Críticas y recomendaciones de discos

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Beethoven: Sonatas, vol.1

Título: Sonatas nº7, 4 y 23 (Appasionata)
Compositor: Ludwig van Beethoven
Interprete: Angela Hewitt, piano
Sello: Hyperion
Formato: SACD

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Aquí tenemos a una estrella emergente, la pianista canadiense Angela Hewitt, niña mimada de la crítica y del público británico y galardonada con multitud de premios. Estupenda interprete de Bach, es su nueva sacerdotisa, heredera de la Tucker (espero no ser lapidado por los adoradores de ésta :-)).

Tras una primera y una segunda audición separadas entre sí por un par de semanas me encuentro con que he tenido impresiones distintas de esta interpretación. Mis primeras notas fueron: "maravillosa pianista, interpreta la obra con energía masculina pero sin tensiones excesivas. Perfectamente grabada".

En una segunda escucha, tras las versiones de Rubinstein y Gilels, tuve alguna duda. A diferencia de éste último, que enlaza las notas maravillosamente, la Hewitt tiene un estilo más articulado, más "stacatto". Perfila cada nota, usa contrastes dinámicos, etc. para exponer un discurso pianístico que es el equivalente a una pieza de oratoria con una dicción perfecta. Eso, junto con un sonido SACD tridimensional casi perfecto, hace que a las primeras de cambio digamos "jolines!!!!" Pero un momento .... ¿está tocando a Beethoven o a Bach? Os dejo que juzgueis vosotros. Los tempi un pelín más relajados de la Hewitt quizás son el reflejo de esa ejecución hiperarticulada de la que os hablo.

----Exposición----1'40''-----Desarrollo-------3'05''-------Recapitulación------4'30''---------Repetición desarrollo/recap--------7'20''-----Coda-----8'15''

A pesar de esas dudas, es una de mis grabaciones favoritas y está entre las más recomendables de las que han salido este año al mercado.

Para una comparación con otras versiones ved el siguiente HILO
 
MARIN MARAIS : "Suitte d’un Goût Etranger"

De la mano del sello Alia Vox, nos llega este formidable doble SACD híbrido :

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Intérpretes

Pierre Hantaï, clave
Xavier Díaz-Latorre, Rolf Lislevand, tiorbas y guitarras
Philippe Pierlot, viola da gamba
Andrew Lawrence-King, arpa
Pedro Estevan, percusión
Jordi Savall, viola da gamba y director .

Hablamos de un músico bastante desconocido dado a conocer en la película "Todas las mañanas del mundo", inspirada en la novela de Pascal Quignard, y cuya banda sonora fue cometido del mismo Savall y permitió el conocimiento de este "desapercibido" compositor francés .

Sobre el contenido de los discos, os remito a estas palabras del mismo Savall :

Encuentros alrededor de una viola

Descubrí la existencia del compositor Marin Marais y sus Pièces de viole hacia 1959. Tenía 17 años y estudiaba el violonchelo desde hacía poco más de dos años. Muy curioso por naturaleza, siempre estaba en busca de obras desconocidas, de melodías que ya nadie interpretaba. Encontré en Barcelona, en el establecimiento de música llamado "Casa Beethoven" situado en el número 97 de las famosas Ramblas, una Suite en ré mineur que me pareció muy interesante, arreglada para el violonchelo por Christian Döbereiner y publicada por Schott & Co. en 1933. Recuerdo que enseguida me sedujo el carácter muy original de las diferentes piezas que contenía: Prélude, Sarabande, Grave, Paysanne, Charivary, y especialmente por los Couplets des Folies d'Espagne. Lo que me fascinaba en todas esas melodías que descubrí poco a poco y que desde entonces he frecuentado con asiduidad, como las de François Couperin, Caix d'Hervelois, August Kühnel, Jan Schenk, Christopher Simpson, Diego Ortiz y, por supuesto, las tres sonatas de J. S. Bach para viola de gamba y clave, era el sabor muy marcado de un mundo antiguo y desconocido, pero a pesar de ello muy actual porque estaba lleno de vida, poesía e imaginación.

Algunos años más tarde, durante el verano de 1965, al mes de terminar mis estudios de violonchelo, regresé a Barcelona de unos cursos de música en Santiago de Compostela, donde había trabajado la música de cámara barroca con el clavecinista Rafael Puyana. Él me aconsejó que aprendiera a tocar la viola de gamba, el verdadero instrumento para el que se habían escrito esas melodías que yo tocaba con el violonchelo. En el trayecto hacia Barcelona, anoté en mi agenda: "buscar una viola de gamba". A la llegada me esperaba una gran sorpresa: Enric Gispert, director del conjunto de música antigua Ars Musicae, quería hablar conmigo. Me propuso prestarme una viola de gamba en caso de estuviera interesado de verdad en aprender a tocarla. Me pidió que colaborara con él en la preparación de un conjunto de violas y en conciertos y grabaciones. Más tarde, supe que fue Montserrat Figueras, que cantaba en el conjunto y que era también estudiante de violonchelo (en el Conservatorio), quien había llamado la atención del director sobre un joven violonchelista que tocaba bastante bien a Bach y el repertorio barroco. Fue otro encuentro determinante, que formaría y sigue formando parte de cuanto, en términos humanos y musicales, realizaría de creativo a lo largo de mi vida.

Al año siguiente, en el mes de marzo de 1966, coincidiendo con mi primer concierto (con obras de Diego Ortiz), conocí a Wieland Kuijken, que también estaba en Barcelona, para tocar en una Pasión de Bach. Durante el año siguiente, pasé quince días muy estimulantes en su casa trabajando con la música de viola, antes de partir hacia Londres para estudiar el repertorio inglés en el Museo Británico. Sin embargo, en abril, en medio de aquella hermosísima primavera de 1966, tuve el privilegio de gozar de una breve estancia en París durante la cual investigué sobre la música para viola de gamba en la Biblioteca Nacional. Fue una semana intensa y llena de emociones, aprendí a conocer por la mañana el repertorio para viola y por la tarde y la noche a quien un año más tarde se convertiría en mi esposa. Tras nueve años de estudio del violonchelo, abordé a los 24 años mi primer año de estudio de la viola como autodidacta, pero ya estaba convencido de que para aprender bien a tocar ese instrumento, olvidado más de 150 años, era esencial acercarse directamente a los testimonios que nos habían dejado los grandes maestros antiguos.

Sabía que Marais era un músico interesante, conocía algunas piezas, pero en esa época (1960-1964) desconocía la verdadera dimensión de su producción para la viola. Un horizonte completamente nuevo se perfiló cuando descubrí en medio de las diferentes recopilaciones de M. De Machy, Caix d'Hervelois, Antoine Forqueray, François Couperin y de manuscritos anónimos, las más de 500 obras de Marin Marais. La posibilidad de estudiar la obra de Marin Marais, junto con las otras piezas para viola, manuscritas o impresas, conservadas en la Biblioteca Nacional de París, me permitió constatar la importancia de su obra y también la increíble variedad y la riqueza de informaciones que contenía sobre la técnica: la digitación, la articulación, la posición de los dedos y el arco, así como la interpretación, la ornamentación, el vibratto, la acentuación, el fraseado, etcétera. Me di cuenta entonces de lo injusto de que todas aquellas maravillas durmieran el más profundo sueño del olvido. Sentí que se esfumaban mis nueve años de violonchelo y que había que partir de nuevo casi de cero.

Durante diez años, la música de Marin Marais fue la fuente de inspiración y trabajo más importante. Muchos encuentros y acontecimientos musicales se sucedieron en esa época: 1968-1970, estudios en la Schola Cantorum de Basilea (con el profesor August Wenzinger); 1973, sucedo a mi maestro en esa escuela; 1974 fundación de Hespèrion XX (con Montserrat Figueras, Hopkinson Smith y Lorenzo Alpert); encuentro en 1972 con Geneviève Thibault, condesa de Chambure, que me prestó generosamente uno de los bajos de viola de su colección privada tras haberme escuchado interpretar una sonata de Bach con Rafael Puyana. De pronto, todos los matices en los que me esforzaba con aplicación, como "tocar con el arco en el aire" o "dejar morir el sonido" se hicieron evidentes; la flexibilidad y sensibilidad de aquella viola de gamba de siete cuerdas, obra de un luthier francés anónimo del siglo XVII, hacía naturales y posibles los mil matices exigidos por la música de Marin Marais. Y justo tres años más tarde, en julio de 1975, gracias a la iniciativa de Michel Bernstein con su nueva colección de Astrée, Deffence & Illustration de la Musique Française, pude grabar con esa viola antigua en la pequeña iglesia románica de Saint-Lambert-des-Bois, el primer disco (AS 4) dedicado a la obra de Marin Marais, con una selección de piezas de viola del Segundo Libro (Folies d'Espagne, Suite en si mineur y Les voix humaines). A ese trabajo siguieron, seis meses más tarde (diciembre 1975) las Pièces de viole de François Couperin (AS 1) y en enero de 1977 ya una primera selección de doce piezas de viola de la Suitte d'un goût étranger del Cuarto Libro.(1)

En la actualidad, Marin Marais y la viola de gamba, gracias a todos los violistas, músicos y musicólogos que se han ocupado de dar nueva vida en nuestra época a ese inmenso y maravilloso patrimonio, ya no son unos desconocidos en el mundo musical. Quisiera, de todos modos, subrayar una contribución excepcional, la de la maravillosa película Todas las mañanas del mundo, inspirada en la novela de Pascal Quignard, y dirigida con una sensibilidad musical fuera de lo común por Alain Corneau y cuya música tuve la responsabilidad y el honor de interpretar. La cinta permitió que millones de personas de todo el mundo descubrieran y se acercaran a esas melodías hasta entonces demasiado confidenciales.

Hoy (treinta años después de aquella primera grabación realizada en 1977), he querido volver a esta extraordinaria Suitte d'un goût étranger y grabarla íntegramente en la totalidad de sus 33 piezas, convencido de que nos ofrece la esencia y la perspectiva más completa del arte de Marin Marais. Un arte finalmente liberado de las restricciones clásicas; la Suitte no tiene preludio y cuenta sólo con doce danzas, y además muy particulares: alemanda para el tema y giga para el bajo, alemanda L'asmatique, La singulière (a 3), La bizarre, La superbe, giga La caustique. Marais abandona también la tonalidad de base y como en Le labyrinthe hace que nos paseemos por las tonalidades más diversas y extremas para la época: de mi bemol mayor a fa sostenido mayor pasando por mi (natural) menor, mi mayor, sol mayor, do mayor, la menor, la mayor, re mayor, re menor, fa mayor, fa menor y fa sostenido menor. Nos presenta una sorprendente variedad de expresiones que van desde las emociones más simples e irónicas (La tourneuse, La sauterelle), rústicas (Feste champêtre, Muzette) y complejas (Caprice ou Sonate, La minaudière), hasta las más sofisticadas (Le labyrinthe, L'arabesque), espectaculares (La marche tartare, Le tourbillon), y secretamente emotivas (La rêveuse, L'amériquaine), hasta Le badinage final muy misterioso y bastante nostálgico a pesar de su título.

Esta Suitte, que constituye la segunda parte de su Cuarto Libro, está especialmente dedicada a los violistas muy consumados, como precisa: "los avanzados en la viola encontrarán piezas que les parecerán primero de una gran dificultad, pero con un poco de atención y práctica se le volverán familiares. Las he compuesto para ejercer la habilidad de quienes no gustan de las piezas fáciles y que a menudo sólo tienen estima por las que presentan una difícil ejecución". Por la originalidad de su presentación, la audacia de los efectos, la adecuación de los diferentes caracteres que representan a esos "gustos extranjeros", esta Suitte no tiene equivalente en el repertorio barroco. El extremo virtuosismo de muchas de esas piezas contrasta con la aparente simplicidad y la gran emoción de los momentos como La rêveuse o Le badinage. Sin embargo, gracias a las armonías siempre refinadas y muy elaboradas, gracias a los ritmos audaces e incisivos y sobre todo a un canto con una línea melódica muy pura y natural, siempre permanecen todas ellas impregnadas de gran vitalidad y gracia. Esa gracia, "más bella que la belleza" que, en palabras de La Fontaine, "se insinúa en el alma para hacerla vibrar plenamente". Al estudiar, interpretar, grabar y escuchar esta maravillosa música comprendemos mejor lo acertado del elogio póstumo de Marin Marais que hizo Evrard Titon du Tillet en 1732: "Se puede decir que Marais ha llevado la viola a su más alto grado de perfección, y que es el primero que la ha dado a conocer en todo su alcance y en toda su belleza por el gran número de excelentes piezas que ha compuesto para este instrumento y por el modo admirable en que las ejecutaba".(2)

JORDI SAVALL
Bellaterra, verano del 2006


El disco es de música barroca realmente embiragadora, bella y sublime que os invito a disfrutar, porque no tengo palabras para definirla.

Técnicamente podría ser una de las grabaciones mejor realizadas que he escuchado jamás (de momento sólo he escuchado la pista en dos canales DSD) . Pero es que se oye perfectamente todo detalle de digitalización (me refiero a los dedos de Savall) e incluso cómo respira y tararea algunos temas, se oye sí . :o :o

Este disco pone a prueba la sensibilidad de la cajas de vuestro equipo en la crítica zona media porque tiene que sonar exactamente como si estuvieran los músicos ahí delante vuestro, con ese sonido de la viola lo que unido a la belleza de la música, se trata es un disco que nos permitirá disfrutar mucho ::)

Actalmente está en torno a 16,50 euros en FNAC y 16,90 (me parece) en El Corte Inglés . Hablando de un SACD doble, de música preciosa, grabación soberbia y a ese precio, no tenerlo ya es un pecado .

Saludos .
 
El Anillo del Nibelungo o la Tetralogía

Desde hace ya varias semanas tenía ganas de poner aquí y en HiFiClass un comentario sobre lo que fue todo un acontecimiento discográfico en el recien concluído año 2006. Se trata de la publicación del primer Anillo del Nibelungo completo en estéreo, el cual fue grabado en vivo en Bayreuth por ingenieros de la Decca en el año 1955.

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Este Anillo, que por problemas legales no pudo ver la luz en su día, ha permanecido oculto y olvidado en alguna oscura bóveda de la Decca durante más de 50 años ... hasta el día de hoy, cuando el sello Testament ha comprado los derechos y, a partir de las cintas originales de 6 pistas, ha producido 4 cofres con un total de 14 CDs ... y lo que es más notable aun: una edición en vinilo!!!!

[Imagen de Forodvd no trasladada]

Para mi la importancia de este Anillo de Testament radica en lo siguiente:

1.- Se pensaba que el primer Anillo en estéreo era la versión en estudio de Decca dirigida por Solti y grabada entre los años 1958 y 1965, y ahora aparece un documento sonoro en estéreo de una "era" anterior; en verdad uno de los primeros documentos sonoros de los albores del estéreo.

2.- Fue cantado por un plantel de interpretes wagnerianos como nunca se ha vuelto a reunir y que, ciertamente, y a pesar de todas sus cualidades excepcionales, no reune la versión de Solti, casi una década posterior.

3.- Recoge en vivo toda la emoción de una gran velada en el gran walhalla de todos los wagnerianos: el Festpielhaus de Bayreuth. Esto se "siente" al escuchar la versión y es algo que se pierde en una versión en estudio como la de Solti, que sin embargo es mucho mejor desde el punto de vista sonoro.

4.- Hasta ahora, los testimonios sonoros en vivo del Anillo en la era dorada de Bayreuth bajo los grandes directores como Knappertsbusch, Kraus, Furtwängler y Keilberth se limitaban a versiones "piratas" basadas en las emisiones radiofónicas para la Radio Bávara que circulan en el mercado bajo sellos como Hunt, etc. Ésta en cambio es una grabación profesional hecha por los ingenieros de la Decca, cuyo sonido si bien no aguanta comparación con una grabación moderna y es inferior al de la de Solti está, sin embargo, a años luz por encima de la pléyade de versiones en vivo de los años 50 que pululan por ahí.

El Festpielhaus de Bayreuth

A riesgo de enrollarme demasiado me gustaría situar este "acontecimiento" discográfico en su contexto físico. Hablar de la compleja historia de las grabaciones del Anillo me tomaría demasiado tiempo y lo dejo para otro momento.

Muchos de vosotros sabéis lo que significa Bayreuth para los wagnerianos. Para los que no, os cuento que el Bayreuth Festpielhaus es el Teatro construido por el propio Wagner en la cima de una colina en la localidad bávara de ese nombre.

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El interior del Teatro guarda algunas sorpresas como una sala con cualidades acústicas excepcionales e ideales para las representaciones wagnerianas y, sobre todo, un Foso Invisible:

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En efecto, el Foso de Bayreuth es invisible para los asistentes y tiene unas características muy peculiares, como puede verse en este corte:

[Imagen de Forodvd no trasladada]

El director se sitúa en la parte alta del foso, cerca del patio de butacas pero oculto bajo una especie de alero. Esto puede verse en la foto que os he escaneado del libreto de la versión del Anillo de Testament comentada. A partir de ese punto, el foso va en pendiente hacia abajo colocándose los instrumentos en escalones cada vez más bajos, empezando por las cuerdas, cercanas al director, y acabando por los metales, situados al fondo del foso.

[Imagen de Forodvd no trasladada]

Como resultado, el sonido que recibe el espectador es el de una fusión muy completa entre voces y orquesta, si bien a costa de que el sonido de los metales (que se situan al fondo del foso como he dicho antes) llega algo atenuado.

El sonido de esta versión

Sin embargo, en la versión de Testament, a pesar de ser en directo, probablemente no se recoge el sonido tal como lo percibe el público del Festpielhaus, y eso se debe a la colocación de los micrófonos.

Roy Wallace, de Decca, ingeniero de la grabación, se vio con considerables limitaciones a la hora de colocar los micrófonos. Pudo colocar 3 micrófonos Neumann M49 justo debajo de la visera que separa el escenario del foso (ver corte arriba) y otros 3 en el puente de luces sobre los cantantes en el escenario. Los perros guardianes de Bayreuth no permitían colocar micrófonos en sitios donde el público pudiese verlos.

El resultado es excepcional si se compara con las grabaciones de la Radio Bávara, que como he dicho antes pululan por ahí; pero, por otra parte, es un sonido con limitaciones, en particular resulta a ratos demasiado agresivo y a veces estridente, en especial en los registros más agudos de los cantantes, particularmente de las sopranos. Este efecto se explica en este link:

http://www.regonaudio.com/Why Recorded Music Sounds Too Aggressive.html

Lo anterior lo pudimos comprobar en una audición en mi casa que realizamos el jueves 11 de enero Torpedo, un distinguido forero de HiFiClass, y yo. En concreto nos centramos en tres pasajes de la segunda jornada del Anillo, o sea "Siegfried". Estos fueron:

CD 1 - corte 2
CD 3 - corte 2 Waldweben o "Murmullos en el Bosque"
CD 4 - corte 11 con la escena final en la que Siegfried libera a Brünnhilde o "Ewig war ich, ewig bin ich"

La audición se hizo de manera comparativa con la gran rival de esta versión de Testament, que no es otra que la de Solti:

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Valoración interpretativa

Creo que la gran fortaleza de esta versión, más allá de su valor documental, está en sus interpretes y en la impecable dirección de Keilberth.

Tenemos aquí a los grandes del canto wagneriano de todos los tiempos en su plenitud de facultades: Astrid Varnay como Brünnhilde, Wolfgang Windgassen como Siegfried, Hans Hotter como Wotan ... Si bien es cierto que Solti, 5 años después pudo contar con la gran Kirsteen Flagstad para el papel de Fricka, la soprano ya estaba en plena decadencia, con 62 años. Por tanto, tanto la soprano como el Wotan de esta versión, George London, debieron ser sustituidos en las restantes Jornadas que componen el anillo, con lo cual la versión de Solti pierde unidad. También pierde unidad esta versión por el hecho de haber sido grabada en un período tan amplio: 1958-1965, durante el cual, según algunos, el propio Solti maduró su estilo orquestal.

Por otra parte, si bien Solti, al igual que Keilberth, utiliza a Windgassen para el papel de Siegfried, el cantante no estaba ya en las mismas condiciones que diez años antes en la versión de Testament. Por tanto, en mi opinión las grandes bazas de la versión de Solti son su extraordinaria Brünnhilde, la gran soprano Birgitt Nilson (más de mi gusto que Varnay, aunque por pequeño margen) y su superior sonido.

Para finalizar, la pregunta es ¿qué versión, Solti o Keilberth? Pues quizás para alguien que tenga especialmente desarrollado el lado audiófilo o que se inicie en el mundo Wagneriano, la de Solti; pero como dijo Torpedo el otro día: la de Keilberth con todas sus imperfecciones sonoras tiene algo que te invita a quedarte con ella. Ese sonido crudo, esa imagen estéreo muy primitiva, quedan compensados por la increible sensación de autenticidad y de "acontecimiento" que transmite, por no hablar del glorioso canto wagneriano de sus interpretes.

Saludos
 
Vivaldi: las Cuatro Estaciones

Quiero recomendaros esta versión en SACD de las 4 estaciones de Vivaldi que ha salido hace muy poco tiempo al mercado y que por fin he tenido la oportunidad de escuchar:

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Como explica Kuijken en el cuadernillo si bien hay tropecientasmil versiones de la obra, las dos características que hacen que ésta sea singular son:

1.- El uso del criterio "un instrumento" por parte, de forma que en lugar de interpretar las Estaciones a la manera del concerto grosso (en el que se duplican, triplican, etc. las partes hasta formar un tutti que se opone al concertino), se hace de manera camerística.

2.- El uso de un violoncello da spalla, un instrumento que ha sido construido para la ocasión según lo que la investigación musicológica revela debieron ser los violoncellos en la época de Vivaldi. El sonido es distinto al de un violoncello normal, menos cálido.

Es verdad que hay un poco de afan de singularizarse en todo esto, pero lo importante es que el resultado es sensacional. En primer lugar, me gustan mucho los proyectos discográficos que tienen algo de descubrimiento, de viaje al pasado para volver, por ejemplo, con un nuevo instrumento. Éste fue el caso de la integral de cantatas sacras de Bach por Harnoncourt, en la que se fabricaron oboe d'amores y oboe da caccia para recrear sonoridades enterradas y olvidadas en el pasado; y es el caso de este disco con el violoncello da spalla y el criterio de "un instrumento por parte".

En segundo lugar, un problema que tenemos los aficionados modernos es que hemos escuchado ciertas obras como la novena de Beethoven o las Cuatro Estaciones de Vivaldi tantos cientos de veces desde que somos niños que es imposible para nosotros sentir lo que sintieron los que escucharon estas obras por primera vez. Pues bien, la ventaja de una versión como ésta que os comento es que las novedades que introduce en la interpretación, sin apartarse del rigor historicista, casi casi logran un eco de esa sensación de sorpresa cuando se escucha una obra por primera vez.

El sonido SACD multicanal es de escaparate, o sea de demostración.

Os la recomiendo de manera entusiasta (aunque no será para todos los gustos, os advierto).

Saludos
 
Originalmente publicado por RSendra

A petición de los propios foreros, se abre este hilo, cuyo objetivo es repasar de manera objetiva y subjetiva esos discos que queremos compartir entre todos.
Como hilo "dinámico" y "chincheteado", creo deberíamos cumplit las siguientes normas, que en caso contrario provocarán la eliminación del mensaje que se las salte (normas lógicas, y sino, las discutimos).

1.- En Asunto se añade el título del disco. En Mensaje, primero la mayor información posible del disco, precedido por el análsisis/crítica.

2.- Si alguien quiere DISCUTIR lo escrito por alguien, no se hará en este post, sino en un hilo nuevo. Si de esta discusión sale algo modificable el autor y/o moderador (por cuestiones técnicas, las únicas personas que pueden modificar mensajes) mejorarán la información con los datos nuevos.

2B.- Se recomienda que todos quienes quieran participar estén registrados, los que les permitirá, ente otras cosas, poder editar, modificar y borrar sus propios mensajes.

3.- Como persona relacionada con los medios de comunicación, como aficionado y, sobretodo, amigo de este foro, creo conveniente dejar claro que ESTE hilo no tiene como objetivo atacar a nadie, sino plasmar de manera organizada y educada nuestras impresiones sobre tantos discos como queramos.

Gracias
 
Nota: Con el cambio de formato del Foro se han perdido un par de críticas de discos que estaban al principio de este hilo y que ahora recupero.

Director: Erich Kleiber
Sello: Decca, Serie "Legends" (Legendary Peformances)
Formato: CD

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Haciendo honor a mi nick, inicio mi contribución con esta obra de Mozart.

Este fue el primer album de mi CD-teca. Le adquirí en 1995 y todavía recuerdo que quedé hechizado por los primeros acordes de la obertura de esta ópera maravillosa. Pero además de la música en sí, me impactó ese estupendo sonido de la Decca, que nadie diría que es de 1955, de los albores del estéreo!!! Así me enganché a la música clásica grabada.

Posteriormente, en 1999, la Decca volvió a editar estas "Bodas" dirigidas por Kleiber empleando una tecnología de remasterización más avanzada que mejora sensiblemente el sonido de la primera versión en CD.

Leo en el cuadernillo del album que para la grabación de las cintas originales en el año 1955 la Decca construyó una unidad de mezcla de 6 canales, y que la remasterización de 1999 consistió en crear un nuevo registro maestro a partir de eas cintas originales transfiriéndolas a la velocidad de muestreo más alta disponible en ese momento: 96kHz/24-bit.

El sonido resultante es fabuloso, y no sé si podrá ser superado si algún día la sacan en versión SACD.

Dejando de lado la valoración del sonido, esta versión de las "Bodas" es la referencia absoluta para la mayoría de los melómanos y una de las grandes referencias discográficas de la música clásica. Corresponde a la denominada edad dorada del canto mozartiano, que fue la década de los 50. La interpretación que hace Lisa della Casa de la Condesa Almaviva es inolvidable, y la dirección orquestal de Kleiber (Filarmónica de Viena) nunca ha sido superada.

Destaco, además de la obertura, todo el primer acto que cierra con el aria de Figaro "Non piu andrai"; el aria de la condesa "Dove sono i bei momenti" y el maravilloso dúo de la Condesa y Susana "Canzonetta sull' aria", del acto tercero.

Saludetes
 
Vivaldi, Vespri per l'Assunzione di Maria Vergine

Director: Rinaldo Alessandrini
Sello: Naïve
Formato: SACD híbrido

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A estas alturas, tras escuchar docenas y docenas de discos excepcionales del barroco, es difícil que un nuevo registro me impresione; pero éste lo ha hecho.

Conozco desde hace tiempo a este grupo y a este director. Son excelentes interpretes, especialistas en este repertorio, que emplean instrumentos y voces adecuadas y adaptadas a los criterios interpretativos del barroco tardío en Italia. Es decir, interpretan esta música con creatividad y expresividad pero al mismo tiempo con rigor historicista.

Pero este disco es mucho más que un compendio de todo lo anterior; es un disco que sorprende pieza tras pieza, por la variedad, por la novedad del repertorio (un Vivaldi poco conocido), por la calidad de la grabación. Incluye piezas instrumentales, voces solistas de una calidad tímbrica fabulosa, coros ...

Para los que piensen que la música clásica y del barroco es aburrida o solo es buena como ruido de fondo para estudiar o trabajar les reto a que se hagan con este disco, les mantendrá al borde del asiento durante más de 1 hora.

Finalmente hay que decir que si bien la versión CD es muy buena, suena plana en comparación con la versión SACD, cuyo sonido es "tridimensional" y natural aunque se escuche con dos altavoces.
 
Estos dos:

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PUNKT "Crime Scenes" ... grupo noruego con intervención de reputados músicos internacionales, Nils Peter Molvaer, David Sylvian ... ¿jazz? yo creo que no ... aunque edita el sello nórdico Jazzland Rec.. Música electrónica minimalista y "ruido" con una texturas armónicas muy interesantes y sorprendentes y muy buen sonido aquí lo podéis escuchar.

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TIM STORY "Buzzle", último trabajo del músico y compositor norteamericano, como decía Ramón Trecet, seguramente uno de los mejores compositores contemporaneos. Minimalismo electrónico de nuevo y mucha calidad en todos los sentidos.

Saludos.
 
Jo, no me acuerdo cuando fue la última vez que metí un disco en esta sección :-/. Pues nada, para remediarlo traigo bajo el brazo lo último que me he comprado y que recomiendo sin reservas. Se trata del último disco de un trío de italianos al cual mas virtuoso.

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Aunque pueda resultar reiterativo decirlo, este sello sigue siendo una auténtica referencia de calidad absoluta. Nunca baja el pistón en cuanto a su calidad de contenidos y continentes, ECM. Sé que muchos lo consideran como difícil y es que en muchos casos lo es. No vas a encontrar en él grandes composiciones más o menos melódicas y si mucha improvisación. ECM basa su ser en todo lo que los demás no hacen, cobijando bajo su techo una variedad absolutamente heterogénea de músicos que no tendrían cabida en otro sello. Como no me quiero salir del disco en si, solo decir que sónicamente, las grabaciones de ECM no tienen nada pero que nada que envidiar a SACD, DVD-A y demás super hiper mega tecnologías. Si quieres escuchar un disco de esta casa abuen volumen, tienes que subir el potenciómetro de tu ampli. Aquí no se hinchan las grabaciones con compresiones absurdas y terribles para el oido. He dicho ;D

Ahora el disco. Trovesi con su clarinete, acompañado por Umberto Petrin al piano y Fulvio Maras a la percusión y electrónica, recrea en este disco composiciones antiguas de Orlando di Lasso, Monteverdi, Jacques Brel o Josquin Desprez entre otros. La maestría de este genial músico está presente en cada disco, y ya lleva unos cuantos. Este último me parece especialmente asequible a mucha gente y por eso lo traigo a esta sección. Lo que Trovesi hace en él, es dar una visión personal y diferente de cada de estas piezas europeas hasta convertirlas en verdaderas joyas para los oidos. El clarinete tiene un protagonismo muy grande y se convierte en el instrumento central, pero siempre bien rodeado por el delicado acompañamiento del piano y una percusión, a veces simplemente susurrante. Hay muchísima delicadeza en las harmonías a lo largo y ancho del cd, patente por ejemplo en el primer tema con referencia clara a Satie que abre boca para lo que vendrá después. Algo atrayente de esta obra es la facilidad para, sutilmente, pasar de la clásica al jazz o la música del este como si nada.

En fin, no me enrollo mas. Tan sólo decir que, una vez escuchado, la sensación que me quedó es la de algo que no tiene época, la de algo que te provoca paz y que te cautiva. Una verdadera maravilla de disco sin una milésima de vacío emocional.

un saludo ;)
 
GENESIS:"Live over europe 2007"

Me refiero a este doble CD :

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Tony Banks (teclados), Phil Collins (voz y batería) y Mike Rutherford (guitarras) se volvieron a unir para dar una gira en directo de viejos temas en Europa y Estados Unidos . :)

Para ello, recurrieron a sus dos "extras" de siempre en directo desde que se fue Peter Gabriel del grupo (Chester Thompson a la batería) y Steve Hackett (Daryl Stuermer a la guitarra) lo que daba continuidad al sonido Genesis .

Pues bien, este doble CD es un compedio de los temas tocados durante su gira europea y en el mismo disco, se anuncia para febrero de 2008 el vídeo del concierto de Roma que saldrá en todos los formatos, esto es, en DVD vídeo, HD-DVD y Blue Ray 8-)

No obstante lo anterior, se han aventurado en sacar este doble CD lo que parecería un contrasentido comprarlo en base a lo anterior, pero no lo es, nada de eso . Yo lo he adquirido este fin de semana por 18,90 euros en Mediamarkt y no puedo de dejar recomerdarlo, ya que sólo por oír el tema "Carpet Crawlers" ya merece la pena el desembolso y adquirir el doble CD, sin desmerecer, desde luego, para nada el resto de los temas, pero es que, qué versión, madre mía, sencillamente, ACOJONANTE :-* .

Los temas que vienen en esta edición de doble CD denominado “Live Over Europe 2007” son los siguientes:

CD 1
1. “Duke's Intro” (Live In Manchester)
2. “Turn It On Again” (Live In Amsterdam)
3. “No Son Of Mine” (Live In Amsterdam)
4. “Land Of Confusion” (Live In Helsinki)
5. “In The Cage” (Live In Manchester)
con un medley de los temas Cinema Show y Duke´s Travel (espectacular) .
6. “Afterglow” (Live In Manchester)
7. “Hold On My Heart” (Live In Hannover)
8. “Home By The Sea” (Live In Dusseldorf & Rome)
9. “Follow You Follow Me” (Live In Paris)
10. “Firth Of Fifth” (Excerpt-parte orquestal) (Live In Manchester)
11. “I Know What I Like” (In Your Wardrobe) (Live In Manchester)

CD 2
1. “Mama” (Live In Frankfurt)
2. “Ripples” (Live In Prague)
3. “Throwing It All Away” (Live In Paris)
4. “Domino” (Live In Rome)
5. “Conversations With 2 Stools” (Live In Munich)
es el famoso dueto a batería entre Chester Thompson y Phil Collins
6. “Los Endos” (Live At Twickenham)
7. “Tonight, Tonight, Tonight” (Excerpt) (Live In Rome)
8. “Invisible Touch” (Live In Rome)
9. “I Can’t Dance” (Live In Munich)
10. “Carpet Crawlers” (Live In Manchester)

El dicho dice que "los viejos rockeros nunca mueren" y Genesis con este disco demuestra que todavía sigue en plenitud de facultades .

Mi más absoluta y estusiasta recomendación a este doble CD .:)

Saludos .
 
Soy nuevo en este foro, y de verdad no sé como abandonamos hilos como este que nos dan tanto... bueno... mi pequeña aportación

Jose Gonzalez- Veneer

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Este excelente músico Sueco de padres argentinos de tan solo 27 años que se dió a conocer al mundo por el comercial de las teles Bravia de Sony, en el cual se usa una de las canciones incluídas en este disco llamada Heartbeats una excelente version del duo the Knife.

Existen las versiones de CD y LP, ambas tienen una excelente grabación, y de verdad si quieren escuchar música refrescante que le da vida al alma, compren este disco les juro no se arrepentiran, una voz distinta con una guitarra que enamora.

Saludos a Todos y como siempre digo; gracias Dios por forodvd
 
METRO Express (2008)

Aquí os queda el último trabajo de fusión dedicado al fallecido Michael Brecker y a Joe Zawinul HIPER MEGA RECOMENDABLE :o.

Un poco de esta banda para poner en antecedentes:

La banda Metro fue fundada en Inglaterra en la primavera de 1994 por el guitarrista, Chuk Loeb y el pianista Mitchel Forman, que soñaban con su proyecto cooperativo de grupo desde que veinte años atrás trabajaran juntos para Stan Getz. Durante su carrera profesional, fueron varias las veces en las que ambos músicos se habían encontrado (hicieron giras y un álbum en directo con el saxofonista Bill Evans, por ejemplo), pero nunca antes de Metro habían liderado juntos una banda. Para la creación del grupo,invitaron al baterista alemán Wolfgang Haffner, aconsejados por el bajista Anthony Jackson -que también se incorporó a Metro-, que había trabajado con ellos en Europa en varias ocasiones a plena satisfacción. El grupo grabó su primer álbum –llamado Metro, como la banda- directamente después de su primera gira para el sello Lipstick. En la primavera de1995 entró como bajista Víctor Bailey (ex miembro de Weather) y el grupo graba su segundo álbum, Tree People, en Nueva York, un disco a veces nervioso y otras relajado, que homenajeaba a aquellos años setenta de auge de la fusión. Su tercer CD, titulado Metrocafé, se grabó en 1999 en Los Ángeles, y el cuarto apareció en 2002 con el título de Grapevine.

La línea musical de Metro ha permanecido a lo largo de su carrera dentro de cierto eclecticismo, que mezcla la intensa sensibilidad pop/rock de Loeb con el evidente feeling de Forman por los aspectos más elegantes del pianismo de jazz, por el funk y por el blues. En la interacción entre estos dos fuertes y personalísimos estilos musicales radica gran parte de la valía del grupo.

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Sin duda, un disco exquisito con una mezcla de estilos fusionados de una manera... BRILLANTE

Un saludo ;)
 
Veo que este estupendo hilo lleva mucho tiempo inactivo, y es una pena, no sólo porque contiene valoraciones interesantes que hemos hecho los foreros de las grabaciones que más nos llegan, sino porque tanta gente ha contribuido a él que cualquier nuevo post que se publique aquí seguramente activa una alerta para muchos habituales y ex-habituales de la sala y eso les permita estar en contacto con el Foro, aunque sea de tarde en tarde.

Así que dando ejemplo!! Esta tarde quiero comentaros mi versión favorita de una obra tan emblemática como es la 9ª sinfonía de Beethoven. Se trata de un registro histórico: la versión dirigida por el gran maestro Wilhelm Furtwängler en Lucerna el 22 de agosto de 1954, poco antes de morir.

En el año 1994, el sello TAHRA publicó una remasterización de las grabaciones mono originales, que para las limitaciones propias de la época, presentan un sonido bastante aceptable. La publicación del CD causó toda una conmmoción y creo que en el año 1995 ganó un premio Gramophone.

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Recuerdo aun las sensaciones que me produjo la primera escucha de este registro. Me pareció que más allá de todas las limitaciones del sonido nunca había escuchado algo así. El sentimiento, la sensación de ocasión y de solemnidad que le imprime Furtwangler a esta obra penetran hondo. Se nota que este trabajo de dirección es la obra de un hombre que ha dedicado su vida a explorar la 9ª de Beethoven (la dirigió 96 veces entre 1913 y 1954), como dijo su viuda en la carta que dirigió a Myriam Scherchen, la productora de la grabación de TAHRA. Creo que si Beethoven hubiese podido escuchar la versión de Furtwangler también se habría emocionado ;-)

El hecho es que hace poco me he hecho con una nueva remasterización de este mismo registro en formato SACD:

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Esta tarde lo he estado comparando con el CD del año 1994, y la verdad es que no percibo ninguna diferencia sonora apreciable entre ambos; de hecho no sé por qué pero casi me quedo con el CD.

Bueno, animaros a revitalizar este hilo aportando vuestras impresiones/recomendaciones/reflexiones sobre las grabaciones musicales que os hayan impactado ahora y siempre.

Saludos
 
Re: YES "Tales from Topographic oceans"

Dos cositas:

-Que me parece estupendo que reabramos este hilo. Los que empezamos con la Alta Fidelidad tras comprar nuestros amplis y nuestras cajas descubrimos que los sonidos son distintos de como veníamos escuchándolos. Y discos que antes no nos gustaban ahora nos suenan de maravilla. Por eso las recomendaciones que nos hagáis nos vendran muy bien para saber qué pedir para nuestro cumpleños.

-Que según he leido el SACD en condiciones rigurosas y aplicando el doble-ciego resulta indistinguible de los viejos CDs. El vinilo, es claramente distinguible pero no hay acuerdo (y dudo que lo haya) sobre si esas diferencias juegan a favor de un formato o de otro.

Me estoy pensando qué disco de los que acabo de redescubrir subir aquí. En breve me decido, pero ya aviso que no será de música clásica. Si reabrimos el hilo, por favor no nos centremos en una música u otra. A mí en particular me gustan todos los estilos. TODOS... si se escuchan bien: desde Shakira (sobre todo a mi hija) hasta Mischa Maisky.

Ánimo. Saludos.
 
Críticas y Recomendaciones de discos

Gracias perypatetico. Sólo quiero aclararte que en este hilo siempre se han comentado grabaciones de todo tipo de música, no sólo clásica. Te invito a que le eches un vistazo a los posts pasados, si no lo has hecho ya, y lo podrás comprobar por ti mismo.

Ánimo y sorpréndenos con esa música que estás redescubriendo!!!!

Un saludo
 
Re: Críticas y Recomendaciones de discos

TÍTULO DEL DISCO: C'mon
GRUPO: Low

Hoy no voy a recomendar un album de clásica, sino de un género bien distinto. Se trata del último álbum (abril 2011) del grupo de rock indie americano Low:

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Ayer además tuve ocasión de verles en directo en el auditorio Kursaal de San Sebastian.

El centro de gravedad del grupo es la pareja formada por los dos vocalistas: Alan Sparhawk (voz y guitarra) y Mimi Parker (voz y batería), a los que se suma el último fichaje del grupo, el bajista Steve Garrison.

Entre los rockeros más jovenes este grupo tiene fama de hacer una música que si bien tiene contenido emocional es demasiado tranquila. Supongo que, efectivamente, es una música para un público aficionado al rock, pero más maduro. Y de hecho es lo que se vio ayer en el Kursaal, más treintañeros que veinteañeros.

A mi me ha gustado mucho este grupo y este álbum; me parece que sobre todo la vocalista tiene una voz impresionante por su personalidad. Es un grupo que exploran los sonidos y las armonizaciones de una manera casi artesanal, es decir, con mimo y cuidado: el disco está lleno de sonidos y además explota la acústica de la antigua iglesia donde fue grabado. Es un espectáculo sonoro. Os invito además a tratar de identificar las influencias musicales de esta gente, porque a mi me parece que aqui hay un poco de todo.

Os pongo dos videoclips oficiales. El tema Especially me es muy bueno, sobre todo, como os digo, la voz inclasificable de la solista:

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Saludos
 
Re: Críticas y Recomendaciones de discos

Título: Pasión según San Mateo
Compositor: J.S. Bach
Interpretes: La Petite Bande
Director: Sigiswald Kuijken
Sello: Challenge Classics
Formato: SACD

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INTERPRETACIÓN

Ayer estuve escuchando esta versión con nuestro compañero del foro, Pimpo, y realmente me ha entusiasmado. Que un director/agrupación te aporten cosas nuevas en una obra mil veces escuchada como ésta es todo un mérito. Kuijken aplica su criterio de una voz por parte a los coros. Eso quiere decir que cada uno de los dos coros que integran la Pasión tiene sólo cuatro cantantes, uno por cada cuerda. Si bien en principio pudiera parecer que aplicar un criterio minimalista a una obra que por sus características parece pedir lo contrario es algo que sólo puede conducir al desastre, el resultado es muy efectivo pues nos lleva a apreciar la obra y sus texturas musicales desde un ángulo completamente nuevo. Las voces de los solistas son de auténtico lujo, y el evangelista, el tenor Christoph Genz (bonito timbre, dicción perfecta) narra los acontecimientos de la Pasión como nadie.

Por último creo que puede ser útil pasar el dato de que la he comprado en Amazon.es por menos de 17 euros.

La Pasion San Mateo Bwv 244-Kuijken-: Johann Sebastian Bach: Amazon.es: Música

SONIDO

Al igual que en las grabaciones de las cantatas, que venimos comentando en otro hilo del foro, la calidad sonora de la grabación es excepcional, y sin duda éste es un ejemplo de cómo buena grabación + buen equipo de sonido contribuye a apreciar mejor una obra. La escucha con mis altavoces Spendor SP 1/2 ha sido una auténtica gozada.

Saludos
 
Re: Críticas y Recomendaciones de discos

TÍTULO DEL DISCO: C'mon
GRUPO: Low

Hoy no voy a recomendar un album de clásica, sino de un género bien distinto. Se trata del último álbum (abril 2011) del grupo de rock indie americano Low:

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Ayer además tuve ocasión de verles en directo en el auditorio Kursaal de San Sebastian.

El centro de gravedad del grupo es la pareja formada por los dos vocalistas: Alan Sparhawk (voz y guitarra) y Mimi Parker (voz y batería), a los que se suma el último fichaje del grupo, el bajista Steve Garrison.

Entre los rockeros más jovenes este grupo tiene fama de hacer una música que si bien tiene contenido emocional es demasiado tranquila. Supongo que, efectivamente, es una música para un público aficionado al rock, pero más maduro. Y de hecho es lo que se vio ayer en el Kursaal, más treintañeros que veinteañeros.

A mi me ha gustado mucho este grupo y este álbum; me parece que sobre todo la vocalista tiene una voz impresionante por su personalidad. Es un grupo que exploran los sonidos y las armonizaciones de una manera casi artesanal, es decir, con mimo y cuidado: el disco está lleno de sonidos y además explota la acústica de la antigua iglesia donde fue grabado. Es un espectáculo sonoro. Os invito además a tratar de identificar las influencias musicales de esta gente, porque a mi me parece que aqui hay un poco de todo.

Os pongo dos videoclips oficiales. El tema Especially me es muy bueno, sobre todo, como os digo, la voz inclasificable de la solista:

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Saludos

Otro de los discos del 2011, un grupo en el que se agradece su evolución de un sonido demasiado somnífero, lento y lúgubre a un sonido muchos mas "vivo" y vocal, ante pecaban de un cansino post-rock excesivamente instrumental, desde su "The Great Destroyer" este grupo crece cada año que pasa.
 
Re: Críticas y Recomendaciones de discos

Título: Pasión según San Mateo
Compositor: J.S. Bach
Interpretes: La Petite Bande
Director: Sigiswald Kuijken
Sello: Challenge Classics
Formato: SACD

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Únicamente para complementar la review de mozart con mis impresiones sobre este disco...

Durante estos días, he disfrutado de esta versión de la Pasión como un enano. Desde luego, ahora mismo, es la versión que más me llena y me aporta.

El planteamiento de Kuijken es bastante radical. Lleva el minimalismo hasta el extremo. Pero aún así es terreno conocido. Sigue ahí la obra que conocemos al dedillo. Nada chirría. Nada parece fuera de lugar. Sinceramente, no creo que con esto Kuijken busque singularizarse sin más. Creo realmente que esta es su visión de lo que el maestro representó en su día.

Como muestra de ese minimalismo, dos ejemplos. No hay coro de niños. Se sustituye por una soprano in ripieno. Y no hay clave. Se sustituye por un segundo órgano.

El grupo de solistas es un privilegio en mi opinión. Son ya conocidos por la mini-integral de cantatas que venimos escuchando desde hace tiempo. Los cuatro miembros del coro I, son a la vez los encargados de cantar todas las arias. Incluso el tenor y el bajo interpretan también al evangelista y a Jesús. Escuchar un aria como "Erbarme dich" cantada por Petra Noskaiova acompañada por instrumentos de época es algo realmente emocionante.

La grabación es simplemente espectacular. La acústica de la "Predikherenkerk" de Lovaina es encantadora. Dado que el lugar era muy ruidoso durante el día, grabaron durante cuatro noches consecutivas. La primera, grabaron todo de un tirón. Durante el día analizaban lo grabado para repetir de noche lo que fuera necesario.

He disfrutado mucho tanto de la capa estéreo como de la multicanal. Aunque no echas nada de menos cuando la oyes en estéreo, sí es cierto que el multicanal da una profundidad y una presencia en el lugar muy lograda. Por otro lado, escucharla en las magníficas cajas de mozart no tiene precio!!

Saludos,
 
Re: Críticas y Recomendaciones de discos

Para los que no tenemos ni idea de música cásica pero que respeto profundamente es un placer leer vuestras críticas;gracias mozart,pimpo y otros por desgranar estas obras.

Un saludo.:)
 
Re: Críticas y Recomendaciones de discos

Vamos a darle un poco de vidilla al post, porque veo que hay mucho cacharreo en todos los apartados, cambios y demás, pero en cuanto a música hay poco movimiento. Al fin y al cabo, para eso están los cacharros, además de para sacarles ese sonido que nos gusta (que si gráficas, tímbrica, etc, etc), usarlos.

Estas son mis últimas adquisiciones en cd:

- Paul Horn - "Nomad".
- Michael Hedges - The best"
- Hedningarna - "TRÄ"

Para aquellos que les gusta el New Age, los 2 primeros seguro que les interesará, teniendo en cuenta la discográfica Windham Hill, que tantos y buenos músicos ha sacado a la luz.

Alguno era seguidor del programa de radio "Diálogos 3" y sus Diálogos con la Música de Ramón Trecet?, entonces los 2 primeros cds deben de sonarles.

En cuanto a Hedningarna: Folk nórdico con toques pop,rock, tecno...en fin, muy buenos (al menos para mi).

S2....
 
Re: Críticas y Recomendaciones de discos

Título: Sinfonías nº2 y 11
Compositor: Dimitri Shostakovich
Interpretes: Mariinsky Orchestra
Director: Valery Gergiev
Sello: Mariinsky
Formato: SACD Híbrido

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A mi este director me gusta mucho y yo buscaba la sinfonía 11, de modo que cuando vi en Fnac la sinfonía que buscaba, encima por este director, de "añadido" la 2 y en formato SACD y a precio razonable, ni lo dudé y no me defraudó.

Sólo he oído la versión multicanal y la 11, no la 2, pero he de decir que tiene un excelente sonido (hay que darle mucho al pote, cosas de la dinámica cuando se aprovecha) y muy bien interpretada (sé que eso es muy subjetivo, pero a mi me lo parece). Emociona, así de simple, por lo que no puedo más que recomendar este disco.

Del mismo sello y director, hay más grabaciones de Shostakovich recientes, habrá que darlas una oportunidad.

Saludos.

PD: lamento no andar por el foro como antes, pero es que no tengo tiempo, lo siento
 
Re: Críticas y Recomendaciones de discos

- Michael Hedges - The best"

Uf! esto me retrotrae en el tiempo ... cuando consumía bastante música del sello Windham Hill o Hearts of Space, de los cuales tengo cantidad de discos de sus artistas y recopilatorios.

El desaparecido Michael Hedges ... increíble guitarrista

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Recomendaría muchos discos de este sello, pero me voy a limitar a 2 ... solo hay que escucharlos, solo eso.

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Saludos.
 
Antonio Vivaldi: Le Quattro Stagioni/The four seasons. Forma Antiqva.

Compositor: Antonio Vivaldi.
Obra: Las cuatro estaciones.
Intérpretes: Forma Antiqva. Director musical: Aarón Zapico. Violín: Aitor Hevia. Theo Blackmann y Uri Caine.
Sello. Winter & Winter
Año: 2012.

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Es la segunda vez -creo recordar- que se recomienda esta obra. Y, muy acertadamente, en la anterior versión que comentó el forero Mozart, decía que era una obra tantas veces escuchada, que era ya muy difícil que nos sorprendiese de nuevo. Pues bien, en mi caso, lo han vuelto a conseguir. Y por varias razones.

1.- El concepto. Pese a interpretarse con instrumentos antiguos, no me atrevería a decir que sea historicista. Bueno, sí, historicista es... pero sólo desde el punto de vista musical. ¿Cómo que desde el punto de vista musical, es que hay otros? Pues parece que sí. ¿Cómo que parece que sí? O es que sí, o es que no, vamos, digo yo. Bueno, vale: sí hay otros puntos de vista... al menos en esta interpretación. ¿¿¿¿????? ¡Pues ya me estás contando! Vale, te cuento.

Estando Uri Caine por medio ya sabíamos que no iba a ser una interpretación convencional. Pero en esta ocasión no ha tocado ni una nota de la partitura, sino que se ha dedicado a hacer unos cameos. Sí, ya sé que no es una película, pero creo que no hay mejor palabra para definirlo. Y me explico.

Al parecer Vivaldi escribió hacia 1723 cuatro sonetos cada uno dedicado a una de las estaciones. Y sobre las adaptaciones al inglés de los mismos (de ahí el inglés en el título de este post), Theo Blackmann y Uri Caine han compuesto cuatro temas/canciones/no-sé-cómo-demonios-llamarlos que se escuchan antes del primer movimiento de cada uno de los cuatro conciertos de Vivaldi. Ah, ¿que también se interpretan las obras originales? Sí, sí, claro, ya dije que era una interpretación historicista. Vamos a ello.

2. La interpretación. Como sabréis, se denomina interpretación historicista a aquella que trata de que el oyente actual escuche la obra tal y como lo hicieron los oyentes contemporáneos del compositor: con instrumentos y con técnicas interpretativas de la época (y, por supuesto, siendo fieles a la partitura original). Y esta grabación es una de ellas. Pero sin conocer la partitura, me atrevería a decir que en esta ocasión los ovetenses de Forma Antiqva se ha tomado sus licencias. Y hasta aquí puedo leer: no quiero adelantar nada más.

3- Forma Antiqva. Este aspecto es especialmente subjetivo. Y es el hecho de que los intérpretes sean españoles. Es algo que me pone.

4.- Sonido. W&W es un sello que cuida hasta el último detalle de sus ediciones: desde el sonido hasta la presentación. Cada cd es una pequeña obra de arte. En este caso sorprende la espacialidad: cierras los ojos y te encuentras en un salón dieciochesco asistiendo a un concierto en directo. Por descontado se oye todo (sólo falta el crujir de algún zapato o la tos de un indeseable;)) Excelente también el rango dinámico: muy contenido cuando tiene que serlo, aunque me falla en los tutti (quizás sea culpa de mi equipo, que no es de campanillas).

O sea, una grabación para poner a prueba nuestros equipos en espacialidad, coloración y emoción.

Lamento haberos destripado un cd que al escuchar sin saber absolutamente nada lo que te vas a encontrar, sorprende mucho más... pero no he encontrado otra forma de conseguir que le deis al menos una oportunidad.

Muchas gracias a todos por vuestras recomendaciones: muchas de ellas ya están en mi lista de deseos.

Saludos,
S.

Crítica: http://www.formaantiqva.com/criticas/criver.php?criID=117
 
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