Tema: David Lean: revisando sus películas

Yo más bien diría que es una película "dirigida por Lean", más que "de Lean". Como ya comentaremos, hubo muchos implicados como para caer en el reduccionismo típico de la "politica de autores" (tan cara a la crítica cahierista y epígonos) que lo centran todo en el director. De hecho, por citar al implicado más evidente, el papel de Coward no se limita a asumir el protagonismo ante las cámaras.

Iniciado por mad dog earle

Y no, tranquilo, no es mi intención incluir la película de Stevens en esta revisión. Ahora bien, si alguien se anima a hacerlo... De hecho creo que no la he visto nunca.

Hasta Heston parece que dirigió (por primera vez) una escena de esta película.
Era creo la detención del Bautista. Heston la quería rodar sin doble pero Stevens le dijo que la hiciera el doble. Tenía que ir a controlar otra escena en otra unidad y dejó al actor de Evanston al mando.

Iniciado por mad dog earle

Yo más bien diría que es una película "dirigida por Lean", más que "de Lean". Como ya comentaremos, hubo muchos implicados como para caer en el reduccionismo típico de la "politica de autores" (tan cara a la crítica cahierista y epígonos) que lo centran todo en el director. De hecho, por citar al implicado más evidente, el papel de Coward no se limita a asumir el protagonismo ante las cámaras.

Lean 60 % vs. Coward 40 %

Iniciado por Alcaudón

Lean 60 % vs. Coward 40 %

Si atendemos a los créditos: Coward 90% vs. Lean 10%.

No me contraries, querido amigo, que tengo la tarde un poco depresiva y eso que he salido un rato a dar una vuelta y hacer unas compras, entre ellas 4 libros, todos ellos llevados al cine y que servirán para subhilos o hilos presentes o futuros: "Horizontes perdidos" y "Adiós, señor Chips", de James Hilton; "La ciudadela", de A. J. Cronin y "Christine", de Stephen King.

O sea, de lo más variado. Y además los últimos de 2° mano x solo 6 euros.

Aprovecharé, tan pronto como haga una pequeña colación, para verme PIGMALIÓN (1938), de... David Lean y ponerme en breve con el programa doble formado por esta y por SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS.

Here we go again...

000. PYGMALION (1938, PIGMALIÓN)



Directores: Anthony Asquith y Leslie Howard + David Lean (no acreditado).

Productor: Gabriel Pascal.

Producción: Pascal Film Productions Ltd.

Distribución: General Film Distributors Ltd. (Reino Unido) / Loew’s Inc. (EUA).

Guion: George Bernard Shaw, W. P. Lipscomb y Cecil Lewis + Ian Dalrymple (no acreditado), basado en la obra teatral homónima del primero (Hofburg Theatre, Viena, 16 de octubre de 1913).

Fotografía: Harry Stradling, en blanco y negro (1.37:1).

Operador de cámara: Jack Hildyard.

Dirección artística: John Bryan.

Decorados: Laurence Irving.

Música: Arthur Honeger.

Montaje: David Lean.

Reparto: Leslie Howard (Profesor Henry Higgins), Wendy Hiller (Eliza Doolittle), Wilfrid Lawson (Alfred Doolittle) y Marie Lohr (Señora Higgins) + Scott Sunderland (Coronel Pickering), Jean Cadell (Señora Pearce) y David Tree (Freddy Eynsford-Hill).

Presupuesto: 87.000 libras esterlinas.

Duración: 1:35:35.

Inicio y lugar del rodaje: 11 de marzo de 1938 (Pinewood Studios, Inglaterra).

Estreno: 6 de octubre de 1938 (Leicester Square Theatre, Londres); 8 de diciembre de 1938 (Nueva York).





...

4 nominaciones a los Oscar de 1939 (película, actor, actriz y guion adaptado *)

…

La idea de llevar a la gran pantalla la obra de teatro de George Bernard Shaw (1856-1950) fue una apuesta personal del migrante austrohúngaro Gabriel Pascal (1894-1954) quien recientemente había arribado a las costas inglesas sin un penique en sus bolsillos.



Pascal, que había conocido al dramaturgo años atrás, logró convencerlo para que le vendiera los derechos cinematográficos de “Pigmalión”, la cual había sido estrenada por primera vez en Viena (y en alemán) el 16 de octubre de 1913, toda una hazaña dado el desdén más absoluto que el escritor irlandés sentía por el Séptimo Arte.



Shaw, engatusado por la labia de Pascal, accedió incluso a escribir el guion de la película y, de esta forma, garantizar que la misma llegara al gran público sin adulterar, tal y cómo fue concebida... algo que como veremos más adelante no se cumplió del todo...

Después de llamar infructuosamente a la puerta de buena parte de las compañías británicas finalmente consiguió atraer la atención de Richard Norton (1892-1954), jefe de producción de los estudios Pinewood, en Buckinghamsire, propiedad del todopoderoso J. Arthur Rank (1888-1972).



Pascal y Norton formaron una compañía propia, Pascal Film Productions Ltd., relativamente independiente puesto que el segundo, como acabo de decir, trabajaba para Rank y este no solo financiaría la película en buena medida sino que también se encargaría de su distribución a través de su filial, la General Film Distributors Ltd.



Para Rank, que estaba por entonces en plena expansión, PIGMALIÓN significaría un nuevo peldaño en la escalera que estaba construyendo para convencer al siempre reticente mercado norteamericano de la bondad de las producciones británicas.

Pascal contrató a David Lean para que se encargara del montaje de la película. Para ello fue decisivo el hecho de que recientemente hubiese trabajado para Norton en MI VIDA PARA TI (1935), de Paul Czinner, la cual había resultado ser un gran éxito tanto de público como de crítica y no solo en el Reino Unido sino también en los EUA puesto que llegó a estar nominada a los Oscar de 1936 en la categoría de mejor actriz (Elisabeth Bergner).



Si entonces Lean cobraba 50 libras esterlinas a la semana por su trabajo en su siguiente película, COMO GUSTÉIS (1936), también dirigida por Czinner y coprotagonizada por la mencionada Bergner y Laurence Olivier, exigió (y consiguió) 60, el mayor sueldo que jamás hubiese ganado un montador en territorio isleño.

Como vemos ya por entonces Lean era un profesional muy admirado y requerido por los estudios puesto que era capaz de arreglar en la sala de montaje lo que un director mediocre hubiera filmado de mala manera previamente.

Pascual igualmente se aseguró los servicios de Anthony Asquith (1902-1968), un cineasta de calidad contrastada, para codirigir la película junto a la estrella de la misma, el prematuramente desaparecido Leslie “Ashley Wilkes” Howard (1893-1943).



- De Asquith recuerdo un lejano pase televisivo en VOSE de una cinta que me cautivó por completo, LA VERSIÓN BROWNING (1951), con un excepcional Michael Redgrave. -

Para dar mayor empaque a la producción Pascal se trajo de los EUA al gran director de fotografía Harry Stradling Sr. (1901-1970) – posteriormente ganador de 2 Oscar (en 1946 por EL RETRATO DE DORIAN GRAY...



- Recibiendo su primer Oscar de las manos del mismísimo D. W. Griffith... -

... y en 1965 por… MY FAIR LADY… de la que hablaremos en breve… ) -, quien tendría como operador de cámara al igualmente excelente Jack Hildyard (1908-1990), con quien Lean, ya convertido en director (en sentido estricto…), contaría hasta en 4 ocasiones y además de forma consecutiva: LA BARRERA DEL SONIDO (1952), EL DÉSPOTA (1954), LOCURAS DE VERANO (1955) y EL PUENTE SOBRE EL RÍO KWAI (1957).

- Por esta última ganaría en 1958 el Oscar. -

El productor contrataría igualmente los servicios del prestigioso compositor francés Arthur Honegger (1892-1959) para elaborar la (liviana) banda sonora de la película.

Aunque en un principio Shaw se opuso a la elección de Howard como el (quisquilloso) profesor Henry Higgins, al que no veía como la mejor plasmación del personaje meticulosamente diseñado por él (seguramente Shaw, que como decía, no era precisamente un gran aficionado al cine no había visto sus interpretaciones en cintas como DESEOS HUMANOS (1934), de John Cromwell o EL BOSQUE PETRIFICADO (1936), de Archie Mayo, en ambas con Bette Davis de coprotagonista…) al final accedió a los requerimientos de Pascal y más tarde admitiría su error.



Sí fue cosa del autor la elección de la novata * Wendy Hiller (1912-2003) para encarnar a la deliciosa Eliza Dolittle, a quien admiraba desde que la vio interpretar el papel en el Festival Theatre, de Malvern, Worcestershire, en 1936.



* A pesar de lo que se indica en los títulos de crédito de la película la actriz había hecho su debut en la gran pantalla en una cinta previa, la hoy completamente olvidada, LANCASHIRE LUCK (1937), de Henry Cass.

Un Henry Cass (1903-1989), por cierto, al que debemos uno de los grandes títulos del cine de terror gótico británico, LA SANGRE DEL VAMPIRO (1958)...



..., con libreto del guionista estrella de la Hammer, Jimmy Sangster. *

Aunque Shaw aparece acreditado como único guionista otras manos intervinieron en la elaboración (o más bien reelaboración) del libreto, como los acreditados (aunque como adaptadores) W. P. Lipscomb (1887-1958) y Cecil Lewis (1898-1997).



El libro “Beyond the Epic: The Life & Films of David Lean”, de Gene D. Phillips (The University Press of Kentucky, Kentucky, 2006) que me sirve de base para el presente comentario apunta además el nombre de Ian Dalrymple (1903-1989) – casualmente (el mundo es un pañuelo…) guionista de LA CIUDADELA (1938), de King Vidor, basada en la novela homónima de A. J. Cronin y que compré esta misma semana en una librería de segunda mano de la capital vizcaína… - y la IMDb añade el de la propia esposa de Lean en aquellos años, la hermosa Kay Walsh (1911-2005)...



..., a quien pronto veremos como coprotagonista en la primera incursión (oficial) de Lean en la dirección, SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS (1942) y que comentaré más adelante… si antes no muero en el intento…

A pesar de que el guion original de Shaw seguía fielmente su propia obra teatral accedió de buen agrado a escribir y/o aprobar 14 nuevas escenas, incluido el final de la misma.

- Eso sí, el único Oscar que ganó la película se lo llevó Shaw en solitario, aunque dudo mucho que fuera a recogerlo dada su blablablá… -

Aunque el gran Leslie Howard aparece como codirector de la película junto a Anthony Asquith parece demostrado que este únicamente se encargó de las escenas que él mismo protagonizaba. De hecho, solo aparecía en el set de rodaje cuando su presencia era requerida. Algo no solo ratificado por el propio Lean sino también por su partenaire, Wendy Hiller, quien desconocía que el actor era también el codirector hasta que se rodó la escena de la presentación de Eliza en sociedad.



- De todas formas y teniendo además en frente al siempre combativo mad dog earle , justo es de reconocer que Howard ejerció igualmente las labores de dirección en otras 4 películas: PIMPINELA SMITH (1941) – continuación de la espléndida PIMPINELA ESCARLATA (1934), de Harold Young -, EL GRAN MITCHELL (1942), EL SEXO DÉBIL (1943) y VOCACIÓN SUBLIME (1943) – en este caso sin acreditar, al igual que le sucedió a Lean en la cinta hoy reseñada... -.

Durante el rodaje Lean se pasaba las noches preparando un premontaje de cada una de las escenas y durante el día permanecía en el set observando cómo se rodaba, especialmente cuando lo hacía Asquith, a quien el cineasta objeto del presente estudio admiraba profundamente.



Un Asquith que consultaba frecuentemente con Lean acerca de la composición de los planos y de selección de los mejores ángulos para la cámara. O sea, que en cierta forma Lean hacía de “director del director”.

Además y lo que es todavía más importante para valorar la auténtica autoría de Lean como coautor, aunque fuese en grado inferior a los dos directores acreditados, es el hecho de que Asquith le pidió que rodara dos secuencias que serían clave en el desarrollo de la historia.

La primera acontece cuando Eliza (Wendy Hiller) visita por primera vez la residencia donde vive el profesor Higgins (Leslie Howard) y, circunstancialmente (en realidad a la manera en la que lo hacían Sherlock Holmes y John Watson), el coronel (retirado) Pickering (Scott Sunderland), ambos reconocidos lingüistas, aunque de carácter completamente antagónico… como los dos personajes anteriormente mencionados…







En dicha secuencia asistimos a las (extenuantes) lecciones de fonética a las que se ve sometida la joven por parte del (autoritario) Higgins y donde somos testigos del inicio, siquiera tenue, del enamoramiento que se produce entre ambos, o al menos, por parte de ella hacia él. En este caso, no tanto el rodaje como el montaje de la misma es digno de elogio.



Eso sí, la (genial) replica que hace Higgins cuando ella se traga una de las canicas que este usa para que vocalice mejor fue una improvisación de Howard y gustó a todo el mundo por lo que no se volvió a repetir la escena.



ELIZA: ¡Me he “tragao” una!

HIGGINS: No te preocupes. Tenemos más.

- Por cierto, Wendy Hiller está guapísima con corbata. Uno de esos fetichismos de lo más inocentes que tenemos algunos hombres… como el de otros por las uñas y no menciono nombres que es de mala “educancia”…

... y si encima lleva un lazo en el pelo...





Curiosamente, en la película que comentaré a continuación, MAYOR BÁRBARA, Hiller aparece de igual guisa y está igualmente irresistible…

Más adelante hablaré de las conexiones (que haberlas haylas, querido Roy Earle) entre ambas obras. -

La segunda secuencia tiene lugar cuando reciben la invitación al baile de la embajada de Transilvania.

Aquí Lean se encargó de la transformación definitiva de la inculta y escasamente atractiva florista en toda una princesa húngara...



..., gracias a la inestimable ayuda del inepto (pero aprovechado) conde Karpathy (Esme Percy)...



Quizás sea un tanto desproporcionado hablar de que Lean dirigió ambas secuencias en esos dos fragmentos pero lo que sí está claro es que el trepidante montaje que el futuro director imprimió a las mismas lo convierten en su auténtico autor.

En palabras del gran Michael Powell (1905-1990):

“Everyone was stunned by the marvelous editing he did on PIGMALION. Those escenes of Wendy Hiller learning phonetic were created by brilliant editing”.

O sea, que independientemente si Lean las rodó personalmente o no lo cierto es que el magnetismo que despiden se debe casi exclusivamente a su labor en la sala de montaje.



Ya estoy escuchando al bueno de mad dog earle decidir: “Estoy contigo pero una cosa es la labor del director y otra la del montador”. ¿A que sí?

Recuperando las migas de pan que he ido dejando en el camino para no perderme (aunque ya ande por los cerros de Úbeda, todo sea dicho) ya es hora de proclamar a los cuatro vientos (ya lo siento, me encantan las frases hiperbólicas ) que la, por otra parte, deliciosa MY FAIR LADY es casi un calco – canciones aparte – de PIGMALIÓN y no precisamente porque ambas tomen como base el mismo texto dado que como ya he dicho el libreto sufrió significativos cambios por parte tanto del propio Shaw como del resto de los que intervinieron en el mismo… Lean incluido… y aquí sí que hay consenso entre los críticos…

Muchos de los diálogos de la oscarizada versión de George Cukor fueron copiados literalmente, lo que no impide, ni mucho menos, que la cinta sea uno de mis musicales favoritos. Pero… al César lo que es del César…

Aprovecho igualmente lo dicho sobre las conexiones entre PIGMALIÓN y MAYOR BÁRBARA y entre la primera y MY FAIR LADY y entre esta y la segunda.

En el primer caso estas no solo se refieren al reparto (repiten Wendy Hiller, David Tree [el atontado enamorado de la anterior] y Marie Lohr [la sufrida madre del insoportable – y pueril – profesor Higgins] sino también a la personalidad de los protagonistas, auténticas mujeres empoderadas antes de que dicho concepto existiese siquiera. E incluso el (¡qué casualidad!) profesor Cusins encarnado por el gran (aunque casi irreconociblemente joven) Rex Harrison tiene una fisonomía similar, incluido el hecho de fumar en pipa.



Eso sí, la personalidad de Higgins es mucho más arrolladora que la de Cusins, aunque en el fondo ambos quedarán prendados por el empuje y la belleza de dos mujeres de carácter pero con un corazón de oro.



En el segundo caso y como ya mencioné antes repite Harry Strandling como director de fotografía. Eso sí, aquí en blanco y negro y formato estándar y allí en color y Super Panavision 70.

De la conexión entre MAYOR BÁRBARA y MY FAIR LADY hablaré en el siguiente comentario si antes no me da un soponcio…

La verdad es que, independientemente de quién dirigiera qué, lo cierto es que PIGMALIÓN es una deliciosa comedia romántica (mis favoritas, como las que tan bien comenta el compañero dawson en el OR ) con unos superlativos Leslie Howard y, especialmente, una celestial Wendy Hiller y más teniendo en cuenta que era una debutante en la gran pantalla, acotación anterior aparte…





- Howard, por cierto, ganó una Copa Volpi al mejor actor en el Festival Internacional del Cine de Venecia. Ahí es nada… -

La película fue un enorme éxito de taquilla a un lado y a otro del Atlántico (¿he mencionado que incluso ganó un Oscar?) lo que llevó a su productor a la disparatada idea de dirigir él personalmente su siguiente película, la que viene a continuación, aunque sabía menos del cine que la señora Ayuso de los migrantes a los que tanto parece detestar...

Los resultados los comentaré en breve pero coincido casi plenamente con lo reseñado por el maestro Earle.

Y ni siquiera la pericia de Lean, ya sea en el set de rodaje o en la mesa de montaje, fue capaz de convertir MAYOR BÁRBARA en el éxito que todos anunciaban sino más bien un fracaso y muy oneroso dado que su presupuesto triplicaba al de la modesta PIGMALIÓN.

Permanezcan atentos a sus receptores.

01. Sangre, sudor y lágrimas (In Which We Serve, 1942) [codirigida per Noël Coward]



Primera película dirigida oficialmente por David Lean (o sea, obviando la discusión sobre sus contribuciones a films como Pygmalion y Major Barbara, sobre las cuales probablemente siempre se mantendrá una cierta sombra de duda), In Which We Serve descansa sobre dos pilares. Uno es su carácter de clara “contribución al esfuerzo de guerra” (o, si se prefiere dejar de lado los eufemismos, “propaganda de guerra”). El otro es la figura omnipresente de Noël Coward (¡cuidado con la diéresis!).

Respecto al primer aspecto, es necesario aclarar una obviedad: no es lo mismo ver el film en 2024, cómodamente sentado en el sofá de casa, que verlo en un cine londinense (u otra ciudad británica), mientras caen las bombas de la Luftwaffe, y se tiene al marido, hijo, padre, hermano, amigo..., luchando en el frente. Las condiciones ambientales y emocionales de aquellos visionados de 1942 son, hoy en día, irreproducibles (añado: afortunadamente). La razón de ser de la película es, evidentemente, ayudar a mantener la moral alta de la población y, a su vez, actuar de sentido reconocimiento a las personas que estaban sacrificando sus vidas. Para ello, el film se erige en un homenaje a la Marina. Un rótulo abre el film con la siguiente inscripción: “THIS FILM IS DEDICATED TO THE ROYAL NAVY”, que continua: “WHEREON UNDER THE GOOD PROVIDENCE OF GOD, THE WEALTH, SAFETY AND STRENGTH OF THE KINGDOM CHIEFLY DEPEND”. Un poco después aún se añade en los créditos el siguiente agradecimiento: “THIS FILM WOULD NOT HAVE BEEN POSSIBLE WITHOUT THE HELP, GUIDANCE AND CO-OPERATION OF THE FOLLOWING - THE ROYAL NAVY THE ROYAL AIR FORCE THE 5^TH BATTALION COLDSTREAM GUARDS”

A lo cual hay que añadir hasta el nombre de tres oficiales acreditados como “naval advisers”. Por otra parte, la película contó con el apoyo de Lord Mountbatten, alto cargo de la Marina, que visitó los estudios en compañía del rey.

Si, por tanto, queda clara (incluso de manera reiterativa) la supeditación del film a las directrices del ejército, algo si se quiere comprensible en el contexto bélico, más sorprendente resulta la omnipresencia en los créditos del popular dramaturgo Noël Coward (que, desde luego, no hacía honor a su apellido), algo no visto en la historia del cine más que en casos excepcionales (como, por ejemplo, en los films de Charles Chaplin).

Así, la película se presenta como:



A continuación tenemos un rótulo que dice “Produced by Noël Coward” (producción por la cual ganó un Oscar honorífico en 1943, aunque comenta Fernández Valentí que el alma de la producción fue Anthony Havelock-Allan, que aparece en los créditos como “associate producer”), seguido del reparto, que encabeza Coward como el capitán E.V. Kinross; el crédito para Muir Mathieson como director del “Noël Coward’s musical score”; y, por supuesto, su acreditación como director junto a David Lean (y fotografía de Ronald Neame). Pero, ¡aún no se vayan!, porque por si los espectadores aún no lo tenían claro hay un título final que reza: “A Noël Coward Production”. No sé si es una exhibición de megalomanía de Coward o simplemente un acto de justicia para el productor, director (aunque parece que la dirección recayó sobre todo en Lean, al menos por lo que a los aspectos visuales y al conjunto narrativo), guionista (aunque según Fernández Valentí lo reescribieron Havelock-Allan y Lean), actor principal y autor de la música de la película. Vale la pena aclarar que esta fue la única película dirigida por Coward, aunque su lista de guiones es larga y, como productor, estuvo detrás de los tres siguientes films de Lean: This Happy Breed (1944), Blithe Spirit (1945) y Brief Encounter (1945), los tres basados en obras teatrales suyas.

A todo esto, ¿qué margen le quedaba a Lean para mostrar sus habilidades como director de cine (y parece ser que montador, aunque el crédito fue para Thelma Myers)? Aquí es donde podemos empezar a hablar propiamente de cine. La película es una, por momentos, hábil y efectiva mezcla de esfuerzo colectivo y drama personal, que tiene, en el fondo (nunca mejor dicho, como se patentiza al final), como protagonista principal el destructor HMS Terrin. El film empieza con su proceso de construcción y botadura, en un conjunto de bellas imágenes con cierto aire documental (que alguna fuente atribuye al rodaje de Havelock-Allan y Neame), acompañadas de la voz en off de Leslie Howard, que moriría poco tiempo después, víctima de la guerra.



Cuando, después de este prólogo (y de la ominosa imagen de la portada de un periódico de agosto de 1939 con el titular “No war this year”), el film salta al presente fílmico, nos encontramos a bordo del Terrin, en 1941, en plena guerra naval frente a las costas de Creta.



La película sabe mezclar con acierto imágenes de estudio (lo que, quizá no solo por motivos estéticos, justifica que muchas secuencias sean muy oscuras, puede que para evitar evidenciar los decorados; hay profusión de claroscuros, con una bella fotografía muy contrastada), otras probablemente de archivo, transparencias e incluso maquetas. En la batalla, el Terrin es hundido, salvándose solo una parte de la tripulación, agarrados a un bote salvavidas. Entre los que se han salvado, se encuentra tres tripulantes sobre los recuerdos de los cuales va a estructurarse el film.

El de mayor rango es el capitán Kinross, un oficial modélico que tiene como objetivo de su comandancia conseguir que sus navíos sean “felices y eficientes”.



Mientras los marinos supervivientes intentan mantenerse a flote y confiar que las ráfagas de metralleta que lanzan los aviones alemanes que les hostigan no los alcancen, la película va abriéndose, mediante una serie de flashbacks (anunciados mediante un plano en que la imagen se mueve como si flotara en el agua), que nos cuentan las vidas de los personajes en tierra.

Empezamos con Kinross (un Coward muy envarado, que habla muy rápido y de manera un tanto artificiosa, o al menos a mí me lo parece). Conoceremos a sus hijos y su esposa, Alix (Celia Johnson), enmarcados en una cómoda vida, muy british, en una casa espaciosa y luminosa con servicio.



Otro de los marineros de los que conoceremos su vida privada es el chief petty officer Walter Hardy (Bernard Miles). No tiene hijos y vive con su mujer, Kath (Joyce Carey) y su suegra.



Para él reserva la película uno de los momentos más dramáticos: su mujer y su suegra mueren aplastadas por una bomba. El encargado de darle la noticia, que le llega mientras está redactando una carta para su mujer, es el tercer marinero singularizado, Shorty Blake (un magnífico John Mills, al que veremos a menudo en este ciclo, porque colaboró en muchos de los films de Lean). Lo trágico del momento se amplifica por el hecho de que Blake acaba de recibir una carta en que su mujer, Freda (Kay Walsh, esposa por aquel entonces de David Lean), le comunica que acaba de tener un hijo (para acabar de redondear el tono familiar, el boy era, en realidad, la propia hija de John Mills, Juliet). La ironía es que Freda residía en la casa de la mujer de Walter, pero se salvó por estar protegida en el hueco de debajo de la escalera.



La relación entre Shorty y Freda aporta los momentos más distendidos y luminosos del film, desde el momento en que se conocen en un vagón de tren pasando por su rápido noviazgo y la boda. Junto a estos tres personajes, Kinross, Hardy y Shorty, otros dos adquieren cierto protagonismo: el responsable de las banderas, que encarna el temible Michael Wilding, y, más interesante, un joven mecánico (Richard Attenborough), el único que dará muestras de miedo.



Entre los flashbacks uno sirve para recordarnos el episodio del rescate de miles de soldados en Dunkerque, momento que se utiliza para ensalzar la unidad del ejército, por encima de las rivalidades entre Marina e Infantería.

Otro, nos retrata la vida hogareña de los protagonistas durante navidad. En una de las comidas, Alix Kinross pronuncia un amargo discurso en el que queda claro que su gran rival, probablemente la única, es la nave que comanda su marido, el destructor Terrin, ante el que ni la mujer ni los hijos pueden competir. Por tanto, hay que asumir el sacrificio de la familia en aras de un sacrificio superior: el del servicio a la Marina, en definitiva a la patria.

En el segmento final, antes de ser rescatados, los supervivientes contemplan como se hunde el Terrin, como finaliza su ciclo vital. Lo vimos nacer y lo vemos morir. Pero que nadie desespere, porque el film se cierra con la botadura de otro barco que volverá a comandar Kinross. Antes, hemos asistido a una ceremonia de despedida en que ese comandante modélico que el capitán encarnado por Coward se despide, uno por uno, de los miembros supervivientes de la tripulación y les estrecha la mano. Indudablemente es un momento cargado de emoción, que supongo convertiría las plateas británicas en un mar de lágrimas. El momento sirve para que Kinross/Coward vuelva a dirigir a sus subordinados una de las numerosas arengas que les dedica a lo largo del film.

Y vuelvo al principio. Barcelona 2024 no es Londres 1942. Sin negar las muchas virtudes del film, probablemente la mayoría atribuibles a la presencia de Lean tras la cámara, a un magnífico equipo técnico y al excelente reparto (salvo, precisamente, el omnipresente Coward, para mí demasiado afectado en su interpretación), In Which We Serve no es una película que me haya resultado demasiado atractiva, salvo cuando he sustituido las gafas de cinéfilo por las de interesado por la historia de la II Guerra Mundial. Es de esas películas que no me arrepiento de haber visto, pero que probablemente no vuelva a ver, a no ser como elemento de discusión para un debate sobre la contribución del cine al esfuerzo de guerra.

La próxima semana será el momento del debut, ¡por fin!, en solitario de Lean, con otro film vinculado a Coward, This Happy Breed, que, como el comentado hoy, no he visto nunca antes de este ciclo.

Iniciado por Alcaudón

Ya estoy escuchando al bueno de mad dog earle decidir: “Estoy contigo pero una cosa es la labor del director y otra la del montador”. ¿A que sí?

Por supuestísimo, querido Alcaudón. En otro orden de cosas, si a un film que ni siquiera está en el programa previsto le dedicas un comentario taaaaaaaan extenso, ¿qué pasará cuando le llegue el turno a Lawrence of Arabia?

No creas. Me interesan más sus primeras películas que las últimas pero no porque sean mejores sino porque estas las he visto innumerables veces.

O sea, que tranquilo.

Creo...

Ayer fue materialmente imposible comentar las tres películas de una tacada pero ya adelanto que...

PIGMALIÓN > SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS > MAYOR BÁRBARA

Mañana x la noche me pondré a completar las reseñas de las dos últimas.

Y luego me pondré con la 6° entrega del coleccionable dedicado a Stephen King. En este caso (y si puedo en el presente hilo) me leo primero el libro que sirve de base para su adaptación a la gran pantalla.

Pues en este hilo vas a tener trabajo, porque hay muy pocos guiones originales.

Por ahora solo tengo las novelas de Dickens, Pasternak y Forster.

Al parecer, además, LA HIJA DE RYAN es una adaptación apócrifa de "Madame Bovary", de Flaubert, aunque yo no creo que se parezcan tanto.

DeBolsillo también ha editado "Los siete pilares de la sabiduría", de Lawrence (de Arabia). No creo que tenga problema en conseguir una copia.

Me temo que las obras teatrales de Coward hace tiempo que no se reeditan.

Intentaré buscar por las librerías de segunda mano la de Boulle que imagino que salió en la famosa colección Reno.

"Madame Bovary" tiene muchas "adaptaciones apócrifas", aunque yo no las denominaría así, desde luego no Ryan's Daughter, aunque es innegable que algo de la novela de Flaubert hay en el guion.

Oigan!!!! lo que tiene cuando uno ve una peli sin apenas o nada de información, lo encuentro siempre interesante, esos prejuicios cuando uno ver sólo la carátula, incluso sin leer la sinopsis de la contra, pues a veces me pone, y al ver dicha carátula, me imaginé una comedia bélica, no se porque.

Con este film he tenido la misma sensación que cuando vi GALLIPOLI, en uno de nuestros ciclos, y también, creo que también lo llegué a comentar, esa idea embrionaria que tuve como peli que me gustaría, hacer, ver o escribir; lo refrescaré: Desembarco de Normandia, se abren las puertas del transportador por desembarcar, y el de la primera fila recibe una balazo y muere, y de ahí un flashback donde nos muestra la vida de ese perdedor cinematográfico, ya que es el primero en caer, uno esta hartos de los héroes!!!!. En el film de Weir algo parecido, la ilusión de formar parte del ejército para morir en la primera batalla. En el film de Lean y el otro, no es lo mismo, pero la idea de centrarnos en flashbacks con los personajes del film en pleno desastre bélico, me seduce, primero porque se refiere a varios de ellos y no se centra en sólo uno, lo cual, le da un dinamismo a destacar, y segundo porque, quizá ahora no, pero contextualizando en su época, me parece un recurso muy interesante y original.

También las escenas bélicas, pocas, me parecen bien logradas, teniendo en cuenta época y recursos, seguro que Lean las realizó -por lo que he leído- . Y bueno en contra está el concepto propagandístico del film, que era imposible de evitar, pero debido a su estilo de narración y el desarrollo dramático y el metraje dedicado a los diferentes personajes, hace que dicho propagandismo quede ligeramente tapado y no se vea como esos productos irritantes de la época.

En resumen, estreno de ciclo interesante e inesperado, repito, esperaba una comedia, gente bailando por la cubierta del barco, la siguiente, leyendo la sinopsis de FA, me parece a priori más interesante.

Pues no. Al menos según mi opinión la siguiente es claramente inferior, lo que no quita que tiene algunos buenos momentos y, en general, un buen reparto. Veo mucho entusiasmo a la hora de comentar el film inicial. No es por enfriar los ánimos, pero no lo comparto, sin querer decir que In Which We Serve sea un mal film.

A mí me gustó. Espero ponerme en breve con el programa doble MAYOR BÁRBARA / SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS. Ayer no pude porque acabé muy cansado y dolorido después de hacer la entrega correspondiente del ciclo Stephen King para el OR. Por cierto, no parece que el compañero DIEZ MIEL se haya dado cuenta de la ironía de mi respuesta a su comentario...

Iniciado por Alcaudón

A mí me gustó.

Por mi parte, reconozco que si no supiera lo que está por llegar, después de In Which We Serve y, muy en especial, This Happy Breed, la tentación de tirar la toalla y pasar a otra cosa sería muy fuerte.

Iniciado por mad dog earle

Por mi parte, reconozco que si no supiera lo que está por llegar, después de In Which We Serve y, muy en especial, This Happy Breed, la tentación de tirar la toalla y pasar a otra cosa sería muy fuerte.

Que bajonazo!!!!!

Iniciado por Alex Fletcher

Que bajonazo!!!!!

Tranquilo, que luego la revisión irá subiendo hasta alcanzar cotas muy altas.

Las dos adaptaciones de Dickens son probablemente las mejores que se hayan hecho de sus obras.

Mañana x la tarde me pondré con MAYOR BÁRBARA y el miércoles - que hay partido en San Mamés (¡Athletic vs. Barcelona!) con SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS, aunque esta última casi la voy a tener que volver porque el visionado fue hace unos días y mi memoria ya no es la que hora.

Lo de "Sangre, sudor y lágrimas", ¿no es un avance del partido del miercoles, verdad?

Dado que vivo al lado del estadio lo ideal para mí sería que el Athletic bajara a 2ª y que demolieran el estadio.