Críticas y recomendaciones de discos

[matias_buenas]

QUEEN :"RETURN OF THE CHAMPIONS"

Ayer paseaba yo por ECI y vi esta joya a 9,95 euros (está en oferta hasta el día 19, su precio normal es de 29,70 euros), un concierto en directo de ESTE AÑO (mayo de 2005) del mítico grupo cantando Paul Rodgers . El sonido viene en pcm estéreo (16/48) y en dts a 24/96, nada de dolby digital.

El motivo de que venga en pcm a 16 bits y no a 24 supongo que será porque existe el doble CD y será la misma mezcla . El concierto es buenísimo actuando como vocalista Paul Rodgers en su mayor parte si bien algunos temas los canta Brian May, el guitarrista (como ´39 o Love of my life") y Roger Taylor (el batería) . Y la sorpresa es la versión muy emotiva de Bohemian Rhapsody hecha sobre la voz (y vídeo) del desaparecido Freddie Mercury . Se les ve carrocillas, salvo a Brian May que parece que con él no pasan los años .

Teniendo en cuenta el grupo, la calidad interpretativa del concierto y la calidad de vídeo (magistral) y de audio (aunque demasiado de directo) y, sobre todo, el precio, no puedo más que recomendarlo muy entusiastamente. Los temas que vienen, SEUO, son :

1 Reaching Out(Hill/Black)
2 Tie Your Mother Down (May)
3 I Want To Break Free (Deacon)
4 Fat Bottomed Girls (May)
5 Wishing Well (Rodgers/Kirke/Yamauchi/Kossoff/Bundrick)
6 Another One Bites The Dust (Deacon)
7 Crazy Little Thing Called Love (Mercury)
8 Say It's Not True (Taylor)
9 '39 (May)
10 Love Of My Life (Mercury)
11 Hammer To Fall (May)
12 Feel Like Makin' Love (Rodgers/Ralphs)
13 Let There Be Drums (Nelson/Podolor)
14 I'm In Love With My Car (Taylor)
15 Guitar Solo (May)
16 Last Horizon (May)
17 These Are The Days Of Our Lives (Queen)
18 Radio Ga Ga (Taylor)
19 Can't Get Enough (Ralphs)
20 A Kind Of Magic (Taylor)
21 I Want It All (Queen)
22 Bohemian Rhapsody (Mercury)
23 The Show Must Go On (Queen)
24 All Right Now (Rodgers / Fraser)
25 We Will Rock You (May)
26 We Are The Champions (Mercury)
27 God Save The Queen (Trad. Arr. May)

Y ya a consecuencia de los atentados en Londres, una grabación hecha en Julio de Imagine .

En definitiva, unos 140 minutos de Queen (sin John Deacon ni Freddie Mercury) divinos y altamente recomendables. :-*

 

[mozart]

Händel: El Mesías

Título del disco: "Messiah"
Compositor: George Frideric Händel
Director: Nikolaus Harnoncourt
Sello: Deutsche Harmonia Mundi
Formato: SACD híbrido multicanal (2) - DSD puro (?)
Versiones comparadas: Hogwood (L'Oisseau-Lyre) y McCreesh (Archiv)

INTERPRETACIÓN

Esta es una interpretación del Mesías distinta a todas. Desde luego radicalmente opuesta a las acartonadas interpretaciones de la tradición romántica, con coros de cientos de cantantes y solistas de ópera. Pero lo excepcional no es eso, sino que también sea distinta a otras versiones que se sitúan en la mucho más reciente tradición historicista, como las de Hogwood y McCreesh, de la cual el director austríaco Nikolaus Harnoncourt es uno de los fundadores.

Nikolaus de la Fontaine-d’Harnoncourt-Unverzagt, descendiente de los Condes de Luxemburgo y de los Emperadores de Austria, sin ser un compositor es sin embargo un genio de la música, uno de los pocos que existen hoy en día.

Pero lo suyo no es solo inspiración, sino también estudio. Ha publicado un libro que os recomiendo mucho, y que se consigue en español en la Casa del Libro, titulado El Diálogo musical: reflexiones sobre Monteverdi, Bach y Mozart. En ese libro expone una tesis que ha sido su marca de fábrica en la interpretación del repertorio barroco y clásico, incluida la obra que hoy os comento: no dar por sentado que un criterio de interpretación (llámese instrumentación, codas, ornamenti, tempi, etc.) es válido sólo porque "siempre se ha hecho así", que es lo que diría una mente conservadora. No, Harnoncourt va a las fuentes originales, estudia, emprende una verdadera búsqueda de datos que le permitan aproximarse al universo estilístico y sonoro de la época ... y hala!!! de pronto nos sorprende con una versión de una obra archiconocida como el Mesías que escuchamos como si fuera la primera vez que lo hacemos.

Ese es el caso de esta versión. Harnoncourt explica en las notas que la interpretación tradicional de esta obra sufre por el hecho de haber sido convertida casi en un objeto de culto y veneración en Inglaterra desde la época de Händel. Es algo así como la pieza central de una religión nacional. El resultado es que a lo largo de los más de dos siglos que nos separan desde su creación se han acumulado -como la mugre sobre los cuadros- una serie de clichés interpretativos que se han convertido en una especie de rito sacro desprovisto de emoción; un rito que nada tiene que ver con la intención inicial del compositor o las prácticas interpretativas de la época de Händel. Por ello es tan importante arrancar esta obra de manos de los ingleses y someterla a una revisión completa, para lo cual Harnoncourt ha llegado incluso a contratar expertos grafólogos que examinen las partituras originales salidas de la mano de Händel y detecten inflexiones en cuanto a la intensidad de la palabras, etc.

El resultado es sorprendente. A dieferencia de las versiones de Hogwood y McCreesh, basadas ambas en la denominada versión del Foundling Hospital (1754), Harnoncourt no se ciñe a ninguna en particular. Sus motivos tiene. No obstante, de manera coincidente con la versión Foundling, que prescinde de los castrati, Harnoncourt no emplea un contratenor para las partes asignadas genéricamente a un "alto", sino una mujer, la joven contralto sueca Anna Larsson, con una voz oscura y fascinante que es difícil de encontrar hoy en día.

No hay espacio aquí para comentar detalladamente la versión, pero os aseguro que si conocéis bien la obra os sorprenderá esta interpretación. A manera de resumen os digo lo más notable:

1.- La elección de los tempi, en términos generales mucho más reposados que otras versiones (escuchad el famoso Aleluya y alucinaréis), si bien en el coro Worthy is the Lamb que cierra la obra, el Amen fugado va bastante más rápido de lo usual (y menos mal ;-)).

2.- La maravillosa sección de cuerdas que emplea Harnoncourt y que puntea toda la obra, cediendo protagonismo a los metales sólo al final.

3.- La importancia del fraseo, que se advierte desde el corte 2, con el énfasis que pone el tenor en cada palabra del "Confort ye". En una obra donde la palabra es tan importante esto sin duda es fundamental.

4.- Los coros. El coro Arnold Schoenberg supera con creces a los ya de por sí excepcionales Gabrieli Consort de Paul McCreesh y al coro de voces masculinas de la Christ Church Cathedral en la versión Hogwood. Händel no empleó mujeres en el coro, al menos de la versión Foundling, sino niños sopranistas. Harnoncourt emplea mujeres, pero a diferencia de los Gabrieli Consort éstas tienen aquí un timbre aniñado, como de muchachos. Aparte de eso, los coros son absolutamente transparentes, de forma que se distinguen siempre las distintas cuerdas (sopranos, tenor, bajos).

5.- El marcado contraste dinámico en muchos pasajes orquestales, lo cual ya es una constante del maestro.

SONIDO

Esta versión fue grabada en vivo en la Musikvereinssaal de Viena, lo cual se advierte sobre todo en las breves pausas entre los sucesivos cortes. Pero no hay aplausos.

El sonido es excepcional, no en balde están involucrados los ingenieros de los famosos estudios Teldex de Berlín. Se trata de una toma sonora más bien próxima y acorde con el énfasis que Harnoncourt quiere dar a la clara percepción de las texturas instrumentales y vocales. Ello le resta a lo mejor cierta "majestad" a la versión, pero eso es justamente lo que Harnoncourt quiere. No se indica si los SACDs son DSD puros, pero apuesto a que sí, pues el detalle y resolución del sonido y la microdinámica es muy superior al otro SACD de la obra: la versión de Archiv. La versión multicanal funciona muy bien.

También publicada en: http://www.hificlass.com/

 

[mozart]

Roger Waters: Ça Ira

Título: Ça Ira
Compositor: Roger Waters
Interpretes: Bryn Terfel, Paul Groves, Ying Huang
Sello: Sony Classical / Columbia
Formato: SACD (2)

Producto curioso éste. Vino precedido de cierta publicidad desde antes de su lanzamiento hace unos pocos meses, sin duda alimentada por la curiosidad y expectación que provoca el que una famosa figura del pop-rock como el ex-Pink Floyd dé o pretenda dar el salto a la clásica. La historia presenta paralelismos con lo que ocurrió hace unos años con la "ópera" Luna del ex-mecano José María Cano. Volveré sobre ello.

La primera cuestión que suscita la aproximación a este producto de Waters es la de su clasificación dentro de los géneros musicales: ¿se trata de una ópera? No es un tema tan trivial como parece, pues Waters ha puesto toda la carne en el asador para que su obra sea llamada "ópera", sea considerada y respetada como tal y se represente en los teatros de ópera más importantes de Europa interpretada por cantantes líricos, etc. De hecho él mismo se ha anticipado la polémica declarando más o menos que sabe que se enfrenta a los prejuicios y conservadurismos típicos de los circuitos del mundo operístico. Una estrategia no desprovista de maquiavelismo marketiniano pues de este modo pretende poner de su parte al gran público y matar el debate antes de nacer: si alguien se atreve a decir que su obra no es una "ópera" entonces queda automáticamente colocado del lado de los carcas, retrogrados y conservadores que pueblan el mundo de la clásica.

Y sin embargo esto no es una ópera. Es evidente desde los primeros cortes. Escuchad por ejemplo en 0'45" del corte 4 la intervención de Madame Antoine, que empieza con la frase "one day". Decidme si ese estilo no es de musical. Lo mismo que la intervención de Honest Bird en 1´25", que recuerda a la entrada del "artillery man" en el musical "La Guerra de los Mundos". En el corte 23 nos encontramos incluso un coro de negros en el más puro estilo gospel.

Una ópera es teatro cantado, pero musicalmente se caracteriza por cierta complejidad armónica. Sobre todo las óperas compuestas en el siglo XX y supongo que también el en XXI son más bien poco o nada melódicas. Es difícil cantar un fragmento de una ópera de Richard Strauss en la ducha. Además casi ninguna ópera tiene partes habladas y cuando adoptan ritmos y melodía populares generalmente el compositor los estiliza y transforma armónicamente. Un musical es lo contrario: melodías fáciles de cantar, partes habladas, simplicidad armónica, cantos populares como el gospel mencionado.

¿Qué es entonces Ça Ira? Pues es un poco difícil decirlo. Yo diría que básicamente recuerda a la opereta (una especie de ópera light con argumentos generalmente divertidos), pero con un libreto que pretende ser trascendental. También al musical pop-rock, pero con algunas inyecciones de complejidad armónica para intentar que a ratos parezca algo de más enjundia. El problema de esta obra es que sin ser propiamente una ópera, al menos dentro del concepto habitual del término, es muy pretenciosa para ser un musical. La Guerra de los Mundos es un estupendo musical pop cuyo éxito radica en parte en que no pretende ser otra cosa. Su autor no pretendió nunca estrenarlo en el Covent Garden ni le dió la pataleta como a Jose María Cano o Roger Waters cuando les dijeron que no.

He perdido las notas que tomé hace más de un mes cuando compré y escuché el doble SACD, así que no podré ser más preciso, al menos hasta que la vuelva a escuchar, pero algo puedo adelantar.

Los solistas son muy buenos. Bryn Terfel es un conocido bajo-barítono y con su gran arte logra darle cierta categoría a esta obra de Waters.

El libreto es infame. Sus autores, unos tales Nadine y Etienne Roda-Gil salen por todas partes en el cuadernillo del album. Es raro que no sepamos quién ha dirigido musicalmente la interpretación de esta obra -algo esencial en una grabación supuestamente de clásica- pero que los libretistas salgan hasta en la sopa. Han hecho un libreto sobre la Revolución Francesa lleno de alegorias baratas sobre la libertad, la democracia, etc. pero baratas, baratas, con pajaritos que hablan y esas cosas. Fijaros en el ridículo corte 7.

A pesar de ser esencialmente un musical, ello es más evidente en las partes vocales. En los pasajes instrumentales a ratos se consigue cierta densidad y profundidad musical. Ya os diré donde.

Y por ahora esto es lo que hay.

Un saludo

Publicada también en HiFiClass

 

[mozart]

La Tarantella

Quiero comentaros de manera informal este SACD que compré ayer en la FNAC por menos de 18 euros.

Se trata de una recopilación de "tarantelas" procedentes de varias fuentes desde el siglo XVI hasta nuestros días.

Mi primera aproximación a este ritmo que se denomina "tarantela" vino con un CD del excelente grupo de música antigua Cappela della Pietà de'Turchini titulado "Per la Nascita del Verbo" con música barroca napolitana de 1650-1700 y que de paso os recomiendo porque es muy bueno.

Pues bien, una de las piezas que siempre me ha gustado especialmente de este último CD es justamente una obra del compositor Caresana (1640-1709) titulada "La Tarantella".

¿Qué es una tarantella pues? Un ritmo que se desarrolló en el sur de Italia a la sombra de la creencia de que la enfermedad producida por la picadura de la tarantula (la tarantosis) solo podía curarse con música.

Pues con este pretexto, el SACD que os comento, interpretado por el conjunto L'Arpeggiata, está lleno de ritmos, armonias y sonidos riquisimos de eco popular interpretados con archilaudes, arpas, guitarras barrocas y voces más calidas que virtuosas, lo cual es lo suyo con este tipo de música. El sonido es claro y detallado. Todavía no lo he probado en multicanal. Un SACD muy interesante y que apuesto que os va a gustar.

Un saludo

Publicada también en HiFiClass

 

[matias_buenas]

GENESIS :"WIND AND WUTHERING"

Ayer estuve escuchando, una vez más, este estupendo disco . Es el segundo que sacó Genesis tras la marcha de Peter Gabriel en un prolífico año, 1976, donde sacaron éste y "a trick of the tail" otro magnífico album .

No tiene despedicio, es bueno de principio a fin . Se aprecian las facultades de cada miembro si bien es un disco más "Tony Banks" .Podemos ver influencias de Phil Collins en "Wot Gorilla?, de Rutherford en "Your own special way", de Steve Hackett en "Blood onthe rooftops" y sobre todo de Tony Banks en "One for de wine", "All in a Mouse´s night" o "Afterglow" y en el resto de las temas una conjunción de todos, sobre todo en el tema 7.

Estos son los temas del disco y su duración aproximada :

1.  Eleventh Earl Of Mar — 7:39
2.  One For The Vine — 9:56
3.  Your Own Special Way — 6:15
4.  Wot Gorilla? — 3:12
5.  All In A Mouse's Night — 6:35
6.  Blood On The Rooftops — 5:20
7.  a.  Unquiet Slumbers For The Sleepers
    b.  .....In That Quiet Earth — 7:12
8.  Afterglow — 4:10

Esta es la portada del disco :

Para quien le guste el reock sinfónico o progresivo se me antoja como un disco imprescindible, pero también para todo aquél que quiera oir música relajado y que ésta le hable,  pues la letras van con la música.

 

[Takinardi]

Paris combo - Live

Este es mi descubrimiento de los últimos dias,gran disco en directo de este grupo frances donde puedes encotrar fusiones de jazz, funk,bosa nova,música española,italiana y música cabaretera una autentica delicia para mis oidos, recomendable tanto este disco como toda su discografía.

 

[matias_buenas]

VIVALDI : "LA STRAVAGANZA, ARTE DEI SUONATORI"

He adquirido este doble SA-CD del sello Channel Classics pero que al menos en España me parece que lo distribuye Harmonía Mundi (al menos en su tienda lo compré yo) .

Se trata de una serie de conciertos para violín de VIVALDI interpretados por la muy habilidosa Rachel Podger, en concreto estos :

Disco 1
Concerto in B flat, Opus 4 No. 1
Concerto in E minor, Opus 4 No. 2
Concerto in G major, Opus 4 No. 3
Concerto in A minor, Opus 4 No. 4
Concerto in A major, Opus 4 No. 5
Concerto in G minor, Opus 4 No. 6

DISCO 2

Concerto in C major, Opus 4 No. 7
Concerto in D minor, Opus 4 No. 8
Concerto in F major, Opus 4 No. 9
Concerto in C minor, Opus 4 No. 10
Concerto in D major, Opus 4 No. 11
Concerto in G major, Opus 4 No. 12

                               

El disco es de compra OBLIGADA para mi gusto :-*. Lo siento, pero no tengo palabras en este momento como para describir lo bonita que es la música contenida en esos dos discos, lo bien que suena y, encima, si tenemos en cuenta su más que comedido precio . En especial, el corte 15 del segundo disco es absolutamente bello, sublime y embriagador. No os digo más que una cosa : que no caiga esta recomendación en saco roto, que pase a vuestra discoteca y ya veréis cómo tendréis muchas horas garantizadas de una música verdaderamente preciosa y con capacidad de emocionar.

 

[dogville]

Como ya hace un potosí que no hago ninguna critica de música aquí va esta dedicada a un grupo de los 80 llamado SAD LOVERS AND GIANTS. Çoncretamente este recopilatorio.

¿Quienes son?. Pues un grupo popero guitarrero con un toque de electrónica de la época realmente exquisita. Guitarras con cierta mística y una mezcla de teclados que suavizan un disco ya de por si, no guitarrero en el sentido estricto de la palabra. Hay atmosferas al estilo de the sound y the cure, the damned, the church pero mas oníricos si se me permite la expresión. Excelentes en directo como demuestra el último tema del disco grabado en la sala Pachá de Valencia.
En resumen, hiperrecomendable porque son joyas de un pop que ya no existe.

un saludo

offtopic: ¿porqué no me corrige the darned?. He puesto the damned pero no hay tu tía :-?. No me pone la "m" en vez de la "r".

 

[dogville]

THIS PICTURE  a violent impression

Otra banda de casi los 90. También guitarras y algo de teclas con una gran similitud a U2 pero con una canción que ya les gustaría para si a los divos de iu tu. Se titula como el disco, " violent impression" y solo por ella ya merece la pena el disco. Tiene momentos en los que los tempos cambian de manera sorprendente. Voluptuoso sonido ( :) por momentos para caer en la delicadeza y en una atmósfera preciosa en otros. Tanto esta banda como la de la crítica anterior, merecieron mejor suerte porque son dos discos deliciosos del pop independiente de aquellos años.
Bueno, otra recomendación para los que les guste el pop bien hecho.

salu2

 

[mozart]

Mozart: Sonatas para tecla y violín

Título: Sonatas completas para violín y piano, vols. 1 y 2
Compositor: W.A. Mozart
Interpretes: Gary Cooper (fortepiano) y Rachel Podger (violín)
Sello: Channel Classics
Formato: SACD

INTERPRETACIÓN

He aquí el inicio de lo que parece será una integral de todas las sonatas de Mozart para instrumento de tecla y violín.

A Rachel Podger ya la conoceis de la crítica hecha por Matias-buenas de su doble SACD con obras de Vivaldi. En los álbumes aquí comentados la acompaña el joven pianista Gary Cooper.

Tomemos una de las sonatas, la K303, y comparémosla, por ejemplo, con la versión correspondiente en el también reciente SACD de Mitsuko Uchida y Mark Steinberg, grabado para Philips.

Mientras en la versión de Philips la Uchida toca un gran piano Steinway, en la de Channel Classics Cooper toca un fortepiano hecho a imitación de un Anton Walter de 1795. Esta diferencia en los instrumentos hace que de entrada estemos ante versiones muy diferentes. En la versión de Uchida, para evitar que el poderoso piano anule el violín, el ingeniero realiza una toma sonora muy próxima de este último instrumento. El resultado es que pareciera que piano y violín estuviesen colocados en planos yuxtapuestos sin que se logre un adecuado balance entre ellos. Por el contrario, en la versión de Channel Classics el fortepiano Walter de Coopers *y el violín Pesarini de Podger dialogan amablemente entre sí, sin interferirse, produciendose un equilibrio tímbrico exquisito entre los dos instrumentos.

El violín de la Podger en la versión de Channel Classics es mucho más lírico que el de Steinberg para Philips. Escuchad el 1er movimiento de la K379 cuando a partir de 2'45'' Podger inicia una intervención soñadora que es como el aria de una ópera. No obstante, la Podger también sabe ponerle energía y pasión a la interpretación cuando lo exige el guión. Fijaros en 0'19'' del segundo movimiento, cuando tras una magnífica entrada del violín la pareja Podger-Cooper parecen escenificar una historia hecha de sonidos, emoción e intensidad.

Las obras incluidas en ambos volúmenes del proyecto de integral de Channel Classics contienen desde obras compuestas por Mozart cuando solo contaba 6 años hasta obras que revelan al compositor maduro. De éstas tomad por ejemplo el rondeau de la K378 que podéis descargar de aquí:

https://www.forodvd.com/musica/K378rondo.mp3

Notad la alegría y la luminosidad de esta composición y sobre todo la expresividad y vigor de los interpretes, el perfecto equilibrio tímbrico de los instrumentos de época, el lirismo del violín, ...

Esta pareja de albumes, que os recomiendo con entusiasmo, puntuarán alto en la selección de los mejores albumes ForoDVD del año 2005.

SONIDO

Comparando de nuevo las versiones de Philips y Channel Classics encontramos que la primera, en la opción multicanal, presenta una acústica de sala grande y muy resonante. El efecto desaparece al pasar a la capa SACD estéreo. Lo malo es que el sonido se vuelve también plano en estéreo, sin dimensionalidad. Las versiones de Channel Clasics, sin embargo, solo presentan una ligera reverberación en modo multicanal. La mezcla está muy lograda, transmitiendo sensación de ambiente y un excelente balance entre el fortepiano y el violín. En resumen, también en el apartado sonoro las versiones de Podger-Cooper superan a la de Uchida-Steinberg.

Saludos

 

[dogville]

MARK ISHAM BSO de Crash

Maravillosa banda sonora donde las haya, UNA AUTÉNTICA MARAVILLA compuesta por el siempre genial Mark Isham para ambientar una durísima película. Ambientes electrónicos con temas de raiz étnica de una gran belleza.
El que busque una banda sonora manida de las muchas que se hacen hoy en día (que parecen todas iguales) que se olvide de este disco. El resto, mi mas ABSOLUTA recomendación. El que quiera ver lo que se puede hacer con la electrónica, que no se pierda este disco.
Como añadido un bonito tema de Stereophonics y otro de Bird York
un saludo

 

[job_ananda]

El famoso cello Yo-Yo Ma y el conjunto Silk Road le ponen música a la ruta de la seda en este precioso SACD(DSD puro-dual layer)Musica tradicional de Turquía,Persia,Mongolia,China...con instrumentos originales.Un disco con acento oriental lleno de pasajes para meditar que invitan al sosiego.Tiene un bonus track de Tan Dun:música de la la pelicula "Tigre y Dragon"

 

[job_ananda]

Esta semana me ha llegado estos dos SACD.Practicamente en los dos son obras de compositores franceses,en un caso obras para cello y orquesta;en el otro para violin y orquesta.Muy recomendables.Las obras para violín son de corte romántico con ciertos aires españoles.La selección de los conciertos para cello y orquesta:antologicos,sobre todo el de Schumann.La calidad interpretativa de János Starker y Akiko Suwanai:sobresaliente.El SACD de Philips(dsd puro) es soberbio.Pero mi mayor sorpresa ha sido con la versión de Mercury Living Presence:que trabajo de remasterización con una obra grabada en 1962;para mi muy superior a los SACD que tengo de Living Stereo.Un 10 rotundo para Universal(DG,Philips,Decca...)

 

[dogville]

BRIAN ENO Another day on earth

El último disco que me he comprado. Muy recomendable para todo aquel que le guste salirse de lo habitual. Es asequible pero a la vez de una gran hechura. Juegos con las voces y un tratamiento electrónico con mucha clase. No en valde es uno de los mejores ambientistas de calidad.

 

[curtis]

Hacía tiempo que le tenía echado el ojo, excelente interpretación y sonido sublime del clave en un CD imprescindible de una música atemporal ... muy, muy recomendable.

Saludos.

 

[job_ananda]

Otra version Bach : Variations Goldberg (SACD)

Murray Perahia (piano)
Tambien recomiendo esta versión exquisita para cuerda

 

[matias_buenas]

MANU KATCHÉ : "NEIGHBOURHOOD"

Hola a todos :

Hacía tiempo que no recomendaba un disco y no puedo dejar pasar la ocasión de recomendar éste del sello ECM:

Manú Katché es bastante conocido por ser el batería de Peter Gabriel desde el "Plays Live" hasta sus últimas giras y haber tocado para Sting. En este disco, toca con Jan Garbarek al saxo, Tomasz Stanko a la trompeta, Marcin Wasilewski al piano y Slawomir Kurkiewicz al contrabajo.

El estilo es una especie de jazz a lo Miles Davis o Keith Jarrett o por lo menos es un estilo que a mi me lo recuerda .

La calidad sonora es sencilamente espectacular, es de los CDs que mejor me suenan, tanto, que, por ejemplo, ya en su primer tema (November 99) es más que recomendable para evaluar la calidad de nuestro equipo, ya que le obliga a dar unos poderosos bajos del cajón de la batería, unido al extremo agudo final de los platillos y la parte media y rica en armónicos del piano unido todo eso a una poderosa variación dinámica y la entrada del contrabajo.

Los temas que tiene el disco son :
November 99; Number One; Lullaby; Good Influence; February Sun; No Rush; Lovely Walk; Take Off & Land; Miles Away; Rose.

Creo que es un disco imprescindible para todo aquel que le guste la música jazz .

Un saludo.

 

[curtis]

Grandiosa edición de un grandioso disco de un grandioso artista "Let get it on" de Marvin Gaye DeLuxe Edition ... una auténtica joya soul de un artista sublime ... con un sonido excepcional made in Motown para la delicia de nuestros stereos ... una presentación (como todas estas ediciones) de auténtico lujo en Digipack con dos CDs,

CD1:

ORIGINAL ALBUM
 1. Let's Get It On
 2. Please Don't Stay (Once You Go Away)
 3. If I Should Die Tonight
 4. Keep Gettin' It On
 5. Come Get To This
 6. Distant Lover
 7. You Sure Love To Ball
 8. Just To Keep You Satisfied
SESIONS
 9. Song #3 - (TRUE instrumental)
 10. My Love Is Growing
 11. Cakes - (TRUE instrumental)
 12. Symphony - (undubbed version)
 13. I'd Give My Life For You - (alternate mix)
 14. I Love You Secretly - (with The Miracles)
 15. You're The Man - (alternate-version 1)
 16. You're The Man - (alternate-version 2)
 17. Symphony - (demo vocal)

CD2

DEMOS, ALTERNATE MIXES & MORE
 1. Let's Get It On - (demo)
 2. Let's Get It On Pt. 2 (a.k.a Keep Gettin' It On) - (complete)
 3. Please Don't Stay (Once You Go Away) - (alternate mix)
 4. If I Should Die Tonight - (demo)
 5. Come Get To This - (alternate mix)
 6. Distant Lover - (alternate vocal)
 7. You Sure Love To Ball - (alternate mix)
 8. Just To Keep You Satisfied - (a cappella with alternate vocal)
 9. Just To Keep You Satisfied - (1970, with The Originals)
 10. Just To Keep You Satisfied - (1968, with The Monitors)
WORKING THE GROOVE
 11. Where Are We Going? - (alternate mix)
 12. World Is Rated X, The - (alternate mix)
 13. I'm Gonna Give You Respect
 14. Try It, You'll Like It
 15. You Are That Special One
 16. We Can Make It Baby
 17. Running From Love - (instrumental-version 1)
 18. Mandota - (TRUE instrumental)
 19. Running From Love - (instrumental-version 2)
 20. Come Get To This - (live)

Tooda una gozada ... IMPRESCINDIBLES en las mismas ediciones estos también

Saludos.


 

 

[dogville]

DEAD CAN DANCE Selections from North America 2005

Sin palabras. I M P R E S I O N A N T E directo. . De lo mas recomendable. Eso si, solo se puede comprar de la página de los auutores.

DEAD CAN DANCE

 

[matias_buenas]

J.S. BACH:"Ouvertures (The 4 Orchestral Suites)"

Me permito recomendar este doble Sa-Cd del sello BIS

si bien el segundo disco es de algo más de 20 minutos, se venden los dos al precio de uno y precisamente a precio rebajado estos días en FNAC (sobre los 18 euros). Se trata de dos SA-CDs híbridos con capa CD estéreo y SA-CD estéreo y multicanal 5.0 (nada de ajustes al sub, cada canal tal cual es, esencia musical pura)

Es música barroca, las primeras cuatro oberturas o suites orquestales de BACH, interpretado por el Bach Collegium Japan y dirigido por el maestro japonés nacido en Kobe, Masaaki Suzuki, de quien ya hemos visto su buen hacer en las famosa cantatas precisamente de Bach .

Disco 1:
Johann Sebastian Bach
Ouverture III (Suite in D major) BWV 1068  
 1. I. Ouverture 10'19
 2. II. Air 4'41
 3. III. Gavotte I - II - I 4'26
 4. IV. Bourrée 1'10
 5. V. Gigue 2'48

Ouverture I (Suite in C major) BWV 1066  
 6. I. Ouverture 10'01
 7. II. Courante 2'21
 8. III. Gavotte I - II - I 3'48
 9. IV. Forlane 1'19
 10. V. Menuet I - II - I 3'27
 11. VI. Bourrée I - II - I 2'32
 12. VII. Passepied I - II - I 3'06

Ouverture II (Suite in B minor) BWV 1067  
 13. I. Ouverture 10'41
 14. II. Rondeau 1'52
 15. III. Sarabande 2'53
 16. IV. Bourrée I - II - I 2'05
 17. V. Polonaise - Double - Polonaise 3'52
 18. VI. Menuet 1'17
 19. VII. Badinerie 1'23

Disco 2:
Ouverture IV (Suite in D major) BWV 1069  
 1. I. Ouverture 12'21
 2. II. Bourrée I - II - I 2'55
 3. III. Gavotte 1'57
 4. IV. Menuet I - II - I 4'11
 5. V. Réjouissance 2'

La música es simplemente, preciosa, muy bien grabada y muy bien ejecutada . A destacar el precioso y conocido AIR, uan versión más "barroca" que la igualmente preciosa pero más "sinfónica" de Karajan que ya poseía . Más que recomendable, hacedme caso .  :-*

Saludos.

 

[mozart]

Título: Sonata para piano nº 3, metopas, máscaras
Compositor: Karol Szymanowski
Interpretes: Piotr Anderszewski
Sello: Virgin
Formato: CD

INTERPRETACIÓN

Tras el anuncio el pasado jueves de los Premios Gramophone de este año (ver aquí, me he animado a traer esta crítica que escribí hace meses en HiFi Class sobre uno de los discos premiados, el de obras de Szymanowsky por el singular pianista Piotr Anderszewsky.

La discografía de Szymanowski no es precisamente abundante. Entre otras versiones comparables a ésta de Virgin la Guía penguin destaca dos: la de Hyperion y la Martin Roscoe para el sello Naxos.

Como tengo la de Naxos, he procedido a hacer una escucha comparada de una obra en particular, las Masques, op. 34, entre Anderszewski y Roscoe. Son como la noche y el día. Roscoe es un pianista competente, pero que limita (a posta?) el rango dinámico en su ejecución. No se arriesga. Es sobrio.

Por otra parte Anderszewski infunde vida a la obra. Probad la Masque nº 2, "Tantris le Bouffon". Desde el primer acorde se nota que Anderszewski usa el rango dinámico del piano a tutiplen. Su digitación es además mucho más firme, rápida y con más energía que la de Roscoe. El inteligentísimo uso del pedal le confiere emoción a la obra. Fijaros en elpianissimo en 3'05" (creo, escribo de memoria), como prolonga la nota con gran efecto dramático. Ayuda la toma sonora, más próxima que en el disco de Naxos (en el corte 4 del DVD de Virgin con las Variaciones Diabelli el propio pianista da a entender que favorece una toma próxima y muy "viva").

Anderszewski es un pianista con el que uno nunca se aburre. Tiene la virtud de hacer que nos enganchemos a la escucha, que escuchemos cada nota. Eso ya lo comprobé en su magnífica interpretación de la suite nº6 de Bach y la sonata de Beethoven.

Bien por Anderszewski.

SONIDO

Tengo pendiente hacer una escucha centrada en los aspectos sonoros, pero en general me suena muy bien.

Saludos

 

[mozart]

Cantatas bachianas

Título: Cantatas BWV 98 - 180 - 56 - 55
Compositor: J.S.Bach
Director: Sigiswald Kuijken
Sello: Accent
Formato: SACD

INTERPRETACIÓN

Versiones comparadas:
BWV 56: Joshua Rifkin, Double Decca; Gustav Leonhardt, Teldec
BWV 180: Christophe Coin, Auvidis; Gustav Leonhardt, Teldec

Se trata del primero de un total de veinte volúmenes que iran apareciendo a razón de 3-4 por año entre 2006 y 2011 (este año ya han salido tres y está previsto el cuarto antes de diciembre). El proyecto se titula "Cantatas para el año litúrgico", lo cual no deja de ser una perogrullada pues las cantatas sacras se compusieron justamente para el año litúrgico. En efecto, cuando Bach tomó posesión del cargo de Kantor de Santo Thomas de Leipzig en 1723 una de sus nuevas obligaciones consistía en componer una cantata nueva para cada domingo del año litúrgico, la cual sería interpretada en el largísimo oficio principal del domingo. Se cree que Bach compuso cinco de estos ciclos completos de cantatas durante otros tantos años consecutivos, lo cual debía hacer unas 300 cantatas sacras, de las cuales sólo se conservan 199.

Pues bien, la originalidad de este proyecto del sello Accent liderado por el singular Sigiswald Kuijken es que en lugar de grabar las casi 200 cantatas sacras, como fue el caso de la monumental integral de Harnoncourt-Leonhardt o, más recientemente, del proyecto del sello BIS con Suzuki, grabarán sólo UNA cantata correspondiente a CADA domingo del año litúrgico (en general la integral completa incluye unas 3 cantatas para cada domingo del año litúrgico, pues como he dicho Bach compuso hasta cinco ciclos, pero hablo de memoria y me da pereza levantarme a mirar los libros ).

Otro aspecto "original" de esta "mini-integral" de Kuijken es que recupera el criterio de "una voz por parte" que tanta polémica ha causado. Os cuento. Hace ya unos cuantos añós el musicólogo norteamericano Joshua Rifkin revolucionó el cotarro de la interpretación bachiana con su teoría de que Bach no compuso los coros y los corales de sus obras vocales (cantatas, misas, pasiones) para agrupaciones (coros) con varios efectivos por cada cuerda (o sea, varios sopranos, altos, tenores y bajos) como es habitual en cualquier coro moderno, sino que los números corales eran cantados por los cuatro solistas habituales. O sea un coro de 4 cantantes: una voz o cantante por cada parte o cuerda. Rifkin basaba en gran parte esta conclusión en el hecho de que en el caso de las obras corales de Bach nunca se ha encontrado más de una copia de la partitura correspondiente a una determinada parte. Según esta corriente del historicismo musical, en época de Bach como mucho se doblaba -en algunas ocasiones especiales- el número de efectivos por parte recurriendo a lo que se llamaba un coro de ripienistas. Los 4 ripienistas reforzaban pues el coro principal de 4 cantantes.

En todo caso, el resultado del empleo del criterio de Rifkin es muy impactante pues aporta a los números corales un aire madrigalístico con unas texturas musicales muy muy tansparentes y diafánas. Así grabó Rifkin una famosa versión de la Missa en si menor y una serie de cantatas que se encontaban hasta no hace mucho en los ellos L'Oisseau-Lyre y Decca. Por supuesto, en seguida la polémica estuvo servida con defensores y detractores dispuestos a todo menos a matar por defender su bando (¿os suena familiar? ).

He explicado todo lo anterior, pues al haber adoptado Kuijken para esta mini-integral el criterio de una voz por parte, parece que la comparación obvia de estas versiones es con las del propio Rifkin para Decca. Sin embargo, de este primer volumen sólo la cantata BWV 56 ha sido previamente grabada por el americano, así que a ella dirigiré primero mi atención.

La BWV 56 es una cantata impresionante. A diferencia de otras cantatas sacras de Bach, que son casi mini-óperas con intervenciones virtuosas de los 4 solistas y coros poderosos, en este caso el peso de la obra recae en un solo intérprete: el bajo. Éste no representa ninguna idea barroca abstracta ni ningún personaje poderoso como Jesús, sino que encarna simplemente la voz de un hombre cualquiera. Por ese motivo, y también a diferencia de otras cantatas, en este caso el cantante habla en primera persona: es la voz del hombre que narra las dificultades y sufrimientos de su propia vida, algo que solo volveremos a encontrar -creo- en pleno romanticismo con los lieder de Schubert. En el segundo movimiento de la cantata (pista 14 del SACD), el recitativo es acompañado por un obbligato de violoncello de gran efecto dramático. Tal como señala Kuijken en el cuadernillo que acompaña el SACD, el obbligatto representa el movimiento ondulado de nuestra propia vida, que cesa en el minuto 1'38'' cuando el hombre muere. Genial, ¿no?!!!!! Y en mi opinión es justamente el intenso dramatismo del bajo-barítono Dominik Wörner en esta versión de Kuijken la que marca su superioridad con respecto a la de Rifkin e incluso la de Leonhardt.

Pero la comparación interesante de verdad viene con el número coral que cierra la obra (corte 17 del SACD) pues aqui podemos comparar vis a vis los coros reducidos utilizados tanto por Kuijken como por Rifkin en sus respectivas versiones. En mi opinión ambas versiones son muy gratificantes y el criterio madrigalista empleado en ambas (recuérdese: una voz por parte) viene como anillo al dedo a esta cantata tan íntima y personal como es la BWV 56. No obstante Kuijken gana por el hecho de que el equilibrio de voces está mejor logrado que en la versión de Rifkin, donde claramente predominan las tesituras más agudas, lo cual es un poco discordante teniendo en cuenta que es una cantata para bajo.

De las otras cantatas incluidas en este SACD, la BWV 55 y 98 se benefician igualmente, en mi opinión, de la adopción del criterio de una voz por parte al ser, al igual que la BWV 56, cantatas muy intimistas, .

No obstante, la BWV 180 es harina de otro costal. Esta cantata abre con una bonita sinfonía seguida de un importante coral, que para mi gusto pide un coro más numeroso que el utilizado por Kuijken. La versión ideal para mi es la de Coin dentro de su mini-integral de cantatas acompañadas de violoncello picolo (3 CDs para el sello Auvidis) aparecida con mu buena acogida hace ya 10 años. El ambiente que logra Coin es también intimista, nada que ver con las multitudinarias versiones romanticoides tan del gusto de nuestros padres (e incluso hoy en día de la derechona musical española :), pero aun así mucho más acorde con la idea que tenemos de estas obras casi todos nosotros. Otra diferencia entre las versiones de Kuijken y Coin es que a pesar de ser ambas historicistas, el primero utiliza a una mujer en lugar de un contratenor para la parte asignada por Bach a la voz de alto. La diferencia que esto marca es importante, y creo que prefiero el uso de una mujer, sobre todo como en este caso en el que la mezzo Petra Noskaiova canta con un timbre casi de muchacho. Así tenemos lo mejor de lo mejor, una tía que canta como un muchacho pero con un virtuosismo y una técnica que éste nunca podría tener por una cuestión de madurez vocal.

Finalmente, también puedo señalar otra diferencia entre ambas versiones, y es la que establece el uso del violoncello piccolo: mucho más pronunciado en el caso de la versión de Coin (fijaros en el recitativo de la soprano), lo cual es lógico si se tiene en cuenta que es el instrumento de Coin y el leit motiv de su mini integral. Que nos guste tanto protagonismo para el violoncello es cuestión personal, a mi me da por épocas jeje.

SONIDO

En lo sonoro la versión de Kuijken me parece perfecta cuando se escucha con sonido SACD multicanal. Es menos reverberante que, por ejemplo las versiones de Coin o incluso Leonhardt y, sin embargo, transmite una mayor sensación de espacio, para no hablar de una mayor claridad de las voces. El equilibro entre voces e instrumentos es igualmente perfecto. Un gran logro sonoro y un ejemplo de cómo se va adquiriendo experiencia en el uso de los canales traseros, que aportan justo lo necesario para contribuir a la sensación de espacialidad.

Publicaré también este comentario en Hi-Fi Class.

 

[curtis]

Este  

"Charlie Parker Big Band"

Si lo que queréis es hacer un alarde tecnológico de vuestras cajas y equipos NO os compréis este disco.

Si queréis epatar al personal con un sonido contundente NO os compréis disco.

Si queréis escuchar música con glamour, temas intemporales, "Laura", "Night and day", "Love theme from Spartacus", "Lover", "Temptation" y otros muchos mas todos maravillosos, interpretados por una Banda con mayúsculas y uno de los mas grandes ... Mr. Charlie Parker ... Mr Bird soplando a gusto ... este SI es vuestro disco ... una grabación monoaural de 1953 ... aunque remasterizada a 96 kHz/24 bits, en una preciosa edición digipack del sello Verve ... precioso, lo dicho ... no me digáis que no os emocionan esas pelis clásicas en blanco y negro, 4/3 y sonido mono ... pues lo mismo e incluso mejor.

Saludos.

 

[mozart]

Rapsodia en azul

Título: Rhapsody in blue
Compositor: George Gershwin
Director: Michael Tilson Thomas
Sello: Sony
Formato: CD (master DSD transferido a CD con SBM direct)

INTERPRETACIÓN

Versiones comparadas:

A raíz de un interesante hilo en el foro HiFiclass sobre las distintas versiones de la Rapsodia de Gershwin, me decidí a comprar el CD que protagoniza esta recomendación: la versión del director norteamericano Michael Tilson Thomas con el propio Gershwin al piano, aparecido originalmente como vinilo en 1976. También a raíz de aquel hilo adquirí la clásica versión de Bernstein, actualmente disponible en SACD. Las otras dos versiones, la de la serie Living Stereo y la de Michel Camilo, ambas en SACD, ya las conocía.

Lo primero que puede preguntarse un lector avispado es cómo es posible que una versión estereofónica moderna de la obra grabada en 1976 bajo la batuta de un famoso director de nuestros días como Tilson Thomas cuente con el propio Gershwin (1898-1937)como solista. Pues gracias a una pequeña maravilla tecnológica que debe mucho a la labor entusiasta del productor Andrew Kazdin y su colega Tom Shepard. El proyecto consistió en lo siguiente: en 1925 el propio Gershwin realizó una grabación de la Rapsodía utilizando un par de piano rolls (no he encontrado traducción, sería literalmente "rollos para piano") en los que además de su propia intervención solista añadió una reducción para piano de las partes orquestales. El piano roll fue una de las primeras técnicas de reproducción del sonido del piano que se basaba en que cada nota era perforada en un rollo de papel durante la ejecución de una obra.

Kazdin y Sheppard, con infinita paciencia, se dedicaron a tapar uno por uno los agujeros correspondientes a las intervenciones orquestales (o mejor dicho, su reducción a piano) para dejar solo las partes solistas interpretadas por Gershwin. La idea era devolver a la vida la interpretación del compositor mediante un mecanismos de reproducción del rollo acoplado a un gran piano moderno, cosa que finalmente consiguieron. Y ya lo último fue acoplar una orquesta moderna a dicha "interpretación" bajo la dirección de Michael Tilson Thomas. Para ello se decidió utilizar no una gran orquesta sinfónica, que es como se suele interpretar hoy en día la Rapsodía, sino una banda de jazz, la Columbia Band Jazz, pues la obra fue inicialmente orquestada por Ferde Grofé para una formación de este tipo, la Paul Whitman Band.

El resultado es, en mi humilde opinión, fantastico. Comparando esta versión con las otras indicadas arriba, llaman la atención varias cosas. La primera, la energía y vitalidad de la interpretación de Gershwin al piano, que además es siempre muy natural y libre de manierismos. En conjunto se trata de una interpretación ágil, con un perfecto balance entre la relativamente pequeña (pero matona ;-)) banda jazzística y el piano de Gershwin; con una toma sonora de lujo, en la que cada instrumento puede escucharse con perfecta nitidez. Un milagro que se realizó 40 años despuésde la muerte del compositor!!!

Prometo completar esta crítica con un comentario más detallado en un siguiente post.

Un saludo

 

[mozart]

Rapsodia en azul (continuación)

Cumpliendo mi promesa vuelvo a la carga, y es que si no termino esta crítica ahora se me olvidan las impresiones de la escucha de ayer, a pesar de que tomé notas  

Para poder comparar las diferentes versiones es conveniente familiarizarse con la estructura de la obra. En Rhapsody in Blue es posible identificar tres temas musicales principales claramente diferenciados que puntean la obra. Desde el punto de vista instrumental, se observan al menos tres tipos de intervenciones: la de la orquesta (o la banda, para usar un término jazzístico); la de ciertos instrumentos destacados, como el clarinete cuya intervención inicia la obra, y por supuesto el piano!!!! que es el protagonista incuestionable de la Rapsodia. El piano interviene tanto como instrumento orquestal como de manera solista, especialmente en las cadenzas. La cadenza es una figura que tuvo su origen en el concierto clásico (de la época de Haydn, Mozart y Beethoven) y que consistía en una intervención del instrumento solista de un concierto, casi siempre improvisada y que típicamente era introducida por un climax orquestal súbitamente interrumpido. En la Rapsodia hay tres cadenzas del piano.

Y ahora vamos con nuestra versión de la Rapsodia, es decir la versión de Tilson Thomas y Gershwin.

La obra se inicia con una intervención del clarinete, que expone el primer tema musical de los tres que tiene la Rapsodia. En 0'30'' se escucha ya la percusión y en 0'55'' un segundo clarinete. En cuentro notable la nitidez del sonido de los intrumentos en esta versión. En 1'02'' por fin se escucha el piano, y en 1'24'' inicia Gershwin una serie de escalas descendentes. En 1'46'' el piano re-expone el tema introducido inicialmente pro el clarinete. En 2'18'' se inicia la primera cadenza del piano con una nueva serie de escalas descendentes, esta vez acompañadas de adornos que realiza el interprete supongo que con la mano derecha. Me parece notable la naturalidad y agilidad con la que interpreta Gershwin, especialmente cuando se le compara con los manierismos y afectación de Michel Camilo y con la pesadez de Bernstein. Tras la cadenza, la orquesta reasume protagonismo con gran energía y los metales introducen un nuevo tema a partir de 3'10'' aproximadamente. En 4'57'' tenemos una nueva cadenza del piano con variaciones del tema principal.

Saltemos ahora a 8'35'' cuando la orquesta introduce el tercer tema, un tema muy lírico que representa una especie de anticlimax. En 10'30 se produce la 3ª cadenza. En 12'00'' los metales desarrollan una versión más cañera del tema lírico. En 12'24'' se produce un último climax orquestal y, a partir de 12'53'' el finale. Tilson Thomas se merienda la Rapsodia en un total de 13'43'', la más rápida de todas las versiones escuchadas para la comparativa (16'24'' Bernstein y 16'41'' el plomizo Martínez Izquierdo con su Orquesta Nacional de Cataluña).

Vamos con las otras versiones. En primer lugar, una que es tenida por muchos como la versión de referencia. Se trata de la de Bernstein. Es una versión más lenta, con una interpretación pianística de gran categoría pero en mi opinión pesada, al menos comparada con la de Gershwin. A veces me parece que Bernstein es un poco percutivo al piano. Desde el punto de vista sonoro, la toma es ampulosa, con más aire, pero también con más reverb y, además, un notable hiss. El sonido del piano no está particularmente logrado.

La versión de Arthur Fiedler en la serie Living Stereo de RCA me parece una versión correctísima. El piano está correctamente balanceado con respecto a la orquesta y la interpretación no tiene tacha, es como la de Gershwin pero sin su genio. el sonido menos ampuloso que la de Bernstein, pero no tan nítido como la de Tilson Thomas.

De la versión de Michel Camilo/Ernst Martínez Izquierdo ya he hablado antes. Ha tenido muy buena prensa y ha sido nominada para los Grammy latinos como mejor álbum de clásica. A mi me parece la peor.

Finalmente está esa versión tan particular que es la que viene incluida en la peli de Disney Fantasia 2000, con James Levine en la dirección. Es una versión muy buena, y tiene el plus (o el minus, según se vea) de que va acompañada por una historia y por imágenes que le quitan carácter abstracto a la música.

Saludos