Tema: David Lean: revisando sus películas

Hail to thee, blithe Spirit

Bird thou never wert,

That from Heaven, or near it,

Pourest thy full heart

In profuse strains of unpremeditated art.

[¡Gloria a ti, espíritu bienhadado!

Que ave nunca fuiste

Que desde el cielo o cercano a él

Derramaste tu corazón entero

En profusos estruendos de impremeditado arte]

- Inicio del poema “A una alondra”, de Percy Bysshe Shelley (1792-1822), incluido en “Prometeo liberado” (1820) -

o

03. BLITHE SPIRIT (1945, UN ESPÍRITU BURLÓN)



Director: David Lean.

Productor adjunto: Anthony Havelock-Allan.

Productor: Noël Coward.

Producción: Noël Coward-Cineguild / Two Cities Films Ltd. / The Rank Organisation.

Distribución: General Film Distributors Ltd. (Reino Unido) / United Artists Corp. (EUA).

Guion: Noël Coward (no acreditado), David Lean, Ronald Neame y Anthony Havelock-Allan, basado en la obra de teatro homónima del primero (Piccadilly Theatre, Londres, 2 de julio de 1941).

Fotografía: Ronald Neame, en Technicolor (1.37:1).

Operador de cámara: William McLeod.

Supervisora artística para Noël Coward: G. E. Calthrop.

Director artístico: C. P. Norman.

Música: Richard Addinsell.

Montaje: Jack Harris.

Reparto: Rex Harrison (Charles Condomine), Constance Cummings (Ruth Condomine), Kay Hammond (Elvira Condomine) y Margaret Rutherford (Madame Arcati) + Hugh Wakefield (Dr. George Bradman), Joyce Carey (Violet Bradman) y Jacqueline Clarke (Edith, la doncella) + Noël Coward (Narrador).

Duración: 8.609 pies / 96 minutos.

Rodaje: entre febrero y mayo de 1944 (D & P Studios, Denham, Inglaterra).

Estreno: 5 de abril de 1945 en Londres y el 3 de octubre de 1945 en Nueva York y difusión general a partir del 14 de mayo y del 14 de diciembre, respectivamente.



...

13-3-47 / Oscar a los mejores efectos especiales (Tom Howard)

…

Segunda de las tres coproducciones consecutivas entre la compañía de Coward y la Cineguild de Havelock-Allan, Lean y Neame, todas ellas basadas en obras teatrales del primero.

Igualmente segunda cinta consecutiva rodada en el rutilante Technicolor de la época, un procedimiento que Lean no volvería usar hasta mediados de los años ‘50.

Y también segunda de las siete películas estrenadas bajo la mencionada firma Cineguild entre 1944 y 1950 (o sea, entre LA VIDA MANDA y MADELEINE – nombre de resonancias hitchcockianas… -)

- A pesar de que todavía aparece el logo de la Two Cities lo cierto es que esta compañía ya había sido absorbida por la todopoderosa The Rank Organisation que no solo se encargaba de distribuir las películas del cuarteto – a través de su filial General Film – sino de la mayor parte de la financiación, aunque su nombre no aparezca en los títulos de crédito. -

Curiosamente estas tres adaptaciones de conocidas y exitosas obras teatrales (LA VIDA MANDA, UN ESPÍRITU BURLÓN y BREVE ENCUENTRO), independientemente de lo que se indica en los mencionados títulos de crédito de las mismas, o bien están protagonizadas por mujeres o bien sus personalidades están mucho mejor perfiladas que las de sus contrapartidas masculinas.

Tal es el caso de Celia Johnson en LA VIDA MANDA y BREVE ENCUENTRO o de Constance Cummings, Kay Hammond y Margaret Rutherford en UN ESPÍRITU BURLÓN.

A pesar de los escasamente laudatorios comentarios de los queridos amigos mad dog earle y Alex Fletcher (cuya aportación ha sido incluida mientras yo estaba escribiendo la mía ) lo cierto es que a mí personalmente UN ESPÍRITU BURLÓN me ha resultado una cinta de lo más simpática e igualmente creo que todos los actores que intervienen en ella (incluido el gran Rex Harrison) están francamente bien.

También es cierto que el hecho de disponer de magníficas copias cortesía de Criterion y especialmente en el caso de las dos últimas - donde luce como un arcoíris el (caro) Technicolor tricrómico - hace de los visionados de estas obras toda una delicia, al menos desde el punto de vista estético.

Como bien indica Roy Earle, tanto Kay Hammond (1909-1980)...



... como Margareth Rutherford (1892-1972)...



... habían trabajado ya en la obra original estrenada en Londres en 1941.

La única cara reconocible de anteriores cintas de Lean (sin nos olvidamos de las dos primeras “apócrifas”…) es Joyce Carey (1898-1993)...



..., que aquí encarna a la esposa del Dr. Bradman (Hugh Wakefield) y que ya había intervenido en SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS – la mujer del suboficial mayor Hardy, muerta durante el bombardeo de la capital a manos de los alemanes – y posteriormente la veremos en BREVE ENCUENTRO.

De los tres protagonistas “principales” (léase la nota anterior al respecto) solo Rex Harrison (1908-1990) tuvo una larga y exitosa carrera cinematográfica, aunque me gustaría destacar que la norteamericana Constance Cummings (1910-1995) - una bella y elegante actriz -...



... abrió y cerró su carrera con dos títulos tan significativos como THE CRIMINAL CODE (1930), de Howard Hawks – uno de los primeros clásicos del cine negro -...



... y HUIDA HACIA EL SUR (1963), de Alexander Mackendrick (donde encarnaba a la rica (y hermosa) turista norteamericana que recogía al pequeño Sammy (Fergus McClelland) en su largo periplo desde Port Said hasta Durban)...



... , como bien recordaréis dado que participasteis en la revisión de su director hace unos meses (¿años?)…

Detrás de las cámaras la nómina se incrementa notablemente puesto que aparte de (los obligados) Havelock-Allan – siempre acreditado como productor adjunto a pesar de que más bien era el productor de facto -, David Lean – lógicamente, dado que estamos revisando su filmografía – y Ronald Neame, tenemos de vuelta, entre otros, a G. E. Calthrop, Jack Harris o C. P. Norman.

Lo que es cada vez más dudoso es la participación en los guiones de Noël Coward (que sigue apareciendo sin diéresis en los créditos) y, de hecho, su nombre no asoma ni en LA VIDA MANDA ni en la cinta objeto del presente comentario. O sea, que dejamos un tanto en el aire su acreditación como indican, entre otras muchas fuentes, la IMDb.



En cambio, sí es cada vez más evidente la dilución de su figura a medida que avanzamos en la revisión y no solo porque su nombre ya no sea omnipresente en los créditos - algo que se apreciará todavía más claramente en BREVE ENCUENTRO, la primera gran obra de David Lean y donde, por fin, este impondrá su puesta en escena sobre los (nadie lo duda, ingeniosos y a veces hermosos) diálogos de Coward -.

UN ESPÍRITU BURLÓN, sin embargo, supone un retroceso frente a LA VIDA MANDA en el sentido de que en esta última se notaba mucho más la mano de Lean al “airear” el texto de Coward, aunque lógicamente se mantenga como escenario principal el hogar de los Gibbons.

Ciertamente UN ESPÍRITU BURLÓN no es una comedia de carcajadas sino más bien de sonrisas.





Y como decía, aparte del trabajo conjunto de todo el elenco (incluido un personaje aparentemente insignificante como es el que encarna Jacqueline Clarke pero que resultará capital en la (aparente) resolución de la trama)...



... me gustaría destacar la extraordinaria fotografía en Technicolor de Ronald Neame (aquí sin su habitual operador, Guy Green, a quien volveremos a ver ya convertido en director de fotografía a partir de GRANDES ESPERANZAS) cuya paleta cromática se aleja – y mucho – de la que Lean usó en su anterior obra, algo lógico dado que en esta la historia se desarrollaba durante la Segunda Guerra Mundial (que todavía seguía en marcha cuando se estrenó UN ESPÍRITU BURLÓN) y en cambio aquí se sitúa más bien en los territorios de lo onírico, como bien indica el propio Coward en la (breve) introducción de la película.





Por tanto, donde antes Lean usó los tonos azulados (especialmente) y ocres, aquí en cambio optó por ampliar el espectro, aunque en este caso sea el verde el color más empleado y no solo porque de semejante guisa se presentan las dos ex-esposas del protagonista (y que, como ya dije, más parecen zombis que espectros, al menos a un admirador del cine fantástico como es el que esto escribe )...



... sino porque la última lo luce con especial encanto. De hecho, una de mis imágenes favoritas es esta combinación de verdes…



Y es que Lean no solo intentó eliminar en lo posible el tono teatral de la historia a través de los movimientos de cámara (aunque, como ya decía, en mucha menor medida que en LA VIDA MANDA) sino que se aprovechó del color para darle un toque personal a la misma.

Y aunque el resultado final sea un empate entre Coward y Lean, al menos a mí me interesan más los primeros pasos del segundo en su particular búsqueda de su lugar bajo el Sol que los diálogos, todo los chispeantes que se quieran del primero. Y eso a pesar de que aparte de alguna que otra nada velada alusión sexual (y que en la copia distribuida en los EUA fue convenientemente censurada) no deja de tener su gracia la necrofilia (buñueliana) que exuda la propuesta, aunque en este caso la misma no pueda concretarse hasta que...



... y, por tanto, se establezca ese ménage à trois que menciona mad dog earle y que, curiosamente, pasó desapercibido a la censura a uno y a otro lado del Atlántico...

De cualquier forma se agradece lo ajustado de su metraje (96 minutos) y, como digo, esos intentos de Lean de liberarse de la tutela de Coward, a quien nunca dejó de estar agradecido por haberle permitido convertirse de un (cotizado) montador en un (prometedor) director.

Algo que ya podrá comprobarse en su siguiente cinta, la mítica BREVE ENCUENTRO.

Buenas noches y, buena suerte.





P. D. Como habéis podido comprobar y al contrario de lo que suele ser habitual en mi caso he prescindido de los pósteres originales (norteamericanos, porque los británicos son más difíciles de encontrar que un político honrado) y he optado por incluir los programas de mano - esta vez sí, los originales - en su lugar.

Porque desde luego pósteres como este más parecen propios del cine negro que de una comedia fantástica...



... puesto que convierte un (encantador) espectro en una femme fatale en toda regla...



P. P. D.:

Ranking provisional:

01. LA VIDA MANDA

02. SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS

03. UN ESPÍRITU BURLÓN

No la he revisionado,pero la tengo reciente



https://64.media.tumblr.com/54ed6d1a...ee738caa04.jpg

Para reunir material para su próximo libro, el escritor C Condomine invita a una mística local, M Arcati, a realizar una sesión de espiritismo en su casa, en presencia de su esposa Ruth y dos invitados. Escéptico ante los poderes de la señora, Charles se sorprende cuando la imagen de su difunta esposa Elvira aparece ante él. Al parecer, la mujer muerta ha regresado..en contra de su voluntad, y sólo él puede verla. Convencido de que Elvira tiene la intención de asesinarlo para tener a alguien a quien arengar por la eternidad, Charles apela a Arcati para que la envíe de regreso al lugar donde vino...

Una comedia inusual de Lean, uno de los mejores cineastas de Inglaterra, adaptación de una popular obra de teatro de N Coward. Lean y Coward colaboraron en otras tres películas, todos clásicos del cine. BLITHE SPIRIT es una rareza, excéntrica farsa de salón que tuvo un gran éxito en su época pero cuyo atractivo ha disminuido desde entonces o no tanto

Aunque la película está rodada de forma atractiva, en Technicolor, sus efectos especiales eran bastante básicos incluso para su época y ahora parecen claramente prehistóricos. La fotografía y el diseño visual general son mucho menos inspirados que en películas posteriores de Lean, lo que sugiere un director que no estaba demasiado entusiasmado con el proyecto. El propio Coward no quedó nada impresionado con el resultado.



La película se basa demasiado en el brillante (aunque apolillado) diálogo guionado de su autor y, en todo caso, se siente poco dirigida. Se presenta más como una producción teatral convencional que como pieza cinematográfica. Con un reparto discreto.R Harrison en sus inicios disfruta con sus líneas y está perfectamente elegido como el escritor imperturbable (cobarde en todo menos en el nombre). Como la ex esposa fantasmal de Harrison, K Hammond está cerca de ganarse un lugar especial en el manicomio, y nuevamente hace brillar la amarga réplica de la clase media alta, a pesar de estar cubierta de pies a cabeza con un nada favorecedor maquillaje verde. Sin embargo, lo que vende la película no es nada de lo anterior.

Hay otro ingrediente aún mejor y no es otro que M Rutherford, esa infatigable excentrica británica que, gracias a una serie de películas de Miss Marple que hizo en los años 60, ahora es recordada como una reina entre los detectives aficionados. En cada una de sus apariciones en pantalla, la insuperable Margaret surge de la pantalla a toda velocidad, impulsando una amable fuerza incluso en la pieza de comedia más discreta Aquí, como la ridículamente inepta médium Arcati, ella está magnífica. Si hubiera una sola razón para ver la peli,es simplemente disfrutar viendo a la Rutherford más algun que otro detalle tipicamente british en su puesta en escena.Voy a ser buena y le doy:

7.5/10

El tema del color verde se empleó en el clásico de Frankenstein 1931, aunque era en blanco y negro. Supongo que también tiraron por ese caminito y resolvieron el problema.
El verde de Frankenstein
https://m.youtube.com/watch?feature=...&v=g3f-zm2jyFo
Un saludo

Iniciado por hannaben

Hay otro ingrediente aún mejor y no es otro que M Rutherford, esa infatigable excentrica británica que, gracias a una serie de películas de Miss Marple que hizo en los años 60, ahora es recordada como una reina entre los detectives aficionados. En cada una de sus apariciones en pantalla, la insuperable Margaret surge de la pantalla a toda velocidad, impulsando una amable fuerza incluso en la pieza de comedia más discreta Aquí, como la ridículamente inepta médium Arcati, ella está magnífica. Si hubiera una sola razón para ver la peli,es simplemente disfrutar viendo a la Rutherford más algun que otro detalle tipicamente british en su puesta en escena.

Creo que en esta ocasión coincidimos bastante en la crítica, aunque con matices y gradación de entusiasmos (por cierto, 4 comentarios, 4, casi al unísono, ¡esto es algo poco habitual en los últimos tiempos!).

En especial, me parece que todos hemos compartido el comentario laudatorio respecto a la interpretación de Margaret Rutherford. Como ya indiqué, en la poblada lista de personas acreditadas del film de Lean se esconde George Pollock, como ayudante de dirección. Él fue el director de los hilarantes y divertidos films de Rutherford como Miss Marple: Murder She Said, Murder at the Gallop, Murder Ahoy y Murder Most Foul, recomendables para una tarde de cine desenfadada, todos ellos reconocibles también por la alegre musiquilla de Ron Goodwin.

Y de la divertida Pasaporte para Pimlico, donde un pueblo Londinense desea la independencia. ¿A que me suena eso?

Borrado por duplicidad debido al funcionamiento completamente anárquico e impredecible de la herramienta de edición.

04. Breve encuentro (Brief Encounter, 1945)



Brief Encounter adapta a la pantalla “Still Life”, breve obra teatral de Noël Coward en un acto, estrenada en 1936, en la que el propio Coward interpretaba sobre las tablas el papel de Alec. Para la ocasión, el guion lo elaboran los habituales Havelock-Allan, Neame y Lean, como un proyecto de su productora Cineguild en unión con Coward.

La película tuvo escaso éxito de público (aunque, sobre todo con el tiempo, sí lo tuvo de crítica). Lean lo atribuía a que: “...desafiamos todas las reglas. No había estrellas. El final era infeliz para una historia de amor. Los decorados no eran elegantes. Y los tres protagonistas eran de mediana edad” [citado por Moreno Cantero en su monografía sobre el director]. Es curioso, porque esos supuestos inconvenientes, que Lean asume como errores de la producción, me parecen, pasados los años, sus puntos más fuertes.

Por un lado esa ausencia de estrellas (Alec es Trevor Howard y Laura, Celia Johnson, ambos sobresalientes) permite que el espectador se identifique más fácilmente con los protagonistas, no se sienta deslumbrado por la presencia de rostros famosos y glamurosos, como seguramente hubiera sucedido en una producción de Hollywood (años después se hizo un remake con, nada más y nada menos, que Richard Burton y Sophia Loren en los mismos papeles).



Asimismo, los actores de reparto están perfectamente elegidos, destacando una vez más Stanley Holloway, como el revisor de la estación, y Joyce Carey como la encargada del bar (pareja que ejerce de alivio cómico),



pero también están muy bien elegidos la amiga parlanchina metomentodo, Everley Gregg como Dolly,



y Cyril Raymond como Fred, el marido de Laura, amante... de los crucigramas.



Que el final sea “infeliz” otorga credibilidad a la resolución de la obra. Se trata de un amor imposible, intempestivo, entre dos personas adultas casadas y con hijos, de “mediana edad” como dice Lean, de vidas ordenadas y respetables, que aman a sus conyugues, pero que, a pesar de ello, han sentido atracción el uno por el otro. Ni el amable doctor Harvey ni la responsable señora Jesson parecen personas capaces de lanzar sus vidas por la borda para implicarse a fondo en un romance quizá tan transitorio como el paso del expreso que no se detiene en la estación, y ante el cual Laura estará a punto de suicidarse.

Por último, que los decorados no sean elegantes es una sorprendente crítica, porque ¿cómo iban a ser elegantes el andén o el bar de una estación de segunda? Al contrario, magníficamente fotografiados e iluminados por Robert Krasker (a quien debemos la fotografía de dos excelentes films de Carol Reed: Odd Man Out y The Third Man), esos ambientes acogen a la perfección el romance con sordina que vivirán Laura y Alec. Y digo con sordina porque ni siquiera parece que vayan más allá de algunos tiernos besos, ilustrados bajo las vías del tren o, más tarde, en una excursión campestre.



Es precisamente cuando deciden dar un paso más allá, en casa de un amigo de Alec, cuando el film nos ofrece uno de los momentos más tensos. La llegada inesperada del amigo, provoca la huida vergonzante de Laura y su deambular nocturno, humillada.



Después de esa triste experiencia queda claro que no tienen futuro como pareja, ninguno de los dos está hecho para mantener una relación de este tipo.

Junto a estos aciertos en el reparto y en la ambientación y fotografía, destaca la estructura narrativa. Después de una primera escena en la que asistimos al adiós entre Laura y Alec, boicoteado inconscientemente por la amiga cotilla, todo el resto del film, en forma de flashbacks, ilustrará los recuerdos de Laura de su fugaz amor (aunque hay una ruptura del punto de vista en la secuencia entre Alec y su amigo), sentada en el salón de casa, ensimismada mientras su marido resuelve el crucigrama y suena de fondo, insistentemente (demasiado a mi parecer) el empalagoso concierto de piano nº 2 de Rachmaninoff (compositor usado habitualmente en las películas románticas de la época).

Hay dos detalles, no obstante, que no me convencen. Uno el para mí abusivo uso de la voz en off de Laura. Me gustaría comprobar qué pasaría si se eliminara, sino por completo, al menos en buena medida esa voz. Tengo la impresión de que la película ganaría en claridad expositiva, suavizaría la sensación de verbosidad innecesaria que gravita sobre algunas escenas. Por otra parte, hay un momento en que Laura deja volar su fantasía y se ve a sí misma con Alec viajando por el mundo. Me parece un recurso demasiado fácil, que rompe la sobriedad que preside el film.

El final puede parecer conservador, porque Laura se quedará con su marido y asumirá su vida gris, monótona, vulgar.



Pero Laura no es Emma Bovary (ella misma dice en un momento dado que “I’m an ordinary woman”), probablemente si lo fuera no hubiera sido en el Dr. Harvey en donde hubiera creído encontrar un nuevo aliciente para su vida. En realidad, uno intuye que si no triunfa esa relación es porque, en el fondo, poca diferencia hay entre Alec y Fred, lo único que los distingue es la novedad frente a la rutina. Demasiado poco para poner en riesgo una familia. Quizá el mensaje es algo deprimente, pero probablemente de lo más ajustado a la realidad.

En resumen, la mejor película de Lean hasta el momento, un film que soporta muy bien el paso del tiempo. La próxima entrega será la adaptación de la novela de Dickens “Grandes esperanzas (Great Expectations)”, que estoy leyendo estos días, un film excelente por lo que recuerdo.

Ya veo que te encantó, ya que la has colgado dos veces

Ni me había dado cuenta. Ahora borraré el primero. He querido modificar una cosa y la herramienta del foro me ha jugado una mala pasada. Funciona tan mal que a veces me dan ganas de tirar la toalla y dedicarme a otras cosas.

Breve encuentro , a mi me parece una obra maestra. Goza de fiel reflejo de la sociedad de aquella época y sus pensamientos, hay que seguir con la familia aunque enamorarse de nuevo te haga feliz . En este caso me recuerda a Anna karenina aunque totalmente diferente en su desarrollo y final , Anna Karenina impone su felicidad hasta el limite.

Esa voz en off me encanta. Da alas a sus sentimientos y sus pensamientos que continuamente se debaten en lo que esta bien y lo que uno al final siente, que les hace feliz y los desdichados que se sienten por eso principios con los que han sido educados.La escena que mas lo representa es cuando ella vuelve a casa y su hijo esta malo por un caída, se siente culpable , su felicidad con su amante le hace olvidar su vida( lo que nos ocurre al ver nuestras películas favoritas)
Ademas los 2 protagonistas contrastan con los secundarios,el jefe de la estación y la camarera que son libres y se permiten mas libertades, aunque la camarera le paré a veces.
¿Final infeliz? A mi no me lo parece tanto.Ella se consuela con sus pensamiento desde el sofa en la escena final. Lean le da al marido compresión , observa a su mujer y unas bonitas palabras de consuelo. En la actualidad el marido le montaría una escena y la interrogaria, que es lo que ocurre en Anna Karenina.
Si pudiera comparar esta película con la música clásica esta sería la música de Schubert en sus lieder, un gran romántico.
Un saludo

Intentaré vérmela esta noche aunque últimamente, dependiendo de cómo haya dormido, necesitó más de un intento de visionado porque empiezo a dormitar independientemente de la calidad de la película.

Yo hace mucho que no la veo y, aunque recuerdo la estructura general de la historia, la tengo un tanto olvidada y es que mi disco duro cerebral (e imagino que también el vuestro) ya no da más de sí.

Ayer me debió tocar el día tonto porque en lugar de verme BREVE ENCUENTRO - tal vez porque no era el día más indicado dado mi estado de ánimo - preferí verme - y por primera (y espero que última) vez - la gala de entrega de los Goya, más que nada por ver a la gran (y simpatiquísima) Sigourney Weaver recibir su (más que merecido) galardón o si mi paisana Estibaliz Urresola Solaguren se llevaba algún que otro premio por su espléndida 20.000 ESPECIES DE ABEJAS.

Vista esta noche BREVE ENCUENTRO. Desde luego, la mejor película hasta la fecha de su director aunque le encuentro los mismos peros que mad dog earle. De cualquier forma, un clásico incuestionable del mejor cine. A la altura de RAN, de Kurosawa.

Iniciado por Alcaudón

A la altura de RAN, de Kurosawa.

¿Con ello quieres decir que la puntuarás con un 0?

Seré muy breve, ya que como he dicho en privado, tengo una mierdición del film, un visionado horroroso que por falta de tiempo no he podido encajar con un segundo visionado desde Filmin. Lamentable nitidez, los planos generales dignos de un mediocre VHS Rip, los interiores con la cámara más pegada a los actores, se pueden ver.

Lo mejor del film, encuentro que es la no normal propuesta del director en lo que respeta al género que toca, gente, no fea, pero tampoco guapa, se enamoran, teniendo sus respectivos matrimonios siendo más o menos estables, ya sea por rutina o lo que fuera, pero no cabreados. Una historia de amor que tiene muchos números de acabar de manera no satisfactoria para el público, o sea, happy end de manual, con un feismo a la altura de la belleza de los personajes. Una estructura narrativa interesante y acertada, más a unos secundarios que suman y mucho . Lo veas por donde lo veas, todo suma para ser una obra potente, pero lo siento, lo dejo en stand by, porque no he disfrutado nada del film, por las razonas mierdaedicioneras que he nombrado al inicio. No he disfrutado de un film que tiene todos los números para ser disfrutón por atípico, buenos a ojos de otros, el film sería una auténtica mierda, que fácil, y repito, decir que el film no me ha gustado, en vez de decir que es una mierda. Libertad de expresión, sí, siempre, pero con respeto.

Pues a mi me parece una de las mejores dramas románticos.Aunque esta fuera del hilo ¿Alguna película romántica que os parezca mejor ? Pa echarle el diente.
Gracias.

Mejor, no sé. De las que te ponen la piel de gallina (y te hacen saltar las lágrimas), diría An Affair to Remenber, de Leo McCarey. Hizo dos versiones, ambas muy buenas (la primera con el título de Love Affair; ambas versiones españolas se titulan Tu y yo), pero la segunda, en color, con Cary Grant y Deborah Kerr, me parece espléndida.

https://64.media.tumblr.com/dfb2be20...4571f49507.jpg

Cada jueves, un ama de casa se explaya de su rutina pasando un día en
Milford, para hacer algunas compras e ir al cine.
Después toma el tren de regreso a su
casa, donde la esperan su marido y sus dos hijos. Es una vida
monótona, pero Laura no es infeliz. Una noche, conoce a un hombre mientras espera un tren. Es un
médico que realiza trabajos de consultoría en el hospital de Milford todos
los jueves. Como ella, él está casado, es de mediana edad y tiene dos
hijos pequeños. Después de ese encuentro casual, la vida de Laura
cambia repentinamente. Empieza a ver a Alec todos los jueves por la tarde.
Al principio, ninguno de los dos ve nada malo en sus relaciones. Pero
luego se dan cuenta de que se han convertido en algo más que amigos.
Están enamorados, perdidamente enamorados…

Uno de los grandes clásicos del cine británico de todos los
tiempos, y también uno de los mejores romances. Se hizo en el último año de la II Guerra Mundial,
cuando las actitudes y moral eran muy diferentes de las actuales. El conflicto que vemos en esta película,entre las
expectativas sociales una vez casado y la necesidad
individual emocional,es difícil de apreciar hoy en día, pero esto es lo que le da ese poder y hace que su desenlace sea
tan conmovedor. La historia es tan trágica como Romeo y Julieta dos
amantes cuyas esperanzas de un futuro feliz juntos se ven cruelmente frustradas por circunstancias fuera de su control.


Adaptación de una obra de teatro que N Coward escribió en 1935. Fue dirigida
por Lean y es la última y mejor de sus cuatro colaboraciones con
Coward.

Las actuaciones son inolvidables. C Johnson está extraordinaria en esta película,
transmitiendo al tiempo sutileza y patetismo.


La sensación de dolorosa pérdida hacia el final es
tan real que resulta insoportable de ver: un espectáculo desnudo de
desolación y angustia. Si bien Johnson y Howard dominan la película, aún
podemos apreciar las contribuciones del elenco secundario.
Particularmente de S Holloway y J Carey, cuyos descarados coqueteos sproporcionan un contrapunto divertido a la historia principal.Coward no sólo escribió el guión de la película, sino que también
participó en su producción (aunque no tanto como en sus colaboraciones anteriores con Lean). Una de las cosas en las que insistió fue en el uso del Concierto para piano n.° 2 de Rachmaninoff como tema principal de la
película. Fue una decisión inspirada porque esta pieza musical en particular, utilizada generosamente a lo largo de la película, subraya perfectamente el tono emocional y envuelve a los protagonistas.


Imperecedera.
10/10


Nunca asistimos a ningun momento de Alec con su familia,curioso...

Iniciado por hannaben

La historia es tan trágica como Romeo y Julieta dos
amantes cuyas esperanzas de un futuro feliz juntos se ven cruelmente frustradas por circunstancias fuera de su control.

En el fondo, yo no la veo "tan trágica". Precisamente, lo que me gusta del film es que el tono es de una enorme sencillez y cotidianidad, sin escenas apasionadas, exaltadas declaraciones de amor ni llantos desesperados. Es algo tan simple como la novedad frente a la rutina, algo que seguro que tienta cada día a miles y miles de parejas, sin necesidad de que vaya a más, sin rupturas ni tan solo crisis matrimoniales. Son simplemente eso: "breves encuentros". De ahí que, en realidad, el "intento de suicidio" (entre muchas comillas), me parezca bastante supefluo, una nota melodramática que quizá no es más que una fantasía de Laura.

Iniciado por hannaben

Una de las cosas en las que insistió fue en el uso del Concierto para piano n.° 2 de Rachmaninoff como tema principal de la
película. Fue una decisión inspirada porque esta pieza musical en particular, utilizada generosamente a lo largo de la película, subraya perfectamente el tono emocional y envuelve a los protagonistas.

Como se deduce ya de mi comentario, discrepo en la valoración del uso del concierto de Rachmaninoff, precisamente por lo que dices, el subrayado. Una música como esta (Rachmaninoff fue muy utilizado en melodramas de la época) condiciona al espectador, parece querer llevarlo a un estado anímico impostado, de laboratorio, cuando creo que no hace falta, ni la insistencia en el concierto ni la reiteración de la voz en off de Laura son, en mi opinión, necesarios, más bien al contrario.

Iniciado por hannaben

Nunca asistimos a ningun momento de Alec con su familia,curioso...

Supongo que además de ser así fiel al texto (eso nos lo podrá aclarar Alcaudón) y, de paso, simplificar la producción, considero esencial que no veamos a Alec con su familia, porque en realidad la película se centra en Laura, Alec podría ser intercambiable con muchos otros hombres, probablemente casados, con los que se cruza a menudo en la estación de tren o en la platea del cine.

05. Cadenas rotas (Great Expectations, 1946)



Great Expectations es la primera película dirigida por Lean sin la alargada sombra de Noël Coward. Esta vez se substituye al célebre dramaturgo contemporáneo inglés por el no menos famoso novelista decimonónico británico Charles Dickens (al que también recurrirá en su siguiente film, Oliver Twist). “Great Expectations” había aparecido en entregas semanales (cosa habitual en la época) entre 1860 y 1861, con gran éxito (éxito que también cosecharía su adaptación cinematográfica).

Volvemos a encontrar unidos alrededor del proyecto a todos los habituales dramatis personae del inicio de carrera de Lean: se trata de una producción Cineguild, con Ronald Neame como productor; Anthony Havelock-Allan como productor ejecutivo; los tres fundadores de la compañía como guionistas (Lean, Neame y Havelock-Allan), con el añadido de Kay Walsh, esposa de Lean, que fue quien le sugirió la adaptación, participando también en el guion junto a Cecil McGivern. Además, para que todo tuviera aún más un aire de familia, John Mills repetía como protagonista, junto a Valerie Hobson, esposa en aquel entonces de Havelock-Allan. Sólo hubo un nubarrón en tal idílico paisaje: Lean prefirió que estuviera tras la cámara Guy Green (que me apresuro a decir que hizo un trabajo excepcional), lo cual al parecer repercutió en su relación con Neame y, a la larga, en la continuidad de la compañía.

Despista que el título español del film sea Cadenas rotas (título que, si acaso, solo refleja un breve, aunque decisivo, episodio de la vida de Pip), cuando la célebre novela se ha solido traducir al castellano como “Grandes esperanzas” (en catalán “Grans esperances”), aunque en mi opinión sería más acertado titularla “Grandes expectativas”. Porque, básicamente, ese es el tema de la novela (que he leído estos días) y de la película: las expectativas que se le van a generar, a consecuencia de un hecho azaroso, a un joven muchacho huérfano, Philip Pirrip, al que llaman Pip (Tony Wager, de niño; John Mills, de mayor), el cual parecía destinado a trabajar como aprendiz en la herrería de su cuñado Joe Gargery (magnífico Bernard Miles), y a soportar el trato violento y falto de todo cariño de su hermana (Freda Jackson). Estas nuevas expectativas son las que le permiten soñar en un ascenso social, tema recurrente en la obra dickensiana.



La película se inicia, como mandan los cánones de las adaptaciones de las grandes novelas (en esto, el film es de un marcado clasicismo), con una imagen del libro y la lectura en off de las primeras líneas (en la voz de Mills, voz que volverá a sonar en algunos momentos del film, aunque nada que ver con la frecuencia con que aparecía la del personaje de Laura en Brief Encounter). La historia es muy conocida, se ha llevado varias veces al cine y a la televisión, incluso al mundo del cómic o de la novela ilustrada, por lo que no voy a hacer una sinopsis al uso, sino que destacaré los puntos que me parecen más destacados y señalaré alguna diferencias con la novela (que, haberlas, haylas, aunque en general el film es bastante fiel al texto).



En la magnífica secuencia inicial, de gran belleza por ambientación, sonido e iluminación (que parece remitirnos al cine de terror de la Universal de los 30/40, y también a la espléndida Moonfleet de Lang, aunque ésta sea en color), irrumpe el azar en la forma de un preso encadenado, Magwitch (Finlay Currie, casi un trasunto de la criatura encarnada por Karloff en el Frankenstein de Whale), fugado del barco prisión que se encuentra fondeado en las proximidades del cementerio. En el marco del siniestro cementerio, donde descansan los cuerpos de los padres de Pip, el preso amedrenta al muchacho lo suficiente como para que éste robe comida, bebida y una lima de casa de los Gargery. Magwitch se liberará así de las cadenas, pero su libertad va a durar muy poco. A pesar de ello, el gesto de Pip quedará grabado en su corazón hasta el punto de que, con el paso de los años, convertirá al muchacho en su protegido.



De este modo, sin que sospeche el origen de su fortuna, siendo ya un joven de unos 20 años (Mills, que está muy bien, resulta demasiado mayor para el papel, pero ya hemos comprobado varias veces que esto no parecía importarle a Lean a la hora de contar con él en los repartos de sus films), Pip recibirá de manos de un abogado londinense, Mr. Jaggers (Francis L. Sullivan), la buena nueva de ser beneficiario de una sustanciosa renta anual que le permitirá convertirse en un “caballero”, su gran ilusión. Gracias a un “protector” misterioso, Pip espera convertir en realidad sus “grandes expectativas”.



Porque, ¿cuál es el motivo que hace desear a Pip convertirse en un caballero a pesar de su posición social? ¿Es un impulso arribista? En realidad, no, el motivo es más romántico: años atrás, en la misma época de su contacto con el preso, Pip conoció a la bella y cruel Estella (maravillosa Jean Simmons), la hija adoptiva de Miss Havisham (espléndida Martita Hunt, no tan lejos de su papel en The Brides of Dracula).



La vieja Havisham, sepultada en vida en su mansión, vestida con su polvoriento traje de novia, se ha recluido del exterior y ha detenido el tiempo desde el mismo momento en que su novio la dejó plantada en el altar. Envuelta en un universo de sombras, polvo y telarañas, donde los roedores y los insectos se pasean por los restos del banquete nupcial, Miss Havisham ha dedicado su vida a modelar una suerte de Lilith que ha de romper el corazón a los hombres que se enamoren de ella, dando así cumplimiento a su venganza.



Sin duda, todas las secuencias en la mansión de Miss Havisham se cuentan entre lo mejor del film. Es cuando la película de Lean adquiere ese aliento gótico, casi propio de un film de terror, cuando el film se graba de manera permanente en nuestra retina. Eso no quita de que, en general, el guion siga de manera sumamente fiel la novela de Dickens, respetando la cronología, las elipsis temporales y la primera persona en la voz del narrador, aunque como es natural se simplifican algunas situaciones y se eliminan personajes secundarios. Quizá uno de los personajes eliminados que más se notan a faltar es Orlick, la némesis de Pip ya desde su infancia, un tipo rudo y pendenciero al que conoce como ayudante de Joe en la fragua, y que acabará intentando matarlo cuando Pip ya se ha convertido en un caballero de buena posición (o sea, dispone del suficiente dinero como para, al menos, aparentar serlo). A diferencia de lo que se cuenta en la película, también es Orlick el responsable, a la larga, de la muerte de la hermana, malherida debido al ataque violento de éste.

Con todo, quizá el cambio más significativo que lleva a cabo el film sobre la novela es el final. Al parecer ya en su día el propio Dickens modificó un primer final que se consideró demasiado triste y amargo, en el que se patentizaba el amor imposible de Pip para con una Estella que tras enviudar se había vuelto a casar. La versión definitiva de la novela nos habla del reencuentro casual de un Pip adulto con una Estella viuda en la mansión de la fallecida Miss Havisham. Pip ha vuelto a Inglaterra al cabo de unos cuantos años en los que ha estado viviendo y trabajando en Egipto junto a su inseparable amigo Pocket (Alec Guinness en la película),



ya que la detención de Magwitch ha comportado la pérdida de su patrimonio y, en consecuencia, la necesidad de encontrar un medio de subsistencia con el trabajo. Aunque sus expectativas económicas y sociales se han visto frustradas, las amorosas parece que se iluminan tenuemente si hacemos caso a la última frase de la novela [cito la traducción al castellano de Manuel Vallvé]: “Yo le tomé de la mano y salimos de aquel desolado lugar. Y así como las nieblas de la mañana se levantaron, tantos años atrás, cuando salí de la fragua, del mismo modo las nieblas de la tarde se levantaban ahora, y en la dilatada extensión de luz tranquila que me mostraron, ya no vi la sombra de una nueva separación entre Estella y yo”.

En el film, en cambio, Estella ha sido repudiada por su marido cuando este ha sabido de sus orígenes (es la hija de dos condenados a muerte: Magwitch y la sirvienta de Mr. Jaggers), y parece condenada a convertirse en una nueva Miss Havisham. En la misma polvorienta mansión se la encuentra Pip.



Pero la reacción es electrizante (como la de un Van Helsing desencadenado): arranca violentamente los cortinajes y abre de par en par los ventanales, para que entre el aire y la luz diurna en la estancia, rompiendo así el hechizo de Miss Havisham.



Un final digno de una película de vampiros de la Hammer, y sin duda una de las mejores secuencias del film (y me atrevería a decir de la obra de Lean). Quizá lo que viene a continuación, esa huida de la casa Estella y Pip risueños, enfatiza en demasía el “happy end”, carece de la melancolía que se desprende del final de la novela, pero en todo caso no invalida un final que algo tiene de apoteósico.

Junto a los momentos que he destacado (el inicio en el cementerio; las secuencias en casa de Miss Havisham, incluido el espantoso momento en que se incendia su vestido, lo que le ocasionará la muerte), añadiré, sin ánimo de alargarme, la tensión del intento de embarque de Pip y Magwitch en un buque que debería llevarlos al continente, y que se ve frustrado por la aparición de la policía atendiendo la delación de la némesis de Magwitch; y la sobriedad con que Lean cuenta brevemente el juicio final al protector de Pip



y su muerte en la cama después de que reciba de los labios de su protegido la noticia de que su hija vive, que es una dama y que él está enamorado de ella; y, por último, quizá el momento más chocante dentro de la propuesta fílmica de Lean, la secuencia en que un Pip exhausto pierde el conocimiento en medio de la calle, después de la muerte de Magwitch, sumiéndose en la oscuridad total (que Lean enfatiza con un fundido en negro que mantiene la pantalla a oscuras más de lo habitual)

Lógicamente, una novela de más de seiscientas páginas en su traducción al castellano no se puede resumir en un film de dos horas, y aún menos en este breve comentario. En todo caso, se trata sin duda de uno de los mejores films de Lean, no sé si por encima o no de Brief Encounter, aunque casi 80 años después nos puede parecer demasiado “clásico” (lo cual, a veces, no sé si es una ventaja o un inconveniente).

En todo caso, hablando de clasicismo y de adaptaciones literarias de qualité, en la próxima entrega Lean vuelva a Dickens con su magnífica Oliver Twist, que ya tuve ocasión de comentar brevemente con motivo del ciclo Polanski. Intentaré ver estos días la versión musical de Carol Reed, Oliver, que no he visto nunca, aunque reconozco que me da bastante pereza.

A falta de incluir las consabidas capturas de pantalla - que esta vez van a ser pocas, espero... - acabo de finiquitar el comentario de BREVE ENCUENTRO. Mañana x la mañana le daré los toques finales y lo pondré a vuestra disposición.

Iniciado por mad dog earle

En el fondo, yo no la veo "tan trágica". Precisamente, lo que me gusta del film es que el tono es de una enorme sencillez y cotidianidad, sin escenas apasionadas, exaltadas declaraciones de amor ni llantos desesperados. Es algo tan simple como la novedad frente a la rutina, algo que seguro que tienta cada día a miles y miles de parejas, sin necesidad de que vaya a más, sin rupturas ni tan solo crisis matrimoniales. Son simplemente eso: "breves encuentros". De ahí que, en realidad, el "intento de suicidio" (entre muchas comillas), me parezca bastante supefluo, una nota melodramática que quizá no es más que una fantasía de Laura.



Como se deduce ya de mi comentario, discrepo en la valoración del uso del concierto de Rachmaninoff, precisamente por lo que dices, el subrayado. Una música como esta (Rachmaninoff fue muy utilizado en melodramas de la época) condiciona al espectador, parece querer llevarlo a un estado anímico impostado, de laboratorio, cuando creo que no hace falta, ni la insistencia en el concierto ni la reiteración de la voz en off de Laura son, en mi opinión, necesarios, más bien al contrario.



Supongo que además de ser así fiel al texto (eso nos lo podrá aclarar Alcaudón) y, de paso, simplificar la producción, considero esencial que no veamos a Alec con su familia, porque en realidad la película se centra en Laura, Alec podría ser intercambiable con muchos otros hombres, probablemente casados, con los que se cruza a menudo en la estación de tren o en la platea del cine.

Es una cotidianidad que trasciende,son personajes que brillan,especiales.Laura tiene momentos en los que a mí despues de no sé cuantos visionados sigue doliendome verla, se para todo.. no importa lo que vaya a suceder real o irreal,conmueve.La musica me molestaría en otra peli,pero aquí para mí todo funciona.

Repe.

04. BRIEF ENCOUNTER (1945, BREVE ENCUENTRO)



Director: David Lean.

Productores adjuntos: Anthony Havelock-Allan y Ronald Neame.

Productor: Noël Coward.

Producción: Noël Coward-Cineguild / Independent Producers Ltd. / The Rank Organisation.

Distribución: Eagle-Lion Distributors Ltd. (Reino Unido) / Universal Pictures Company, Inc. (EUA).

Guion: Noël Coward, Anthony Havelock-Allan, David Lean y Ronald Neame (no acreditados), basado en la obra de teatro en un acto “Still Life: A Play in Five Acts”(Phoenix Theatre, Londres, 18 de mayo de 1936).

Fotografía: Robert Krasker, en blanco y negro (1.37:1).

Operador de cámara: B. Francke.

Supervisora artística para Noël Coward: G. E. Calthrop.

Director artístico: L. P. Williams.

Música: Concierto para piano n.º 2 Op. 18 en do menor de Serguéi Rajmáninov.

Montaje: Jack Harris y Margery Saunders.

Reparto: Celia Johnson (Laura Jesson), Trevor Howard (Dr. Alec Harvey), Stanley Holloway (Albert Godby), Joyce Carey (Myrtle Bagot) y Cyril Raymond (Fred Jesson).

Presupuesto: 270.000 libras esterlinas.

Duración: 7.784 pies / 86 minutos.

Rodaje: entre enero y mayo de 1945 (D & P Studios, Denham, Inglaterra).

Estreno: 19 de noviembre de 1945 en Londres y difusión general a partir del 26 de ese mes y el 24 de agosto de 1946 en Nueva York.



…

Localizaciones:

Milford Junction Railway Station (Laura y Alec), Ketchworth (Laura) y el apartamento de Stephen (Laura y Alec), en Milford

…

13-3-47 / 3 nominaciones a los Oscar (director, guion y actriz principal)

…

BREVE ENCUENTRO fue una obra clave dentro de la filmografía de su director por varios motivos.



- Celia, David y Trevor -

Primero porque fue su última adaptación del por entonces afamado y hoy prácticamente olvidado (al menos si nos atenemos a la nula presencia de traducciones de sus obras en las librerías de nuestro país) Noël Coward.

Segundo porque significó el inicio del paulatino desmantelamiento de la compañía Cineguild fundada en 1943 por Lean, Havelock-Allan y Neame.

Tercero porque, aunque a Lean no le han colgado el sambenito de “director de mujeres” como a George Cukor, es la primera de una serie de películas en las que el protagonismo (casi absoluto) recae en en un personaje femenino…

… BREVE ENCUENTRO, THE PASSIONATE FRIENDS, MADELEINE, LOCURAS DE VERANO, LA HIJA DE RYAN y PASAJE A LA INDIA…

Cuarto porque es la primera vez en la que la puesta en escena de Lean se impone claramente a la base literaria que le sirve de sustento.

Quinto porque supuso su primer fracaso (relativo) de taquilla – que no de crítica - tanto a uno como a otro lado del Atlántico…

… y eso a pesar de que fue nominada en 3 categorías en los Oscar de 1947… aunque no ganó en ninguna de ellas…

- De hecho, fue la primera vez en la historia que un director británico que había rodado una película británica (valga la redundancia) fue nominado a los Oscar.

Aquí Alcaudón haciendo las funciones del últimamente desaparecido en combate tomaszapa… -

Antes de seguir adelante me gustaría señalar un pequeño “error” en el comentario de la querida compañera hannaben.

Un error atribuible no a ella sino a los enrevesados títulos de crédito de estas primeras películas de Lean (y no es broma cuando os digo que a veces me lleva más tiempo la confección de la ficha técnica que el comentario en sí… salvo por las agotadoras - aunque agradecidas - capturas de pantalla).

O sea, el productor (o productores) de facto de estas tres colaboraciones entre Coward y Cineguild no fue el prestigioso dramaturgo sino Havelock-Allan (en conjunción en este caso con Neame) a pesar de aparecer acreditado como productor adjunto.

Precisamente el hecho de que Neame prefiriera ocupar el cargo de productor en lugar del de director de fotografía sembró la primera semilla de la discordia en el trío a la que aludía en el punto n.º 2.

Afortunadamente la papeleta fue felizmente resuelta gracias a la contratación del excelente imaginero australiano Robert Krasker (1913-1981) quien acababa de firmar la extraordinaria fotografía en Technicolor del primer largometraje como director de Laurence Olivier, ENRIQUE V (1944).



- Es una lástima que Lean y Krasker no volvieran a trabajar juntos puesto que la comunión entre ambos fue perfecta y de hecho uno de los aspectos más cuidados de la película es su iluminación. -

El otro “error” procede de la atribución a Coward del guion de la película. En realidad Coward se limitó a realizar una adaptación de la obra de teatro que posteriormente sería desarrollada en un guion de rodaje por el trío Havelock-Allan/Lean/Neame.

De hecho, si nos fijamos atentamente en los títulos de crédito no aparece nadie en el apartado de guionista, algo ciertamente extraño incluso en el cine de la época.

Es más, en la mencionada candidatura a los Oscar de 1947 el guion se atribuye exclusivamente a los tres componentes de Cineguild. No se hace mención alguna a Coward. Algo sintomático, diría yo…

Afortunadamente – y al contrario que el querido amigo Alex – yo he contado con una espléndida copia en HD cortesía de Criterion con lo que mi visionado ha sido una auténtica delicia de principio a fin.

Pensamientos a vuelapluma.

Aparte de la circularidad de la historia (algo que no se da en la obra de teatro) y que es uno (entre otros) de los grandes aciertos de la película se da el hecho de que a Laura (una superlativa Celia Johnson, en la que sería su última colaboración con Lean) le entre una carbonilla en el ojo que es retirada por Alec (un igualmente espléndido Trevor Howard)… quien es experto en neumoconiosis, una patología derivada de la inhalación de partículas de polvo…





Enlazando con el punto n.º 4 de mi exposición coincido plenamente con mad dog earle en el hecho de que hay un exceso de voz en off de la protagonista algo que choca frontalmente con la cuidada puesta en escena de Lean/Krasker puesto que en más ocasiones de las que uno desearía la imagen no hace sino subrayar lo que previamente nos ha narrado la palabra...





Aquí, sin embargo, la culpa no la tiene Coward sino Lean puesto que dicha voz en off es una invención del trío.

De hecho, buena parte del texto de la obra teatral se mantuvo casi punto por punto en su adaptación a la gran pantalla.



BREVE ENCUENTRO es, al menos, dos películas en una.

Por un lado una bellísima historia de amor entre dos personas a las que los convencionalismos de la época impiden que tenga un final final.











Por otro lado – y esto es exclusivo de la película, como antes he mencionado – una hermosa pero también melancólica carta de amor/desamor de una esposa a su cónyuge al que quiere pero ya no ama.







Retomando el punto n.º 3 (ya lo siento, queridos amigos, pero este comentario lo estoy improvisando sobre la marcha) la historia está contada exclusivamente desde el punto de vista de Laura...



... (si exceptuamos la breve escena entre Alec y Stephen [Valentine Dyall], el propietario del apartamento (*) donde la pareja tenía previsto consumar su relación hasta entonces platónica.



De hecho, mientras que jamás llegamos a conocer a la familia de Alec (tiene esposa y 2 hijos) el personaje de Fred (Cyril Raymond), el marido de Laura – y que no hace acto de aparición en la obra de teatro original – tiene una importancia capital en la resolución de la historia.



(*) Aquí es inevitable hablar de la influencia de Lean en la obra de Billy Wilder, aunque esta no fuera precisamente del agrado del primero.

Por un lado por el uso del (omnipresente – coincido igualmente contigo, amigo Roy Earle, aunque en esta caso habría que echarle al culpa a Coward puesto que fue idea de él prescindir de una banda sonora al uso, algo que disgustó profundamente a su colaborador habitual, Muir Mathieson -) concierto para piano n.º 2 Op. 18 en do menor de Serguéi Rajmáninov y que Wilder parodió en la (imaginaria) escena de seducción de Richard (Tom Ewell) a “la chica” (Marilyn Monroe) en LA TENTACIÓN VIVE ARRIBA (1955).



Por otro, la idea del apartamento como nido de amor de los protagonistas y que sería el eje central sobre el que gira la espléndida… EL APARTAMENTO (1960).

Aunque ciertamente C. C. Baxter (Jack Lemmon) sea un personaje mucho más simpático que Stephen y su sonrisa de superioridad...



Sigamos.

Curiosamente, mientras Laura y Alec no pueden consumar (en ninguno de los sentidos que se le quiera dar al verbo) su amor, no ocurre lo mismo con la pareja formada por Albert (Stanley Holloway) y Mytrle (Joyce Carey)…





… el primero ya había trabajado con Lean en MAYOR BÁRBARA y LA VIDA MANDA y la segunda en SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS y UN ESPÍRITU BURLÓN…

… que no solo sirven de alivio cómico a la (casi) trágica historia de amor principal sino que incluso en la obra de teatro su protagonismo estaba a la par.

No deja de ser paradójico que muchos de los melodramas más hermosos de la historia del cine no tengan un final feliz…

… LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ (1939), CASABLANCA (1942), TIEMPO DE AMAR, TIEMPO DE MORIR (1958)...

BREVE ENCUENTRO más que una historia de amor entre desconocidos...



es una historia de desamor entre conocidos...





O sea, independientemente del amor casi adolescente que se profesan el uno al otro se nos olvida que el factor desencadenante del mismo procede en buena medida del vacío que sienten en sus vidas a pesar de tener cónyuges e hijos a los que quieren y que les quieren.

Fue todo un acierto convertir un espacio público (la estación de tren y sus inmediaciones) en el único lugar en el que la pareja puede evadirse de su (mediocre) vida cotidiana y sentirse en un mundo en el que solo ellos parecen vivir.



- Por cierto, uno de los instantes más bellos de la película es ese apenas perceptible acercamiento de la cámara al rostro de Laura cuando él le cuenta cosas sobre su profesión y en el que somos testigos privilegiados de cómo surge el amor en una persona...





Creo que ya es hora de ir finalizando aunque quedan tantas cosas que contar…

Aunque es casi imposible destacar a alguien en concreto por encima del resto creo que el trabajo interpretativo de Celia Johnson (que, además, actuó sin maquillaje, lo que la sitúa en las antípodas del habitual – y muchas veces excesivo – glamour del cine hollywoodiense) es uno de los más destacados del cine de la época.



Igualmente la contrastada fotografía de Robert Krasker quien acerca tanto la cámara a los protagonistas que casi podemos leer en sus rostros el carrusel de emociones que en ellos asoma.





Y, por supuesto, los bellos parlamentos ideados por Noël Coward y perfectamente complementados por los creados por el trío H-A/L/N.

E incluso la a veces demasiado machacona música de Rajmáninov cuyo arrebato sentimental contrasta a la perfección con la callada historia de amor de los protagonistas.

Similar contraste se da entre esta última el fulgurante paso de los trenes expreso.

Y hablando de estos, si uno de ellos provoca el accidente de la carbonilla que sirve de arranque a la historia de amor entre ellos, igualmente otro está a punto de acabar con la vida de ella cuando intenta suicidarse.



Como decía aquella famosa canción de Fred Astaire…

… BREVE ENCUENTRO viene a ser “a fine romance with no kisses”…

Y una de sus grandes películas, aunque yo nunca la calificaría de obra maestra puesto que hechos como la redundante voz en off le restan algunos puntos.

Pese a todo, uno de los grandes melodramas del mejor cine clásico.

Buenas noches y, buena suerte.



P. D. ¿Alguien se ha preguntado que hicieron Laura y Alec en la semana que todavía les quedaba por delante antes de la partida definitiva del segundo a Sudáfrica?