Tema: Sir Alfred Hitchcock: revisando sus películas

Me encanta el Hollywood clásico, y quien dormía con quien, quien se casaba, qué puertas se abrían por primera vez en luna de miel (liz Taylor, Ava Gardner)

leyendo ayer el libro color Escarlata de david Ou me encontré con algo que no yo sabía

que Joan Fontaine se casó con mi inglés preferido, rubio no sé en qué grado de blondez, pero precioso, perfecto, os lo pongo con vuestra K y con la prima carnal del Zar asesinado, no es broma, Natalia Paley sí era una Romanoff.

http://rohmerin.blogspot.com/2017/09/brian-aherne.html



Talullah y el rico industrial se conocían, normal, era la época del CAFE SOCIETY (la mente envejecida de Woody Allen fue incapaz de hacer algo con ello)

Joan interrumpió su luna de miel con Brien Aherne, futuro juez en I CONFESS para hacer Rebecca.

Olivia de fue a la boda de su hermana. Para mi que fue a raíz del oscar cuando la dejo de hablar.



el hermano de Alfredo se suicidó y siempre viajaba en primera, a Hitch esto le parecía mal (puño cerrado)

Iniciado por mad dog earle

Por cierto, a la espera del macrocomentario de Alcaudón (que, visto que dice que le ha encantado el film, tendrá proporciones bíblicas, cecilbedemillescas), comento que en mi DVD de Spellbound, una copia muy decente editada, sorprendentemente, por Manga Films, sí aparecen los fotogramas en color, casi imperceptibles. A pesar de haberla visto varias veces, no me acordaba de ellos. Sobre la película, ya hablaremos largo y tendido, porque tiene miga.

Estoy en ello, estoy en ello.

Pero que conste que el que una película me guste más o menos no implica necesariamente que el comentario sea más o menos largo, aunque parezca una contradicción.

Pensaba dedicarme hoy todo al día al mismo pero he tenido (tengo) visita familiar (mi hermano mayor, su mujer y sus dos hijas) así que intentaré completarlo a lo largo de la tarde.

E intentaré no alargarme en exceso.

Ah, y aunque reconozco que la película me ha HECHIZADO... no la consideraría entre las grandes obras de su autor.

Claro que apareciendo...

En TODAS las películas que Hitchcock dirigió bajo la égida de Selznick el humor brillaba por su ausencia. Quizás en RECUERDA, donde el director no tuvo un control tan férreo por parte del todopoderoso productor (seguramente porque también estaba controlando DESDE QUE TE FUISTE (1944) de John Cromwell y en la que además de William Dieterle (que tuvo al igual que el directo británico una estrecha relación con Selznick) también intervino el mismísimo Sir Alfred (para una sola escena)) pudo meter algún pequeño gag, como ese que comentáis del revisor o como ese amago de tortazo de Alex a J.B. para poder despertarlo.



Eso sí, si uno no considera toda la película como una burla de Hitchcock y de su guionista, Ben Hecht, acerca del psicoanális (en el caso del segundo más sangrante todavía dado que el mismo era objeto de uno).

A mí desde luego (y como ya comentaré más a fondo en la reseña) me interesa menos la pseudojerga psicoanalítica (que desde luego el director se la toma a risa) como la hermosa historia de amor entre los dos protagonistas ayudada por la bellísima banda sonora de Rózsa, que parece un avance de la (extraordinaria) colaboración entre el director y su música talismán, Herrmann, quien por cierto había sido la primera elección del productor pero que por motivos de agenda no pudo encargarse de la misma.

Más información próximamente...

... si culmino hoy el titánico esfuerzo.

Por cierto, un par de apuntes bibliográficos.

En el número de este mes de la revista Imágenes (nº 402) se incluye dentro de la sección "Cult Movies" un estudio sobre LOS PÁJAROS y también se comentan las otras dos traslaciones a la gran pantalla de la obra de du Maurier por parte de Sir Alfred: POSADA JAMAICA y REBECA.

Y aunque no venga a cuento (¿o tal vez sí? ) el número de este mes de la revista Dirigido por... (nº 505) incluye la primera de las dos entregas dedicadas al gran Vincente (que no Vicente) Minnelli.

- Por cierto que se les ha escapado un gazapo en la portada de la revista puesto que pone Noviembre de 2019 en lugar de Diciembre de 2019. -

Iniciado por Alcaudón

Por cierto, un par de apuntes bibliográficos.

En el número de este mes de la revista Imágenes (nº 402) se incluye dentro de la sección "Cult Movies" un estudio sobre LOS PÁJAROS y también se comentan las otras dos traslaciones a la gran pantalla de la obra de du Maurier por parte de Sir Alfred: POSADA JAMAICA y REBECA.

Acabo de echarle un vistazo precisamente hace un par de horas a Imágenes de actualidad. Suelo comprarla (junto a Fotogramas) y me gusta mucho esa sección de Cult movies.

La pelicula Recuerda no es de las que mejor recuerdo tengo. Todo el tema de la psiquiatría me da un poquito de pereza, al menos en esta película. Por cierto, fue la última película por la que Selznick lograría nominación a mejor película del año.
Además, la Crítica de NY (una de las más antiguas y prestigiosas de los Estados Unidos) premió a Bergman como mejor actriz por este trabajo y por el de Las campanas de Santa María.

Iniciado por Alcaudón

Por cierto, un par de apuntes bibliográficos.

En el número de este mes de la revista Imágenes (nº 402) se incluye dentro de la sección "Cult Movies" un estudio sobre LOS PÁJAROS y también se comentan las otras dos traslaciones a la gran pantalla de la obra de du Maurier por parte de Sir Alfred: POSADA JAMAICA y REBECA.

Y aunque no venga a cuento (¿o tal vez sí? ) el número de este mes de la revista Dirigido por... (nº 505) incluye la primera de las dos entregas dedicadas al gran Vincente (que no Vicente) Minnelli.

- Por cierto que se les ha escapado un gazapo en la portada de la revista puesto que pone Noviembre de 2019 en lugar de Diciembre de 2019. -

Gracias amigo Alcaudón, la compraré sin duda, me interesa tanto "los pájaros" como V. Minnelli.... espero que traiga también buenas fotos...

Acabo de finalizar la crónica. Esta vez he batido récords (y, creedme, no lo digo como un mérito) dado que me han salido 10 páginas en Word. Demasiadas horas delante del ordenador con mis lumbares y mi espalda reclamando un (merecido) descanso.

Después de cenar me veré una película para desconectar e intentaré incluir la iconografía necesaria (pero sin abusar) para dejar bonito el comentario y ponerlo a vuestra disposición.

Y mañana intentaré verme los dos cortometrajes y de esta forma ponerme las pilas y dejar todo bien cerrado.

A descansar un rato que estoy muerto.

“La culpa, querido Bruto, no está en nuestras estrellas, sino en nosotros, que no somos más que esclavos”.

Shakespeare, “Julio César”, acto primero, escena primera.



o

REVISANDO LA FILMOGRAFÍA DE SIR ALFRED HITCHCOCK (1899-1980) / PARTE XXX:

31. SPELLBOUND (1945, RECUERDA)



Director: Alfred Hitchcock (y William Cameron Menzies).

Producción: Vanguard Films, Inc.

Distribución: United Artists Corp.

Productor: David O. Selznick.

Guión: Ben Hecht, a partir de la adaptación de Angus MacPhail de la novela “The House of Dr. Edwardes” (Londres, 1927) de Francis Beeding (pseudónimo conjunto de los escritores John Leslie Palmer y Hilary Aidan St. George Saunders).

Dirección artística: James Basevi y John Ewing.

Fotografía: George Barnes (1.37:1).

Música: Miklós Rózsa.

Montaje: Hal C. Kern y William H. Ziegler.

Reparto: Ingrid Bergman (Dra. Constance Petersen), Gregory Peck (Dr. Anthony Edwardes/John Ballantyne), Michael Chekhov (Dr. Alexander “Alex” Brulov), Leo G. Carroll (Dr. Murchison), Rhonda Fleming (Mary Carmichael), John Emery (Dr. Fleurot), Norman Lloyd (El señor Garmes).

Duración: 1 h 58 m 09 s. (incluye Overture y Exit Music). 4 m 14 s > 1 h 55 23 s.

Rodaje: desde principios de julio hasta finales de septiembre de 1944.

Estreno: 31 de octubre de 1945.

Green Manors (Vermont) > Rochester (Nueva York ) > Gabriel Valley

RECUERDA es una película, como REBECA o SOSPECHA - por cierto, películas de mujeres, sobre mujeres y para mujeres (y que nadie se ofenda) -, que tenía en baja estima y que en mi modesto punto de vista estaban sobredimensionadas en cuanto a sus verdaderos méritos artísticos.

Sin embargo, la revisión a fondo que estamos llevando a cabo, con gran esfuerzo y pasión un puñado de amigos, al menos en mi caso, me ha revelado que películas como las arriba indicadas y por las que no tenía especial aprecio se han convertido (de nuevo, como cuando las vi de niño) en obras atractivas, fascinantes incluso y desde luego premonitorias del futuro trabajo de uno de los directores más grandes que nos ha legado el 7º Arte.

- Por cierto, gracias al éxito de SOSPECHA (Oscar para Joan Fontaine incluido), desde SABOTAJE en adelante el nombre del director aparecería con la siguiente expresión: Alfred Hitchcock’s… Algo que parece intrascendente pero que era muy importante para los directores, al igual que la frase A Alfred Hitchcock (o el director que se tercie) production.







Un forma de acreditar con total justicia el valor que el nombre del director aportaba a todas y cada una de las películas en las que participaba. -

Y es que RECUERDA, a pesar de todos los peros que se le puedan (y se le deban) poner, tenía al menos para mí dos bazas fundamentales para hacer de su visionado una experiencia absorbente.

De uno, la extraordinaria banda sonora del gran Miklós Rózsa.



De otro, la presencia de una exquisita y bellísima Ingrid Bergman, en la primera de las tres colaboraciones con el maestro y que es el centro y, sobre todo, el corazón de la historia.



- Ingrid Bergman sería, junto a Grace Kelly y “Tippi” Hedren, el gran trío de actrices con las que el director estableció una relación más personal y el epítome de su concepto femenino de elegancia y seducción. -





Segunda de las tres películas que Hitchcock rodó para David O. Selznick y, en mi modesta opinión, la mejor de ellas (o al menos la que más me gusta), RECUERDA es una película que retoma elementos de películas anteriores de su director (esencialmente de REBECA y de SOSPECHA) pero a la que envuelve en un ambiente onírico (y no sólo por la famosa secuencia – mutilada – del sueño diseñada por el mismísimo Salvador Dalí) y de ensueño, todo ello derivado sin duda, de la profunda historia de amor que vertebra la historia: el enamoramiento instantáneo que sufre la protagonista tan pronto como sus bellos ojos se posan en los de su príncipe azul.

- Recordemos que ENCADENADOS, que hubiera sido la tercera colaboración Selznick / Hitchcock fue vendida a la RKO y quizás por ello sea la mejor de todas al poder gozar el director de una libertad difícil lejos del control agobiante al que solía someter el todopoderoso productor sobre todos los que estaban bajo su mando. -

Por cierto, aunque en los títulos de crédito se indique que es una producción de la compañía fundada en 1935 por DOS, Selznick International Pictures, Inc., en realidad la misma se había disuelto en 1940, siendo sustituida primero por David O. Selznick Productions, Inc. y más tarde, en 1942, por Vanguard Films, Inc.

- Vanguard en realidad funcionaba como dos compañías, la principal, dirigida por el propio Selznick y con la que el magnate produjo personalmente títulos como DESDE QUE TE FUISTE (1944) de John Cromwell (y William Dieterle – e incluso Alfred Hitchcock… -), RECUERDA (1945), DUELO AL SOL (1946) de King Vidor (y William Dieterle y…), EL PROCESO PARADINE (1947) y JENNIE (1948) de William Dieterle y la subsidiaria, dirigida por otro gran productor, Dore Schary, con títulos como TE VOLVERÉ A VER (1944) de William Dieterle, LA ESCALERA DE CARACOL (1946) de Robert Siodmak, HASTA EL FIN DEL TIEMPO (1946) de Edward Dmytryk, UN DESTINO DE MUJER (1947) de H. C. Potter y EL SOLTERÓN Y LA MENOR (1947) de Irving Reis. -

Por tanto, aunque tanto al inicio…



… como al final…



… se indique que en es una producción de la Selznick International, en realidad y tal y cómo aparece indicado en el copyright, estaríamos hablando de una película Vanguard.



Tal circunstancia se debería, en mi modesto entender, a que de esta forma el público asociaría inmediatamente la nueva producción (recordemos que Selznick se había mantenido inactivo desde hacía cuatro años) con el nombre de la compañía que había facturado dos producciones tan exitosas como LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ (1939) y REBECA (1940), no sólo en términos económicos sino también en cuanto al reconocimiento en forma de premios (léase Oscars).

Al contrario que en el caso de REBECA, donde se respetó escrupulosamente el texto de Daphne de Maurier, salvo las lógicas concesiones al Código de Producción y alterar el punto de vista de la narración – siempre en primera persona y contado desde el punto de vista de la segunda señora de Winter – en el caso de la obra de “Francis Beeding”, pseudónimo conjunto de los escritores John Leslie Palmer (1885-1944) y Hilary Aidan Saint George Saunders (1898-1951), únicamente se utilizó el esqueleto de la misma, lo cual no es de extrañar, dado lo demencial de la trama – una novela gótica escrita en pleno siglo XX -.



- Cubierta de la primera edición norteamericana, A. L. Burt Company, Nueva York, 1928 -

Queriendo darle la vuelta a la tortilla, el propio Hitchcock compró los derechos de la novela (por 500 libras esterlinas) y luego los revendió a Selznick por 40.000 dólares. Si a eso añadimos los 150.000 que le pagó por dirigirla, el negocio le salió redondo al director. Una forma de devolverle la moneda al productor quien había ingresado cantidades ingentes por las continuas cesiones del director a diferentes compañías (por este orden, RKO, Universal y Fox) y de las que Hitchcock sólo se llevó las migajas.

Aunque productor y director estuvieron de acuerdo en la elección de Ingrid Bergman para encarnar a Constance, la protagonista de la cinta (aunque también la bella y elegante Dorothy McGuire estuvo entre las más firmes candidatas), en el caso de los personajes masculinos la cosa estuvo más reñida.

Hitchcock se decantaba por Joseph Cotten, con quien había trabajado tan bien en la espléndida LA SOMBRA DE UNA DUDA, pero Selznick prefería a Gregory Peck, quien recientemente había sido finalista de los Oscar al mejor actor por su papel en LAS LLAVES DEL REINO (1944) de John M. Stahl – su segunda película como actor – y que debería haber sido dirigida por el propio Sir Alfred y que además tenía unos honorarios notablemente más bajos.

Finalmente ganó (lógicamente) el productor y así fue se consiguió un reparto de campanillas, con dos de los actores más atractivos (por bellos) del momento.



- Aclaremos algo rápidamente.

En realidad, Hitchcock tenía en mente desde un principio a Cary Grant, con quien había trabajado tan a gusto en SOSPECHA y que para el director era el epítome de la elegancia. Pero a Grant no le interesó el papel y por eso el director se decantó por Cotten.

De todas formas y como todos bien sabréis Hitchcock colaboraría en su siguiente película, ENCADENADOS, con el actor de origen británico – y con Ingrid Bergman, por supuesto – en la que es, sin lugar a dudas, una de las grandes cimas de su carrera.

Ah, y recordar que tanto Bergman como Cotten y Peck (y McGuire) estaban bajo contrato con Selznick.

Y mientras Bergman, que es la auténtica protagonista de la película (y no sólo porque sea la primera en los títulos de crédito), cobró por su participación 220.000 dólares, su partenaire únicamente se embolsó 33.850. -

Selznick además incluyó entre el equipo técnico a profesionales de su absoluta confianza, como el director de fotografía George Barnes (quien ya había ganado un Oscar por su trabajo en REBECA) – y al que el director odiaba por su tendencia a usar filtros para realzar la belleza de las actrices -, el director artístico James Basevi o el montador Hal C. Kern.

En cuanto al guión, después del (leve) tratamiento por parte de Angus MacPhail sobre el texto original, el mismo corrió a cargo del director y de Ben Hecht (uno de los más reputados – y rápidos – guionistas de Hollywood) quienes trabajaron en perfecta armonía y que se convirtieron en grandes amigos.



- Recordemos que Hecht ya había trabajado – anónimamente - con Hitchcock en ENVIADO ESPECIAL y NÁUFRAGOS. -

Sin embargo uno de los inconvenientes que tuvo que sufrir en la elaboración del libreto el director fue la injerencia de la doctora en psicología May E. Romm (acreditada como “Psychiatric Advisor”) y que no casualmente era la profesional que trataba al propio David O. Selznick.

- Un Selznick que acaba de sufrir la pérdida de su hermano Myron (agente de Hitchcock – con el que no se llevaba nada bien, por cierto -). -

Otro de los apartados donde el productor se impuso al director fue en el diseño de la la secuencia onírica y que contaría con la participación de nuestro Salvador Dalí.





Presupuestada inicialmente en 150.000 dólares la secuencia constaba en realidad de cuatro segmentos, con una duración de cerca de 20 minutos – y de la que la propia Ingrid Bergman se sentía muy orgullosa – y que sin duda aportaría una notable modernidad a una historia, reconozcámoslo, ciertamente trasnochada (aunque tal vez no sea esa la palabra más adecuada…).

Pero, aprovechando la ausencia del director que estaba (de nuevo) en Londres y comenzando a gestar junto a Sidney Bernstein su propia compañía – Transatlantic Pictures – y con las que rodaría sus primeras películas en Technicolor (LA SOGA (1948) y ATORMENTADA (1949)) – el productor redujo sustancialmente la partida dedicada a rodar la escena ideada por Dalí (hasta unos escuetos 20.000 dólares) y fue totalmente rediseñada por William Cameron Menzies (co-autor de LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ) y que ahora trabajaba a la Columbia, con lo que tuvo que desembolsar una bonita cantidad para contar con sus servicios. Donde las dan, las toman...

Es una verdadera lástima que no se haya podido recuperar la secuencia tal y como la rodó Hitchock y de la que sólo se conservan unos – jugosos – fotogramas y donde podemos atisbar a una bellísima Ingrid Bergman vestida de una forma harto sugerente…





Y antes de entrar a comentar finalmente la película sólo un par de cosillas.

Pese al considerable retraso que sufrió la producción debido a los problemas de posproducción comentados – además de otros que sería tedioso comentar – la película fue un formidable éxito de taquilla.

Si tomamos como referencia el número del 5 de enero de 1955 de la famosa revista de cine “Variety” (y que, por tanto, incluía producciones estrenadas hasta 1954), RECUERDA ocupaba, ni más ni menos, que el puesto n.º 53 (estoy hablando de las películas más taquilleras de toda la historia), con 4.975.000 dólares.

Por encima, únicamente se situaba la reciente LA VENTANA INDISCRETA (puesto 34, con 5.300.000) y detrás ENCADENADOS (56, 4.800.000).

Por supuesto, todas ellas a años luz de LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ (33.500.000 (¡!)), la película más vista (y por tanto, la más taquillera) de toda la historia.

Y como curiosidad, mencionar que la citada DESDE QUE TE FUISTE (1944) – recordemos la primera película como productor de Selznick desde REBECA – ocupaba el puesto n.º 54, con 4.950.000 dólares.

Y ya va siendo hora de hablar de la película, digo yo, que para eso me pagan…

Mientras los títulos de crédito desfilan delante de nuestros ojos lo que rápidamente capta nuestra atención es la envolvente banda sonora de Miklós Rózsa, especialmente el sonido del theremín y que sería tan característico del cine fantástico (y especialmente del subgénero de la ciencia ficción).

- Un sonido, por cierto, que Rózsa (al que Hitchcock había elegido después de oír la música que había compuesto para PERDICIÓN (1944) de Billy Wilder) emplearía igualmente en las pesadillas etílicas de un oscarizado Ray Milland en DÍAS SIN HUELLA (1945) y que supuso para Selznick toda una afrenta dado que la película de Wilder llegó a las salas de cine antes que su película que había sido rodada previamente. -



Igualmente oímos el bellísimo tema de amor compuesto para la relación Bergman y Peck y que se repetirá como un leitmotiv a lo largo de la película.

La cita que encabeza la presente crónica (en su versión extendida) antecede el inicio de la acción.

E igualmente leemos un texto, una de cuyas frases tendría una importancia capital en el devenir de la historia:

“El psicoanalista sólo pretende inducir al paciente a hablar de sus problemas ocultos con el propósito de abrir las puertas cerradas de su mente”.

Estamos en el estado de Vermont, en la clínica Green Manors, regentada por el Dr. Murchison (el habitual Leo G. Carroll, uno de los favoritos del director británico) y donde trabaja la Dra. Constance Petersen (una bellísima Ingrid Bergman, en la plenitud de su belleza y de su talento).



- Aunque esa presentación del personaje nos recuerda poderosamente al de Madeleine Carroll en 39 ESCALONES y al de Joan Fontaine en SOSPECHA -





Los personajes encarnados por Rhonda Fleming (una de las actrices pelirrojas más bellas de los años ‘50) y Norman Lloyd (quien a sus 105 años de edad es el más veterano de todos los actores del Hollywood clásico), dos pacientes de la doctora, nos sirven de perfecta introducción de los traumas que sufren los protagonistas.





Mientras que ella (Fleming) es aparentemente una ninfómana pero que en realidad detesta a los hombres, a los que dice odiar, él (Lloyd) carga con un complejo de culpa – inexistente – desde la infancia.

Pronto veremos que la Dra. Petersen, a la que todos sus compañeros parecen desear – como bien muestra el más lanzado Dr. Fleurot (John Emery, uno de los ex-maridos de Tallulah Bankhead, por cierto… ) - representa la otra cara de la moneda. Una mujer independiente, absorbida por su trabajo y a la que no parecen interesar en demasía los asuntos del corazón.



En cambio, el (falso) Dr. Edwardes (un demasiado joven para mí Gregory Peck aunque transmite una excelente química con la bella sueca) sufrirá similar trastorno al que padece el señor Garmes, como veremos más adelante.



Por tanto, ambos personajes, aparentemente desconectados de la trama principal son, por el contrario, esenciales en el sentido de avanzar algo determinante en la vida (y en la relación) de la pareja protagonista.

El retiro del Dr. Murchison debido a una crisis nerviosa de la que aparentemente se ha recuperado supondrá la llegada del famoso Dr. Edwardes.



Sin embargo y contra todo pronóstico en lugar de a un venerable anciano se nos presenta un apuesto y joven caballero.



El encuentro o más bien el cruce de miradas entre ambos doctores (o entre Bergman y Peck que, pese a estar casados, parece que mantuvieron un breve romance durante la filmación) no sólo es de una belleza abrumadora sino que (como veremos más adelante) tiene una conexión más que evidente con la cita que antes subrayaba.





En verdad que en pocas películas se ha escenificado tan bien lo que significa un flechazo entre dos personas. Y, especialmente, desde el punto de vista femenino que es el imperante a lo largo de toda la película. Porque y ésto es importante que no lo olvidemos, ella es la heroína del relato puesto que sin su ayuda (y su amor incondicional) él hubiera acabado indudablemente en la cárcel y condenado a muerte por un asesinato que no había cometido. Pero no avancemos acontecimientos…



Esa primera cena con la Dra. Petersen y sus colegas nos pondrá ya en aviso de que algo no va bien en la mente del recién llegado. Unas líneas paralelas sobre un mantel blanco que la doctora hace con el tenedor mientras le explica sus proyectos sobre Green Manors hacen saltar la alerta no sólo de ella sino también de sus colegas…



- El blanco tendrá una simbología especial para el director a lo largo de toda la película, no sólo como uno de los motivos principales que le atormentan a él sino igualmente como indicativo de la pureza (la virginidad) de ella, algo a lo que un católico (no practicante) como era Hitchcock seguro que le atraía especialmente. -

Su paseo por los alrededores de la finca afianzará rápidamente la atracción que sienten ambos el uno por el otro y demostrará lo rápido que se desmoronan las defensas de ella cuando conoce a su primer y verdadero amor.



- Aquí la referencia más obvia sería REBECA y en menor grado SOSPECHA, puesto que en ambas las protagonistas son mujeres de nula experiencia en el terreno del amor y que se sienten fascinadas (hechizadas, sería la palabra más apropiada, en la traducción más acertada del título original, SPELLBOUND – sin duda, obra de Selznick -) por hombres más experimentados por los que sienten una inmediata atracción. -

Una Dra. Petersen que se enamorará como una colegiala del apuesto galán y al que no dudará en visitar en su propia habitación con el absurdo pretexto de hablar de uno de sus libros.



De nuevo y de una forma todavía más expresiva, el primer beso de la pareja (y, sin duda, la primera experiencia amorosa de ella – algo que sin duda a un fetichista como Hithcock le haría disfrutar de lo lindo -), nos proporciona una de las escenas más bellas de la película y tal vez la más famosa: las puertas que se abren, una tras otra y que es una referencia todavía más directa a esas puertas que se mencionaban en el texto sobreimpreso.











El incidente de la sala de operaciones pone en sobre aviso a Constance de que hay algo que no encaja en la personalidad del supuesto Dr. Edwardes. El cotejo de la firmas servirá de prueba concluyente.



A partir de entonces ella, obnubilada por el amor y a costa de su propia seguridad, empezará a tratar a su fraudulento colega.





Toda esa parte psicoanalítica de la película y que parece formar parte del núcleo de la narración en realidad importa y bien poco a Hithcock y aunque es determinante tanto en la puesta en escena del director como en la resolución final de la misma lo cierto es que lo que el director potenciará hasta su grado máximo es la historia de amor entre los dos protagonistas y especialmente la dedicación total y absoluta que ella dedicará para poder sanar al único hombre que ha amado jamás.



El descubrimiento por parte de ella de la falsa identidad de quien dice ser el Dr. Edwardes viene acompañado de similar circunstancia por parte de sus colegas (liderados por el Dr. Murchison) quienes acompañados de la policía se presentarán en las habitaciones de Constance dada la desaparición del primero a quien ya acusan directamente de la muerte y usurpación de la identidad del finado.



Un pequeño suspense con la carta de él en el suelo de la habitación de ella...

- Aquí Hitchcock hará uso de un recurso que ya había utilizado antes pero que aquí sería mucho más decisivo como es la utilización de objetos magnificados en tamaño. El director lo usará aquí en – al menos, tres ocasiones, si mi memoria no falla – incluido el abrupto final. -



La llegada a Nueva York de ella en busca de él se saldará por parte de Hitchcock en una ingeniosa – aunque aparentemente banal – escena entre ella, el detective del hotel en el que se aloja el falso Dr. Edwardes y un metomentodo (ahora lo definiríamos de otra forma…). Sólo por la inocencia y el encanto que despide la actriz merece la pena disfrutar del momento.



- Aquí, por cierto, tendremos el ya habitual cameo del director. -



El reencuentro entre los amantes le servirá a ella para profundizar en el intento de curarle y donde asoman esos recuerdos borrados de su infancia a los que hacía referencia y que le emparentaban, en cierta manera, con el personaje encarnado por Norman Lloyd.



El descubrimiento de la verdadera profesión de él, médico, parece ciertamente un tanto rocambolesco pero es uno de esos peajes que Hitchcock debía pagar dado que el psicoanálisis y más en concreto sus cualidades terapéuticas, eran el eje – al menos por parte del productor – de la trama. Recordemos además que la temática elegida era toda una novedad en el cine de la época y tal vez por ello en ese sentido la película ha quedado notablemente desfasada.



Aquí también Hitchcock hace un breve resumen de lo que sabemos hasta ahora en una de esas escenas típicas de su obra y que servían para recuperar a aquellos espectadores que se habían perdido en los vericuetos de la trama.



Y ya que antes mencionábamos a REBECA, lo que uniría a las dos películas – además de lo ya mencionado – sería el que los dos protagonistas (bueno, en realidad es ella la protagonista, pero nos entendemos) carecen de nombre. Ella era la segunda señora de Winter y el sólo conocerá las iniciales de su nombre J. B.

Nuevas pistas sobre nuestro protagonista (masculino): una grave quemadura en la muñeca izquierda. Luego sabremos debida a qué (aunque, en realidad, no tiene demasiada relevancia en la trama).



La fotografía de la doctora en el periódico hará huir a la pareja fugitiva.

La escena de la estación de tren aportará uno de los escasos gags que incluye la película (y que se repetirá al final de la misma), el del revisor.



Aunque antes y premonitoriamente (en verdad, nada más que una casualidad) el único destino que le viene a la mente a J. es…

… Roma.



¿Adivináis que película interpretó el galán Gregory Peck y que tiene lugar en cierta capital europea? Pues sí, VACACIONES EN ROMA (1953) de William Wyler. Sí, está traído de los pelos pero no me digáis que no es una coincidencia…



Finalmente será Rochester el destino elegido, lugar en donde vive el Dr. Brulov (un excelente Michael Chekhov – quien fue nominado a los Oscar – y que no sé por qué me recuerda al igualmente excelente Albert Basserman de ENVIADO ESPECIAL), el mentor de Constance y con el que parece mantener una relación paternofilial.



Las escenas que transcurren en el domicilio de Alex, el Dr. Brulov, son tal vez las más conseguidas de toda la película dada la excelente actuación de los tres actores y porque en ellas tiene lugar la famosa secuencia ideada por Dalí (aunque severamente mutilada como indicaba antes).



Además es donde Hithcock incluye alguna de las puyas más directas contra en psicoanálisis en la boca del Dr. Brulov, así como la inquietante escena cuando Peck desciende por las escaleras con una navaja de afeitar en su mano y con la – involuntaria – decisión de acabar con la vida del anciano.



Tanto la escena de la mano de Peck con la navaja en primer plano y fuertemente iluminada como más claramente la del vaso de leche remiten inmediatamente a escenas similares en la mítica SOSPECHA.

Y si en SOSPECHA el vaso debería haber contenido veneno aquí igualmente el mismo lleva disuelto un potente tranquilizante que hará dormir a pierna suelta a nuestro protagonista.



Aquí, como ya adelantaba también, Hithcock incluye otro de esos pequeños gags como es el amago de tortazo con el que el Dr. Brulov pretende despertar al bello durmiente.



En contra del criterio de Alex que está seguro de la culpabilidad de J., al que pese a todo exime de la responsabilidad de sus actos, profundizaremos más en los traumas de la psique de éste y avanzaremos a pasos agigantados en la resolución de la trama.



Como ya decía es una pena que no se haya podido recuperar la escena original completa, tal y como la dirigió Hithcock, del sueño (en realidad, como decía, varios sueños encadenados) ideado por el genial artista catalán.

Desde luego esos fotogramas con una bellísima Ingrid Bergman le dejan a uno un regusto francamente amargo por no poder ver la escena tal y como fue rodada.



Una escena en la que podemos apreciar un claro homenaje al Buñuel (y al propio Dalí) de UN PERRO ANDALUZ con esas tijeras (allí una navaja) cortando ojos.





De cualquier forma, incluso lo que nos ha llegado hoy en día, sirven para crear una extraña atmósfera que crea una notable (y atractiva) discrepancia con el resto de la trama y con la misma puesta en escena (más tradicional, menos experimental) del director.











Y si en RECUERDA se menciona un Valle Gabriel en REBECA teníamos igualmente un Valle Feliz…

… y será en dicho Valle donde finalmente se desenvuelva la madeja de la trama y donde sabremos no sólo la verdadera identidad de J. (ahora ya denominado John Ballantyne, su verdadero nombre) sino que éste es inocente de la muerte del verdadero Dr. Edwardes.

Una cura demasiado repentina, ciertamente y que además incluye alguna de las escasas escenas donde no me gusta nada la forma de filmar del maestro, con ese descenso de la pista de esquí rodado con trasparencias y escasamente verosímil.



Tampoco me entusiasman las escenas de los primeros planos de Bergman cuando Peck es arrestado y condenado a muerte, con ella luciendo vestuario en cada uno de los planos. Y una escena que Hitchcock retomaría (y mejoraría claramente) en CRIMEN PERFECTO con la inmarcesible Grace Kelly.





Y de nuevo creo que el desenlace de la película es demasiado abrupto y un tanto inverosímil.

El desliz que comete el Dr. Murchison al comentarle a Constance que había conocido al finado Dr. Edwardes (algo que había negado al comienzo de la historia) pondrá sobre aviso a aquella sobre quien es el verdadero asesino.



El final, una simple venganza de Murchison frente a Edwardes, por usurpar su puesto en la clínica de la que había sido su cabeza visible durante 20 años es escasamente original.



Pero de nuevo y aquí con mayor importancia, Hitchcock hará uso de los objetos magnificados y construirá una mano y una pistola de gran tamaño para filmar el suicidio (en cámara subjetiva – algo, por cierto, que el director hará varias veces a lo largo de la película -) para el catártico final. Incluyendo la original (o quizás no tanto) idea de tintar de rojo (o más bien virar) la imagen en el instante crucial.





La aparición de nuevo del simpático revisor servirá al director para acabar la película con una nota alegre que nos borre el recuerdo del suicidio del tercer protagonista (encubierto) de la historia. Recordemos que el Código prohibía mostrar (o siquiera nombrar) el suicidio en la pantalla. Sólo la naturaleza claramente psicopática del personaje encarnado por Carroll podría contrarrestar dicha prohibición.



Y aunque lo diga el rótulo final…

… ésta NO es una película Selznick International.

Ah, y recordar que la película estuvo nominada en 6 categorías a los Oscar de 1946 – incluido, de nuevo, al mejor director - aunque sólo ganó la bellísima partitura de Miklós Rózsa.

Y como ya dije antes fue la película de Hitchcock más taquillera de todas las que rodó en los años ‘40.

Perdonad el rollo y feliz noche a todos, mis queridos amigos.

Me encanta Enviado especial. Siempre me ha gustado, hoy también. Soy coincidente con Truffaut, je je.
Hay otro filme con el simpatico Joel parecido. Joel le da mil vueltas a Gregorio. Imaginen a Peck en los Preston Sturges, ni modo.



Hay un oscarizado Leisen muy bueno, arranca en la post guerra Española, la cárcel de Franco en Burgos. Es una maravilla de película (a pesar de Ray Milland, que sí, es aun peor que Peck). Se desarrolla en las mismas fechas que Enviado especial y tiene también una llamada de aviso, Rossevelt, a EEUU.



Bonita propaganda del duce sobre el Blitz de 1940. Es terrorífico (adoro los poster de propaganda de los años 30s y 40s, todos, de cualquier sesgo y país).



Hay una novela sobre el clipper, justo a punto de estallar la guerra, que hacía muchas (demasiadas) escalas, porque no tenían aun autonomía, y encima aterrizaban en el agua, eran hidroaviones, como los de Porco Rosso.



https://en.wikipedia.org/wiki/Boeing_314_Clipper

por si queriamos volar en 1940, en verano, con LUFTHANSA pero no al UK o Francia, que eran enemigos.
Podiamos ir a Valencia, a Moscú a ver nuestro querido Stalin.



https://www.timetableimages.com/ttimages/list.htm

el folleto de 1937 y 38 para en Salamanca, en Burgos pero no en mi casa. Vaya. Aquí se trabajaba, eramos la base de la Condor.

Las manos del malo en el molino son, en efecto, para disimular y salir del aprieto.
Recordar que en revoluciones, la francesa, la rusa, o la guerra de España, cuando se disfrazaban de criados u obreros, o los nazis con el pijama de rayas, siempre les descubrían por las manos de señor, suaves, de no trabajar.

Y lapidadme, pero al ver los bombines y sombreros me acordé de ese otro HIT del 39 en España: los rojos no llevan sombrero.

Me encantan los detalles de don Alfredo. Fritz Lang y los que aprendieron en el mudo los incluyen y narran con ellos.

Los niños repelentes. Que odiosos, Greta incluida.
Los vasos de leche. Aparecen en Recuerda, en Enviado especial... Odio la leche

A Peck le drogan con bromuro en ella, ¿es divertido, y sí lo es, dónde lo puedo encontrar? Ayer el pervitin del ubermensch capitán del UBoat en Lifeboat; hoy en Foreig Correspondant, una inyección que intuyo, sería un opioide, en el molino de Holanda. Quizás también otra de pentonal cuando le torturan - interrogan en el restaurante de Londres. ¡¡¡Quiero vivir en una pelicula de AH si esto continua así !!!



¡Qué declaraciones de amor hay en Enviado, en La sombra, en Recuerda! ¡Cómo huyen de bien juntos, atados o no, un hombre y una mujer! Grande.
Gran retratista del mundo del tren.

Necesito un novio farmaceutico o químico ya.

en DVD de Enviado de WB zona 1 trae un buen documental de 33 minutos sobre el filme. El de universal de La sombra de una duda, también, 33 minutos. Ambos son del 2004, entonces no las veía desde ese año. En ambos sale gente que vivía pero ahora no: Teresa Wright, Hume Cronyn. Don A en las peliculas caseras, hay alguna en color, da miedo por su gordura. Adelgazó en fecha de Naufragos.
Veré los docus de Recuerda, son tres. Sólo me puse el de Rhonda Fleming.

La semana que viene es mi AH preferido, Notorious.

los asesinos dejan pruebas: anillos. Grace Kelly, Rear window

La semana que viene haré mi modesto analisis de Recuerda

Saludos pochol@s!!

Recuerda (Spellbound, 1945)



Spellbound es de las películas de Hitchcock que ya vi en mi tierna infancia, momento en que me impresionaron especialmente dos cosas: el sonido del theremín, que para siempre jamás he asociado a lo mágico, a lo fantástico, a lo inquietante, a lo onírico, y la secuencia del sueño, diseñada por Dalí, y en especial ese personaje sin rostro, que después descubriremos que representa al Dr. Murchison (un sobrio, como siempre, Leo G. Carroll).



El guion flojea bastante desde el punto de vista del contenido, de lo que se cuenta: un pastiche de palabrería pseudofreudiana, con una serie de situaciones de lo más inverosímil (lo del amnésico que se presenta en Green Manors haciéndose pasar por el Dr. Edwardes no hay por donde cogerlo). Se supone que el Dr. Murchison, que sabe perfectamente que el recién llegado no es el Dr. Edwardes debería mostrar algún signo de sorpresa, pero no, lo recibe como si no supiera nada de su impostura: demasiada flema incluso para un británico como Leo G.

Lo bueno, no obstante, es que la trama argumental no es más que un pretexto para que la acción fluya desde el principio, y en este sentido el film cumple perfectamente su objetivo: ofrecernos una vez más una fantasía romántica, donde lo verosímil es claramente menospreciado (cuando no es directamente objeto de burla). El recurso a lo psicoanalítico, tan de moda en esos años en el cine de Hollywood, solo tiene aquí sentido por la fuerza simbólica que otorga a las imágenes, algo que Hitchcock ya había venido utilizando desde siempre en su cine, fuera o no por la influencia de la lectura del genial vienés.

Como Alcaudón ya ha dado cuenta del desarrollo argumental con detalle, me centro en algunos aspectos que me han parecido especialmente interesantes. Para empezar, la forma de iniciar la película presentándonos a Mrs. Carmichael (la atractiva Rhonda Fleming), una peligrosa paciente de tendencias ninfómanas, lo que dota al film ya desde el primer momento de una carga malsana, perturbadora, enfermiza, que pone al espectador en situación, en especial mediante ese arañazo en la mano del enfermero, como signo de la más que evidente peligrosidad de su comportamiento insinuante.



Primera impresión que se va a ver aún más reforzada cuando conozcamos a otro de los pacientes: el inquietante Mr. Garmes (Norman Lloyd), que no sé por qué me ha recordado al Renfield (Dwight Frye) del Dracula de Browning.





A diferencia de lo que ha opinado Alcaudón, a mí ese flechazo a primera vista entre el falso Dr. Edwardes y la recatada Dra. Petersen me parece demasiado subrayado, incluso con una entrada de la banda sonora excesivamente obvia. Así pensaba también el director: “Desgraciadamente, en ese preciso momento, los violines empiezan a sonar, ¡y es espantoso!”. Una cosa es que el espectador se quede embobado con la belleza de la Bergman (y quizá con la de Peck, decididamente demasiado joven para el papel; hubiera preferido a Cotten), y otra es que se trate de una escena bien resuelta: me parece poco sutil para un director como Hitchcock.

En esa escena en el comedor, empezamos a tener indicios de la fobia de Edwardes por las superficies blancas y muy en especial las rayas. Su intento de borrar las marcas del tenedor sobre el mantel tienen una lectura, creo que muy evidente, de lo más obscena, solo hace falta ver la forma de vulva de la figura que dibuja la doctora y el objeto con que él intenta borrarla.



Durante el paseo por el campo sí que asistimos a un momento de bello romanticismo, un poco como el de los personajes de Grant y Fontaine en Suspicion, pero desprovisto del tono burlón del film anterior. Como allí, hay un cierto fetichismo en la mirada sobre el cabello de la actriz por parte de Edwardes (y del director), en lo cual coinciden luego sus colegas, en especial el impertinente Dr. Fleurot (John Emery).





En esa secuencia, de vuelta al comedor, encontramos un magnífico detalle de puesta en escena, cuando dos sillas vacías en primer plano nos informan de la ausencia de la pareja... y de la inevitable conclusión a la que llegan sus colegas.



Pero lo mejor está por llegar, en la secuencia nocturna durante la cual la doctora asciende hasta el piso donde tiene su dormitorio Edwardes y ve la luz por debajo de la puerta cerrada.



Secuencia que tendrá su réplica al final cuando la doctora vaya a desenmascarar al Dr. Murchison.



Por supuesto, el detalle de las puertas que se van abriendo mientras la pareja de besa, es otro de esos detalles iconográficos que dan sentido al film (me recuerdan, con un significado diametralmente opuesto, al personaje de Fontaine cerrando el bolso en Suspicion, detalles claramente interpretables desde un punto de vista psicoanalítico, o al menos de psicoanálisis “para principiantes”). En esa secuencia vuelve el Dr.Edwardes a sufrir un trastorno a la vista de las rayas de la bata de ella.



Más adelante, después de la crisis en el quirófano (escena un tanto exagerada, demasiado reiterativa), Constance se referirá a la amnesia de J.B. como una forma de “cerrar la puerta de la mente”. Su misión será pues conseguir abrir esa puerta, como él ha abierto las puertas de ella.

La huida de J.B. y la estancia en el Empire State Hotel, con el interludio pretendidamente cómico del moscardón que intenta ligar con Constance, suponen un cierto impasse en el ritmo del film, que remonta en la escena nocturna de la estancia en casa del Dr. Brulov, aunque en su conjunto a mí ese segmento me parece largo y demasiado verboso. Con todo, los movimientos de un J.B. alucinado, que se desplaza con una navaja en la mano como en trance, son de lo mejor del film, especialmente ese plano en que se encuadra al Dr. Brulov sentado en su mesa de despacho, con la mano de J.B. en primer plano, luego la cámara sigue con una panorámica el movimiento del doctor que va a buscar la leche y vuelve otra vez a encuadrarlo dejando la mano de J.B. a la vista.





Secuencia que se cierra en blanco por efecto de la leche con bromuro que le suministra el doctor a nuestro protagonista: provocando quizá su desmayo o en todo caso quedando dormido a consecuencia de la droga. Por cierto, que la droga que le administra sea bromuro parece una broma: sabido es que se administraba para rebajar los deseos sexuales.





Lo primero que se encuentra Constance a la mañana siguiente será el cuerpo que parece sin vida del doctor Brulov, un recurso quizá demasiado fácil de alargar un poco el suspense.



Luego, los tres personajes se dedicarán a diseccionar el sueño de J.B. Sacarán en claro que la resolución del enigma se encuentra en Gabriel Valley. En las pistas de esquí Hitchcock nos ofrece una secuencia que me parece de lo peor del film: la pareja esquiando no resulta en absoluto creíble, él junto a ella en paralelo. Se pretende crear tensión y suspense con las exageradas expresiones de Peck y la música de Rózsa, pero más bien produce cierto distanciamiento (al menos una vez se conoce ya el desenlace).



Todo ello servirá para aclarar qué pasó con Edwardes y, a la vez, desentrañar el motivo del complejo de culpabilidad que arrastra el falso psiquiatra desde la infancia, en una de esas secuencias ciertamente impactantes, con el hermanito ensartado en la verja, una muestra más de que Hitchcock no se detiene ante la crueldad de las imágenes de sus films, ni siquiera cuando hay niños implicados.



A pesar de que parece hacerse la luz, abrirse la puerta cerrada de la mente del que ahora sabemos que es John Ballantyne, una bala en la espalda del cuerpo recuperado de Edwardes lleva a inculpar de asesinato a John y a su condena, sintetizada en unos pocos planos extremadamente esquemáticos (que, como bien dice Alcaudón, nos recuerdan la posterior Dial M for Murder), un recurso que a mí sí me ha parecido logrado.



Y llegamos a la secuencia final, cuando un pequeño desliz del Dr. Murchison proporciona la clave de la resolución del caso. Más allá de la manera como Constance fuerza al propio asesino a dar con la clave correcta del sueño de John, la secuencia se recuerda por ese primer plano de la mano (falsa mano), que girará 180º hasta apuntar a la cámara, o sea al espectador, y disparar (con el efecto, un tanto gratuito, casi propio de una película de William Castle, de unos pocos fotogramas en rojo), un movimiento de la mano completamente imposible y absurdo por parte de un suicida, lo que nos confirma que el disparo no va tanto dirigido contra Murchison sino contra nosotros mismos, por mor del gusto por lo macabro de Sir Alfred.



Película, pues, a mi modo de ver tremendamente irregular, muy discutible en su desarrollo argumental, pero a la vez un placer irresistible para el espectador, porque Hitchcock nos permite “jugar” al juego siempre agradecido del psicoanálisis y, de paso, enamorarnos de Ingrid Bergman. Ya calentados, con la próxima película, Notorious, nos derretiremos por la sueca.

Yo de momento no me leo detenidamente vuestras críticas sobre la película, porque quiero verla el miércoles o el jueves y ya comentar en profundidad... recuerdo el final, pero no el resto...

Estoy deseando verla y quien sabe si estarán los fotogramas en color...

Yo espero verme (y comentar) antes de mitad de semana los dos cortometrajes para así mantener (más o menos) la cronología de la obra del director. Por supuesto, no podremos hacer lo mismo con sus episodios para la televisión dado que sería harto complejo y poco útil.

Espero con ansiedad vuestros comentarios.

En mi caso (y creo que en el de Hitchcock) me interesa (mucho) más la historia de amor entre Bergman y Peck que toda la pseudopsicología que se emplea a lo largo de la historia y que vendría a ser, en realidad, el tan traído MacGuffin.

Ciertamente la trama es inverosímil, por no decir delirante, pero gracias a la maravillosa música de Rózsa y a la interpretación de la pareja protagonista (muy notablemente ella, que está sublime (y bellísima) ) la película se ve en un suspiro y se disfruta de principio a fin.

Y no sólo porque fue la primera de las tres colaboraciones con una de sus actrices fetiche (nunca mejor empleada esta palabra) sino porque al igual que en el caso de REBECA - película que al igual que ésta tenía en escaso aprecio - su revisión me ha supuesto una muy notable experiencia.

Y como bien indica el compañero mad dog earle Hitchcock utiliza una serie de símbolos nada velados que, lógicamente, pasaron inadvertidos al Código.

Lo que lamento profundamente es que no se haya podido reconstruir la secuencia onírica tal y como la diseñó Dalí y tal y como la dirigió Hitchcock.

Lástima no haber visto este hilo a tiempo. Quiero hacer (lo he intentado alguna vez) ver toda la filmografía de Hitchcock en 2020, leeré vuestros comentarios como referencia.

Hitchcock y el psicoanálisis. Un proyecto que fue cambiando mientras Ben Hecht preparaba el guion y el mandamás Selznick producía de nuevo.

La obsesión por que toda peli suya fuera un exitazo llevó a Selznick a tratarse con una psicoanalista... una de las "ayudas" para el rodaje con cabreo de Hitch incorporado...
Considerada una buena película sin más, tras su revisión sin llegar a ser una de las TopHitch gana algo...

Gregory Peck es un médico que sustituye al frente de un eminente hospital a un compañero, conoce a Constance... personaje que mezcla fragilidad con decisión impetuosa,quedando perdidamente enamorada y hechizada por el nuevo doctor al son de la majestuosa musica de Rozsa.Tiempo de romances huracanados,veloces,vertiginosos...


La peli es Freudiana (trauma infantil y consecuencias) la intención de Hitchcock era hacerla más idadeolla perturbada con muchos de los elementos de la novela, diferentes a la peli, cediendo ante Selznick quien controló el montaje final, afectando el trabajo de Dalí, quien diseñó el famoso sueño del protagonista, sin duda la secuencia más recordada de la película. Duraba veinte minutos siendo mutilada a 2! dejando fuera muchas de las ideas de Dalí.

Filmado en estudio a pesar de que Alfred quería exteriores, prevalece el sello de Dalí en el que es su aporte más conocido cinematograficamente. Un sueño que aclara el lio mental de Gregorio. La película parece distinta en la filmografía del director por momentos, pero contiene algunos de los elementos de su cine,falso culpable que debe huir de la justicia para intentar demostrar su inocencia....Hitchcock nos despistará....estamos ante un asesino o ante un enfermo inocente?¿¿¿


La visita al amigo de Constance y esa navaja de afeitar....latente peligro?¿. Ballantine (verdadero nombre de Peck) bajando al encuentro del Dr. Burlov adorable Alexander Chekhov,el doctor conversa con Ballantine y vemos el filo de la navaja en la mano de éste!!! El paseo esquiando y esas miradas de Ballantine a Constante....
Finalmente Constante descubre quién es el villano,viéndose desenmascarado la apunta con una pistola. Hitch mantiene el punto en el arma, y mientras Constance blablabla....
la pistola gira apuntando hacia la cámara....nos pega un tiro Hitch que estaría hasta los huevos ante tanta coherencia... nunca estuvo satisfecho con esta película. En su siguiente peli volvería a contar con Ingrid Bergman y su loado Cary Grant,en esta sí obra magna del gordi.
Con todos los aderezos,sueño,musica,secundarios,Gregorio desvanecido pormil,Ingrid amantísima se me queda en un...

6.8/10

Hay parón navideño?

Con lo absolutamente coherente que hubiera sido conservar el sueño pero troceado y usado durante la huida de los dos juntos, con tensión, suspense y conflicto constantes en esa huida que hubiera dado dinamismo al todo el film.

Raro que Ben Hetch fuese responsable de tanto error junto.

Iniciado por Alex Fletcher

Hay parón navideño?

Ahí manda Alcaudón. Si fuera por Mad Dog...

Iniciado por rohmerin

Con lo absolutamente coherente que hubiera sido conservar el sueño pero troceado y usado durante la huida de los dos juntos, con tensión, suspense y conflicto constantes en esa huida que hubiera dado dinamismo al todo el film.

Raro que Ben Hetch fuese responsable de tanto error junto.

¿Seguro que fue cosa de Ben Hetch? En un film de estas características, dudo que una decisión de ese calado la tome el guionista. En todo caso, si el sueño en versión "extended" hubiese durado 20 minutos, estaríamos ante otro tipo de película, que no sé si encajaría con los patrones comerciales del cine hollywoodiense de la época (ni quizá de esta). A mí tal como está el sueño me parece bien, otra cosa es que me gustaría ver, ni que fuera como extra, esa otra parte, con el cuerpo de Bergman cubierto de hormigas (algo que no sé si se llegó a filmar).

Muy católico sí pero se lió con Bergman

esto mi no me suena en la bio de Donald Spoto, pero Bergman fue infiel no, lo siguiente al pobre médico y dentista.

Ingrid Bergman and Gregory Peck were both married to others at the time of production—Bergman to Petter Aron Lindström and Peck to Greta Kukkonen—but they had a brief affair during filming.[14] Their secret relationship became public knowledge when Peck confessed to Brad Darrach of People in an interview in 1987, five years after Bergman's death: "All I can say is that I had a real love for her (Bergman), and I think that’s where I ought to stop…. I was young. She was young. We were involved for weeks in close and intense work."[15][16][17]

Por la noche releeré lo del guión y cómo fue. Creo que uno se fue a la guerra, Selznick estaba deprimido...

https://en.wikipedia.org/wiki/Spellbound_(1945_film)

El tramo final de la peli es horrendo,el Gregorio y la sueca no podían ser más cansinos delante de la camara,con los elementos Hitch que pululan colaboraciones de excepcion aparte... es sin duda para mí la peli más decepcionante de Alfredo

Buenas sensaciones con mi primer "Spellbound" aunque tampoco para tirar cohetes y magnificarla, es un film que tiene cosas espectaculares y otras para tirarte de un 3r piso y a ver que pasa.

Empiezo por la pareja protagonista, bueno....Mr Peck, o como yo le llamaré a partir de ahora, Señor Mareos, creo haber contado entre 4-5 lipotimias, la más lamentable de todas por sobreactuada y poco creíble es la del quirófano, a tío Alfred le pido más recursos y menos mareos . Como dice Mad, quizá el papel le va algo grande por inmaduro, su interpretación me ha gustado más bien poco, sólo la escena de la navaja me ha parecido ver los primeros destellos de Norman Bates. Creo que fue su 3-4 peli, y como profesional, Mr Mareos necesitaba una dieta hiperproteica e incluso rica en carbohidratos, ya que se ve demasiado tirillas.

De la Bergman, sólo puedo decir cosas positivas como actriz, no me parece extremamente atractiva para mi gusto, pero es indudable sus dotes como actriz, que en su lenguaje no verbal puedes intuir perfectamente lo que piensa, cosa que Peck no consigue ni por asomo, por lo menos en este film. Por ejemplo la escena que está en el hotel, y se le acerca el viejo verde a sobarle, la cara de asco de ella es tremenda. O cuando es acosada en su inicio por su compañero de trabajo; y un largo etcétera, o sea de 10, si aparece en alguna escena lamentable es por exigencias de guión, no tiene nada que ver con su calidad como actriz.


No se parece un poco a la Hepburn?

No olvidar el fantástico trabajo de Chekhov como el Dr Brulov, dando rienda suelta a un tema que no me interesa mucho en general, el psicoanálisis pero dejando perlas por el camino a algo parecido a: "la mujer es la mejor psicoanalista hasta que se enamora, después es la mejor paciente".

Escenas espectaculares? indudablemente el cut de Dalí, con elementos del terror más moderno al ritmo del surrealismo. Evidentemente la ya mencionada escena de la navaja y el bromuro, y me repito, ya empiezo a ver cosas de "Pscicosis". Los diálogos entre Bergman y Chekhov me convencen y me gustan. Y sobre la inverosimilitud argumental, será que estoy vacunado ya, apenas me molesta, pero le priva de codearse con sus grandes. También destaco visualmente la escena del hermano de Gregorio, si bien no me gusta como se llega a ella, pero el resultado es chocante. Y un largo etc de escenas destacables, así a bote pronto, la de la carta que Gregorio deja debajo de la puerta de ella, y las aventuras de esta, creando una atmosfera de tensión sencilla pero efectiva y efectista, para que después se la entreguen en mano como si nada hubiera pasado .



Y aprovecho la escena para comentar, como cosas feas feas, el descenso en pistas negras con ropa de calle, no se si se esquiaba así en esos tiempos pero bueno, lo importante, desgraciadamente, y como apunta el compi Alcaudón, ese descenso alpino en el estudio me parece muy flojo y de girar la cara, así como la resolución al enigma del personaje de PEck, y esta vez SIN MAREOS!!!! Es lo bueno de los mareos injustificados, que los pones y los quitas a tu antojo y puedes justificar la acción quedándote tan pancho; es como la pelis de fenómenos paranormales, no hay reglas, bueno si, el TODO VALE sin necesidad de justificar.

La escena del supuesto suicidio a lo William Castle como bien apunta Mad, ni Botet en su máxima elasticidad es capaz de reproducir ese suicidio con esa posición de mano. Y como se llega a ello tampoco me entusiasme precisamente, pareciéndose más a un caso de Sherlock Holmes, dando sus explicaciones para que el espectador lo entiendo todo.

Hay efectos sonoros y segmentos de banda sonora de Rozsa muy cercanos al cine de terror que me encantan y merece un revisionado sólo por esto, en cambio hay las típicas melodías de "na ni no na" instrumental muy repetitivas y algo molestas, y amigo Alcaudón, no me saques el currículum de Rozsa para defenderlo , simplemente esos cortes musicales no me gustan, que no digo que sean ni malos ni buenos.

Pues yo creo que ya está bien de texto, así que film irregular con picos muy altos y descensos bruscos, donde destacaría cosas puntuales y a Bergman y no destacaría a Peck, bastante decepcionante aquí.

Y a ver si me entero bien, esta semana (la que viene para mi), sólo hay cortometrajes no? o sea semana libre de Hitchcock!!!!

A la innombrable K.H no, pero a Eleonora Rossi Drago sí, que no sé si lo habéis hablado en Le amiche, de Antonioni, podría ser su hermana porque son muy parecidas. Hay planos en que son iguales también porque Eleonora se peinaba como ella.