de ser el protagonista de un film (de hecho, ya lo ha sido: Los Pelayos, dirigida por Eduard Cortés, donde el patriarca de la familia, o sea, Gonzalo, es encarnado por Lluís Homar). Además de su conocidísima faceta como jugador en los casinos de medio mundo, GGP ha sido muchas cosas más. Yo supe de él durante la primera mitad de los 70, en labores de locutor de programas musicales en RNE. Me quedó grabada para siempre su voz, con un marcado acento andaluz, por la manera tan sugerente como presentaba los temas musicales, generalmente clásicos del rock & roll. Pero además se convirtió en productor musical (con el sello Gong, que fundó en 1975) y mánager de grupos y cantantes, en una época de gran efervescencia en el mundillo de la música, en donde se avanzaban ya los aires de libertad que quisieron soplar a partir de la muerte del dictador.

Esa faceta musical se nota, y mucho, en su primer largometraje, rodado según aparece en los títulos de crédito en los meses de “otoño de 1975”, durante los cuales se produce el “hecho biológico” largamente esperado. La película parte de la novela del mismo título de Manuel Halcón, académico de la RAE, y él también, por lo que leo, todo un personaje. Se trata de un drama rural profundamente andaluz, cargado de poesía, en buena medida potenciada por una riquísima banda sonora por la que transitan algunos de los músicos de la época: Lole y Manuel, Triana, Hilario Camacho, Gualberto García. En especial, se adhieren a la perfección a las imágenes las canciones de Lole y Manuel, de su primer disco “Nuevo día” (1975). Nunca he llegado a entrar en el mundo del flamenco, pero ya desde esa época, en mi adolescencia, he sentido una atracción especial, una cierta fascinación, por la voz de Lole (Dolores Montoya).

Junto a lo atrevido de la banda sonora, repleta de música moderna con raíz andaluza, destaca la presencia de Charo López, en el papel de Manuela.



No solo demuestra su brillantez como actriz, sino que además deslumbra con su belleza. Manuela es una mujer del campo, humilde pero orgullosa, que no cede ante las insinuaciones, más o menos veladas, de los hombres que la rodean (entre ellos, el terrateniente, don Ramón, Fernando Rey; o el guarda, “el Moreno”, Fernando Sánchez Polack), se mantiene fiel a su marido, Antonio (Máximo Valverde), un supuesto cantaor poco apto para el trabajo físico a causa de su mala salud (y de su tendencia a la vida ociosa).

La historia que se nos cuenta se desarrolla desde mediados de los 50 hasta los primeros años 70. Es entonces cuando irrumpe, como una bomba, en esa sociedad atávica una mujer completamente liberada, que llega de Estados Unidos, Purita (Carmen Platero), la sobrina de don Ramón



Purita viene a traer sexo desinhibido, cuando todavía impera en el pueblo el qué dirán, algo que sufre en especial el hijastro de Manuela, Antoñillo (Mario Pardo, demasiado crecidito para aparentar ser un muchacho de 18 años), sin suerte con las mujeres, y secretamente atraído por su madrastra.

Junto a las tensiones sexuales, también hay tiempo para el odio, rescoldos de la Guerra Civil, atizados (nunca mejor dicho) por un sórdido personaje, Aguacharco (Víctor Israel), resentido porque Manuela lo ha rechazado, y que encuentra una víctima propiciatoria en el “Moreno”, por su pasado en la cárcel.

En conjunto, me parece un film digno de ver, la muestra de un cine fresco que quizá no tuvo la repercusión que hubiera sido de desear, aunque GGP siguió haciendo películas (9 largometrajes más, el último en 2020, además de un episodio de una serie de televisión, aunque, en general, me temo que no siempre tan apreciables como esta Manuela).

Iniciado por tomaszapa

Anoche puse una grabación del i-plus, de hace unos meses.

Se trata de Vivarium, de Lorcan Finnegan.
Estamos ante un thriller de ciencia ficción, pero con toques de comedia y de terror. Una mezcolanza que no siempre sale bien parada.



Imogen Poots (que aparece en la muy recomendable El Padre, que le ha valido el Oscar a Hopkins este año) y Jesse Eissenberg (que todos sabemos quién es) interpretan correctamente, a una pareja de jóvenes deseando iniciar su vida como tortolitos en una nueva casa.
Cuando parece que se les echa el tiempo encima, encuentran una oportunidad. Una casa mona, pero rara, en una zona indeterminada, alejada del mundanal ruido. Aunque no saben en realidad, cuánto de alejada.

La película tiene algunas ideas y escenas efectivas, bien pensadas. Pero poco a poco, ronda por el "nido del cuco" una sensación de pesadez, aburrimiento, etc...que va deteriorando lo poquito bueno que tiene el film.

Como idea de lo que es la vida, sobre todo, en la familia, en el hacerse mayor, etc... y en lo que puede resumirse, queda bien. Pero el desarrollo de esa idea, deja mucho que desear.
En mi caso, es para ver, por esas cositas interesantes, pero desde luego es de las que tacharé de la lista de "compras".

Si no recuerdo mal, Finnegan dijo en la presentación de la película en el festival de Sitges que estaba inspirada en un corto suyo. A mí también me pareció que estiraba la historia demasiado en la parte intermedia de la película y que la idea podría haber quedado bien representada con menos duración, pero en general me pareció una cinta interesante cuyo final puede dejar muy mal cuerpo. Imogen Poots creo que está fantástica y el mismo festival le concedió el premió a la mejor actriz del certamen.

Pues finalizo mi ciclo James Cameron revisando Avatar.

Sigue siendo tal vez la que pondría en último de su filmografía aunque no la que menos me gusta (ahí pasa por delante de Absyss y True Lies). Sigo viendo lo mismo que cuando la vi varias veces en el cine: diálogo muy expositivo en algunos momentos (diciéndose cosas que los personajes ya conocen), con unos personajes muy bien/mal... El militar es rematadamente ridículo en su malicia. Y cierto corsé que huelo en todo el film como si JC hubiera pensado en lo más internacional posible. Más un Ep IV que un Ep V, vaya.

Eso sí, el mamon sigue jugando muy bien a eso de parir guiones cerrados, con cada elemento mostrado clave en el 3er acto (que Jake domine a la uber bestia roja esa, la estampida etc) y consigue momentos emotivos (el abrazo de la gigantesca Neytiri a un Jake en forma humana es particularmente bonito).

Viva Neytiri y tal. Hoygan. El momento cortejo, que ella ya va sobre seguro porque será alien pero es tia y es lista, está muy logrado.

O el detalle de los niños na'vi tocando a Ripley (sí, es Ripley, joder, esa es mi teoría) (no pero, molaría eh) en forma na'vi... Si sabes rascar en las pelis de JC encuentras a un puto sentimental. Como yo. Que puto amo (no yo, sino él, joder, se entiende).

En cuanto a James Cameron... Probad o reintentad: bajo ese potencial para la acción con escenas memorables (y a mi la acción me suele aburrir eh...) SIEMPRE hay emociones. Hay que rascar apenas nada pues está todo ahí.

Titanic pese a su enorme (porque es GRANDE) romance es un festival de medios. Un poco a medias. Me quedo con lo primero, es tan frontal todo que me gana por obvio (YO también me mato antes que no irme con Rose o con Jack, hombre ya, viva el amor y la madre que nos parió) pero por ejemplo Terminator 1 y 2 sin dos putas historias de amor. Una es un romance y la otra un dibujo de una madre hecha una bestia con tal de proteger a su retoño.

Recordad: TODO lo que sucede en T1 se debe a que un soldado, en el sXXI, se enamora como un idiota de una chica a través de una foto y se presenta voluntario a viajar en el tiempo para protegerla. De ese amor nace no sólo John Connor sino, por tanto, toda la maldita trama de la peli y del presente/futuro de ese universo de ficción.

Aliens es otro homenaje maternal.

Con dos tias al frente que son para arrodillarse.

Abyss es el Close Encounters de JC. Fans de Spielberg, dadle.

True Lies es un cachondeo consciente, casi una parodia. Y a la vez te la mete doblada porque aprovecha para hacer de todo con una coartada.

Iniciado por DrxStrangelove

Si no recuerdo mal, Finnegan dijo en la presentación de la película en el festival de Sitges que estaba inspirada en un corto suyo. A mí también me pareció que estiraba la historia demasiado en la parte intermedia de la película y que la idea podría haber quedado bien representada con menos duración, pero en general me pareció una cinta interesante cuyo final puede dejar muy mal cuerpo. Imogen Poots creo que está fantástica y el mismo festival le concedió el premió a la mejor actriz del certamen.

Sí. De hecho, me reafirmo en que tiene cositas interesantes, pero las veo muy a cuentagotas y entre medias, el desierto más absoluto. Para mi, va a golpes y así no disfruto demasiado del viaje.
Y desde luego, la chica Imogen Poots es la que demuestra la carga dramática, y la que interacciona más con el personaje de la película.
De hecho, esa es otra de las cosas que menos me gustan. Que la pareja protagonista está supeditada a ese diablo, y creo que podía haberse aprovechado más de ambos.
Ya digo, como idea que quiere transmitir, muy bien, pero la ejecución no me satisfizo, salvo en contadas ocasiones.

Iniciado por Synch

En cuanto a James Cameron... Probad o reintentad: bajo ese potencial para la acción con escenas memorables (y a mi la acción me suele aburrir eh...) SIEMPRE hay emociones. Hay que rascar apenas nada pues está todo ahí.

Titanic pese a su enorme (porque es GRANDE) romance es un festival de medios. Un poco a medias. Me quedo con lo primero, es tan frontal todo que me gana por obvio (YO también me mato antes que no irme con Rose o con Jack, hombre ya, viva el amor y la madre que nos parió) pero por ejemplo Terminator 1 y 2 sin dos putas historias de amor. Una es un romance y la otra un dibujo de una madre hecha una bestia con tal de proteger a su retoño.

Recordad: TODO lo que sucede en T1 se debe a que un soldado, en el sXXI, se enamora como un idiota de una chica a través de una foto y se presenta voluntario a viajar en el tiempo para protegerla. De ese amor nace no sólo John Connor sino, por tanto, toda la maldita trama de la peli y del presente/futuro de ese universo de ficción.

Aliens es otro homenaje maternal.

Con dos tias al frente que son para arrodillarse.

Abyss es el Close Encounters de JC. Fans de Spielberg, dadle.

True Lies es un cachondeo consciente, casi una parodia. Y a la vez te la mete doblada porque aprovecha para hacer de todo con una coartada.

True Lies lo que es, es algo larguirucha para la trama tan sencilla que tiene pero divertida a rabiar y con escenas de acción que ponen "palote". Intérpretes pasándoselo bomba, el mejor síntoma. Yo la pongo por encima de Titanic (que sin el epicentro Winslet se queda en un buen espectáculo hueco con frases incoloras) y Avatar. Además en True Lies aparece Charlton con, ojo al parche, parche en el ojo; parece que va a hacer la de John Wayne en "Valor de ley" si le da por levantarse de la mesa

Cashback (2006)................................ 8









Una notable comedia romántica






Mi comentario:

Recuerdo ver hace muchos años el corto homónimo realizado en el año 2004, en el que se basa esta película y me gustó.. Cashback (2006) podría verse como una extensión de algo más de hora y media de lo que fue el corto de más de quince minutos. Los mismos actores y actrices recuperan a sus personajes principales en esta notable adaptación al largometraje. Mencionar a las guapas actrices Emilia Fox y Michelle Ryan que consiguen robarle el corazón a nuestro inocente protagonista. Por aquel entonces, eran dos desconocidas modelos, pero merece la pena saber que Hayley-Marie Coppin y Keeley Hazell hacen un breve cameo en una hermosa, pero breve secuencia. Una bonita y simpática comedia romántica con algunos toques dramáticos y, por qué no decirlo, fantásticos, muy bien llevados del guión a la pantalla grande por el guionista, productor y director Sean Ellis. Además, se complementa con unas disparatadas secuencias y algunos graciosos malentendidos. Tal vez no sea un film para todos los públicos, pero, por lo que a mí respecta, me ha hecho pasar un muy buen rato. Sin duda, se merecía un visionado. Mi nota final es de 8/10.

Anoche revisé Midnight Cowboy (1969) que hacía eones no veía y me sucedió lo mismo que antaño: no conecto con ella y, peor, no sé ver lo mismo que los demás (o la mayoría). O no en la misma cantidad.

Rescato que por el año de rodaje y estreno, ciudad y momento clave en la cultura popular, el choque entre el sueño y la realidad es tal vez lo mejor del film. Joe no sólo llega desde Texas sino con una mentalidad completamente folklore en una ciudad como NY que era epicentro (no era la única, claro, SF y ciudades del Este más allá de NY) de los numerosos cambios de los años 60. No es ya que Joe se meta un hostion sino que no sabe ni donde se encuentra ni entiende nada. Cuando la fiesta Warholera encima, encima, de los encimas, pasa de la NY de 1968-69, a la del futuro y ya parece directamente una pieza de museo.

Rico, que podría suponer la metáfora de la decadencia o derrota que supone una devoradora como NY, engloba el lado más putrefacto de la ciudad. Da hasta cierto malestar ver el avance de su tuberculosis mientras malviven en ese apartamento digno de JF Sebastian en Blade Runner (pero sin los mini juguetes robot), pasan frío y toda la parte moderna, con dinero (porque al final siempre es eso), les pasa por encima sin que apenas logren algunas leves victorias en lo económico (de 10 en 10, de 20 en 20 dólares).

Mi problema es que no soy muy fan de la interpretación de Jon Voight en esta película (y su acento... ) aunque compensa esa incomodidad que la soberbia interpretación de Hoffman (que tiene más voz de pito de lo habitual.. ¿Será el speed pal de Filmin?).

Curioso.. Hoffman es de L.A. e interpreta a un neoyorquino; Voight es de NY e interpreta a un foráneo

Curioso 2: ver Miami aún en su faceta de gran resort vacacional previo a su explosión en los primeros 80 con ese financiación llamada droga.

Lo de Filmin... ¿sabes que va todo a 25fps? (por desgracia) . Igual un día de estos lo corrigen, y ya de paso mejoran la calidad de imagen. Les salva que el catalogo es ORO, eso si.

De entre los muertos...

o

REVISANDO (SUCINTAMENTE) LA FILMOGRAFÍA DE FRANK CAPRA (1897-1991) / PARTE V:

FORBIDDEN (1932, AMOR PROHIBIDO)



Director: Frank R. Capra.

Producción y distribución: Columbia Pictures Corp.

Productor: Harry Cohn.

Adaptación y diálogos: Jo Swerling, basada en una historia de Frank Capra.

Dirección artística: -

Fotografía: Joseph Walker, en blanco y negro.

Música: -

Montaje: Maurice Wright.

Reparto: Barbara Stanwyck (Lulu Smith), Adolphe Menjou (Bob Grover), Ralph Bellamy (Al Holland), Dorothy Peterson (Helen Grover).

Duración: 1 h 25 m 25 s.

Fechas de rodaje: del 30 de septiembre al 3 de noviembre de 1931.

Estreno: 15 de enero de 1932.



Adaptación apócrifa de la famosa novela de la escritora Fannie Hurst (1885-1968) “Back Street” (Nueva York, 1931) que ese mismo año sería llevada – esta vez oficialmente – a la gran pantalla de la mano del gran John M. Stahl (1886-1950) en el primero de sus grandes melodramas para la Universal (y que el igualmente grande Douglas Sirk (1897-1987) versionaría en los años ‘50), AMOR PROHIBIDO es, pese a la opinión de su propio director (léase al respecto la página 157 de su autobiografía, ya lo siento no os lo iba a poner fácil… ), una más que estimable película y donde al igual que en la cinta de Stahl, destaca por encima de todo el portentoso trabajo interpretativo de sus actrices protagonistas (aquí Barbara Stanwyck, allí Irene Dunne).



AMOR PROHIBIDO fue la tercera de las cinco colaboraciones entre Barbara Stanwyck (1907-1990) y Frank Capra (1897-1991) (las otras dos, MUJERES LIGERAS (1930) y THE MIRACLE WOMAN (1931) ya fueron comentadas en este mismo rincón tiempo ha...



Tengo muchas ganas de ver las dos siguientes, LA AMARGURA DEL GENERAL YEN (1933) y, especialmente, JUAN NADIE (1941), una de las grandes obras maestras del director de origen siciliano.

De hecho, la película hoy comentada tiene cierta relación con esta última dado que cuando Lulu (Barbara Stanwyck) da a luz a su hija, fruto de la relación con un hombre casado, Bob Glover (Adolphe Menjou), le dice a la enfermera que su nombre es “Jane Doe” y todos recordaréis que “John Doe” es el nombre del personaje ideado por la periodista Ann Mitchell (la citada Stanwyck) y encarnado magistralmente por el gran Gary Cooper.

Y aunque para Frank Capra Jean Arthur (1900-1991) era su actriz predilecta (y con la que trabajó en tres ocasiones (EL SECRETO DE VIVIR (1936), VIVE COMO QUIERAS (1938) y CABALLERO SIN ESPADA (1939)) creo que Barbara Stanwyck tenía un registro más amplio y un carisma muy superior.



- Eso sí, ambas son espléndidas actrices y además es absolutamente necesario ver sus películas en versión original para disfrutar de sus voces tan personales, aguda y nasal la una (Arthur), ronca y sensual la otra (Stanwyck) -

Estas películas previas a la que suele considerarse su primera obra maestra, LA LOCURA DEL DÓLAR (1932), me están suponiendo una más que agradable experiencia cinéfila y demuestran que Capra estaba ya a punto de entrar en su (espléndida) madurez.

A pesar de estar basadas en el mismo texto literario ambas películas, AMOR PROHIBIDO y LA USURPADORA (cinta que vi durante el confinamiento en compañía de mi querida madre y que no tuve oportunidad de comentar – vete tú a saber por qué - pese a parecerme absolutamente magistral), presentan diferencias notables, seguramente para evitar que el director (y la Columbia) pudiesen ser demandados (justamente) por la escritora.

AMOR PROHIBIDO es un melodrama en toda regla y, por tanto, un tanto alejado del tipo de películas que solía elaborar Capra, una mixtura perfecta entre el cine social y la comedia.

De hecho y con toda justicia Frank Capra se considera el retratista por excelencia de la Gran Depresión que asoló los EUA de 1929 a 1939 y el adalid de las políticas progresistas del presidente demócrata Franklin D. Roosevelt (de 1933 a 1945).

Aunque el principio de la película nos haga pensar que estamos ante el consabido flashback, seguramente por el aspecto escasamente agraciado que presenta la protagonista, Lulu (una, como siempre, espléndida Barbara Stanwyck), lo cierto es que nada más lejos de la realidad.



En una decisión que, perdonad la inmodestia, la hermana con mi presente situación, Lulu, quien fue abandonada en el altar el día de su boda y que desde entonces no ha hecho más que sobrevivir como una solterona (uno de esos papeles que bordaba Bette Davis) trabajando en la biblioteca municipal de su (pequeña) ciudad natal, decidirá sacar todos sus ahorros y emplearlos en unas largas vacaciones a “la tierra del romance”, o sea, La Habana.





En el crucero conocerá de forma absolutamente fortuita a Bob (un Adolphe Menjou al que le veo demasiado mayor como para convertirse en el ideal romántico de la joven) y pronto se establecerá entre ellos algo más que una “simple” amistad.

En la escena en la que ella baja por segunda vez a cenar, bella y radiante, aunque solitaria, ya intuimos ese toque especial de las mejores comedias de su director, con ese juego dialéctico entre el metre y el camarero.





Y ciertamente parece difícil de creer que un joven tan hermosa (en un cambio radical con esa mosquita muerta con gafas como aparecía al principio de la película) no sea objeto del interés de los numerosos hombres con los que comparte travesía.



Será precisamente cuando acuda derrotada a su camarote donde conozca al mencionado Bob que por error (uno de los daños colaterales de la dipsomanía) se ha introducido en el suyo.



Pese a la (relativa) embriaguez de Bob Lulu parece encontrar en él ese ideal romántico que tanto ha anhelado a lo largo de toda su vida.

Ahora sí y para completar el divertido gag que comentaba unas líneas más arriba, la joven pedirá una mesa para dos, lo que provocará el alivio en la simpática pareja del restaurante.





Durante la travesía surgirá el amor entre ambos aunque ella apenas llegue a conocer algo de la vida real (no de la imaginada) de él, lo cual lógicamente tendrá más tarde desastrosas consecuencias.



Capra inserta al respecto una escena que me parece francamente curiosa y que no creo haber visto en títulos coetáneos (ni siquiera anteriores o posteriores) como es aquella en la que ambos cabalgan en una playa paradisíaca y donde únicamente se escucha de fondo la música que les ha acompañado durante su breve (de momento) idilio.

De regreso de sus vacaciones Lulu no volverá a su ciudad natal sino que encontrará empleo en un periódico de la gran ciudad, el “Daily Record”, donde conocerá (y será cortejada) por el impertinente Al Holland (un simple impecable (Sir) Ralph Bellamy – recordemos el guiño cinéfilo que el (gran) director Howard Hawks hizo a su persona en la estupenda LUNA NUEVA (1940) -).



En una inteligente idea de guion (y de dirección) Bob acudirá al (pequeño) apartamento de Lulu con sendas máscaras, una bella forma de expresar esa personalidad oculta que arrastra el personaje y que presenta dos caras bien distintas, la pública (irreprochable) y la privada (con más sombras que luces).



Y es que como el propio Bob acabará por confesar es un hombre casado. Y al contrario de lo que pueda pensarse él le cuenta a ella la verdad sobre su matrimonio. Su mujer sufrió un accidente por culpa de él (aunque fuese de forma puramente accidental) y aunque todavía la quiere ya no la ama, se siente en deuda con ella y es incapaz de abandonarla.

Lulu, por su parte, renunciará (por primera – pero no por única – vez) a Bob, al no comprender ese amor que no es amor. Al menos el mismo tipo de amor que ella le ofrece a él.



En el Hospital del Buen Samaritano Lulu dará a luz a una niña, fruto (lógicamente) de su relación con Bob y a la que pondrá el nombre de Roberta (¿quizás y pese a todo en recuerdo de su único amor, Robert (o sea, Bob)?).

En otra bonita (aunque a la postre terrible) escena vemos como los distintos padres reciben la buena nueva del nacimiento de sus vástagos.

Lulu, por su parte, sólo y sin familiares ni amigos que la visiten, dará como nombre, como antes indicaba, el de “Jane Doe” (que podríamos traducir como “Doña Nadie”, aunque en la copia a la que he podido acceder se usa la expresión mucho más brutal como es “Fulana de tal”, con un claro doble sentido).



Poco a poco iremos viendo como Bob va pasando de abogado a fiscal del distrito y más allá del infinito.

Por su parte, Al, igual de metomentodo que siempre, trata de indagar en la vida privada del nuevo fiscal.

También conoceremos (¡por fin!) a la esposa de Bob, Helen (Dorothy Peterson), una mujer profundamente enamorada de su marido y sorprendentemente comprensiva (se nota que estamos ante una cinta Pre-Code) puesto que entiende que él pueda encontrar el placer (aunque no dicho con esas mismas palabras) en otras mujeres.



Como iremos viendo a lo largo de la película Capra diferencia claramente a los personajes femeninos de los masculinos, siendo los primeros más nobles y sinceros que los segundos, a los que finalmente la ambición y la falta de escrúpulos convertirá en el reverso oscuro de ese sueño romántico idealizado de la protagonista.

Bob volverá a contactar con Lulu al cabo de unos años y conocerá a la que es su propia hija. Y aunque ella rechace en un principio volver a relacionarse con él finalmente no podrá evitar caer de nuevo en sus brazos.



Para liar todavía más la madeja ella aceptará pasar por la institutriz de su propia hija cuando Bob para evitar que la prensa aire sus “trapos sucios” y ello interfiera en su meteórica carrera en política.



Y Al, como un sabueso, siempre tras las huellas de Bob, intentando encontrar pruebas de que no es quien dice ser que es.



Si Lulu antes renunció al amor (legítimo) de Bob, ahora tendrá que dejar que unos extraños críen a su propia hija.

Ella volverá al trabajo del periódico y de esta forma tratará de evitar que Al meta sus narices en la vida privada de Bob.

Ciertamente esa Barbara Stanwyck ejerciendo de periodista es todo un avance de su decisivo papel en la ya mencionada – y magistral (¿no lo había dicho?) - JUAN NADIE.



Si en aquella película ella creaba de la nada a John Doe/Gary Cooper, en esta tratará por todos los medios de que Bob/Adolphe Menjou desaparezca en el anonimato de su cargo.

Este último seguirá escalando puestos en la administración (alcalde > senador > gobernador) mientras Al se irá obsesionando más y más tratando de encontrar los pies de barro del personaje.

Con el paso de los años (y que en el Hollywood clásico se arreglaba fácilmente añadiendo unas favorecedoras canas a los protagonistas) Lulu se convertirá en una periodista muy leída por su columna “femenina”, ejerciendo como a modo de Consultorio de Elena Francis y heredada al igual que en nuestro país de un colega “masculino”.



Y como antes decía aunque parezca que el personaje masculino bueno es Al y el malo Bob, lo cierto es que con el paso de los años veremos aparecer el lado oscuro del primero y por contra el luminoso del segundo, aunque con matices.

Esa ascensión de Bob también parece un esbozo de ese Capra más politizado que tuvo su cenit en dos películas complementarias pero antitéticas como son CABALLERO SIN ESPADA y JUAN NADIE.

Por su parte, Bob, convertido en el dueño del periódico en el que trabajaba, parece tener como única obsesión exponer al primero al escarnio público al considerarle un fraude, como político y como persona.



Ello provocará que Lulu finalmente acceda a casarse con Al, quien estaba enamorado de ella desde un principio, pero ello no solucionará el problema sino que lo agravará y de una forma irreparable.

Y es que una vez Al ha descubierto que la misteriosa amante secreta de Bob es su ahora esposa, la insulta, la golpea y la amenaza con destapar todo el asunto aunque le cueste su propia felicidad.



Aquí la película tomará un pequeño desvío hacia el cine negro puesto que Lulu vaciará el cargador del revolver que todo norteamericano de bien tiene en la santidad de su hogar.



En una de esas extrañas que sólo se dan en las películas (especialmente en las facturadas en el Hollywood clásico), Bob en su lecho de muerte y ejerciendo su prerrogativa como gobernador del estado conmutará la pena de muerte y la dejará en libertad después de pasar menos de un año en prisión.



En un hermoso final Bob dejará en su testamento una parte importante de su fortuna a Lulu pero esta, sabiendo que el conocimiento de su relación con el gobernador no haría más que perjudicar el futuro de su propia hija, lo romperá y desaparecerá en el mismo anonimato que vivía al principio de la película.



Tal vez no sea AMOR PROHIBIDO una de las mejores películas de Frank Capra y de hecho no lo es, pero sí es un ejemplo perfecto de cine imperfecto (qué bonito me ha quedado ) y una muestra de la versatilidad del director.

Claro que tendremos que esperar a la próxima entrega (que espero no se demora tanto como esta) para que su director nos presente su primera obra maestra.

Porque, amigos míos, LA LOCURA DEL DÓLAR lo es.

Buenas noches y, buena suerte.

No oculto mi devoción por Barbara Stanwyck, pero en los últimos tiempos, cada vez más, me atrae la figura (hoy en día desconocida) de Jean Arthur. Creo que era una gran actriz, y que poseía todos los encantos (físicos e interpretativos) imaginables. Protagonizó tantas películas buenas...y eso que se retiró tempranamente del cine, rechazando bastantes papeles interesantes, salvo alguno que otro.