Muy cierto lo del cine negro, especialmente las producciones de la Warner, que en su realismo y fisicidad al filmar en exteriores se anticiparon en mucho a las maneras del neorrealismo italiano.
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Yo no diría que se anticiparon en mucho. Esa salida a exteriores se da sobre todo en la posguerra, segunda mitad de los 40, o sea, coincidiendo con el neorrealismo italiano. Antes el cine negro de la Warner se rodaba sobre todo en estudio (The Maltese Falcon, The Big Sleep), aunque hubo excepciones.
HITCHCOCK: (…) El diseño de producción toma una secuencia y la presenta en bocetos. Por ponerle un ejemplo, en el cual además yo mismo realicé gran parte de mi propio diseño de producción (de hecho, hoy día lo hago casi todo yo), sería la secuencia en que una avioneta persigue a Cary Grant en Con la muerte en los talones. ¿Se acuerda de aquella secuencia? Bueno, pues ahí hubo un diseño muy cuidado, porque lo diseñé específicamente para evitar caer en tópicos. En esto de las películas, o mejor dicho en el cine, si queremos llamarlo por un nombre más solemne, el tópico del hombre que es puesto en aprietos suele ser un lugar común, y tomar la forma de una silueta bajo la farola en la esquina de la calle, con los adoquines bañados por la lluvia, que relumbran en mitad de la noche… tal vez un corte de una persiana entreabierta, y un rostro que observa hacia afuera.
ENTREVISTADOR: ¿Un corte?
HITCHCOCK: Una toma… una toma de ello. Siempre que uso la palabra corte… Me refiero a una toma, a cada una de las partes en que se divide una película. Y otra más sería la del gato negro que se escabulle por una pared. En cualquier caso, esa es la atmósfera cliché en la que se suele colocar a un hombre a quien se ha puesto de una manera deliberada en peligro. Aparecerá alguien más y lo liquidará. En las películas de gangsters, vendrían en una limusina negra haciendo ta-ta-ta-ta-ta con un arma y el tipo caería al suelo. Bueno, evidentemente todo eso es lo cliché, ya sabe usted, lo cual uno intenta siempre evitar y huir de ello lo más lejos posible, debido a que es predecible. Los espectadores ya lo han visto un montón de veces, y a los estudiantes de cine les resulta de sobra conocido. Así que yo me planteo hacer algo bastante diferente, y me digo entonces a mí mismo: ¿Cómo lo hago? Bueno, pongamos al hombre sin nada de eso, para que los espectadores no tengan una concepción clara de cómo se lo van a cargar o de cómo le van a disparar. Así que, en consecuencia, elijo el sitio más solitario y vacío que encuentro, sin ningún lado al que correr para cubrirse, ningún lugar en el que esconderse, y ningún lugar tampoco para que pueda esconderse el enemigo, si podemos llamarlo así, ya me entiende. Entonces lo bajamos del autobús y lo plantamos ahí, una pequeña figura diminuta, que refleje, que establezca claramente el páramo más absoluto que lo rodea.
ENTREVISTADOR: ¿Sería por tanto un plano de establecimiento?
HITCHCOCK: Podría serlo. Cumple dos funciones: coloca al hombre en su posición y establece la naturaleza del entorno, de manera que la mente de los espectadores diga, “Vale, qué lugar tan extraño para situar a alguien”. Entonces descendemos y nos acercamos a él, y es en ese momento en que el diseño entra en juego. Y mira a su alrededor y los coches pasan. Con lo cual instalamos una línea de pensamiento en los espectadores: “Ah, van a dispararle desde un coche”. E incluso a propósito, en broma, hice que pasara por ahí una limusina negra. Se me ocurrió que pasara, ve usted. Entonces, el coche. Nos hemos deshecho de la posible amenaza de coches o automóviles, podemos decir. Entonces aparece una tartana por la otra dirección, se detiene al otro lado de la carretera, deja a un hombre, la tartana gira y da la vuelta. Así que ahora se queda a solas con el hombre. Esta es la segunda fase del diseño. ¿Va a ser él? Bueno, se quedan mirándose el uno al otro, cada uno a un lado de la carretera. Grant, nuestro héroe, decide investigar… y cruza con aire despreocupado para hablar con el otro tipo… pero obviamente no va a sacar nada de él, o al menos es la impresión que da, hasta que aparece por fin su autobús. Entonces llega el autobús y justo al comenzar a detenerse – y esto es una cuestión de timing – justo antes de llegar a la parada, el hombre le dice a Grant: “Es extraño”. Y Grant dice: “¿El qué?”. Contesta: “Aquella avioneta está fumigando cosechas donde no las hay”. Antes de que se pueda entrar en ningún detalle más, ya está subido al autobús y se ha ido. Así que ahora entramos en una tercera fase. Los espectadores dicen… “Ah, la avioneta”. Qué habrá de extraño en lo de la avioneta, y pronto se termina sabiendo. Y a partir de ese momento, tenemos a un hombre intentando buscar refugio. Pero no hay refugio alguno hasta que llega al campo de cultivo. Así que toda la parte de diseño es algo muy importante. La manera de hacerlo salir es precisamente con la única herramienta disponible, la fumigadora. En teoría, no pongas una fumigadora ahí si no es para usarla, ya que de lo contrario podría hacerse con cualquier otro tipo de avión. Con lo que la polvareda de la cosecha, o el polvo más bien de la fumigadora, termina haciéndolo salir del maizal y se tira en frente del camión, desesperado, y la avioneta hace una última pasada pero a destiempo. Esta secuencia fue diseñada minuciosamente paso a paso tanto visualmente como hasta cierto punto todo su riesgo… el riesgo de su contenido. Así que eso es el diseño de producción, ejemplificado desde el punto de vista de la función que se pretende. ¿Para qué sirve entonces?
Maravilloso aporte, Wembley.
A Hitchcock le encantaba las producciones construidas y rodadas en estudio. Recuerdo escucharle decir en una entrevista, no recuerdo cuál porque he visto miles, que estuvo presente en el estudio durante el rodaje de “El último” cuando era joven (es decir que en la entrevista él ya era mayor) y que ADORABA la forma como se construían y rodaban las películas de aquella época en estudios con su particular diseño de producción (teniendo en cuenta que “El Último” tiene uno de los mejores y más elaborados diseños de producción de la época). Imagino que como gran fetichista que era, no solo no le molestarían esos mates a día de hoy, sino que se deleitaría con ellos con regocijo.
Nunca le interesó la verosimilitud, “simplemente” se concentraba en sugestionar al espectador todo lo que podía durante el mayor tiempo posible aunque para ello tuviera que utilizar herramientas que a posteriori pudieran resultar algo efectistas o artificiales. Quizás por eso la crítica norteamericana no supo valorarlo debidamente hasta muy avanzada su carrera, cuando algunos críticos europeos (con Truffaut a la cabeza) reivindicaron su valor.
Pasito a pasito...
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:agradable
O sea,
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No quiero pasar por alto el fondo, a modo de ciudad neoyorquina, en La soga. Era, por otra parte, un gran medidor del paso de las horas y por tanto, de la luz del día al atardecer y anochecer. Todo mentira o todo magia, según se interprete. :ceja
O el hecho de que fue la primera película en Technicolor de su director...
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:cortina
Ese fondo que va anocheciendo progresivamente es una preciosidad. Es lo que echo de menos en La Ventana Indiscreta, que la fachada a la que tanto mira Stewart fuese un poco más baja para poder ver algo de la ciudad al fondo.
Pero eso hubiera aireado ese patio vecinal y se hubiera perdido el carácter claustrofóbico, de encierro, del personaje de James Stewart, que está recluido en su piso. De hecho, la cámara "casi" no abandonará su apartamento en todo el film (precisamente que lo haga hacia el final me parece uno de los pocos puntos criticables de la película).
Lo que no es óbice para considerarla no solo una de las mejores cintas de su director sino del cine en general.
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:viejo
Sin duda, La Ventana acababa perfeccionando lo ya visto en La Soga y Crimen Perfecto, sin duda una de las mejores del maestro.
Y, sin embargo, las tres son películas completamente diferentes a las que solo las une la experimentación, sin duda una de las señas de identidad de su autor.
Añadida la carátula de CORTINA RASGADA... :cortina
Y de paso la de TOPAZ dado que está también al caer... :agradable
Espero que con el tiempo recuperen los títulos del 2º paquete dado que el mismo incluye dos (o tres...) de mis títulos favoritos del maestro incluida su última obra maestra...
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:cortina
Es una lástima que en estas ediciones en 4K Ultra HD no se hayan añadido nuevos extras a los ya existentes en las ediciones en BD (e intuyo que antes en DVD...).
En el caso de CORTINA RASGADA - sin duda una de sus "peores" películas, al menos de su etapa final - hubiese estado genial poder ver la misma con la partitura original que compuso - aunque no sé si al completo - Bernard Herrmann.
En la edición que tengo yo en BD (y lo mismo acontece en la próxima en 4K) hay un extra titulado "Escenas con partitura del compositor Bernard Herrmann".
A ver si hay suerte y los de Universal se deciden a sacar el 2º de los tres paquetes que se han editado hasta la fecha y que incluye la maravillosa MARNIE, LA LADRONA (1964)...
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:encanto
Del 2º paquete que no salió aquí (se lo llegué a pedir a la distribuidora, pero me dieron largas), me encantaría tener Marnie y La sombra de una duda.
Dos de mis pelis favoritas son dos de las peor valoradas, "Family Plot" y "Frenesi", las adoro.
Dos excelentes films. Alcaudón sabe, además, como queda reflejado numerosas veces en este hilo, que discrepo por partida doble con él sobre lo de que Marnie es la última "obra maestra" de Hitchcock. Por un lado, porque para mí no es tal, no diré que sea un film "fallido", pero no alcanza el nivel de sus grandes títulos. Y por otro lado, porque en particular Frenzy sí me parece magistral. Family Plot es más un divertimento, pero como tal es un visionado siempre gozoso.
Ojo, que FRENESÍ es una cinta espléndida como ya expresé meridianamenteclaro en mi comentario. :lee
Es que el protagonista es seguramente el más antipático de todos los héroes hitchcockianos.
:digno
Mi devoción por MARNIE, LA LADRONA - obra maestra imperfecta :cortina - se debe en buena medida a que es el complemento perfecto de DE ENTRE LOS MUERTOS, la obra máxima no solo de su director sino tal vez del cine en general...
... por supuesto desde mi modesto punto de vista...
:viejo
Mi devoción por Marnie, como comenté alguna vez en este hilo, se lo debo a mi hermana. le gustó tanto desde hace años, cuando compré la colección RBA de vhs del maestro, que se la ponía cada dos por tres. Mi opinión fue variando a mejor con el tiempo y sucesivos visionados.
Habrá que romper la hucha para poder comprar los 5 títulos en 4K.
:cortina
Por cierto, voy a revisitar algunos títulos del maestro aprovechando por un lado la coyuntura y por otro porque estoy leyendo las novelas o cuentos que caen en mis manos y que sirvieron de base a los mismos.
Ahora, por ejemplo, estoy leyendo "La posada Jamaica" (1936), de Daphne du Maurier (aprovechando que el Nervión pasa por Bilbao, o sea, la publicación en el último número declarado revista Dirigido por... del dossier dedicado a la autora) y ya adelanto que no se parece casi nada a la cinta de Hitchcock de 1939.
:)
FRENESI me gusta mucho y LA TRAMA es una peli que va ganando con un segundo visionado.
Realmente interesante lo que podría haber hecho el genio en los años 70
A mí con LA TRAMA me pasa justo lo contrario. Cuantas más veces la veo menos me gusta, dicho de forma relativa, porque sigue siendo una película deliciosa (para algo Hitchock es el más grande...) gracias, sobre todo, al excelente - aunque escasamente lustroso - reparto, incluido el émulo de José María Aznar, William Devane...
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:cuniao
Como indicaba en un comentario anterior, cuando acabe la lectura de "La posada Jamaica" (1936), de Daphne du Maurier volveré a revisar la versión de Sir Alfred de 1939 y que, desde luego, difiere - y mucho - de la primera.
Espero que en este segundo visionado la cinta me proporcione más alegrías que en el primero dado que es una película bastante menor dentro de la filmografía del maestro.
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:)
Entrega n.º 82…
o
Esto me suena… :blink
JAMAICA INN (1939, POSADA JAMAICA)
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Director: ya sabéis quien…
Productores: Erich Pommer y Charles Laughton (no acreditado).
Producción: Mayflower Pictures Corporation Ltd.
Distribución: Associated British Picture Corporation Ltd. (Reino Unido); Paramount Pictures, Inc. (EUA).
Guion: Sidney Gilliat y Joan Harrison, basado en la novela homónima de Daphne du Maurier (Gollancz, Londres, 1936).
Diálogo: Sidney Gilliat.
Continuidad: Alma Reville.
Diálogo adicional: J. B. Priestley.
Fotografía: Harry Stradling y Bernard Knowles, en blanco y negro (1.37:1).
Dirección artística: Tom Morahan.
Música: Eric Fenby.
Montaje: Robert Hamer.
Reparto: Charles Laughton (Sir Humphrey Pengallan), Maureen O’Hara (Mary Yellan), Leslie Banks (Josh Merlyn), Emlyn Williams (Harry el buhonero), Robert Newton (Jem Trehearne), Marie Ney (Patience Merlyn) y Wylie Watson (“Salvación” Watkins).
Duración: 1:39:27 (Copia en BD editada por A Contracorriente en 2016).
Estreno: 15 de mayo de 1939 (Reino Unido); 11 de octubre de 1939 (EUA).
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El excelente dossier que la revista Dirigido por… ha dedicado en su último número (el 543, octubre de 2023) a la (bellísima) escritora londinense Daphne du Maurier (1907-1989)…
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... ha sido la excusa perfecta para leerme la (espléndida) novela que sirvió de base al vigésimo tercer largometraje del cineasta objeto del presente estudio…
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… y de esta forma juzgar con una mejor perspectiva los méritos y deméritos del mismo haciendo una sucinta comparativa entre ambos, amén de completar y/o subsanar algunos errores de la ficha técnica que abre todos mis comentarios y que solo interesa a completistas como su seguro servidor. :cafe
Por cierto, sigo sin poder encontrar en la red el cartel original británico que debería ir debajo del título de la película… :digno
Antes de entrar en materia me gustaría decir que el nuevo visionado de la película (cuatro años después…) me ha supuesto una satisfacción bastante superior al primero y eso a pesar de que la misma se parece a la novela como un huevo a una castaña. :lee
“La posada Jamaica” (1936) fue la cuarta novela de Daphne (precioso nombre, por cierto), una escritora, como todos sabemos, muy ligada al corpus fílmico de Sir Alfred puesto que este llevaría igualmente a la gran pantalla primero la novela “Rebeca” (1938) y después el cuento “Los pájaros” (1952) y que se convertirían en dos de sus cintas más celebradas.
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Recordar al respecto que Hitchcock rodó de forma consecutiva POSADA JAMAICA y REBECA, siendo la primera la que cierra su etapa británica (aunque esto no es del todo correcto puesto que EL PROCESO PARADINE (1947), ATORMENTADA (1949), PÁNICO EN LA ESCENA (1950) o FRENESÍ (1972) se filmaron total o parcialmente en suelo patrio) y la segunda la que abre la norteamericana.
Como acabo de mencionar, POSADA JAMAICA es una adaptación muy libre (por no decir libérrima) de la novela.
El motivo es bien sencillo.
POSADA JAMAICA fue la tercera (y última) película de la compañía formada en 1937 por el productor alemán Erich Pommer (1889-1966) y el actor británico Charles Laughton (1899-1962), la Mayflower Pictures.
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- Erich Pommer, su esposa y Charles Laughton -
- La primera de ellas, VESSEL OF WRATH (1938), fue dirigida por el propio Pommer y coprotagonizada por Elsa Lanchester (1902-1986) - la esposa de Laughton desde 1929 - y Robert Newton (1905-1956) – y del que pronto hablaremos… - y la segunda, ST. MARTIN’S LANE (1938), por Tim Whelan y coprotagonizada por Vivien Leigh (antes de rodar LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ…) y Rex Harrison. -
Ello motivó que el protagonismo se transfiriese de la heroína, Mary Yellan (en la película una jovencísima y bellísima Maureen O’Hara (1920-2015)), al villano, Sir Humphrey Pengallan (un histrión Charles Laughton).
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Antes de seguir hagamos una pequeña comparativa entre los personajes de la novela y los de la película según van apareciendo en la primera.
…
Mary Yellan / ídem
Joss Merlyn / ídem
Tía Patience / ídem
Jem Merlyn, hermano de Joss y ladrón de caballos / Jem Trehearne, agente de la ley encubierto
Francis Davey, vicario de Altarnum / Sir Humphrey Pengallan, señor de Pengallan y juez de paz
…
En el caso de Mary esta pasó de inglesa a irlandesa imagino que debido a los orígenes de la actriz. Curiosamente en la novela la protagonista tiene 23 años mientras que en el momento del rodaje O’Hara tenía tan solo 18.
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- Por cierto, a pesar de lo que se indica en los títulos de crédito…
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… esta no fue la primera película en la carrera de la actriz puesto que ya lo había hecho previamente en dos ocasiones con su auténtico apellido, FitzSimons, aunque bien es cierto que sin acreditación. - :cafe
Jem pasó de ser hermano de Joss, el propietario de la posada Jamaica, a teniente de la Marina Real Británica, aunque en ambos casos es el interés amoroso de la protagonista.
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- Leslie Banks (1890-1952), “el malvado Zaroff” y que aquí encarna al lugarteniente de Sir Humphrey y propietario de la posada, ya había trabajado previamente con el director en la primera versión de EL HOMBRE QUE SABÍA DEMASIADO (1934).
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Por su parte, Newton era el actor que Hitchock hubiese deseado para encarnar el (demencial) interés amoroso de la señora Paradine (Alida Valli) en lugar de Louis Jourdan en la mencionada EL PROCESO PARADINE. -
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La alteración más significativa se debió a la presión de los organismos censores a uno y otro lado del Atlántico y que obligaron a cambiar la profesión del villano de sacerdote a juez de paz.
Además Laughton, en su doble condición de productor y estrella principal, obligó a Hithcock a potenciar superlativamente su personaje y a revelar su auténtica condición al principio de la película cosa que en la novela no acontecía hasta el último tramo de la misma.
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- Me gustaría recordar, no obstante, que el director haría lo propio en muchas de sus mejores películas, antes y después de la que hoy comentamos. -
De esta forma el introspectivo (y albino) Francis Davey se transformó en el expansivo (y orondo) Sir Humphrey Pengallan.
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Uno de los signos de identidad de la narrativa de Daphne du Maurier es la importancia que la escritora concede al lugar en el que viven los protagonistas y al entorno que les rodea.
Centrándonos en las mencionadas “La posada Jamaica” y “Rebeca”, el establecimiento que da nombre a la primera...
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... y Manderley y el condado de Cornualles, respectivamente.
Aunque en la novela no se especifica el año en el que transcurren los acontecimientos en la película se menciona de forma indirecta puesto que acontece cuatro años después de lo que indica el tatuaje de uno de los miembros de la banda...
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Como decía al inicio de mi intervención el nuevo visionado de la película me ha supuesto una agradable sorpresa comparándolo con el inicial de 2019…
El mayor hándicap de la cinta sigue siendo el excesivo protagonismo de Charles Laughton quien además encarna a un villano en las antípodas del que aparece en las páginas de la novela, aunque los dos comparten ese punto de locura que les hace tan cautivadores a ojos de los extraños.
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Por el contrario, tenemos a una guapísima Maureen O’Hara que encarna a una Mary Yellan mucho más cercana al original literario por su carácter indomable e inquebrantable.
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Sorprende, como indicaba al principio, el hecho de que al contrario de lo que solía ser habitual la actriz era más joven que el personaje de la novela.
Justo es de reconocer que Laughton, a pesar de su egocentrismo, se preocupó de que su protegida (con la que volvería a trabajar ese mismo año en la espléndida ESMERALDA, LA ZÍNGARA (1939), de William Dieterle) no solo luciese bellísima…
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… sino que su personaje fuese determinante en la resolución de la trama puesto que es ella quien se encarga no solo de salvar el cuello (literalmente) a Jem...
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... sino también de destruir la organización de contrabandistas y saboteadores que tan bien organizada tenían Sir Humphrey y Joss...
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Pese a reconocer la (aplastante) superioridad de la novela sobre la película esta última presenta una serie de puntos de interés de los que no recuerdo haberme dado cuenta en mi primer (y ya lejano…) visionado.
Por ejemplo, el personaje de la esposa de Joss, Patience, está mejor elaborado y además el trabajo interpretativo de Marie Ney le otorga al mismo una dignidad de la que carece su homónimo novelístico.
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En la película la relación de amor (por parte de ella) y de desdén (por parte de él) entre Joss y Patience está mejor trabada y es hermosa la idea visual de que ambos mueran juntos, el primero a consecuencia de los disparos de uno de sus compañeros cuando trata de poner a salvo a Mary después del frustrado intento de hacerse con los restos de un naufragio y la segunda igualmente de un disparo a manos de Sir Humphrey.
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- En la novela el vicario (o sea, el juez de paz) matará de una cuchillada en la espalda tanto a uno como a otro pero no tendrán ese momento final de comunión que se da entre los esposos en el que tal vez sea el plano más bello de la película. -
Igualmente la película nos muestra una caterva de sicarios de lo más variopinta, destacando especialmente Harry el buhonero (un magnífico Emlyn Williams, quien también había trabajado con el director en la mencionada EL HOMBRE QUE SABÍA DEMASIADO), “Salvación” (Wylie Watson, el inolvidable “señor Memoria” de la obra maestra 39 ESCALONES (1935)) o el joven Willie (Stephen Haggard) quien protagoniza la escena más cruelmente hermosa de toda la película cuando al ser capturado y ponerle los soldados las esposas estas son demasiado grandes para él y a continuación se da cuenta de que su sueño de ser uno más de la banda se acaba de convertir en una pesadilla puesto que será ajusticiado igualmente que sus compañeros a pesar de no ser más todavía más que un mocoso.
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Cosecha propia del director son esos toques humorísticos que pespuntean la narración, especialmente la estrambótica relación que mantienen Sir Humphrey y su fiel criado, el sufrido Chadwick (un genial Horace Hodges) y que nos devuelven al Hitchock más gamberro.
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La espléndida copia en BD, cortesía de la nunca suficientemente bien ponderada A Contracorriente, permite apreciar la excelente fotografía del tándem Stradling/Knowles, así como los góticos e irreales decorados diseñados por Tom Morahan que casan a la perfección con esta atípica producción, una de las escasas películas de época de su director.
Y no quiero olvidarme de la labor en la sala de montaje del futuro director Robert Hamer quien llegaría a firmar una de las obras maestras de la comedia (negra) británica, OCHO SENTENCIAS DE MUERTE (1949) y donde el gran Alec Guinness interpreta hasta ocho personajes… registro digno de entrar en el libro… Guinness…. :cortina
En resumen, una película que pese a estar muy por debajo de la novela que toma como base ha subido bastantes enteros en la bolsa de mi cinefilia particular.
El (re)visionado bien merece el desplazamiento.
Buenas noches y, buena suerte.
:digno
Comentario dedicado a l@s compañer@s del foro a los que tuve el placer de conocer en mi reciente visita a la Ciudad Condal, además de al incombustible mad dog earle...
:cortina
Gracias por la dedicatoria de este jugosísimo comentario. Ya puestos, creo que se impone que hagas lo mismo con Rebecca y con The Birds. :agradable
Pero bueno cuando haceis la proxima quedada :) a ver si puedo ir.😘
Alex lleva la agenda. :cortina
Ayer empecé la lectura de "Topaz" (1967), de Leon Uris.
O sea, que ya sabéis lo que vendrá a continuación y más teniendo en cuenta que recientemente he adquirido la nueva edición en 4K de una de las cintas más injustamente despreciadas por los aficionados al mago del suspense.
Claro que buena parte se debe a su protagonista...
:digno