Procuraré ver películas que no tenga necesidad de comentar. Sentado es la peor postura. Me han puesto una inyección y mañana y pasado me pondré otras dos y el lunes que me vea mi médico.
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Procuraré ver películas que no tenga necesidad de comentar. Sentado es la peor postura. Me han puesto una inyección y mañana y pasado me pondré otras dos y el lunes que me vea mi médico.
A mí esa sonrisita cómplice del niño de La Profecía de Richard Donner siempre me ha parecido muy Norman Bates:
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Angelitos los dos un poco traviesillos.
Un director, Donner, con - al menos - tres espléndidas películas: LA PROFECÍA, SUPERMAN y LADY HALCÓN.
En Tiburón también se pueden encontrar "repuestos anatómicos", no solamente en las pelis de zombis
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Y por supuesto, el alumno Spielberg imitando al maestro Hitchcock de Vertigo visualmente
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Y también De Palma, que habiendo trabajado con Bernard Herrmann y sufrido el carácter un tanto tempestuosos del compositor, años después se parte de risa recordándolo: "¡tú quieres ser Alfred Hitchcock pero déjame decirte una cosa: sólo Alfred Hitchcock puede ser Alfred Hitchcock, ¿está claro, membrillo?! Lo que tú has hecho es .... buaf, déjamelo ver otra vez!!!" Si es que Herrmann estaba muy frustrado por no poder trabajar y ser olvidado por la industria, menos mal que acudieron a su rescate Scorsese, De Palma y Spielberg (porque sí, la viuda de Herrmann dijo que Spielberg tuvo reuniones de trabajo con él.
La pena de la historia es que pese a resurgir de sus cenizas, Herrmann fallecería muy poco tiempo después de verse rejuvenecido y aliviado por el reconocimiento de esa nueva ola de jóvenes talentos. Se frotaba las manos de la emoción, pero no vivió para prolongar unos años más su éxtasis falleciendo en Nochebuena de 1975 mientras dormía. Era hípertenso y con frecuencia parece ser que para no mermar su capacidad creativa se saltaba dosis de la medicación.
https://www.youtube.com/watch?v=QIr41nknxOQ
Obsession (fascinación) es una obra maestra que debió recibir el Oscar postúmo a la mejor banda sonora. Este hombre falleció en plenitud de facultades.
https://www.youtube.com/watch?v=f3_aR7fd97g
Este video es super curioso e interesante. Si teneis buen nivel de inglés (no tiene subtítulos), vedlo con calma cuando tengais tiempo, porque es completamente accesible en cuanto a las explicaciones musicales que dan, se entiende muy facilmente. El hecho de que antes de tocar cada pieza te expliquen que es lo que hace Herrmann a nivel de escritura es maravilloso.
Rachel Leach is joined by LSO Musicians Maxine Kwok and Rebecca Gilliver to take a detailed look at Bernard Herrmann's score for Alfred Hitchcock's film Psycho.
Hear key passages performed by the London Symphony Orchestra under the baton of Sir Simon Rattle, followed by detailed analysis of a work that is among the set pieces in Edexcel's A-level music syllabus.
00:00 Introduction
03:51 Discussion of string techniques
15:29 Prelude
24:24 The City
26:27 Murder/Shower
30:07 The Cellar
32:22 Marion
34:07 Toys
35:08 Discovery
36:09 Finale
Written and presented by Rachel Leach
Maxine Kwok: Violin
Rebecca Gilliver: Cello
Sir Simon Rattle
London Symphony Orchestra
Dicen que pulula por la red el guión escrito para el film abortado de Hitchcock a finales de la década de los 1970, "The night spy" sintetizado en el mundo del espionaje. La que de haberse hecho se habría convertido en su último film.
https://www.reddit.com/r/movies/comm...cks_cancelled/
Y aquí el screen test de Tippi Hedren para "Los Pájaros":
https://www.youtube.com/watch?v=0efsfq9KKVY
A ver si continúo leyendo el ciclo donde los dejé que quizá ya subisteis estos enlaces que os acabo de dejar.
Y por supuesto, espero que dentro de lo que cabe os escontréis bien o mejor de lo que estábais :abrazo
Inasequible al desaliento...:cortina
Entrega n.º 80:
A PERFECT MURDER (1998, UN CRIMEN PERFECTO)
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Copyright 1998 Warner Bros.
Director: Andrew Davis.
Productores: Nana Greenwald, Mitchell Dauterive, Arnold y Anne Kopelson, Peter MacGregor-Scott y Christopher Mankiewicz.
Producción: Kopelson Entertainment. / Warner Bros.
Distribución: Warner Bros.
Guion: Patrick Smith Kelly, basado en la obra teatral “Dial “M” for Murder”, de Frederick Knott (Londres, 19 de junio de 1952; Nueva York, 29 de octubre de 1952).
Fotografía: Dariusz Wolski, en Technicolor y formato panorámico (1.85:1).
Diseño de producción: Philip Rosenberg.
Música: James Newton Howard.
Montaje: Dennis Virkler y Dov Hoening.
Reparto: Michael Douglas (Steven Taylor), Gwyneth Paltrow (Emily Bradford Taylor), Viggo Mortensen (David Shaw/Winston Lagrange) y David Suchet (Mohamed Karaman).
Duración: 1:47:26.
Rodaje: del 14 de octubre de 1997 al 13 de enero de 1998.
Estreno: 5 de junio de 1998.
Recaudación (a nivel mundial): 128.038.368 dólares.
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…
Nueva York
…
Como comenté en su momento…
https://www.mundodvd.com/sir-alfred-...0/#post4485070
… siempre he tenido una especial devoción por el largometraje n.º 39 de Sir Alfred, DIAL “M” FOR MURDER, más conocido en nuestro país como CRIMEN PERFECTO, primera de las tres colaboraciones entre el director y la celestial Grace Kelly (1929-1982), aunque reconozco que nunca la incluiría entre sus obras maestras pero sí entre las cintas del británico que más veces he revisitado junto a DE ENTRE LOS MUERTOS (1958), la (gran) joya de la corona de su filmografía.
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UN CRIMEN PERFECTO que, al menos según los títulos de crédito, no es tanto un remake de CRIMEN PERFECTO como una nueva adaptación a la gran pantalla de la obra de teatro del británico Frederick Major Paul Knott (1916-2002) y que no había tenido oportunidad de visionar hasta ayer por la noche ha resultado una cinta bastante mejor de lo que esperaba, sobre todo teniendo en cuenta el precedente de PSICOSIS (1998), de Gus Van Sant (entrega n.º 77 del coleccionable)... :sudor
Algo que ignoraba cuando hice el comentario de la versión original (allá por 2020…) es el hecho de que Knott, además de dramaturgo fue también guionista de televisión y de cine y en concreto firmó el libreto, por ejemplo, de CHANTAJE CRIMINAL (1952), de Terence Fisher (el primero de sus 29 largometrajes para la Hammer Film Productions – que aunque no fue comentado por un servidor en el rincón dedicado a la misma si lo fue por el querido compañero cinefilototal :hola -)…
https://www.mundodvd.com/revisando-l...6/#post4485632
A pesar de lo indicado en la ficha técnica la primera vez que la obra de Knott vio la luz no fue en el teatro sino en la televisión, en concreto dentro de la mítica serie BBC Sunday-Night Theatre (1950-1959) el 23 de marzo de 1952.
- Con toda seguridad el episodio más famoso (y uno de los pocos que se conservan) de la serie es NINETEEN EIGHTY-FOUR, dirigido por Rudolph Cartier, escrito por Nigel Kneale y protagonizado por Peter Cushing y emitido el 12 de diciembre de 1954.
El mismo aparece como un extra de la película 1984 (1956), de Michael Anderson, dentro de la (lamentablemente fenecida) colección L’Atelier 13 Pictures [LA 018, 2007]. -
De dicho elenco únicamente el actor que encarnaba al protagonista, Tony Wendice (Emrys Jones [1915-1972]), haría lo propio cuando la obra se representó por primera vez en el Westminster Theatre de Londres el 19 de junio de 1952.
Ignoro si Hitchcock llegó a ver la obra de Knott en su tierra natal, aunque lo dudo y sería más bien cosa de la Warner Bros. Pictures, con la que el director británico venía colaborando desde LA SOGA (1948), la idea de que la misma fuese trasvasada a la gran pantalla.
- Recordemos que la obra fue estrenada en las Colonias, concretamente en el Plymouth Theatre de Nueva York, el 29 de octubre de 1952 y permaneció en dicho local hasta el 27 de febrero de 1954, con un total de 552 representaciones.
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Sin duda, un buen augurio para el estudio de los hermanos Warner. -
Convendría recordar, no obstante, que la estancia del director en dicho estudio fue un tanto caótica, alternado por igual éxitos y fracasos (estos últimos especialmente dolorosos puesto que tanto la LA SOGA como ATORMENTADA (1949) eran producciones del propio Hitchcock).
O sea, LA SOGA, ATORMENTADA, PÁNICO EN LA ESCENA (1950), EXTRAÑOS EN UN TREN (1951) – una (otra) de sus grandes obras maestras – y YO CONFIESO (1953).
En esta ocasión fueron no uno sino dos los actores que interpretarían el mismo papel en la obra de teatro y en la película, en concreto John Williams, encarnando al sagaz (y encantador) inspector Hubbard – algo que parecía ir en contra de la ortodoxia hitchcockiana dada la aversión que el director sentía desde niño por el cuerpo de policía - y Anthony Dawson, el infame capitán Lesgate que intenta acabar la vida con la protagonista, Margot Wendice (Gusti Huber/Grace Kelly).
Como dije cuando reseñé la película en aquel ya lejano (e inolvidable, por las causas que todos sabemos) 2020 imagino que la película de Hitchcock era (relativamente) fiel a la obra de Knott dado que este último se encargó del guion de la misma.
Por ello me permito dudar (y de ahí el subrayado del segundo párrafo de la crónica) que el libreto de UN CRIMEN PERFECTO se base no tanto en el texto de Knott (algo que además solo se indica en los títulos de crédito finales)...
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... o incluso en la cinta de Hitchcock como que el mismo sea producto de la fértil imaginación del ignoto (únicamente otra cinta en su filmografía, NI UNA PALABRA (2001) y, curiosamente (¿o no?) también con Michael Douglas de protagonista) Patrick Smith Kelly.
¿Y por qué digo esto?
Pues porque CRIMEN PERFECTO y UN CRIMEN PERFECTO se parecen como un huevo a una castaña.
Por ejemplo, al combinar el personaje de Mark Halliday (Robert Cummings en CP) y del capitán Lesgate (el mencionado Anthony Dawson) en el de David Shaw (Viggo Mortensen).
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O la casi completa desaparición del carismático inspector Hubbard (aquí Karaman, lo que permite apreciar el don de lenguas de la – por entonces - bellísima Gwyneth Paltrow [1972] y además casa a la perfección con el personaje dado que trabaja de traductora en las Naciones Unidas) capital en la resolución del asesinato.
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O debería decir primer asesinato porque en UN CRIMEN PERFECTO hay no uno ni dos sino hasta tres fiambres.
Precisamente el segundo será Shaw y el tercero Steven Taylor (Michael Douglas, sin duda el mejor de la función y eso a pesar de que carece de la empatía que sentíamos por Ray Milland en la cinta original), el codicioso (aunque también cornudo) esposo de Emily (la mencionada Paltrow).
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De esta forma Emily mata al que se supone que es David, Steven hace lo propio con este y finalmente y para completar el círculo la primera se cepilla al último.
Tampoco existe la dependencia económica que mantenía él frente a ella dado que el primero es un exitoso broker, aunque bien es cierto que ella es una (muy) rica heredera.
Curiosamente esas digresiones que a más de un hitchcockiano podrían disgustar – y seguramente con razón – aportan un plus al visionado de la película que es de agradecer, aunque el final sea ciertamente muy inferior en comparación con el de la cinta original puesto que la llave (la maldita llave) que es esencial en la trama apenas si tiene relevancia en la versión de Davis.
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A destacar el buen trabajo del trío protagonista, especialmente un Michael Douglas que nunca fue santo de mi devoción (seguramente porque siempre lo comparé – injustamente, todo sea dicho – con su padre) y una como decía preciosa Gwyneth Paltrow, que es digna heredera de la imperial Grace Kelly, aunque carecía de la malicia de esta.
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Y Viggo Mortensen es ciertamente superior al soso de Robert Cummings, sin duda el mayor debe de la excelente cinta del británico.
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Como curiosidad los cuadros que pintaba su personaje eran en realidad obra del propio actor.
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Y recordar que ese mismo año, aunque unos meses más tarde, el actor coprotagonizó la ya mencionada PSICOSIS de Van Sant.
Me gustaría destacar la espléndida fotografía de Dariusz Wolski, cuya paleta cromática recuerda en parte a la usada por Hitchcock y que en este caso no se vio sujeta a los imperativos de un rodaje en 3-D, al que no obstante el británico sacó un buen partido, especialmente en la escena más famosa de toda la película, el intento de asesinato de Margot a manos de Lesgate.
Y con un mimo especial en la cautivadora belleza de la joven protagonista...
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Igualmente envolvente es la banda sonora de James Newton Howard.
Ah, y se me olvidaba.
Si CRIMEN PERFECTO acontecía en Londres, UN CRIMEN PERFECTO lo hace en Nueva York y al contrario que en la primera la acción no tiene lugar (casi) exclusivamente en el apartamento de los Wendice (aquí Taylor) sino que Davis mueve la cámara por toda la ciudad lo que en mi opinión es todo un acierto.
Desde luego la versión de Hitchcock es muy superior pero al menos UN CRIMEN PERFECTO se defiende dignamente y su visionado ciertamente merece la pena, siquiera por disfrutar del villano a machamartillo que encarna Douglas y la etérea belleza y elegancia de Paltrow.
Merece la pena.
Buenas noches y, buena suerte.
:digno
Como ya quedó patente en su día, no comparto tu pasión por Dial M for Murder, aunque no le niego interés y algunos grandes aciertos. Pero, desde luego, discrepo de tu opinión sobre el film de Andrew Davis, que no me gustó. Lo tengo muy borroso, por lo que no puede apuntar más. En todo caso, señalar la presencia de David "Poirot" Suchet, en uno de sus papeles para el cine.
Este de Crimen perfecto, de Hitchcock es de los escasísimos casos en los que, de pequeño, me encantaba la película y de más mayor y con más visionados, ha ido perdiendo puntos. Hay momentos muy logrados, pero en alguno que otro (y es algo rarísimo en el cine de Hitchcock para mi), que desconecto.
Por otro lado, del director Andrew Davis, me quedo, de largo, con El fugitivo, que habré visto 40 o 50 veces.
.
De nuevo volvemos a discrepar, querido compañero pero qué aburrida sería la vida si todos tuviésemos los mismos gustos.
:viejo
Estoy dándole vueltas a la cabeza (de ahí mis frecuentes migrañas...) a cuál puede ser el próximo título que incluya en la presente revisión.
¿Alguna sugerencia?
:agradable
¿A qué te refieres? ¿Remakes de películas de Hitchcock?
Sí.
Creo que no has comentado "The Secret Agent", de Christopher Hampton, aunque más que un remake de "Sabotage" es una nueva adaptación de la novela de Joseph Conrad.
No la tengo... todavía... :cortina
Who knows... :cortina
Por otra parte, tengo las dos primeras secuelas de PSICOSIS o la cinta con la que la Hammer se despidió y que es una nueva versión de ALARMA EN EL EXPRESO, una de las cumbres de su excelsa filmografía.
:agradable
Entrega n.º 81 del coleccionable Sir Alfred Hitchcock o cinta n.º 150 (y última) de la Hammer Film Productions Ltd.:
THE LADY VANISHES (1979, LA DAMA DEL EXPRESO)
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Director: Anthony Page.
Productor: Tom Sachs.
Producción: Hammer Film Productions Ltd. / Rank Film Productions Ltd.
Distribución: Rank Film Distributors Ltd.
Guion: George Axelrod, basado en el libreto de Sidney Gilliat y Frank Launder para la película ALARMA EN EL EXPRESO (1938), de Alfred Hitchcock, en cual a su vez tomaba como base la novela “The Wheel Spins” de Ethel Lina White (Collins, Londres, 1936). [“La dama desaparece” (Alba, Barcelona, 2017)].
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Fotografía: Douglas Slocombe, en Eastman Color y Panavision.
Diseño de producción: Wilfred Shingleton.
Dirección artística: Bill Alexander.
Música: Richard Hartley.
Montaje: Russell Lloyd.
Reparto: Elliot Gould (Robert), Cybill Shepherd (Amanda), Angela Lansbury (Señorita Froy), Herbert Lom (Dr. Hartz), Arthur Lowe (Charters) y Ian Carmichael (Caldicott).
Presupuesto: 2.500.000 de libras esterlinas.
Duración: 1:35:18.
Rodaje: del 16 de septiembre al 7 de diciembre de 1978 (Pinewood Studios, Londres, Inglaterra y en localizaciones en Austria).
Estreno: 8 de mayo de 1979 (Leicester Square Theatre, Londres, con asistencia de la reina Isabel II del Reino Unido y su consorte, Felipe de Edimburgo).
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…
Coordenadas espacio/temporales:
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…
Aunque solo nos demos cuenta al final de la proyección LA DAMA DEL EXPRESO, remake no tanto de la novela de Ethel Lina White (1876-1944)...
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... como de la maravillosa ALARMA EN EL EXPRESO de Alfred Hitchcock (1899-1980), es una película producida (o mejor dicho coproducida) por la Hammer Film Productions Ltd. (a la que servidor está dedicando un hilo que está lejos de dar sus últimos coletazos… :cafe) (1948-1979) y a la que el gran director Terence Fisher (1904-1980) dedicó sus mejores años y no solo eso sino que fue la última de todas ellas y, si mis cálculos no fallan, yo diría que es exactamente la n.º 150. :aprende
Menciono el hecho porque solo en los títulos de crédito finales se indica semejante circunstancia...
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De hecho, queda bien claro desde el principio quién es el que corta el bacalao en esta película...
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… algo lógico, por otra parte, dado que era la principal productora y además se encargaba de su distribución… :digno
Es más, en los títulos de crédito iniciales no vemos ninguno de los nombres habituales de la Casa del Terror salvo el de Michael Carreras como uno de los tres productores ejecutivos de la cinta…
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… si bien es cierto que el mismo jamás llegó a saborear las mieles del éxito primero porque la película fue un estrepitoso fracaso en taquilla, al menos si tenemos en cuenta que su presupuesto fue el más alto con el que jamás contó la Hammer (si de nuevo mis cuentas no fallan...) y segundo porque Carreras había dimitido de su puesto en la misma unos pocos días antes de su estreno, en concreto el 30 de abril…
Seamos sinceros.
La mejor manera de disfrutar la película, que aunque a años luz de la de Hitchcock tampoco es para nada despreciable, es precisamente olvidarse de esta, algo ciertamente difícil, todo sea dicho, dado que al menos para mí es una de sus obras mayores.
De hecho, la presencia de George Axelrod (1922-2003) ya nos puede dar una idea de por dónde van a ir los tiros.
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Un guionista de prestigio puesto que a él se deben los libretos de títulos tan populares y/o prestigiosos como LA TENTACIÓN VIVE ARRIBA (1955), de Billy Wilder, BUS STOP (1956), de Joshua Logan, DESAYUNO CON DIAMANTES (1961), de Blake Edwards, EL MENSAJERO DEL MIEDO (1962), de John Frankenheimer o CÓMO MATAR A LA PROPIA ESPOSA (1965), de Richard Quine (a quien servidor – esto de autocitarse se está volviendo una manía :cortina – ya dedicó un subhilo en “el otro rincón” por sus colaboraciones con la fascinante – y todavía viva – Kim Novak (1933)).
Aunque como vemos Axelrod se movió como pez en el agua tanto en la comedia como en el drama la cinta hoy comentada se nutre exclusivamente de la primera puesto que en el fondo y en la forma LA DAMA DEL EXPRESO viene a ser una screwball comedy en toda regla puesto que aunque se rodó los ‘70 la acción acontece en los ‘30, la Edad de Oro de la misma.
Claro que para que dicho subgénero funcione es fundamental contar con un buen reparto puesto que la acción de la historia ha de acompasarse a la velocidad de los diálogos y no al revés como podría parecer lógico.
En ese sentido LA DAMA DEL EXPRESO tiene uno de los mejores casting que jamás reunió la Hammer, destacando especialmente la pareja protagonista, los norteamericanos Cybill Shepherd (1950) y Elliot Gould (1938), que aquí se llaman respectivamente Amanda y Robert...
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Igualmente se mantiene la pareja que Hitchcock se sacó de la chistera dado que no aparecían en la mencionada novela y que es una (otra) de las grandes bazas de película.
Lógicamente me refiero a los inmortales Caldicott (allí Nauton Wayne, aquí Ian Carmichael) y Charters (allí Basil Radford, aquí Arthur Lowe).
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Eso sí, los tiempos cambian y dado que tanto la novela de White como la película de Hitchcock se publicaron/estrenaron antes del inicio de la Segunda Guerra Mundial el enemigo era anónimo mientras aquí son los alemanes que el 1 de septiembre de 1939 invadirían Polonia (la acción se inicia en agosto de dicho año) y provocarían el mayor conflicto bélico que asoló a nuestro planeta.
A fuer de ser sincero creo que fue un acierto dada la imposibilidad no digo de superar sino de acercarse siquiera a la obra maestra hitchcockiana que la cinta se escore descaradamente hacia la comedia más desenfrenada, especialmente en lo referente al personaje que encarna una bellísima y chispeante Cybill Shepherd...
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... y que pese a lucir durante prácticamente toda la película un vestido blanco muy similar al que llevaba Marilyn Monroe en… LA TENTACIÓN VIVE ARRIBA… - voluptuosidades aparte :cuniao – en realidad su personaje es mucho más cercano a la genial (y prematuramente desaparecida) Carole Lombard (1908-1942),
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...la deslumbrante coprotagonista de cintas míticas como LA COMEDIA DE LA VIDA (1934), de Howard Hawks – aquí especialmente dado que la acción transcurre dentro de un tren -, CANDIDATA A MILLONARIA (1935), de Mitchell Leisen, AL SERVICIO DE LAS DAMAS (1936), de Gregory La Cava, LA REINA DE NUEVA YORK (1937), de William A. Wellman o SER O NO SER (1942), de Ernst Lubitsch.
Por su parte Elliot Gould se defiende bastante bien aunque ciertamente Michael Redgrave le da sopas con honda.
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En cambio la recientemente fallecida – y casi centenaria - Angela Lansbury (1925-2022) no tiene nada que envidiar a May Whitty (1865-1948) dado que ambas están impecables en sus respectivos roles.
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Y aprovecho que la crónica llega a su fin para corregir un pequeño error que he cometido al principio y es que el actor Herbert Lom (1917-2012) – y que aquí encarna al “villano” de la función (entiéndase el entrecomillado dado que su personaje diverge notablemente del que encarnaba el gran Paul Lukas (1895-1971) – y ganador del Oscar al mejor actor en 1944 por un película que corresponde al hilo dedicado a Bette Davis y que ya comenté… “en el otro hilo” tiempo ha -) ya había trabajado para la Hammer y para Terence Fisher en concreto puesto que fue el protagonista de EL FANTASMA DE LA ÓPERA (1962), una de las cintas “menores” de su director…
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Destacar igualmente la bella fotografía en Panavision (un formato, el anamórfico, raramente usado por la Hammer) del gran – y en este caso más que centenario – Douglas Slocombe (1913-2016) y de quien pronto volveremos a oír puesto que tengo intención de hacer una aportación extra al hilo dedicado a Alexander Mackendrick (1912-1993) (pero, ¿no había finalizado? :blink) dado que colaboró con él en alguna de sus mejores obras, como EL HOMBRE VESTIDO DE BLANCO (1951), MANDY (1952),y VIENTO EN LAS VELAS (1965)…Spoiler:
Ah, y no deja de ser curioso que al menos durante los títulos de crédito iniciales la música del compositor Richard Hartley (1944) suene sospechosamente a la Sinfonía n.º 5 de Ludwig van Beethoven (1770-1927)... :lee
Teniendo en cuenta que LA DAMA DEL EXPRESO dura 2 minutos menos (si mis cuentas no me fallan…) más que ALARMA EN EL EXPRESO y que además Cybill Shepherd está radiante creo que el desplazamiento merece la pena.
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Eso sí, olvidaros durante la proyección de la versión original, si no no la disfrutaréis en su justa medida.
Advertidos quedáis.
Buenas noches y, buena suerte.
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En el n° del mes que viene la revista Dirigido por... iniciará el primero de los dossieres dedicado a "De la literatura al cine" (¿de qué me suena? :cortina) y, en concreto, a Daphne du Marier (1907-1989), de quien recordaréis Hitchcock adaptó varias de sus obras, como las novelas La posada Jamaica (1937) y Rebeca (1938) o el cuento Los pájaros (1952).
:agradable
Además de una notable escritora una mujer muy bella...
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:encanto
Un par de off topic:
Uno.
Hoy han empezado las obras en mi portal con lo cual tendré ruido durante varias semanas. Menos mal que 1) yo no pago nada dado que soy un simple inquilino y 2) vivo en un 4°.
Dos.
Al final no sé si podré hacer el proyectado viaje a Barcelona el mes que viene dado que mi pecunio últimamente está muy de capa caída.
Habrá que esperar acontecimientos.
:digno
El 24 de octubre estarán a la venta en nuestro país las ediciones en 4K Ultra HD de LA SOGA (1948), EL HOMBRE QUE SABÍA DEMASIADO (1956), CORTINA RASGADA (1966), TOPAZ (1969) y FRENESÍ (1972).
Lástima que no las saquen en un paquete que suele ser más económico.
:agradable
Veo, amigo Ponyo_11, que ya hay abierto un hilo al respecto en el rincón de las ediciones en 4K.
Lo curioso del caso es que 1) Universal se ha saltado, al menos de momento, el 2° de los paquetes que están compilando la filmografía del director británico y 2) que las mencionadas películas salgan antes aquí que en los EUA (31 de octubre).
Últimamente he vuelto a ver Con la Muerte en los Talones y Vértigo, y he notado el uso de pinturas maté para edificios de la ONU y el campanario, que como pasaba con el blu-ray de En Busca del Arca Perdida, en el plano del barranco, no debían estar pensados para que se vieran tan nítidamente.
También decir qué cada vez me parece más absurda la escena de la avioneta, igual que la de la sala del ordenador de la primera Misión Imposible, pudiéndose esconder un par de matones en el maizal para cargarse al falso culpable de turno van a por él con un aparato que se ve de lejos, y encima se estrella tontamente. ¿Desde cuándo creen en Hollywood que hay meter explosiones donde sea?
Y la pregunta del millón: ¿no quisieron trabajar juntos Hitch y Marilyn Monroe? Creía que lo habían hecho ya que por alguna razón creía de Niágara era de Alfredo. Quizás este hombre prefería torturar a rubias auténticas.
Hitchcock comentó una vez, quizá a Truffaut, que no le gustaban las mujeres tan provocativas como Marilyn, sino refinadas, incluso aquellas que parecen mosquitas muertas y cuando menos te lo esperas te dan un morreo(Kelly). Eva Marie Saint debió ser una de las excepciones, que aún siendo elegante fue quizá la más explosiva de las mujeres Hitchconianas.
Amigo janiji:
En mi modesto punto de vista Alfred Hitchcock es - junto a John Ford - el más grande cineasta de todos los tiempos.
Cuestionarse el por qué de una secuencia tan aparentemente absurda como es la del maizal en CON LA MUERTE EN LOS TALONES es no entender el modus operandi del cineasta, incluido el uso de las retroproyecciones o de los matte paintings.
Si te molestas en leer alguno de los comentarios que conforman este inmenso hilo podrás hacerte una idea cabal de que Hitchcock - al menos desde que se convirtió en productor independiente - rodaba lo que quería y como quería.
Y en cuanto su desdén hacia los actores del método ello no es del todo cierto porque al mismo grupo pertenecían Montgomery Clift o Eva Marie Saint y extrajo de ellos interpretaciones impecables. Otro asunto sería Paul Newman...
Y, desde luego, Marilyn Monroe no era el tipo de mujer que le gustaba a Hitchcock, aunque la turgente Kim Novak estuvo maravillosa en la magnum opus de su director, DE ENTRE LOS MUERTOS (1958).
Respecto a la verosimilitud de la escena de la avioneta (que ha pasado con justicia a todas las antologías del séptimo arte), como bien dices, comentamos in extenso a lo largo de esta revisión que a Hitchcock no le importaba la verosimilitud, incluso en muchos casos se ríe de ella con descaro (para no hablar de sus "finales felices"). El juego cinematográfico en el que nos sumerge Sir Alfred en sus películas tiene poco que ver con lo verosímil (si acaso sólo con la "verosimilitud cinematográfica", es decir, la coherencia narrativa). Incluso muchos años después mereció un divertido homenaje en un film de Emir Kusturica: Arizona Dream.
https://www.youtube.com/watch?v=B0LJrkLcLio
En cuanto al uso de los mates en muchas de sus películas (algo frecuente entonces; ahora se recurre, de un modo incomparablemente mayor, a las CGI, no siempre con demasiada fortuna), es obvio que había una limitación tecnológica (se nota y mucho, por ejemplo, en el puerto de Marnie). En el caso del edificio de la ONU, Hitchcock no podía rodar en el interior (de hecho, ni siquiera en el exterior, pero se las arregló para conseguirlo). En el caso de Vertigo se crea un campanario que no existía y que permite un plano cenital imposible de hacer en la realidad. Hoy en día se haría con CGI. Para ojos criados en el siglo XXI quizá molesten estos detalles, pero para ojos formados en la segunda mitad del siglo XX, al contrario, pueden ser de lo más atractivos. :cortina
El Hollywood clásico nunca se preocupó por la búsqueda del realismo, sino por crear un mundo mágico en el que el espectador de los 30, los 40 o los 50 se zambullía perplejo ante un espectáculo que le parecía más real que la vida misma. Había limitaciones, pero también muchas cosas que podrían haber perfeccionado si se lo hubiesen propuesto, como las transparencias en las escenas de coches.
Habéis hablado alguno de tener la "vista entrenada", y así es, yo veo en poco menos que en estado de hipnosis el Egipto de Los Diez Mandamientos, en cambio veo el Egipto de la reciente Muerte en el Niño de Branagh (que en realidad está mucho mejor hecho) y siento todo muy falso y digital.
Sobre las transparencias creo recordar que criticamos las de la versión americana de The Man Who Knew Too Much. En ese mismo film, en la embajada, había unos decorados (unos trampantojos) que cantaban por soleares. Visto con ojo quisquilloso, hay infinidad de ejemplos en el cine de Hollywood de soluciones poco convincentes, pero como pasa hoy en día con el exceso de CGI. Quizá dentro de 60 años los espectadores jóvenes (si es que aún existe esto del cine) criticarán los efectos especiales de los films actuales. :D
Desde luego que es largo el hilo, y mira que he leído y oído muchas cosas de Hitchcock que no me han hecho falta leer aquí, pero siempre se puede aprender más. El caso es cuando surgen algunas preguntas y para buscar las respuestas...
Cuando veo una película antigua no puedo evitar fijarme en cómo se han realizado, y es curioso fijarme en cosas que no había notado en otras ocasiones como esas pinturas maté, o preguntarme en Encadenados (creo que era esa) por qué no han ido a rodar a un parque con Cary e Ingrid en lugar de hacer una transparencia, que ya he visto que las usa en exceso.
Decía de no trabajar con animales ni niños y luego él mismo lo incumple, como Lars Von Trier con su Dogma, y también haría excepciones con los del "método".
En el cine de Hollywood, en general, se prefería trabajar en estudio y, si hacía falta, utilizar transparencias. Hay que tener en cuenta las dimensiones de las cámaras (ya no digamos las de Technicolor) y las dificultades de iluminar bien el plano. Eran tiempos de star system y actores y actrices tenían que ofrecer una imagen idealizada, que se obtenía mucho más fácilmente en el plató. Por eso resulta, por contraste, tan interesante el cine negro norteamericano de posguerra, por lo que tiene de salir a la calle a filmar los exteriores.
La mayoría de los efectos especiales actuales ya nos parecen malos, imagínate dentro de 60 años. Al final, ya sea cartón-piedra o digital, los efectos acaban envejeciendo, lo cual no importa, al final los efectos son secundarios y si la película es buena se sobrepone a los efectos.