Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Holmes & Watson: Madrid Days

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El detective Holmes y su ayudante el doctor Watson llegan desde Londres hasta Madrid siguiendo el rastro de Jack el Destripador.

Homenaje a lo Galdós, muy presente en esta mirada que nos proporciona el harto infravalorado Garci al mezclar al gran autor de novela realista española con el gran personaje de novela policiaca británica. Peli tremendamente madrileña.Un Madrid distinto de otras capitales europeas del momento y no por ello desconectado,diversiones,gastronomia o ese momento en que Holmes lee FORTUNATA Y JACINTA... así siendo castiza, no deja de aspirar a la universalidad y utilizar como prota un personaje tan universal imprimiendole el sello Garci,un hombre que se enamora pero pone freno por temor a perder su independencia. Aunque la impronta se nota más en Watson,un “mujeriego” casado que no pierde ocasion en galanteos castizos. El director pulula entre lo imaginario y lo real,los britanicos cuden a un homenaje que se tributa a Galdos con E Pardo Bazan sentada a su lado.

Tan libérrimo como anclado en un cine que hace tiempo que se tilda injustamente de “apolillado”.. lo pintoresco de las situaciones y personajes, a destacar la maravillosa e invisible Sra Hudson,en fin...una peli en las antípodas de las de G Ritchie y la BBC,sin que por ello no te puedan interesar ambas propuestas,como es mi caso.

G Piquer y casi todos los actores del elenco como M Gomez estan más que acertados así como el rol de I Adler.A destacar toda la recreacion de la época ante el reducido presupuesto,recomiendo el “como se hizo”.
https://www.domestika.org/pt/project...on-madrid-days

https://www.nievesmonterde.com/holmeswatson
Madrid del XIX con aureola a lo “Neville” donde la trama es una excusa para todo lo demás... cameo de Gallardon incluido.

Decorados del gran Parrondo.

7/10

Iniciado por Alcaudón

MURDER BY DECREE (1979, ASESINATO POR DECRETO)

Me gusta mucho.

Iniciado por mad dog earle

Incluida la que probablemente es la mejor película con Elvis Presley: King Creole.

Aparte de Casablanca, a mí me gusta mucho Mildred Pierce. Me parece un drama buenísimo. Ya comentamos hace años la miniserie posterior, que también nos gustó mucho.

Anoche vimos 16 calles, de Richard donner, el director de Superman, arma letal, o los goonies, por decir algo con el móvil. Nos gustó bastante y creo que es porque veo a un Willis avejentado,limitado, en cierto modo, premonitorio de la realidad tan dura que le toca vivir en la actualidad. Algún giro de guión inverosímil no desmerece una peli con buen ritmo, en esa NY que tanto amamos mi hermana y yo.

Acabo de ver la de Super Mario Bros y por no buscar el hilo la pongo aquí, como película "anime", no da la talla, pero como animación 3D de las que suelen haber últimamente gana a muchas, está todo junto trabajado, hasta la inclusión de las OST de los videojuegos, pero la trama es demasiado simple, lo suyo hubiese sido darle algún detalle más a las historias de Luigi y Peach y no ir tan rápido en la aventura, si no algún momento más de darle ligera más profundidad y de paso haberle tirado un bill bala al destello suicida. El resto genial si al menos como yo has jugado por lo menos a Mario Kart 8, Odyssey, y 3D world, si no no se disfruta al meter rápido y a saco las OST y referencias visuales como el plátano, los calamares y la pista arco Iris.

"El inglés que cogió la maleta y se fue al fin del mundo" es la "original traducción " de "The last bus".



Una de esas peliculas simples para los estándares actuales, pero que yo personalmente disfruto mucho. Sostenida en su protagonista Timothy Spall, que hace un trabajo SOBERBIO...Me recordó claro a otra (atípica en su estilo) obra de David Lynch "The Straight Story"

Anoche puse Kompromat, el expediente ruso, un thriller basado en hechos reales que da buena cuenta de cómo selas gastan en el país de Putin a la hora de inventar cargos contra el enemigo. Acción, política, espionaje, cárcel, diplomacia y otros cuantos elementos, como el amor, nos hicieron pasar dos horas la mar de entretenidos aunque también angustiados.

Una pequeña perla que retrata a personajes homosexuales en el ocaso de su vida, algo inusual en el cine (se me ocurren “Love is strange”, “Entre nosotras”, “Grandma” o “Swan Song”). Suk Suk se acerca con delicadeza y realismo al encuentro entre dos almas invisibles que buscan su lugar en el mundo en una sociedad cerrada y conservadora. Quizás suena algo ya visto, pero resulta muy necesaria en su relato de personas silenciadas y oportunidades perdidas. Buen momento para recuperarla, la tenéis en Filmin.

Siguiendo un poco con Spielberg, ayer vi otra que tenía pendiente: A.I. Artificial Intelligence (2001) y me dejó un poco frío. No sé si era Osment, la O'Connor o, y en esto ya seguro, Law. O si es la visión casi setentera de como será el futuro (tanto en diseños redondeados y sin vida, como el uso de tecnología aunque en 2000-2001 aún quedaba un poco para ver a done íbamos en los siguientes 20-30 años). O el manido recurso de los malentendidos provocados por el clásico hijo malo (lo del rizo aún... Pero la escena de la piscina es muy forzada). La entrada del personaje de Jude Law es un bajon, todo él, aunque todo ese entorno urbano tenía posibilidades futuro guarrunas a lo Blade Runner pero a Spielberg le falta mala leche. Y ya too el tema final es... Difícil de digerir.

ED WOOD (1994, ídem)



Director: Tim Burton.

Productores: Michael Flynn, Denise Di Novi y Tim Burton.

Producción: Touchstone Pictures.

Distribución: Buena Vista Pictures Distribution, Inc.

Guion: Scott Alexander y Larry Karaszewski, basado en el libro “Nightmare of Ecstasy: The Art and Life of Edward D. Wood, Jr.” (Washington, 1992), de Rudolph Grey.

Fotografía: Stefan Czapsky, en blanco y negro y formato panorámico (1.85:1).

Diseño de producción: Tom Duffield.

Música: Howard Shore.

Montaje: Chris Lebenzon.

Reparto: Johnny Depp (Ed Wood), Martin Landau (Bela Lugosi), Sarah Jessica Parker (Dolores Fuller), Patricia Arquette (Kathy O’Hara), Jeffrey Jones (Criswell), G. D. Spradlin (Reverendo Lemon), Vincent D’Onofrio (Orson Welles), Lisa Marie (Vampira) y Bill Murray (Bunny Breckinridge).

Duración: 2:01:23 (Copia en DVD editada por Buena Vista).

Estreno: 30 de septiembre de 1994.



Al contrario que muchos compañeros del foro la película que me convirtió al burtonismo no fue ni BATMAN (1989), ni EDUARDO MANOSTIJERAS (1990), ni mucho menos BATMAN VUELVE (1992) – que reconozco que jamás he visto (¡!) - sino ED WOOD, cinta que tuve oportunidad de visionar en una sala de cine cuando se estrenó en nuestro país allá por 1995 y en VOSE.



Tim Burton (1958) – quién te ha visto y quién te ve – logró con su 6º largometraje la que sin lugar a dudas sigue siendo una de las mejores obras de su (muy) irregular carrera y donde además el hoy polémico Johnny Depp (1963) firmó igualmente una de sus mejores interpretaciones.



Aunque la cinta es aparentemente un biopic sobre la vida y la obra del considerado como “el peor director de todos los tiempos” (algo de lo que no puedo discrepar puesto que no he visto ni una sola de sus películas, aunque seguro que las hay peores… mucho peores… y no hace falta irse muy lejos... ), Edward D. Wood, Jr. (1924-1978),



… en realidad la misma es más un canto de amor de Burton hacia un tipo de cine que, como decían en cierta película de cuyo nombre no puedo acordarme, estaba hecho... “del material con que se forjan los sueños”…



Igualmente es un homenaje a una de las figuras míticas del cine fantástico y/o de terror del cine clásico norteamericano, Bela Lugosi (1882-1956),



… un actor que paradójicamente alcanzó la cima con su primera película, DRÁCULA (1931), de Tod Browning y a partir de ahí empezó su inexorable (e incomprensible) declive y eso a pesar de (co)protagonizar cintas muy superiores como LA LEGIÓN DE LOS HOMBRES SIN ALMA (1932), de Victor Halperin o SATANÁS (1934), de Edgar G. Ulmer y encarnado de forma magistral por Martin Landau (1928-2017),



… que se llevó un merecido Oscar por su interpretación y al que los de mi generación recordarán tal vez más por la serie de televisión ESPACIO:1999 (1975-1977) o tal vez los hitchcockianos de pro por su papel en la deliciosa CON LA MUERTE EN LOS TALONES (1959).



El lapso temporal que cubre la película va desde 1952 hasta 1957 y engloba, por tanto, la preparación y el rodaje de sus películas más famosas, o sea, GLEN OR GLENDA (1953), BRIDE OF THE MONSTER (1955) y PLAN 9 FROM OUTER SPACE (1959), que, aunque estrenada en este último año, tuvo una première el 15 de marzo de 1957 en el Carlton Theatre de Los Angeles y que le sirve a Burton para cerrar con un broche de oro la película.

A pesar de la hermosa amistad que se establece entre Wood y Lugosi y de la que sin duda se aprovechó el primero para promocionar sus películas Burton deja claro desde un principio la profunda admiración que el cineasta sentía por la decadente estrella..



Burton recrea a la perfección lo que debieron ser los demenciales rodajes de Ed Wood y su inseparable troupe…



… e incluye además un bello – aunque improbable - guiño cinéfilo como es el encuentro entre un Orson Welles que por entonces estaba preparando una de sus obras maestras, SED DE MAL (1958), con Charlton Heston (pulla incluida) y Janet Leigh y el cineasta objeto de estas modestas líneas.



Ese (ficticio) encuentro entre "el más grande" y "el más pequeño" será decisivo para que Wood firme la "obra cumbre" de su filmografía...



Destacar la espléndida fotografía en blanco y negro del alemán Stefan Czapsky (quien ya había hecho lo propio en las mencionadas EDUARDO MANOSTIJERAS y BATMAN VUELVE) y la deliciosa banda sonora del canadiense Howard Shore, que rompió siquiera circunstancialmente la perfecta entente que existía entre el director y su compositor favorito, Danny Elfman.

Ciertamente una de las cimas en la, como decía, irregular (especialmente en los últimos años) filmografía de uno de los grandes directores de cine fantástico de las últimas décadas.



Buenas noches y, buena suerte.

Iniciado por Alcaudón

Al contrario que muchos compañeros del foro la película que me convirtió al burtonismo no fue ni BATMAN (1989), ni EDUARDO MANOSTIJERAS (1990), ni mucho menos BATMAN VUELVE (1992) – que reconozco que jamás he visto (¡!) - sino ED WOOD, cinta que tuve oportunidad de visionar en una sala de cine cuando se estrenó en nuestro país allá por 1995 y en VOSE.

En mi caso, en agosto de 1995. Y, aunque había visto alguno de sus films anteriores (en concreto, Edward Scissorshands y Batman Returns), fue Ed Wood, aún hoy mi película preferida de Burton, la que me hizo concebir esperanzas de estar ante un director especial. Puede que lo de "especial" se pueda mantener, pero lo cierto es que de lo que vino después, salvo sus derivaciones en el terreno de la animación, solo o acompañado, solo salvaría Sleepy Hollow, su particular homenaje a la Hammer.

Iniciado por Alcaudón

… en realidad la misma es más un canto de amor de Burton hacia un tipo de cine que, como decían en cierta novela de cuyo nombre no puedo acordarme, estaba hecho... “del material con que se forjan los sueños”…

Más bien en cierta película, querido Alcaudón, porque la frase no es de Hammett, sino de Shakespeare, que tomó prestada el bueno de Huston para la ocasión.

Iniciado por Alcaudón

… que se llevó un merecido Oscar por su interpretación y al que los de mi generación recordarán tal vez más por la serie de televisión ESPACIO:1999 (1975-1977) o tal vez los hitchcockianos de pro por su papel en la deliciosa CON LA MUERTE EN LOS TALONES (1959).

Para los de la mía, en cambio, era uno de los protagonistas de Misión: Imposible.

Ciertamente un lapsus el confundir el final de la novela de Hammett con el de la película de Huston, por cierto más bello.

Ejemplo de esa irregularidad de la que hablaba es el hecho de que su siguiente película sea una de las peores de su filmografía, MARS ATTACKS!, contraste todavía más acentuado por lo colorista de la propuesta frente al espartano blanco y negro de ED WOOD.

Por cierto, no recordaba que la actriz Barbara Bain trabajó tanto en MISSION: IMPOSSIBLE (78 episodios, 1966-69) como en SPACE: 1999 (47 episodios, 1975-77).
La primera apenas la recuerdo pero la segunda era una de mis favoritas cuando era niño.

En mi caso, después de Ed Wood, una de las que más me gusta de Burton es Sweeney Todd. Hace tiempo que no la he vuelto a ver. Un día de estos caerá.

Un peuple et son roi

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Con un presupuesto de 17 millones de euros y un elenco repleto de estrellas,
"Un peuple et son roi" se posicionó como el éxito de taquilla francés del año, pero
terminó como un fracaso para su escritor y director. La película es
grandilocuente peero vacía en la reconstrucción histórica, y al tratar demasiados
incidentes en una epopeya de dos horas (que cubre la ejecución de la Revolución Francesa de 1789 a 1793)
termina como un batiburrillo sin garra.Schoeller hizo un estupendo
debut cinematográfico https://www.imdb.com/title/tt1132607/
continuando con https://www.imdb.com/title/tt1781843/ que obtuvo elogios de la critica.
Con este tercer largo, está claro desde el principio que Schoeller se ha extralimitado
enormemente. A pesar del talento en ambos lados de la cámara, la película no es más que
una sucesión de interminables viñetas vistosas pero vacías.

La idea de de entrelazar incidentes históricos con dramas ficticios es generalmente
buena, ya que da una idea del alcance que tuvo la gente común en la Revolución (algo que tiende
a ser minimizado).


Con un elenco formidable junto al trabajo de cámara y diseño, el fracaso radica en un guión extremadamente didáctico y carente de enfoque. Como consecuencia, la película parece una larga serie de conferencias de historia que dan un popurrí inconexo como combo total.

5.8/10

Iniciado por Alcaudón

ED WOOD (1994, ídem)

MARAVILLOSA,para mí la mejor de Burton,su ultima peli guay fue Sweeney Todd

Reconozco que mi película favorita sobre la Revolución francesa es la cinta de aventuras EL REINADO DEL TERROR (1949), de Anthony Mann, con un impecable Richard Basehart como Robespierre y que ya comenté en este mismo rincón tiempo ha...



Y en cuanto a la (muy) irregular filmografía de Tim Burton yo destacaría cintas posteriores como SLEEPY HOLLOW (1999), BIG FISH (2003), LA NOVIA CADÁVER (2005), la mencionada SWEENEY TODD (EL BARBERO DIABÓLICO DE LA CALLE FLEET) (2007), FRANKENWEENIE (2012), BIG EYES (2014) o la serie MIÉRCOLES (2022) para Netflix.

A mí me interesa la temática, por citar dos que me gustan especialmente https://www.imdb.com/title/tt0083789/
https://www.imdb.com/title/tt0239234/

Y esta por U Lemper https://www.imdb.com/title/tt0096857/

Esa que citas Alcaudon es fantastica por su tenebrosa fotografia, pero me aburrió.

Pues es cualquier cosa menos aburrida.

REVISANDO EL CINE FANTÁSTICO ESPAÑOL / PARTE III:

LA MARCA DEL HOMBRE LOBO / DIE VAMPIRE DES DR. DRACULA (1968)



Coproducción hispano-germánica.

Director: Enrique López Eguiluz.

Productor ejecutivo: Maximiliano Pérez-Flores.

Producción: Maxper P. C. (Madrid) / Hi-Fi Stereo 70 (Múnich).

Guion: Jacinto Molina.

Fotografía: Emilio Foriscot, en Eastman Color y 65mm Hi-Fi Stereo 70 3-D (2.21:1).

Dirección artística: José Luis Ferrer.

Música: Ángel Arteaga.

Montaje: Francisco Jaumandreu.

Reparto: Paul Naschy (Waldemar Daninsky), Dyanik Zurakowska (Condesa Janice von Aerenberg), Manuel Manzaneque (Rudolph Weissmann), Aurora de Alba (Wandessa Mikhelov), Julián Ugarte (Dr. Janos Mikhelov), José Nieto (Conde Sigmund von Aerenberg), Carlos Casaravilla (Juez Aarno Weismann) y Rossana Yanni (Nascha) y Gualberto Galbán (Gyogyo) + Victoriano López (Imre Wolfstein).

Duración: 1:34:31.

Estreno: 29 de julio de 1968.

Recaudación: 26.431.972 pesetas (893.187 espectadores).



LA MARCA DEL HOMBRE LOBO no solo se considera el pistoletazo de salida del cine fantástico y/o de terror español (mal llamado Fantaterror dado que no todos los títulos pueden encasillarse en dicho subgénero) sino que igualmente fue el título que lanzó a la fama a Jacinto Molina (1934-2009), más conocido como Paul Naschy, con toda seguridad el actor de género (o subgénero) más famoso del Viejo Continente, Peter Cushing y Christopher Lee aparte.



Y como no hay dos sin tres en esta película Naschy encarnaría por primera vez a su personaje más emblemático, el noble polaco portador de la maldición del Hombre Lobo, Waldemar Daninsky.



Naschy, autor tanto del argumento como del guion de la cinta hoy comentada, se basó en el personaje real del asesino en serie gallego Manuel Blanco Romasanta (1809-1863), autor confeso de la muerte de trece mujeres y niños y pese a ello no ajusticiado al considerarse el único auténtico caso de “licantropía clínica” en la historia de la medicina española.



Igualmente la futura estrella usó como fuente de inspiración los cócteles de monstruos que empezó a facturar la Universal en los años ‘40 y que significó el principio del fin de la Edad de Oro del estudio y que comprendió títulos como FRANKENSTEIN Y EL HOMBRE LOBO (1943), de Roy William Neill, LA ZÍNGARA Y LOS MONSTRUOS (1944) y LA MANSIÓN DE DRÁCULA (1945), ambas de Erle C. Kenton (el mismo que en 1932 dirigió la obra maestra LA ISLA DE LAS ALMAS PERDIDAS… ).

A pesar de lo que cuenta el propio Paul Naschy en sus memorias y como bien matiza el británico Jonathan Rigy en su excelente libro “Euro Gothic” (Signum Books, Cambridge, 2016) aunque efectivamente fue el visionado de la primera de las cintas que menciono en el párrafo anterior...



... lo que decantaría su vocación hacia un género, el fantástico, de escasa (o más bien nula) raigambre dentro del cine español, la misma – pese a todo (y pese a todos) la mejor (o la menos mala) de la citada triada – no se estrenó en nuestro país hasta 1946 y, por tanto, Molina no tenía 9 sino 12 años cuando la vio en una sala de cine en el Madrid de la época.

Curiosamente Naschy no tuvo ocasión de hacer lo propio con la (muy) superior EL HOMBRE LOBO (1941), de George Waggner, dado que la misma fue vetada por la censura española y donde igualmente Lon Chaney, Jr. (1906-1973) encarnó por primera vez al personaje.



Precisamente la idea original de Naschy era que Chaney fuese el protagonista de la historia pero este, un alcohólico crónico desde los inicios de su carrera como actor (la sombra de su padre era ciertamente alargada...), no se encontraba precisamente en las mejores condiciones para afrontar un rodaje lejos de su tierra natal.

Serían los coproductores alemanes los que tendrían la brillante idea de que fuese el propio Naschy el encargado de encarnar al primer Hombre Lobo del cine español.



A todo esto sería el director madrileño Enrique López Eguiluz (1930-1997), quien había colaborado previamente con Naschy (aunque en calidad de actor de reparto) en AGONIZANDO EN EL CRIMEN (1968), el que se encargaría de mover el proyecto y de poner en contacto a la futura estrella con la productora alemana Hi-Fi Stereo 70 de Múnich.

Fue entonces cuando la española Maxper se subió al carro.

Recordemos que en aquellos años en Europa eran muy habituales las coproducciones entre distintos países y de ahí el hecho de que se rodaran las películas sin sonido directo lo que permitía que cada actor hablara en su propio idioma y luego todo se doblase a posteriori.

- Por cierto, Naschy sería doblado en esta película por José Guardiola. -

Y dado que antes he mencionado el nombre de las dos grandes estrellas de la británica Hammer Film Productions me gustaría indicar un hecho que emparenta esta cinta con una de las mejores obras del gran Terence Fisher (1904-1980), LA MALDICIÓN DEL HOMBRE LOBO y no solo por lo más evidente sino porque en ambos casos se tuvo que cambiar la localización original de la historia (allí de Francia a España, aquí de España a Europa Central), aunque por cuestiones distintas, todo hay que decirlo (allí presupuestarias, aquí políticas).

Pese a que LA MARCA DEL HOMBRE LOBO no puede considerarse ni de lejos como una superproducción lo cierto es que la misma se rodó en no solo en 65mm (vamos, como la coetánea 2001: UNA ODISEA DEL ESPACIO, de ya sabéis quién… (¡!)) sino también en 3-D (¡¡!!), en concreto en el denominado Hi-Fi Stereo 70 3-D…



https://www.in70mm.com/news/2020/frankenstein/index.htm

…, aunque dudo que se viera de tal guisa en nuestro paupérrimo país…

- Como podéis apreciar en las Colonias la cinta – que no se estrenó hasta 1971 – se tituló FRANKENSTEIN’S BLOODY TERROR (¡¡¡!!!) y en la cartelería se indicaba que había sido rodada en Super 70mm Chill-O-Rama (¡¡¡¡!!!!)…

Y no solo eso sino que una de las grandes bazas de la película (la otra sería la envolvente banda sonora de Ángel Arteaga) es el cuidado cromatismo obra del imaginero Emilio Foriscot, digno heredero de los Jack Asher, Floyd Crosby o Mario Bava.



Y dado que la película de referencia de Naschy fue la mencionada FRANKENSTEIN Y EL HOMBRE LOBO no es de extrañar que en esta los protagonistas sean Hombres Lobo (porque no hay uno sino dos)...



- Por cierto, el primero muere no una sino dos veces... -

... y Vampiros...



Lo que tiene que quedar claro desde un principio es que desde luego Naschy no era ni Bela Lugosi ni Boris Karloff ni mucho menos Christopher Lee.

De hecho, como actor Naschy siempre me pareció mediocre, aunque no pongo en duda la entrega que ponía en todos y en cada uno de los personajes que encarnaba.



Otra de las cosas que me distancian de sus interpretaciones era la inveterada (y ya mencionada) costumbre de que siempre apareciera doblado en sus películas dado que yo siempre las veo en VOSE.

Waldemar, además de luchar contra si mismo para evitar hacer daño a su Único y Verdadero Amor, la joven condesa von Aerenberg (la bella Dyanik Zurakowska),



... tendrá que hacer lo propio para evitar que la pareja de Vampiros – sin duda, los personajes más interesantes (y mejor interpretados) de la película – formada por el estilizado (¿y afeminado?) Dr. Janos (Julián Ugarte) y la voluptuosa Wandessa (Aurora de Alba) la conviertan en uno de sus acólitos.



Para ello Waldemar contará además con la ayuda del primer novio de la condesa, el pusilánime Rudolph (Manuel Manzaneque), que viene a ser una especie de Renfield solo que en este caso al servicio del noble cuando este le salvó del ataque del Hombre Lobo que le transmitió su maldición al primero.



Bastante mejor que muchos de los títulos que la seguirán LA MARCA DEL HOMBRE LOBO destaca, como decía, por la elegante puesta en escena de Eguiluz (a pesar de las obligadas - aunque mínimas, todo sea dicho - concesiones al estar rodada en relieve)...



... y del creativo uso del color tanto en interiores como en exteriores, así como de una banda sonora que sería reciclada en títulos posteriores del personaje.



Sin duda, una de las mejores (aunque ciertamente lejos de títulos coetáneos foráneos) cintas del cine fantástico nacional.

Buenas noches y, buena suerte.





P. D. E impagable ese guiño cinéfilo a Lon Chaney, en este caso Sr. y su EL FANTASMA DE LA ÓPERA (1925), en la presentación del personaje de Waldemar conduciendo un descapotable y vestido como en el cuento de Poe (de ahí lo de Waldemar... con W...) "La máscara de la Muerte Roja"...

Iniciado por Alcaudón

Sin duda, una de las mejores (aunque ciertamente lejos de títulos coetáneos foráneos) cintas del cine fantástico nacional.

Pues si esta es una de las mejores... La vi hace cosa de tres años y me pareció francamente mala.

Siempre fustigante , querido amigo.

Por cierto, el siguiente comentario del presente hilo estará dedicado a la cuarta entrega del coleccionable dedicado a Stephen King y que trasladó a la gran pantalla el gran - seguro que aquí estamos de acuerdo - David Cronerberg.

Pues sí, grande Cronenberg. Además The Dead Zone, después de múltiples visionados, es un film que cada vez me gusta más.

Aprovechando que la rescataron en Netflix, revisé Mortal Engines y bastante maja esta distopía con ciudades ambulantes.

Un poco plumbeo el último acto con tanto artificio y otra vez el escenario nocturno de rigor, pero por lo demás, bien.

El otro día vi Evil Dead Rise y bastante maja, llevando el horror a un entorno urbano. No alcanzará el culto de la original pero aprueba con nota. Lo mejor la Madre Deadite y se agradece la sangre y la casquería.

Quiero secuela.

El esqueleto de la señora Morales (1960), de Rogelio A. González



Como complemento perfecto de Él, la magnífica película de Buñuel comentada en el hilo que estamos dedicando al genial aragonés, y atendiendo a la sugerencia de hannaben (ratificada con entusiasmo por Alex Fletcher, o sea que, ante tanta unanimidad, me ha parecido de obligado visionado), he visto esta divertida película de humor negro, negrísimo, o, si se prefiere, de terror cómico.

Ambos ingredientes, el cómico y el terrorífico, están perfectamente dosificados. Además, para reforzar los vínculos con el Buñuel “mexicano”, la película cuenta con el guion de Luis Alcoriza, uno de los habituales colaboradores del de Calanda, adaptando una narración del gran escritor galés Arthur Machen, y tiene como protagonista, y mayor atractivo, a Arturo de Córdova, sobre el que ya hemos vertido todo tipo de elogios en el hilo de Buñuel. Le acompaña Amparo Rivelles, en el papel de su tullida mujer, y un grupito de secundarios de buena ley, entre los que destaca el madrileño Antonio Bravo como el padre Familiar (el nombre ya se las trae).

El argumento gira alrededor de un taxidermista, Pablo (De Córdova), asqueado de los continuos reproches de su mujer, Gloria (Rivelles), que exagera sus enfermedades y su discapacidad física (tiene una pierna deformada, con lo que le queda más corta) amargándole la vida. Gloria, además, se rodea de un grupito insoportable de beatas y meapilas comandado por el padre Familiar.



Como el título del film ya desvela, algo va a acabar pasándole a la señora Morales como para que acabe siendo parte de la colección de Pablo, o al menos eso parece, hasta el punto de ser acusado de asesinato. Pero no hay cuerpo del delito, y el esqueleto en cuestión se demuestra que no es de la esposa desaparecida. A pesar de que Pablo no es condenado, el destino va a jugar en su contra.

Aunque la acción está muy bien ilustrada con toda la imaginería típica de las películas de terror, los juegos de luces y sombras, lo siniestro del taller de taxidermia,



la gestualidad y las miradas de De Córdova (de las que ya dio una buena muestra en Él), la película destila un humor socarrón y juguetón que provoca más sonrisas que estremecimientos. Un buen film, a reivindicar.