Tema: David Lean: revisando sus películas

Tengo ya bastante avanzado el comentario de MAYOR BÁRBARA pero ya me encuentro cansado y con sueño y dejo el resto para mañana x la mañana o después de comer.

Pensaba que iba a ser mucho más breve pero me puede mi afán completista.

En fin.

Bona nit / Gau on

00. MAJOR BARBARA (1941, MAYOR BÁRBARA)



Directores: Gabriel Pascal + Harold French y David Lean (acreditados solo como ayudantes de dirección).

Productores: Gabriel Pascal + Stanley Haynes (productor de facto).

Producción: Gabriel Pascal Productions Ltd.

Distribución: General Film Distributors Ltd. (Reino Unido) / United Artists Corp. (EUA).

Guion: George Bernard Shaw + Anatole de Grunwald, Harold French, David Lean y Carl Mayer (no acreditados), basado en la obra teatral homónima del primero (Court Theatre, Londres, 28 de noviembre de 1905).

Fotografía: Ronald Neame + Freddie Young (no acreditado), en blanco y negro (1.37:1).

Operador de cámara: Jack Hildyard (no acreditado).

Directores artísticos: Vincent Korda y John Bryan.

Música: William Walton.

Montaje: Charles Frend, supervisado por David Lean.

Reparto: Wendy Hiller (Mayor Bárbara Undershaft), Rex Harrison (Profesor Adolphus Cusins), Robert Morley (Andrew Undershaft) y Robert Newton (Bill Walker) + Emlyn Williams (Snobby Price), Sybil Thorndike (La generala), Deborah Kerr (Jenny Hill), David Tree (Charles Lomax), Penelope Dudley Ward (Sarah Undershaft), Marie Lohr (Lady Britomart), Walter Hudd (Stephen Undershaft), Marie Ault (Rummy Mitchens) y Donald Calthrop (Peter Shirley).

Presupuesto: 230.000 libras esterlinas.

Duración: 2:01:00.

Rodaje: del 26 de mayo al 16 de noviembre de 1940 (D & P Studios, Denham, Inglaterra).

Estreno: 7 de abril de 1941 (Londres); 14 de mayo de 1941 (EUA).







Espero no extenderme demasiado () en el comentario de la presente película primero porque mi salud no me lo aconseja, segundo porque el visionado lo realicé entre el 16 y el 17 del presente mes (la primera noche me dormí durante el mismo… pero que nadie saque conclusiones precipitadas...) y tercero porque pese a lo que acabo de decir lo cierto es que la misma me gustó bastante menos que PIGMALIÓN y eso pese a que repite no solo parte del reparto (entre ellos la actriz principal, Wendy Hiller, sin duda la mejor baza con la que cuenta la obra; Marie Lohr [que si allí ejercía de – sufrida – madre del antipático profesor Higgins, aquí lo hace de la anterior] o David Tree [repitiendo el mismo papel de alelado en ambos casos]) sino también del equipo técnico, como el operador de cámara (Hildyard, luego convertido en uno de los directores de fotografía favorito del cineasta objeto del presente estudio), el director artístico (Bryan) o ya sabéis quién en labores de montaje… y de dirección…

- Además y como ya indiqué en la entrega anterior tanto el actor (Howard vs. Harrison) como su personaje (profesor Higgins vs. profesor Cusins) tienen un notable parecido físico, aunque ciertamente el segundo es mucho más simpático que el primero. -



Charles Frend [1909-1977] (que había montado 4 películas para el mismísimo Alfred Hitchcock y que más adelante dirigiría 3 de las 16 comedias de la Ealing) fue elegido por Gabriel Pascal para que trabajase en la película bajo la supervisión de Lean, a quien aquel deseaba a toda costa debido a su excelente labor en PIGMALIÓN.

Un Pascal al que el enorme éxito de público y de crítica que supuso el estreno de la anterior (Oscar incluido) le debió sentar como un chute de adrenalina hasta el punto de tomar la (desacertada) decisión de que en su siguiente producción él ocuparía la silla del director.

Lógicamente, el todopoderoso J. Arthur Rank volvió a acudir en ayuda de Pascal cofinanciando y distribuyendo su película en las Islas Británicas (en los EUA se encargaría la UA).

Sin embargo y al contrario que en el caso de la mencionada PIGMALIÓN el rodaje no fue precisamente un camino de rosas, sino que más bien acabó como el rosario de la aurora...

En realidad, a Pascal lo que lo interesaba era que su nombre apareciese en los créditos como director (aparte de productor, lógicamente) y como no tenía un pelo de tonto contrató los servicios de Harold French (1900-1997) para que hiciese de “negro” suyo, hablando en plata.

Un buen ejemplo de que el productor NO dirigió la película o al menos una parte sustancial de la misma, algo corroborado por el propio French (espero no liarme entre este y Frend, que la cosa no deja de tener su gracia)…

“Pascal knew nothing about directing”.

“Sometimes he would look through the wrong end of the viewfinder!”

Pascal quería que tanto French como Lean estuviesen permanentemente en el set de rodaje dada su completa ignorancia de las labores de dirección.

A este respecto Lean le indicaba a Pascal dónde poner la cámara y que tipo de lentes usar para cada escena.

Ahora le toca hablar a Lean…

“I was there for the camera set-ups and did a fair amount of the direction, but I never got a screen credit for it”.

O sea,

La caradura de Pascal llegó hasta el punto de que a cambio de que en los títulos de crédito en lugar de codirectores apareciesen como ayudantes de dirección...



... les ingresó una buena cantidad de libras esterlinas en sus respectivas cuentas bancarias.

La prueba más evidente de que fue Lean el director principal de la película procede no de este sino del mencionado French quien afirmó que Pascal dejó la mayor parte de la dirección al primero.

Eppur si muove…

Dado que MAYOR BÁRBARA contaba con un presupuesto mucho mayor que PIGMALIÓN Pascal se permitió el lujo de contratar a los mejores profesionales a uno y a otro lado de la cámara.

Uno de los primeros que se dieron cuenta de que el trabajo le venía “grande” al aclamado productor fue el director de fotografía Freddie Young [1902-1998] (quien se convertiría, tras la marcha de Hildyard, en el favorito de Lean) puesto que abandonó el rodaje a las primeras de cambio viendo por un lado las nulas aptitudes como director de Pascal y por otro sus maneras autoritarias en el set.

De esta forma el cuasicentenario Ronald Neame (1911-2010) entraría por primera vez en contacto con David Lean y, como veremos en las siguientes entregas, se convertiría en uno de sus colaboradores más estrechos.

Por su parte George Bernard Shaw, que había ganado el Oscar al mejor guion adaptado (a pesar de que en el mismo intervinieron manos suficientes como para pintar la Capilla Sixtina en mucho menos tiempo del que le llevó a Miguel Ángel…), recibió encantado el encargo de hacer lo propio en esta producción, aunque de nuevo fue necesaria la presencia de…

… Anatole de Grunwald, Harold Frech, David Lean… y Carl Mayer… coguionista de EL GABINETE DEL DR. CALIGARI…

- Aunque el nombre del primero aparece en los títulos de crédito de la versión británica no ocurre así en la norteamericana - como se puede apreciar en la captura de pantalla que adjunto como prueba - que es la que a mí me ha servido para hacer la presente reseña.



De igual forma me ha resultado imposible encontrar los pósteres británicos tanto de PIGMALIÓN como de MAYOR BÁRBARO, por lo que al final he optado en ambos casos en usar la carátula de las ediciones en BD (o DVD) de la prestigiosa Criterion. -

Al igual que en el caso de PIGMALIÓN Shaw agregó (o consintió en que se agregaran) 19 nuevas escenas, incluida aquella con la que se inicia la película y donde el profesor Cusins se queda prendado del verbo (y de la belleza) de la subyugante oradora que encarna (espléndidamente) Wendy Hiller.





- Por cierto, una bella escena en la que asistimos al enamoramiento instantáneo por parte de él. -

Debido a lo dilatado del rodaje Charles Frend sufrió una crisis nerviosa mientras se encontraba en la sala de montaje y Lean tuvo que acudir al rescate, no sin antes cantarle las cuarenta (es una metáfora) al dictatorial productor/director.

De esta forma, aparte de sus actividades como director de facto (sic) de (buena parte de) la película Lean se convirtió en el montador exclusivo de la misma. Sin embargo y en un detalle que le honra, el futuro (o presente, según desde que lado de la barrera estemos…) insistió en que ambos apareciesen acreditados.



- Eso sí, los títulos de créditos del cine clásico británico primigenio suelen ser más crípticos todavía que los de sus homólogos norteamericanos... -

Y para rizar el rizo el propio Shaw tuvo la cortesía de dejarse caer por el rodaje para dar unos sabios consejos (yo le hubiese dado otra cosa…) a Pascal sobre la dirección de actores (o más bien cómo dirigirse a los actores).

Y a pesar de la excelente relación que existía entre ambos el escritor se vio en la tesitura de amonestar a Pascal por su cruel trato a la actriz principal, algo incomprensible dado que su trabajo en la cinta previa había sido crucial para el éxito de la misma.

El director (acreditado) tampoco se llevaba bien con el flemático Robert Morley (1908-1992), la otra gran baza interpretativa de la película, hasta el punto de que Lean hacía de intermediario entre ambos.



Y en cuanto al prematuramente desaparecido Robert Newton (1905-1956), un bebedor y camorrista innato, las cosas fueron todavía mucho peor. Incluso Lean, que trabajó con él en varias ocasiones, tuvo serios problemas para controlar el genio y la afición por las bebidas espirituosas del, por otra parte, excelente actor.



Ni siquiera la dulce Deborah Kerr (1921-2007) – en su primer papel para la gran pantalla – escapó de las garras del despótico Pascal. De nuevo sería Lean quien la consolaría asegurándola que llegaría a ser una gran estrella. No parece que se equivocara, ¿no es así?…



Y al igual que han hecho otros antes Wendy Hiller testificó que Lean no solo editó la película sino la dirigió en su mayor parte.

El propio Shaw, quien pese a su aversión al medio cinematográfico seguía muy atentamente el progreso de la producción, tuvo que escribirle una carta a Pascal para advertirle que no solo se estaba retrasando en el rodaje sino que también se estaba pasando de presupuesto. Pascal alegó que los continuos bombardeos a los que se veía sometida la capital británica impedían el normal desarrollo del rodaje dada la proximidad de los estudios al aeródromo de la Real Fuerza Aérea.

Al final el retraso se dilató tanto que el propio J. Arthur Rank se tuvo que presentar en los estudios Denham para conocer de primera mano la situación.

Pascal, que de tonto no tenía un pelo, echó la culpa a sus subordinados, especialmente a Neame, al que acusaba de ser muy lento (algo difícil de creer dada la cantidad de películas de serie B que tuvo que rodar en sus primeros años) y al que estuvo a punto de despedir, cosa que afortunadamente no ocurrió porque de nuevo Lean se interpuso en su camino amenazando al primero de que si echaba a Neame él se iría de la mano.

French (el otro auténtico director de la película) dijo que Pascal hacía demasiadas tomas de cada escena y que además no hacía más que meterse tanto con los técnicos como con los intérpretes. Afirmación que le saldría cara puesto que una vez Rank se marchó Pascal le despidió sin más contemplaciones con lo que Lean quedó como único director durante las últimas semanas de rodaje.

Al final, una película que debería haber sido rodada en 10 semanas se dilató hasta las 24, o sea, más del doble de lo originalmente pactado y presupuestado.

Y, como era de esperar dado lo caótico de su rodaje, la película fue un fracaso tanto de crítica como (lo que es peor) de público.

Y no solo eso sino que cuando se estrenó en los EUA se recortó en 10 minutos.

Y es que uno de los grandes (aunque ni muchos menos el único) hándicaps de la película es que le sobra metraje por los cuatro costados.

Al menos la labor de Lean fue reconocida por sus pares, aunque ni siquiera sus habilidades en la sala de montaje fueron suficientes como para obrar el milagro de convertir en un todo coherente una propuesta tan desequilibrada.

También es cierto que la obra teatral de Shaw no era ni de lejos tan buena como "Pigmalión".

Eso sí, Lean tuvo el consuelo de que una semana después de la finalización del rodaje de la película (en concreto el 23 de noviembre de 1940) se casó con la actriz Kay Walsh, a quien veremos en la primera de las producciones en las que aparece acreditado como (co)director y que espero comentar mañana mismo, SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS.

Como ya habéis visto la película seguro que lo que os acabo de contar os ha parecido más entretenido que la misma.

Pese a todo, al menos en mi caso, este segundo visionado (el primero lo hice con mi querida ama) me ha resultado más positivo (o menos negativo) si obviamos el hecho de que me durmiera durante el primero de los dos días que me llevó… algo que tampoco se puede atribuir exclusivamente a la calidad de la cinta sino a las múltiples medicaciones que tomo últimamente y a que duermo muy pocas horas…

Me gustaría destacar especialmente y como ya he indicado el excelente trabajo tanto de Wendy Hiller como de Robert Mortley, quienes además encarnan a los personajes mejor construidos y más empáticos.

El (ingenuo) idealismo de la una contrasta a la perfección con el (sincero) pragmatismo del otro.



Por otro lado es una lástima que el profesor Cusins encarnado por el gran (aunque por entonces muy joven) Rex Harrison no tenga la suficiente entidad salvo al final de la historia cuando acepta el ofrecimiento del padre de Bárbara de que se haga cargo de su fábrica de municiones.



Desde luego algunas minas que el texto original de Shaw dejó enterradas en el camino fueron desactivadas en su adaptación a la gran pantalla, aunque la película deja bien claro que a pesar de que aparentemente los héroes de la historia sean la pareja formada por Bárbara y Cusins en el fondo su altruismo no es más que una máscara.

En el caso de Bárbara se observa a la perfección en la secuencia en la que Lord Saxmundham (al que nunca llegaremos a conocer) promete donar 50.000 libras esterlinas al Ejército de Salvación en el que ella milita si otros cinco caballeros aportan a su vez cada uno 10.000.

- Como simple nota a pie de página decir que el título de la película en nuestro país debería haber sido COMANDANTE BÁRBARA dado que el rango de “mayor” no existe en el Ejército español (ni en el de muchos otros, salvo los anglosajones).

O sea, que nada de MAYOR DUNDEE (1965), de Sam Peckinpah sino COMANDANTE DUNDEE…

... ya lo siento, querido amigo...

La reacción de ella al conocer la verdadera identidad del mencionado Lord, Sir Horace Bodger, el mayor fabricante de licores del país, no deja de parecernos lógica en un primer momento dado que el alcoholismo es una de las mayores lacras que sufren los que reciben la ayuda del ES, aunque como irónicamente apostilla su padre Bodger es uno de los mayores filántropos del país…

Sin embargo, no deja de ser contradictorio que los escrúpulos que demuestra ella acerca de semejante donación (y donde asoma además la avaricia de la generala y de sus oficialas a las que no les importa de dónde procede el dinero) no se contradigan con el (alto) nivel de vida que ella lleva gracias a los enormes beneficios de las fábricas de armamento de su padre.



Y en el caso de Cusins, más de lo mismo puesto que pese a su aparente desprecio por el mundo material no solo acepta finalmente el puesto que le ofrece el padre de su novia en la fábrica sino que llega al punto de exigirle un sueldo mayor del ya de por sí generoso que le ofrecía aquel.



Y desde luego todas las apariciones de Robert Morley son para enmarcar y desde luego en sus parlamentos podemos reconocer al Shaw más genuino.

Antes de acabar este (inesperadamente) kilométrico comentario me gustaría destacar algunas escenas o secuencias que me han gustado especialmente, ambas además protagonizadas por Wendy Hiller y evidentemente NO dirigidas por Pascal.

La primera ese bellísimo acercamiento de la cámara a la figura de Bárbara apoyada en el marco de la puerta una vez ella ha dimitido de su cargo en el Ejército y ve alejarse en la lontananza al mismo con su novio a la cabeza tocando el bombo (¡!).



Y donde la (sentida) exhortación de ella (“Dios mío, ¿por qué me has abandonado?”) es (caústicamente) respondida por el canalla (aunque en el inverosímil final cueste reconocerle) Bill de forma harto elocuente… “¿A cuánto anda ahora la salvación”.



Y es que todo el la vida tiene un precio…

La segunda sería aquella en la que Bárbara aparentemente intenta suicidarse en el muelle, cuando todo aquello en lo que creía se derrumba como un castillo de naipes.

Aunque en realidad ella lo único que hace es lanzar su gorra al Támesis como símbolo de aquello en lo que ha dejado de creer en realidad Lean (y digo Lean y no Pascal o French) parece sugerirnos que en realidad lo que ella pretendía era acabar con su propia vida.



Y antes de finalizar me gustaría destacar igualmente la presencia de dos actores hitchcockianos como son Emlyn Williams...



... (recientemente en el rincón dedicado a Sir Alfred – que al igual que el Conde Drácula es remiso a dejarse finiquitar – comenté (o más bien volví a comentar) POSADA JAMAICA (1939), la última (bueno, en realidad no) película del británico rodada en su suelo natal antes de irse a las Américas con un contrato del mismísimo David O. Selznick bajo el brazo y donde el actor hace de mano derecha del villano de la función… y donde por cierto el héroe lo encarna… Robert Newton…) y, especialmente Donald Calthrop...



..., uno de los primeros villanos (perdonad la iteración) “con encanto” de la filmografía de Hitchcock como pudimos comprobar a la perfección en LA MUCHACHA DE LONDRES (1929), la primera cinta sonora no solo suya sino de todo el cine británico. Ambos dos parroquianos habituales del Ejército de Salvación, aunque de carácter muy distinto.

Y poco más me queda por añadir y eso que yo pensaba hacer una reseña exprés…

Resumiendo.

Si en PIGMALIÓN uno puede discutir si Lean debería haber aparecido como codirector de la misma en lugar de (o junto a) Leslie Howard dado que por otro lado tenemos al talentoso Anthony Asquith, en el caso de MAYOR BÁRBARA está mucho más claro dado el testimonio de los que intervinieron en ella que Lean no solo debería haber sido acreditado como codirector sino como director a secas dada la ineptitud de Pascal y el despido de French.

Al menos en la siguiente entrega, SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS, Noël (con la diéresis en su lugar correcto ) Coward fue lo suficientemente generoso (o inteligente) como para que el nombre de Lean apareciese junto al suyo como directores de la película.

Y como veis he cumplido a rajatabla lo que prometía en el primer párrafo...

Buenas noches y, buena suerte.



P. D. Incluso hasta yo, que detesto el fútbol, me temo que acabaré viendo el partido (que emiten por La 1) entre el Athletic y el Barcelona dado el monumental lío que hay tanto dentro como fuera del edificio...

Eso sí, como gane el primero va a arder la ciudad…

Sed buenos.



- Póster norteamericano -

Iniciado por Alcaudón

De igual forma me ha resultado imposible encontrar los pósteres británicos tanto de PIGMALIÓN como de MAYOR BÁRBARO, por lo que al final he optado en ambos casos en usar la carátula de las ediciones en BD (o DVD) de la prestigiosa Criterion. -

Bárbaro, desde luego, es el comentario. Como historieta, no está nada mal. Pero, y ya lo siento, los créditos del film son los que son.

Iniciado por Alcaudón

Por otro lado es una lástima que el profesor Cusins encarnado por el gran (aunque por entonces muy joven) Rex Harrison no tenga la suficiente entidad salvo al final de la historia cuando acepta el ofrecimiento del padre de Bárbara de que se haga cargo de su fábrica de municiones.

Hombre, "muy joven". Pasaba de los 30, eso para mí (y menos en aquella época) no es ser "muy joven". Además, el aspecto de Harrison no es de una persona joven, y a la foto nos podemos remitir.

Iniciado por Alcaudón

- Como simple nota a pie de página decir que el título de la película en nuestro país debería haber sido COMANDANTE BÁRBARA dado que el rango de “mayor” no existe en el Ejército español (ni en el de muchos otros, salvo los anglosajones).

¿Y qué c... (por perdón) tienen que ver los rangos del ejército español en todo esto? Se trata de un cargo dentro de una organización cristiana, que supongo que por coherencia con lo de "Salvation Army" mantiene una estructura jerárquica con rangos militares. De hecho, en el film aparece la generala, que parece la máxima autoridad. Échale un vistazo al DRAE. Me parece que ahí te pasas de pejiguero, dicho con todo el cariño.

Iniciado por Alcaudón

Aunque en realidad ella lo único que hace es lanzar su gorra al Támesis como símbolo de aquello en lo que ha dejado de creer en realidad Lean (y digo Lean y no Pascal o French) parece sugerirnos que en realidad lo que ella pretendía era acabar con su propia vida.

Te avanzas en el ciclo. Lo de conectar con los espíritus de los muertos corresponde a Blithe Spirit.

Iniciado por Alcaudón

Si en PIGMALIÓN uno puede discutir si Lean debería haber aparecido como codirector de la misma en lugar de (o junto a) Leslie Howard dado que por otro lado tenemos al talentoso Anthony Asquith, en el caso de MAYOR BÁRBARA está mucho más claro dado el testimonio de los que intervinieron en ella que Lean no solo debería haber sido acreditado como codirector sino como director a secas dada la ineptitud de Pascal y el despido de French.

Ya veo que te tendremos que llamar Don Alcaudón de la Ría de Bilbao, por lo de desfacedor de entuertos. Ya solo te falta proponer la beatificación de Lean. Como te puedes imaginar, no comparto tu conclusión, aunque admiro la dedicación que has mostrado.

Admito con gusto tus acotaciones y correcciones, querido amigo.

También es cierto que yo empiezo como Cecil B. DeMille con un terremoto y acabo con un ligero corrimiento de tierras.

Pero así somos los de Bilbao.

Por cierto, Athletic 4, Barcelona 2

Iniciado por Alcaudón

Por cierto, Athletic 4, Barcelona 2

Ese es un golpe bajo. Aunque no soy demasiado "futbolero", ni "culer" (si acaso un poco "barcelonista sociológico" si es que eso existe), ayer, aprovechando que se podía ver gratis (me niego a gastar un euro en un partido de fútbol), vi el encuentro por la tele. Supongo que el rugido de "los leones" te acompañaría hasta bien entrada la noche. Hubo "sangre, sudor y lágrimas". En todo caso, ahí sí había algunos protagonistas "muy jóvenes": hasta tres menores de edad en las filas blaugranes.

Hasta yo me vi el partido porque había tal bullicio tanto fuera como dentro del edificio que no tuve más remedio que seguir la corriente y la verdad es que el Athletic jugó bastante bien.

Menos mal que no somos futboleros.

02. La vida manda (This Happy Breed, 1944)



La primera película dirigida exclusivamente por Lean, y también su primer film en color, vuelve a ser la adaptación de una obra teatral de su mentor, Noël Coward, “This Happy Breed”, escrita en 1939 y estrenada en 1942 (aunque algunos comentaristas quieren ver en ella una reformulación de un pieza anterior, “Cavalcade”, de 1931, llevada al cine por Frank Lloyd para la Fox, Cavalcade, con gran éxito, puesto que ganó el Oscar a la mejor película y al director).

This Happy Breed se puede ver, en cierto modo, como el complemento de In Which We Serve por dos motivos: porque centra la acción en la vida cotidiana de una familia, los Gibbons (como allí lo hacía en los Kinross, los Hardy y el joven matrimonio formado por Shorty y Freda), y porque lo hace precisamente en el período anterior a su primer film, lo que le confiere el carácter de prólogo de las peripecias bélicas posteriores. Tanto uno como el otro son ejemplos de contribución al esfuerzo de guerra, el primero en clave militar, el segundo desde la perspectiva civil, recordando cómo los británicos se sobrepusieron a los sufrimientos de la Gran Guerra.

La película se abre con la indicación de que es la historia de una familia londinense de 1919 a 1939 y con una voz en off (de Laurence Olivier) que nos anuncia: “After four long years of war, the men are coming home. Hundreds and hundreds of houses are becoming homes once more”, comentario que nos enmarca temporalmente la narración. Oímos la vuelta victoriosa de los soldados (los cánticos, pero sin las imágenes correspondientes; los desfiles militares quedan para un momento posterior, envueltos en euforia patriótica), pero rápidamente la película singulariza ese retorno en uno de ellos: Frank Gibbons (Robert Newton).

Lean nos introduce literalmente en la casa de los Gibbons antes incluso de haberlos visto en pantalla. Por medio de unos encadenados, la cámara pasa de una vista aérea del barrio, al sur de Londres, a una de las fachadas de un grupo de casas unifamiliares todas ellas iguales (una manera de otorgar a los Gibbons un carácter de símbolo, de ejemplo, de las familias británicas),



se introduce por la ventana por corte y desciende la escalera interior de la vivienda hasta detenerse ante la puerta. Esta se abre y aparece Frank y su esposa junto a unos operarios que están llevando a cabo la mudanza.



Lean juega también hábilmente con el sonido, haciendo que en estos primeros momentos la casa resuene con ese eco habitual de las estancias vacías. Un excelente arranque (realmente virtuoso por la combinación de montaje y de movimiento de cámara) que seguro que a muchos recordará el inicio de un célebre film de Alfred Hitchcock localizado en Phoenix.

A partir de ese momento vamos a seguir las aventuras y desventuras de la familia elegida. La constituyen Frank, soldado durante la I Guerra Mundial (dado a la bebida, pero sin llegar quizá al alcoholismo que parece ser que sí afectaba a Newton), su sacrificada mujer, Ethel (Celia Johnson de nuevo),



la suegra, Mrs. Flint (Amy Veness), la peculiar hermana de él, Sylvia (Alison Leggatt), y los tres hijos: Reg (John Blythe), Vi (Eileen Erskine) y la rebelde e inconformista Queenie (Kay Walsh, que era la esposa de Lean), todo el reparto, en general, extraído de la compañía de actores habituales de las obras de Coward, y todo él correcto, aunque el aspecto de los personajes a lo largo de veinte años no siempre parece ajustarse bien a las edades que les corresponderían: algunos parecen demasiado jóvenes (Newton hacia el final), otros demasiado mayores (Erskine, Walsh o John Mills al principio).

Aunque parece que Coward trabajó en la adaptación (Coward se vuelve a mostrar omnipresente en los créditos), los guionistas acreditados son Anthony Havelock-Allan (encargado además de la producción), Lean (con otro futuro director como “assistant director”, George Pollock) y Ronald Neame (director de fotografía, con un futuro director más, Guy Green, como operador). Precisamente, Havelock-Allan, Lean y Neame habían fundado la productora Cineguild, colaborando en la producción del film con Two Cities Film y el propio Coward (la película se presenta como una Noël Coward-Cineguild Production). No me extiendo más en estos datos, ya que seguro que Alcaudón nos abrumará con su enciclopédica ficha y su exhaustiva documentación sobre las entrañas de la producción.

Centrándome en lo que nos cuenta la película y en cómo lo hace, de entrada estamos ante un drama familiar que no oculta su origen teatral. Hay numerosos ocasiones en que los personajes (en especial Frank) tienen “su” momento, por desgracia casi siempre para perorar con un contenido discursivo generalmente muy conservador.

La película, que nos evita ver a los hijos al inicio (eran aún unos niños, con lo que se ahorran los actores infantiles, resolviéndose la situación mediante una foto), va dando saltos temporales. Así, después de la llegada de los Gibbons, y de descubrir que uno de los vecinos, Bob Mitchell (Stanley Holloway, el padre de Eliza Doolittle en My Fair Lady), es un antiguo compañero de armas de Frank, con el que comparte la afición a la bebida y los recuerdos de la guerra,



el film salta hasta 1924, en que la familia pasa el día en una feria instalada en Wembley (una de las escasas escenas en que la película se airea).

Hay su momento para las Navidades de 1925, en el que el hijo, Reg, muestra cierta tendencia socialista junto a su amigo, Sam (Guy Verney).



Precisamente, durante una huelga general, la implicación de Reg es recriminada por sus padres, que no ven bien que se una a huelguistas y manifestantes.



Por su parte Queenie (el personaje, con diferencia, más luminoso y atractivo), vive con incomodidad una vida que considera demasiado vulgar, demasiado corriente, que es precisamente lo que parecen alabar sus padres.



Frank considera que Inglaterra es una nación de jardineros, visión conservadora que no comparten ni Reg ni Queenie.

Va pasando el tiempo, marcado con acontecimientos puntuales: la irrupción del charlestón; las películas sonoras (Sam y Vi van a ver The Broadway Melody, de Harry Beaumont); el matrimonio de Reg con Phyllis. Por su parte, Queenie rechaza la propuesta amorosa del hijo del vecino, Billy (John Mills), personaje que parece una continuación del Shorty de In Which We Serve, uniforme de marinero incluido.



Una secuencia de estructura claramente teatral servirá para introducir un primer elemento de crisis en la familia: Queenie decide dejar el hogar para huir con un hombre casado, en una noche en que Ethel discute con su marido porque, una vez más, vuelve borracho a casa con Bob. La reacción de Ethel a la huida de la hija es repudiarla: no la quiere volver a ver.

Por supuesto, hay un momento para la tragedia: Reg y Phyllis mueren en un accidente (fuera de campo). La noticia se da a conocer en la que quizá es la escena más brillante de la película, citada con justicia en todas las monografías que he leído sobre el director: Vi se dirige a dar la trágica noticia a sus padres, que se encuentran en el jardín, fuera de nuestro campo visual. La cámara se mantiene dentro de la casa encuadrando la puerta exterior, mientras suena una alegre música por la radio. Al cabo de un rato, sin corte, entran los padres cabizbajos, heridos por la brutal pérdida. Lean ha evitado mostrar la escena en que Vi comunica la desgracia a los padres (algo que intuyo que, probablemente, ya sea así en la obra teatral)

El clima político y familiar se va ensombreciendo. Asistimos a un arenga fascista en el Speaker’s Corner de Hyde Park; muere el rey George V (1936); muere también, aunque Lean elide la escena, la madre de Ethel.

Pero habrá tiempo aún para el retorno de la hija pródiga, con el rabo entre piernas... ¡y casada con Billy!, o sea, como Dios manda. Por descontado, Frank e incluso Ethel la recibirán con los brazos abiertos. Y es que es momento para la unidad de la familia, porque, aunque unas imágenes nos muestran un grupo de manifestantes ante el 10 de Downing Street vitoreando al primer ministre, Neville Chamberlain, después del Acuerdo de Múnich con Hitler, con la esperanza de garantizar la paz a costa de hacer importantes concesiones al III Reich, la amenaza de la guerra se cierne sobre el país.



Irónicamente, podríamos enlazar la escena con aquella página del Daily Express de In Which We Serve donde se leía “no war this year”. Pero el espectador del momento sabía que la guerra iba a estallar de forma inminente, por lo que se siente confortado por el discurso crítico de Frank sobre la supuesta paz.

La película se cierra como empezó, otorgándole una circularidad que en cierto modo también tenía In Which We Serve (allí comenzaba con la construcción de un barco y acababa con la botadura de otro destructor que sustituía al navío hundido): de nuevo resuenan las voces de Frank y Ethel en un edificio vacío, ahora los Gibbons se mudan a una nueva vivienda. Vemos desde el interior de la casa como cierran la puerta, la cámara sube las escaleras y se encadena el plano con una vista general del barrio.

La conclusión es en parte la misma que en el film anterior: no es lo mismo ver este film en el Londres de 1944 que en la Barcelona de 2024. Los condicionantes emocionales no tienen nada que ver. Vista hoy en día, This Happy Breed me parece un melodrama bien construido desde el punto de vista del montaje (se nota la mano de montador de Lean), bien interpretado y con algunas brillantes ideas visuales (y un buen uso del color), pero muy lastrada por su origen teatral y por un conservadorismo plasmado en unos diálogos sentenciosos, sobre todo los puestos en boca de pater familias. La próxima semana, afortunadamente, introduciremos algo de humor en un film más liviano, Blithe Spirit (cómo no, basado en una obra de Coward), del que tengo un buen recuerdo, y que tiene como protagonista al “jovencísimo” Rex Harrison.

Esta noche - salvo que vuelva a dormirme... - me pondré con el visionado de LA VIDA MANDA y mañana, que en principio me quedaré en casita, la comentaré aunque previamente haga lo propio con la anterior, SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS, pero en un formato - lo prometo - muy reducido dado que mi memoria ya no es lo que era.

De hecho, en mi caso el orden de visionados ha sido el siguiente:

1. SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS (el 14 de enero)

2. PIGMALIÓN (el 15 de enero)

3. MAYOR BÁRBARA (el 16 y 17 de enero - aquí me dormí durante el primer intento -...)

De esta forma me sincronizo y no empiezo ya a situarme en el (habitual) furgón de cola.

PROGRAMA DOBLE: “Sangre, esfuerzo, lágrimas y sudor” (Winston Churchill [1874-1965], 13 de mayo de 1940)

o

01. IN WHICH WE SERVE (1942, SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS)

T.O.: EN LA QUE SERVIMOS



Directores: Noël Coward y David Lean.

Productor adjunto: Anthony Havelock-Allan.

Productor: Noël Coward.

Producción: Two Cities Films Ltd.

Distribución: British Lion Film Corp. Ltd. (Reino Unido) / United Artists Corp. (EUA).

Guion: Noël Coward + David Lean, Ronald Neame y Anthony Havelock-Allan (no acreditados), basado en la peripecia personal del capitán Louis Mountbatten (futuro – y último – Gobernador General de la India [en 1947] y primer Gobernador General de la Unión de la India [entre 1947 y 1948]) (no acreditado).

Fotografía: Ronald Neame, en blanco y negro (1.37:1).

Operador de cámara: Guy Green.

Supervisora artística para Noël Coward: G. E. Calthrop.

Director artístico: David Rawnsley y V. C. Andrews.

Música: Noël Coward.

Montaje: Thelma Mayers, supervisado por David Lean (no acreditado).

Reparto: Noël Coward (Capitán E. V. Kinross), John Mills (Marinero “Shorty” Blake), Bernard Miles (Suboficial Mayor Walter Hardy), Celia Johnson (Alix Kinross), Kay Walsh (Freda Lewis) y Joyce Carey (Kat Hardy) + Leslie Howard (Narrador).

Presupuesto: 240.000 libras esterlinas.

Duración: 10.295 pies / 114 minutos.

Rodaje: del 5 de febrero al 27 de junio de 1942 (D & P Studios, Denham, Inglaterra).

Estreno: 27 de septiembre de 1942 (Londres) y 23 de diciembre de 1942 (Nueva York).

Recaudación: 300.000 libras esterlinas (en Reino Unido) y 1.800.000 dólares (en los EUA [Variety, 5 de enero de 1944]).



...

2 nominaciones a los Oscar de 1944 (película y guion original)

…

Coordenadas espacio / temporales:

Mar Mediterráneo (básicamente) / 1939-1941

…

y

02. THIS HAPPY BREED (1944, LA VIDA MANDA)

T. O.: ESTA FELIZ RAZA DE HOMBRES



Director: David Lean.

Productor adjunto: Anthony Havelock-Allan.

Productor: Noël Coward.

Producción: Noël Coward-Cineguild / Two Cities Films Ltd. / The Rank Organisation.

Distribución: Eagle-Lion Distributors Ltd. (Reino Unido) / Universal Pictures Company, Inc. (EUA).

Guion: Noël Coward (no acreditado) + David Lean, Ronald Neame y Anthony Havelock-Allan, basado en la obra teatral homónima de Noël Coward (Haymarket Theatre, Londres, 30 de abril de 1943).

Fotografía: Ronald Neame, en Technicolor (1.37:1).

Operador de cámara: Guy Green.

Supervisora artística para Noël Coward: G. E. Calthrop.

Director artístico: C. P. Norman.

Música: Noël Coward (no acreditado).

Montaje: Jack Harris.

Reparto: Robert Newton (Frank Gibbons), Celia Johnson (Ethel Gibbons), John Mills (Billy Mitchell) y Kay Walsh (Queenie Gibbons) + Stanley Holloway (Bob Mitchell), Amy Veness (Señora Flint, madre de Ethel), Alison Leggatt (Tía Sylvia, hermana de Frank), Eileen Erskine (Vi), John Blythe (Reg), Guy Verney (Sam Leadbitter), Merle Tottenham (Edie) y Betty Fleedwood (Phyllis Blake) + Laurence Olivier (Narrador).

Presupuesto: 200.000 libras esterlinas.

Duración: 9.939 pies / 111 minutos.

Rodaje: de febrero a abril de 1943 (D & P Studios, Denham, Inglaterra).

Estreno: 1 de junio de 1944 (Londres); 12 de abril de 1947 (EUA).



…

Coordenadas espacio / temporales:

Londres / de mayo de 1919 a agosto de 1939

Cronología de la familia Gibbons:

Frank (35 > 55), Ethel (34 > 54), Vi (14 > 34), Queenie (13 > 33) y Reg (12 > 25 +)

…

En esta ocasión y dada la lejanía del visionado de la primera de las dos cintas objeto del presente estudio (debido al quijotesco empeño de reseñar antes las dos primeras – aunque no oficiales – películas como (co)director del cineasta ) he optado por hacer un programa doble con las mismas y de esta forma confeccionar unos comentarios más breves de lo habitual.

De hecho, me ha llevado mucho más tiempo elaborar las fichas técnicas de las películas de lo que me va a llevar el estudio de las mismas.

Al menos eso espero… aunque ya me conocéis…

No deja de tener gracia el hecho de que si unimos los títulos originales (no los que se inventó el distribuidor nacional de turno) de las cintas y tan solo con una ligera variación nos quedaría uno de lo más suculento…

… ESTA FELIZ RAZA DE HOMBRES A LA QUE SERVIMOS…

No me digáis que la cosa no tiene su miga... y su lógica...

De hecho, la segunda funciona perfectamente como una precuela de la primera.

Y es que si la historia que se nos narra en LA VIDA MANDA transcurre entre 1919 y 1939 (y para ser más precisos, entre mayo de 1939 y agosto de 1939, como queda perfectamente expresado en las cuatro primeras páginas del guion de rodaje…









la de SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS – habitual (e inexacta) traducción de la famosa frase de Churchill que encabeza este programa doble – lo hace entre 1939 y 1941.

Otra coincidencia es que el personaje que encarna el gran John Mills (1908-2005) – el segundo actor que más veces trabajó a las ordenes de Lean, solo por detrás de Alec Guinness (1914-2000) – en ambas pertenezca a la Marina Real británica, en la primera en calidad de simple marinero y en la segunda empezando como tal pero acabando como oficial.







Y no solo eso sino que en ambos casos su destino es un destructor.

La excelente química que se dio entre el actor y su compañera en la ficción, la preciosa Kay Walsh (1911-2005) – y esposa del director desde 1940 hasta 1949 -, en SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS fue con toda seguridad el motivo por el que se les volvió a emparejar en LA VIDA MANDA.





Sigamos con este juego de la cronología no de las películas sino de lo que acontece a ellas puesto que con ello no solo agilizo su elaboración sino que hace la lectura – espero que – mucho más agradable.

Si en SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS se narraba la historia de un barco (o más concretamente, de su tripulación), en LA VIDA MANDA se hace lo propio con la de una familia londinense de clase media, como bien reza el primer rótulo que aparece en la película...



De hecho, bien podrían aplicarse igualmente el calificativo de familia a la tripulación del destructor HMS Torrin capitaneada por el pluriempleado Noël (aunque en los títulos de crédito aparece sin la diéresis) Coward (1899-1973), el cual ejerce de (comprensivo) cabeza de ídem de todos ellos.



Por tanto y como bien indicáis, en SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS vemos las tribulaciones de una “familia” en el frente y en LA VIDA MANDA las de otra en la madre patria.

No obstante, esto no es del todo cierto dado que las historias de tres de los tripulantes del destructor que menciono en el siguiente párrafo cuentan, a través de flashbacks (Lean hace un uso muy inteligente de las transiciones al difuminar las imágenes como si fuesen las olas del mar al que han ido a parar), su anterior devenir en la vida civil.



Sin embargo, mientras que en la primera los protagonistas (el capitán Kinross [Coward]; el suboficial mayor Hardy [Bernard Miles (1907-1991) y uno de los dos raptores * del hijo de la pareja formada por Benjamin (James Stewart) y Josephine (Doris Day) McKenna en EL HOMBRE QUE SABÍA DEMASIADO (1956)] y el marinero “Shorty” [Mills]) representan cada uno de ellos a los tres estratos (clásicos) de la sociedad (de la de antes y de la de ahora) – alta, media y baja -, en LA VIDA MANDA y como indicaba un poco más arriba se centra exclusivamente en la intermedia.

* Por cierto, a la otra (Brenda de Banzie) la pudimos ver en la última (por ahora...) película que he comentado en el (incombustible) rincón de Sir Alfred... https://www.mundodvd.com/sir-alfred-...8/#post4854159

No estoy de acuerdo para nada con el término “película de propaganda” que se aplica especialmente a la primera de las dos cintas.

De hecho, en comparación con sus coetáneas norteamericanas esa “propaganda” resulta mucho más comedida.

De todas formas y como bien dices, amigo mad dog earle, no es posible juzgar una película rodada en plena Segunda Guerra Mundial (en la que murieron 40 millones de civiles y 20 millones de soldados) con los ojos de hoy en día.

Y que conste que no es porque ahora mismo no tengamos unas cuantas guerras en buena parte de los cinco continentes.

No parece que hayamos aprendido nada por el camino.

SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS y LA VIDA MANDA son producciones de la compañía Two Cities Films, creada en 1937 por dos migrantes italianos, Mario Zampi (1903-1963) y Filippo Del Giudice (1892-1962).

- Las dos ciudades a las que hace referencia son Londres y Nueva York, como se puede apreciar perfectamente en los títulos de crédito...



Eso sí, entre una y otra la mencionada compañía fue absorbida por la todopoderosa The Rank Organisation (fundada, al igual que la anterior, en 1937) y por eso LA VIDA MANDA fue distribuida por la Eagle-Lion Distributors Ltd., una filial de la misma.

Además LA VIDA MANDA fue la primera de las siete producciones de la compañía Cineguild formada por Anthony Havelock-Allan (productor), David Lean (director) y Ronald Neame (director de fotografía).



- De esta forma subsano el error que aparece en el libro de Ramón Moreno Cantero para Cátedra- por otra parte notable - al incluir también a Coward como socio. -

Si las tres primeras películas de la misma se basan en obras de Noël Coward (aunque este ya no tuviese nada que ver a nivel de producción), las dos siguientes beberán de las fuentes de Charles Dickens.

No obstante, durante el camino el primero en apearse de la misma fue el productor Havelock-Allan que ya no intervino en la primera de las tres colaboraciones (consecutivas) entre Lean y su nueva esposa – de 1949 a 1957 -, Ann Todd (1907-1993), THE PASSIONATE FRIENDS (1949) y seguido lo haría Neame al finalizar la anterior.

- Pese a todo Lean seguiría usando el nombre en su 8º largometraje, MADELEINE (1950), la segunda “parte” de la “trilogía” protagonizada por su esposa. -

Ya hemos hablado largo y tendido de la (posible) autoría o no como codirector de David Lean.

En este caso dicha discusión solo es aplicable a SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS, aunque al menos en este caso Noël Coward tuvo el bonito gesto de acreditarle como codirector de la misma.

Independientemente de que Lean se encargara de los aspectos técnicos de la misma y Coward del trabajo con los actores (a cada uno lo que se le daba mejor) justo es de reconocer que la autoría del segundo es superior a la del primero, algo por otra parte que se puede apreciar ya desde los mismos títulos de crédito que, como bien dice mad dog earle, nos hace recordar a las obras de Charles Chaplin o de Orson Welles…

Y es que su nombre no aparece solo una vez...



... ni dos...



... ni tres...



... ni cuatro...



... ni cinco...



- Eso sí, aquí, como comentaré más adelante, se agradece la deferencia de Coward al incluir a Neame como cocreador de la película y en el mismo rótulo que los dos anteriores. -

... sino seis veces...



Y por lo que respecta a LA VIDA MANDA tampoco se queda corto Coward, aunque justo es de reconocer que el nombre de los principales artífices de la película aparece con el mismo tamaño de letra… aunque el del primero lo haga en más ocasiones…











Si mi memoria no falla David Lean es uno de los escasos – por no decir que el único – de los cineastas clásicos que comenzó su carrera (en solitario) rodando una película en Technicolor, algo que repetiría en la siguiente, UN ESPÍRITU BURLÓN (1945).





- Curiosamente no volvería a hacerlo hasta su 11ª cinta, LOCURAS DE VERANO (1955). -

Aunque en LA VIDA MANDA Lean usa una paleta cromática notablemente más contenida que la de sus coetáneos al otro lado del océano – y eso a pesar de la rigurosa supervisión que llevaba a cabo la esposa del creador del procedimiento, Natalie Kalmus (1882-1965) – es destacable, aunque en principio pueda pasarnos desapercibido, el uso de los tonos ocres y pastel y, especialmente del azul, este último todavía más determinante puesto que Lean viste a su esposa casi siempre de azul a juego con sus preciosos ojos de igual tonalidad.





- Sí, aquí el vestido es rosa pero el sombrero es azul... -

Pero también lo hace de igual forma con Ethel...







... e incluso con su madre...



... y hasta con la hija mayor, Vi y la hermana de su esposo, Sylvia...



... incluso la madeja de lana es azul...

La espléndida copia que me ha servido de base para el presente comentario (cortesía de Criterion) permite apreciar esa desinformada idea de que Lean no presta prestó una atención especial al color.

Tengamos en cuenta además que en ese momento en todo el Reino Unido solo había 4 cámaras de Technicolor disponibles.

Y digo aparente puesto que en realidad fue algo buscado por Lean y Neame con la finalidad de que el cromatismo se adecuara tanto a los tiempos como a los lugares en los que se desarrolla la historia.



- Otro de los aciertos de la historia, la historia de amistad forjada no solo por haber combatido juntos en la Primera Guerra Mundial sino por su muta afición a las bebidas de alta graduación alcohólica entre Frank y Bob. -

Y podemos comprobar que Neame se manejaba tan bien con el blanco y negro como con el color. Además en ambos casos contó con la inestimable colaboración del operador Guy Green quien se convertiría en el director de fotografía del cineasta desde CADENAS ROTAS hasta MADELEINE.





Resulta curioso que en los créditos se acredite a Gladys Calthrop (1894-1980) como supervisora artística exclusiva de Noël Coward, para quien trabajaba habitualmente en sus montajes teatrales y musicales.

Y en cuanto al tema de los repartos la elección de los mismos fue algo lógico.

Los actores de LA VIDA MANDA proceden unos de MAYOR BÁRBARA (Robert Newton y Stanley Holloway) y otros de SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS (Celia Johnson, John Mills y Kay Walsh).

Y todos ellos están magníficos (incluso el omnipresente Noöel Coward), aunque si yo tuviera que quedarme con un nombre en concreto lo haría con el de Celia Johnson, incomensurable especialmente en LA VIDA MANDA y no dijamos en la ya próxima BREVE ENCUENTRO.







Antes de finalizar me gustaría destacar al menos un par de secuencias de cada película que demuestran que son algo más que simples “películas de propaganda”.

En SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS, la para nada patriótica - sino más bien patética - imagen de los semblantes derrotados después del desastre de Dunkerque en 1940, magnificada por el excelente travelin ideado por Lean...



Aquella en la que "Shorty" comunica a Walter el fallecimiento de su esposa y de su madre en uno de los bombardeos que sufría en esos momentos la capital británica...



O la emotiva despedida del capitán Kinross a su tripulación, dando la mano a todos y cada uno de ellos, un gesto que no solo le ennoblece sino que me parece de una extrema sensibilidad...



En LA VIDA MANDA, cuando la hija mayor, Vi, comunica a sus padres que su hermano (y su hijo), Reg y su esposa han muerto en un accidente de tráfico y que nos recuerda poderosamente al mejor John Ford y donde además el sonido de una música alegre por la radio la hace todavía más emotiva. Sin duda, la joya de la corona de ambas cintas...



Y hablando de Ford, que tal esa apertura y ese cierre de la puerta que serán uno de los elementos esenciales en su magnum opus, CENTAUROS DEL DESIERTO (1956)...





Resumiendo.

Si SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS me parece un buen film, LA VIDA MANDA me parece mejor.

Y eso es todo amigos.

No está mal teniendo en cuenta que ha sido uno de los peores días que he tenido desde la muerte de mi ama.

Buenas tardes y, buena suerte.







P. D. En esta página podeís encontrar mucha información e imágenes para los comentarios...

http://old.bfi.org.uk/lean/index.html

Al releer el comentario en el móvil he apreciado algunos errores y omisiones pero que hasta la noche no podré subsanar dado que no sé a santo de qué no puedo hacerlo en dicho aparato.

¿No puedes modificar el texto con el móvil? Extraño. A mí sí me deja, aunque es extraordinariamente incómodo.

En todo caso te advierto que no leeré tu comentario hasta mañana, porque precisamente renuncio a hacerlo con el móvil. O sea que supongo que ya será la versión corregida.

No me deja moverme dentro de la caja de texto. Cuando llegue a casa lo arreglo.

Vista dos veces en 48 horas, no porque sea una obra maestra, sino porque me di cuenta que el film estaba en filmin, y el primer visionado fue por iutuf, eso si, una excelente edición de Criterion (después el buscador me ha descubierto una sección de Criterion, donde actores, directores, se encuentran en un armario lleno de pelis de Criterion y donde eligen sus preferidas, me ha enganchado esto más que el film ). Pues su primer visionado lo disfruté más que el segundo, intendiendo mucho mejor los diálogos en dicho segundo visionado; quizá es un film de un sólo visionado, ya que los diálogos, sin ser malos, no me parecen muy ingeniosos, o mejor dicho, que no destacan, más o menos son previsibles y muchos aburridos, muy blancos sin mala leche. Ya lo decía la hija, país de jardineros . En su segundo visionado, sus personajes me han parecido menos interesantes, tampoco ayuda el encierro teatral con pocos exteriores, que cuando la mayoría de personajes no son muy interesantes, te dejan más frío que nada.



Y donde está el punto fuerte del film? Sospecho que el punto fuerte es David Lean, todo parece tan perfecto, todos los planos tiene sentido, no hay un mal encuadre, está claro, como el listado que ha dado Mad, que Lean, estaba rodeado de fantásticos profesionales, que son los que le dan chispa al film; porque la escena que comenta Mad, cuando se informa de la tragedia familiar, lo que hace la cámara es una maravilla, es sin duda el mejor momento del film, y supongo que a posteriori es fácil de decirlo, pero estaba claro que había calidad de sobras en las manos de David Lean.

Volvemos con la ineludible propaganda, donde, aquí, Lean, consigue hacerla algo más subtil que en su primer (o no) film ya comentado aquí, donde el desarrollo -no muy normal- de los personajes maquillaban el sempre Fidelis de turno. Aquí, quizá un embrión interesante de BOYHOOD pero con menos recursos, hace que el transcurso de los años y el devenir de la familia me tenga con cierto interés. Ayuda mucho los momentos de transición, algunos brillantes con toques cómicos, como el desafinar hecho arte en la sobremesa de la familia al piano. Otras escenas están menos acertadas, no por malas, sino porque me dan griman, como cantar cancioncillas patrióticas a ritmo de copazos mientras regresan a casa alcoholizados.

En resumen, un debut, o no, a tener en cuenta, no precisamente por lo que cuenta, sino por como lo hace, era irrefutable ver que el director tenía un talento inmenso.

Añorado Alex, esa imagen en la que se ve juntas a la madre y a la hija corrobora mi teoría de la predilección del uso del color azul por parte de Lean. Si hasta los títulos de crédito son de dicho color.

Por cierto, se me olvidó mencionar que pese a la omnipresencia de Coward en LA VIDA MANDA no aparece acreditado como guionista de la misma.

Igualmente que mientras la primera fue un enorme éxito de taquilla a uno y otro lado del Atlántico la segunda solo lo.fue en su país de origen dado que su estreno se demoró en los EUA hasta 1947.

:

Iniciado por Alcaudón

No estoy de acuerdo para nada con el término “película de propaganda” que se aplica especialmente a la primera de las dos cintas.

Dile "contribución al esfuerzo de guerra", que es una manera finolis de referirse a la "propaganda de guerra (o militar o bélica)" porque, (y ya lo siento, porque vengo comprobando desde hace años que tienes aversión al término ), más de propaganda que In Which We Serve es difícil encontrar ejemplos, a uno u otro lado del Atlántico. Solo faltaba que a la salida hubiera un banderín de enfanche para la Royal Navy.

Iniciado por Alcaudón

Antes de finalizar me gustaría destacar al menos un par de secuencias de cada película que demuestran que son algo más que simples “películas de propaganda”.

Hombre, pero ¿qué concepto tienes de "propaganda"? Por supuesto, no se trata de un anuncio tipo "lava más blanco". Para que sea efectiva ha de incluir los momentos de dolor, las muertes, los sacrificios, para que quede claro que se lucha contra algo que destroza nuestras vidas. No iban a mentir respecto a Dunkerque, al contrario, es un buen argumento para justificar seguir en la brecha, además de que es un momento que sirve de "propaganda" sobre la unión en la batalla de las armas de tierra y de mar, dejando atrás rivalidades.

Iniciado por Alcaudón

Si SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS me parece un buen film, LA VIDA MANDA me parece mejor.

Ya avanzo que mi ordenación final será la contraria.

Aprovecho el rapapolvo y la ocasión para ir indexando por orden de preferencia las dos películas (oficiales) de la carrera de Sir David Lean que ya hemos reseñado.

01. LA VIDA MANDA

02. SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS.

Tengo reciente Un espiritu burlon y la memorable BREVE ENCUENTRO

Pues a ver si te luces con uno de esos maravillosos collages a los que nos tienes (mal) acostumbrados.

Iniciado por Alcaudón

Pues a ver si te luces con uno de esos maravillosos collages a los que nos tienes (mal) acostumbrados.

03. Un espíritu burlón (Blithe Spirit, 1945)



Se acercaba el final de la guerra, era un buen momento para llevar a la pantalla comedias que hicieran más llevadero el día a día de la posguerra. Coward ya había estrenado su obra “Blithe Spirit” en Londres en 1941, con gran éxito de público (con Margaret Rutherford y Kay Hammond en el reparto; ambas repetirán en el film) y, posteriormente, en el mismo año, en Broadway (con Clifton Webb como protagonista y la gran Mildred Natwick como Madame Arcati).

O sea que, cuando el proyecto cae en manos de Lean, se trata de una obra rodada y aclamada por el público. A pesar de ello, parece que Lean no se sentía demasiado predispuesto a asumir la adaptación, no se consideraba el director adecuado para esta comedia sofisticada, su sentido del humor no encajaba con el de Coward, pero fue el propio autor del texto el que le insistió en que se hiciera cargo de su traslado al cine... aunque luego mostraría a Lean su disgusto por el resultado: “querido amigo, has jodido lo mejor que he escrito” (citado por Moreno Cantero en su monografía).

El proyecto se convierte de nuevo en una Noël Coward-Cineguild Production para Two Cities, con todo el equipo habitual: Coward como productor (aunque con Anthony Havelock-Allan “in charge of production”); Lean, Neame y Havelock-Allan en el guion y Neame tras la cámara. Esta vez, quizá por fortuna, Coward no aparece en pantalla (aunque sí su voz) y la música la firma Richard Addinsell.

La película se abre con unos rótulos que otorgan cierto aire de cuento a lo que vamos a ver a continuación: “When we are young We read and believe The most Fantastic Things / When we grow older and wiser We learn, with perhaps a little regret, That these things can never be”.



Pero la voz del propio Coward irrumpe en la banda sonora para afirmar: “We are quite, quite wrong!”, toda una invitación a mantener la mirada inocente de la infancia, a aceptar la fantasía que se nos va a proponer.

Y, ciertamente, lo mejor de la película es ese aire desenfadado, juguetón, de las peripecias de Charles Condomine (Rex Harrison, para mí demasiado risueño a lo largo de todo el metraje; me hubiera gustado ver a Webb en el papel), un escritor que quiere documentarse para un nuevo libro; Ruth, su esposa (Constance Cummings); Elvira (Kay Hammond), ese “espíritu burlón” del título (o mejor uno de ellos), primera esposa de Charles; y por supuesto Madame Arcati, la hilarante médium (magistralmente interpretada por Margaret Rutherford, lo mejor de la función).



Aunque Coward se refiriera a su obra teatral como “lo mejor que he escrito”, a mí personalmente, vista hoy en día, me parece una pieza que ha perdido fuerza. La época fue muy dada a los films con temática fantástica, de fantasmas y espíritus más o menos burlones, quizá un efecto de la tragedia vivida durante la II Guerra Mundial, pero en nuestro escéptico siglo XXI, perdida definitivamente la ingenuidad requerida para aceptar las “fantastic things”, Blithe Spirit me parece poco más que un film simpático, sin más, aunque por momentos también algo cargante, a lo que en especial contribuye la interpretación de Rex Harrison.



El tema es bien conocido y no me alargaré. Charles organiza una séance con la participación de Madame Arcati sin que tenga ninguna fe en la capacidad de la médium para conectar con espíritus del más allá, solo con la intención de vivir una experiencia que le sirva para su próximo libro. Pero como resultado de la invocación realizada va a volver “de entre los muertos” la traviesa Elvira, difunta esposa de Charles, que empezará a hacerle la vida imposible.



Solo Charles puede verla, aunque Ruth podrá comprobar su presencia cuando Elvira empiece a mover objetos (sillas, jarrones, cortinas).



Estos movimientos, junto a la iluminación verdosa de los espíritus, parece que fueron los aspectos que hicieron merecedor al film de un Oscar a los efectos especiales (que ahora nos parecen muy primitivos y no nos despiertan ninguna sorpresa).

Ruth, molesta por la intrusión de Elvira, intenta que Madame Arcati vuelva las cosas a la normalidad, sin éxito. Además, Elvira todavía va a complicar más las cosas: manipula el coche para que Charles tenga un accidente mortal y así unirse eternamente en el más allá, pero quien coge el vehículo es Ruth, de manera que donde había el espíritu de una mujer muerta, ahora habrá dos. Charles solo ve a Elvira, pero esta sí ve a su colega de ultratumba. Cuando Charles presione a Madame Arcati para que devuelva a Elvira a su mundo, el resultado es que también Ruth se materializa ante Charles.



Finalmente, será recurriendo a la alelada criada de los Condomine, Edith (Jacqueline Clarke), a la que la médium hipnotiza, como se conseguirá por fin que las dos mujeres desaparezcan (para ello Edith, hipnotizada, canta la célebre pieza de Irving Berlin “Always”).



Pero la película todavía nos reserva un giro final que permitirá que marido y esposas vuelvan a unirse, quién sabe si en un eterno ménage à trois espectral

Tenía un buen recuerdo de anteriores visionados, pero en esta ocasión la película no me ha proporcionado más que alguna sonrisa, salvo quizá en los momentos más grotescos de Madame Arcati, gracias a la irresistible vis cómica de Rutherford (por cierto, repite como ayudante de dirección George Pollock, que la dirigiría en la serie de divertidas películas dedicadas a Miss Marple rodadas en los sesenta).

En todo caso, espero que con la próxima entrega, Brief Encounter, el ciclo Lean empiece a remontar el vuelo.

La verdad es que con esa coloración de ambas mujeres - no sé si debida al estado de conservación de los tres negativos que se usaban en el rodaje de una película en Technicolor - parecen más bien zombis.

A ver si me la veo hoy o mañana y la comento raudamente.

Al parecer ese color verdoso no solo es intencionado, sino que se valoró a la hora de concederle un Oscar por los efectos especiales. Se comenta que se trataba simplemente de proyectar un foco con luz verde sobre las actrices. Visto ahora resulta pobretón, aunque tiene su gracia.

Más que gracia yo diría que dan miedo...

Ha sido mi primer visionado del film, y tengo que decir que hay cuatro cosas que me encantan, pero globalmente, para mi gusto se queda muy lejos de una obra top de Mankiewicz y también con Rex Harrison, EL FANTASMA Y LA SEÑORA MUIR, si bien ésta se codea con géneros dramáticos y de comedia, está más que claro que el tema dramático está fuera de la ecuación en el film de Lean, y se queda en una comedia sofisticada por los diálogos más que interesantes, pero al carece de poder dramático, la he sentido como una pasarato curioso, sin dejarme mucho poso y quizá demasiado cine Familiar para mi gusto, esperando siempre la aparición de la crack del film, que no es otra que Margaret Rutherford como Medium de ir por cosa.

Como he dicho tiene algunos momentos brillantes, como esa diálogo a dos bandas en la primera aparición de la fantasma, diálogos ingeniosos, ritmo rápido, situaciones curiosas. Ahora bien, mi escena favorita es cuando el protagonista va a la casa de la medium, y esta no acierta ni una de donde está colocado el espíritu, y el bueno de Rex le va anunciando que ha cambiado de lugar.

La verdad que el tono demasiado ligero del film, no me lo esperaba, sencillamente voy gozando de los diálogos, pero cuando la son ya dos fantasmas, pues ya me doy por vencido y acepto tal ligereza, aunque no me guste del todo,y ya lo que va pasando a continuación es un extra algo reiterativo que ya no me interesa tanto como en su primera mitad -creo- del film. Y ya el remate final, pues me ha parecido demasiado Walt disney, o lo mismo que decir, demasiado light, demasiado cine familiar, que quizá funcione, pero no es de mi gusto.

Lo dicho, muy lejos de Mankiewicz, aunque no deja de ser un film interesante de ver, no para gastarme 20-30 euros para su edición en BD de Criterion. Me quedo con el papel de la Medium sin duda, sus escenas son una delicia humorística.