Tema: David Lean: revisando sus películas

Os va encantar el personaje que encarna Alec Guinness.

Para mí no es de los imprescindibles,su magnanimidad me tira pa atrás

Iniciado por Alcaudón

Os va encantar el personaje que encarna Alec Guinness.

¿Te refieres a A Passage to India? Pues la he revisado esta tarde, y precisamente la interpretación de Guinness (de hecho, también el personaje) me parece de lo menos interesante, completamente prescindible (salvo para colocar un par de frases). Como no he leído la novela de Forster (aunque, como me pasó con The Bridge..., he de confesar que me han cogido ganas de hacerlo), me quedo un tanto indeciso sobre el resultado final del film de Lean. No entrará en el top 5, aunque tampoco habrá demasiado vinagre. Y ya avanzo que me ha gustado más Judy Davis que Julie Christie.

Iniciado por hannaben

Para mí no es de los imprescindibles,su magnanimidad me tira pa atrás

¿Magnanimidad?

Iniciado por mad dog earle

¿Te refieres a A Passage to India? Pues la he revisado esta tarde, y precisamente la interpretación de Guinness (de hecho, también el personaje) me parece de lo menos interesante, completamente prescindible (salvo para colocar un par de frases). Como no he leído la novela de Forster (aunque, como me pasó con The Bridge..., he de confesar que me han cogido ganas de hacerlo), me quedo un tanto indeciso sobre el resultado final del film de Lean. No entrará en el top 5, aunque tampoco habrá demasiado vinagre. Y ya avanzo que me ha gustado más Judy Davis que Julie Christie.

Precisamente por eso lo digo.

Iniciado por hannaben

Para mí no es de los imprescindibles,su magnanimidad me tira pa atrás

Eso digo yo...

¿Te refieres al director, David Lean, o al protagonista de la cinta, Lawrence de Arabia?

Me refería a LEAN.Grandilocuencia,perfeccionismo,todo tan maravillosamente preparado...prefiero a otros

El ser perfeccionista no es un defecto. Ahí tienes a Kubrick o Wyler.

Tampoco la grandilocuencia > Visconti o Von Sternberg.

15. La hija de Ryan (Ryan’s Daughter, 1970)



Con Ryan’s Daughter Lean cierra un capítulo de la historia del cine, quizá porque los tiempos estaban definitivamente cambiando (obvio A Passage to India, porque, estrenada catorce años después, pertenece ya a otra época). A pesar de ser una de sus películas preferidas, en la que invirtió casi un año en el rodaje, ni consiguió la popularidad extrema obtenida con sus tres films anteriores ni convenció a la crítica, que la vapuleó sin piedad, lo que le ocasionó una profunda desilusión que le alejó durante años de la dirección.

Lean deja atrás las adaptaciones de exitosas obras literarias o teatrales o los personajes históricos para trasladar a la pantalla un guion original de Robert Bolt (uno de los escasísimos que rodó), aunque bebe indisimuladamente de una flaubertiana “Madame Bovary” trasladada a la costa oeste de Irlanda. Se trata de nuevo de una producción para la MGM con un viejo conocido como productor: Anthony Havelock-Allan, casi un cuarto de siglo después de su fructífera colaboración en Cineguild.

A pesar de que la película tiene momentos inolvidables y de gran calidad (funciona sobre todo por secuencias aisladas), Ryan’s Daughter siempre me ha parecido un film que se queda bastantes escalones por debajo de sus obras cumbre y que resulta injustificadamente largo y con un “envoltorio” innecesariamente grandilocuente (). Si la grandiosidad leaniana se podía considerar adecuada a los temas de los films anteriores (el intento de los británicos por demostrar su superioridad ante los japoneses en el marco de la II Guerra Mundial; la revuelta árabe contra el imperio turco o la revolución soviética), aquí estamos en realidad ante un drama romántico basado en un típico triángulo amoroso, eso sí, como en el caso de Doctor Zhivago, con telón histórico de fondo, telón si cabe más artificioso aún que en su adaptación de la novela de Pasternak.

El argumento del film es, en cierto modo, tópico: la joven e inexperta Rosy/Emma (Sarah Miles), casada con su antiguo profesor, el viudo Charles (Robert Mitchum; hasta el nombre del personaje coincide con el del marido de Emma Bovary), maestro de escuela del pueblecito costero de Kirrary, se enamora apasionadamente de un joven oficial destinado al puesto del ejército británico en la zona, el mayor Doryan (Christopher Jones), herido físicamente y sobre todo psicológicamente en las trincheras francesas durante la I Guerra Mundial, destinado a la costa occidental irlandesa en plena escalada del conflicto que conducirá a la independencia de Irlanda pocos años después.

Como es de suponer, ese amor que básicamente bebe del deseo de Rosy por ser amada intensamente, cosa que Charles no le puede proporcionar (o no sabe o no quiere hacerlo: Charles sigue recordando a su anterior esposa, visita su tumba a menudo, lo que se nos muestra en un momento de resonancias fordianas), conllevará inevitablemente el vacío por parte de la población, que odia a las “fuerzas de ocupación” y apoya a los rebeldes independentistas (singularizados en el personaje de Tim O’Leary, encarnado por el inquietante asesino de la hitchcockiana Frenzy, Barry Foster).



Como es fácil de imaginar, que Rosy se convierta en la amante de Doryan la convierte a los ojos de sus vecinos en poco menos que en la “puta de los ingleses", quedando su marido reducido a la figura del cornudo que consiente, y por ende que colabora también con los ocupantes.

Además, quizá el detalle más jugoso del argumento, Rosy es la hija del tabernero, Thomas Ryan (Leo McKern), un delator que pasa información a los británicos, aunque aparenta ser un fiel seguidor de la causa irlandesa. Ese doble juego va a superarlo cuando su última delación, que provoca la detención de O’Leary y otros miembros de la milicia rebelde (con la amenaza de que se les aplique la pena de muerte), conlleve el castigo que el pueblo inflige a su hija: golpeada y rapada, el habitual método utilizado con las mujeres que se entregaban al enemigo o colaboraban con él.



Sin duda hay suficientes ingredientes como para dar forma a un film interesante, y lo es a medias. No obstante, en mi opinión hay un problema grave de reparto. Sarah Miles (que era la mujer de Robert Bolt, aunque ella insiste en que se ganó el papel a pulso) es una actriz que nunca me ha acabado de gustar, ni siquiera en sus mejores films (como, por ejemplo, The Servant, de Losey).



Junto a ella, no me creo a Mitchum como Charles, no digo que su interpretación sea mala, pero es un actor demasiado marcado por una trayectoria anterior como para que uno se lo pueda imaginar haciendo el papel de cornudo consentidor, e incapaz de ir más allá de algunos besos castos y una “faena de aliño” en la noche de bodas.



Por último, Christopher Jones, actor norteamericano surgido del Actor’s Studio (incluso estuvo casado con Susan Strasberg), entrega una interpretación de lo más inadecuada, con una permanente expresión de dolor interno que parece remitirnos a James Dean. De hecho, Lean hizo doblar su voz en la postproducción (por Julian Holloway). Sea como sea, después de Ryan’s Daughter abandonó el cine y se retiró en California (estuvo alojado un tiempo en la ominosa casa de Cielo Drive donde fue asesinada Sharon Tate) y se dedicó a la pintura y la escultura. Solo volvió para un pequeño papel en un film de 1996 dirigido por su amigo Larry Bishop, curiosamente titulado... Mad Dog Time.



Mejores prestaciones me parecen las que se obtienen de los otros actores que completan el reparto, en especial la de Trevor Howard como el padre Hugh Collins, el típico sacerdote católico de una pieza que no duda en repartir hostias cuando conviene, y que me trae a la memoria a otro sacerdote irlandés, el inolvidable padre Lonergan, que interpretaba Ward Bond en la fordiana The Quiet Man.



Y, por supuesto, la de John Mills como Michael, el “tonto del pueblo”, en una esforzada caracterización (digna de Quasimodo) que, como suele pasar en estos casos, le hizo merecedor del Oscar al mejor actor de reparto. No obstante, sin negar la brillantez del trabajo de Mills, en mi opinión su presencia, siempre puntuada y realzada por la música burlona de Jarre, acaba resultándome excesiva, un tanto demasiado esperpéntica.





A pesar de todo, hay grandes momentos en la película, junto a unos paisajes de indudable belleza, aunque Freddie Young, una vez más, caiga en demasía en el cartepostalisme. Destaco los que me parecen más atractivos:

- la noche de bodas, en la que Lean vuelve a utilizar un montaje paralelo similar al de Madeleine cuando el personaje de Ann Todd se entregaba a la luz de la luna a su amante mientras los “pueblerinos escoceses” se dejaban llevar por el ritmo frenético del baile. Aquí, son los “pueblerinos irlandeses” (intuyo en ambos casos un cierto desdén inglés en la mirada “antropológica” de Lean) los que se dejan llevar por una danza orgiástica, mientras asistimos a la tensa primera relación sexual de los recién casados, que no va más allá de un frío y formulario coito con el que el marido parece querer cumplir con su deber conyugal.



- el encuentro en el bar entre Rosy y Doryan, propiciado por la crisis nerviosa que el célebre ritmo con el pie de Michael provoca en la enferma psique del mayor.



El consuelo que le proporciona Rosy (en una secuencia en que Lean oscurece del todo el fondo de la pantalla, confiriéndole un aire de irrealidad) se troca en apasionado contacto físico.



- el bosque “animado”: es la culminación de la escena del bar, en una larga secuencia que nos muestra la primera relación sexual completa entre Rosy y Doryan en un bosque de aspecto feérico, en el que todo, árboles, setas, flores, el canto de los pájaros, y sobre todo el ruido del viento, parece empujar a la pareja a su unión carnal. Para ser Lean un director clásico, no muy dado a las secuencias apasionadas, esta reconozco que lo es y mucho, a pesar de la pobre prestación de los actores, sobre todo de Jones, y lo artificioso del paisaje. A favor de Lean y de su concepción de la banda sonora, hay que destacar que esta vez, por fortuna, no irrumpe la música de Jarre, sino que solo escuchamos los ruidos del bosque y los de la pareja de amantes.



- la tempestad, sin duda la secuencia, larga secuencia, más impactante del film. La violencia de las olas y del viento golpea a los vecinos del pueblo cuando, en masa, deciden ayudar a los rebeldes, dirigidos por O’Leary, a rescatar las cajas de armas y explosivos caídas al mar. Esta vez Lean me ha hecho pensar en el Flaherty de Man of Aran. La insistencia de Lean en disponer de una secuencia de este tipo alargó mucho el rodaje, además de comportar notables dificultades. En todo caso, hay que alabar el trabajo del director de la segunda unidad, Roy Stevens, que fue el responsable de rodar la secuencia.





Hay otros momentos destacados, como el castigo a Rosy o el suicidio fuera de campo de Doryan, pero en su conjunto el film me parece mal encajado. Acabo con una mención a la música de Jarre: esta vez tengo que decir que no se me ha hecho especialmente pesada ni me ha parecido que irrumpiera constantemente en la banda sonora, incluso, como en la secuencia del bosque, hay una renuncia a ella que me parece muy acertada. Dudo que la mayoría de espectadores se quedaran con los temas principales del film de la misma manera que con los de los dos anteriores trabajos de Jarre para Lean.

Como ya he comentado, el fracaso de crítica de Ryan’s Dauhgter provocó una profunda crisis a Lean que no volvió a dirigir hasta A Passage to India, próxima entrega de esta revisión y canto de cisne del director inglés, lo cual no quiere decir que no intentara otros trabajos, de los que algo espero comentar.

Iniciado por Alcaudón

El ser perfeccionista no es un defecto. Ahí tienes a Kubrick o Wyler.

Tampoco la grandilocuencia > Visconti o Von Sternberg.

Es un término que se suele utilizar con un sentido peyorativo. En todo caso, es una opción estética arriesgada, que cada vez me gusta menos. En mi opinión ni Visconti no Von Sternberg son grandilocuentes (bueno, este último lo es con lo del "Von" ).

Barrocos.

Iniciado por Alcaudón

Barrocos.

En eso estoy de acuerdo, sobre todo en el caso extremo, casi asfixiante, de algunos films de Von Sternberg.

Que conste que no uso el término grandilocuente de forma peyorativa dado que ambos me gustan, especialmente el segundo del que espero en breve retomar su revisión que dejé a las puertas de su etapa norteamericana.

Vista esta noche - ¡y de un tirón! - DOCTOR ZHIVAGO. Me pondré con el comentario mañana que no tengo previsto salir de casa y menos cuando está a punto de desatarse el Apocalipsis... now!

Ya adelanto que su visionado me ha decepcionado notablemente a pesar de la (sublime) música de Jarre y los (hipnóticos) ojos azules de Christie.

Le he echado un vistazo a la novela de Pasternak e intuyo que difiere bastante de la película. La leeré tan pronto como pueda.

Como tengo el mismo problema con las capturas de pantalla que en el caso de EL PUENTE SOBRE EL RÍO KWAI y por lo que veo solo afecta a aquellas películas que tienen un AR de 2.35:1 en adelante - cosa que antes no sucedía - ya veré cómo me las arreglo.

Lost and Found – The Story of Cook’s Anchor (1979)



Antes de comentar A Passage to India, último film de Lean, incluyo un breve apunte sobre este documental para la televisión de Nueva Zelanda (algo menos de 40 minutos en la versión visible en Internet), que Lean dedica a la localización y posterior rescate de un ancla perdida por el capitán Cook en 1773 en la costa de Tahiti.

De hecho, en esta larga década alejado del cine, Lean se dedicó a viajar por todo el mundo, estableciéndose finalmente en la Polinesia, mientras que, en paralelo, intentaba tirar adelante un guion sobre el famoso motín de la Bounty (tema diversas veces tratado a lo largo de la historia del cine), en colaboración con Robert Bolt, labor frustrada en parte por motivos de salud del escritor, que sufrió un ataque al corazón en 1979 que lo dejó paralizado, aunque no moriría hasta 1995. De haberse llevado a término, Lean planteaba tratar el asunto en dos films de larga duración, titulados provisionalmente “The Law Breakers” y “The Long Arm”.

Así pues, nos encontramos con Lean y dos de sus principales colaboradores, el citado Robert Bolt y Eddie Fowlie (encargado de efectos especiales en los films de Lean desde que hiciera volar el puente sobre el río Kwai), tomándose un respiro en sus labores para el díptico dedicado a la Bounty. Da la impresión de que este sencillo documental, alejado de la habitual grandilocuencia del cine de Lean, es como un divertimento, un paréntesis. El propio Lean nos cuenta la historia y nos presenta a los diferentes actuantes, sus colaboradores habituales más los buzos de Tahiti y técnicos venidos de un museo de Nueva Zelanda que participarán en la operación de reflotar la enorme ancla.



Aunque el estilo visual nos remite a una época de la televisión que nos puede parecer algo anticuada, por la imperfección de las imágenes a la vista de la nitidez de las que se obtienen hoy en día, hay que concederle a Lean el mérito de encajar el conjunto en un documental ligero pero ameno, con un montaje dinámico y vistoso, en el cual probablemente participó de manera bastante directa, aunque se acredita como montador a David Reed (de quien no encuentro ninguna otra referencia en imdb).

En todo caso, el documental es como un respiro también para el espectador entre tanto film “grandioso” como nos ofreció Lean con sus famosas películas. No se trata quizá de un documental para recordar, pero vale la pena darle un vistazo.

Lo primero pedir perdón no tanto por la extensión del comentario debida básicamente al número de capturas de pantalla (afortunadamente no propias sino procedentes de aquí https://movie-screencaps.com/doctor-zhivago-1965/ porque si no la empresa hubiese sido ciertamente homérica, aunque también me ha llevado su tiempo elegir las más adecuadas al texto ) como por la calidad de las mismas dado que últimamente y no sé por qué Pinterest ha cogido la costumbre de recortarlas en los extremos cuando el AR es superior a 2.21:1, tal y cómo se pudo comprobar en el caso de LAWRENCE DE ARABIA.

Y ahora, abróchense los cinturones...

Julie Christie (Blue) Eyes…



o

14. DOCTOR ZHIVAGO (1965, ídem)



Director: David Lean y (2ª unidad) Roy Rossotti.

Productor: Carlo Ponti.

Producción: Carlo Ponti Cinematografica / Metro-Goldwyn-Mayer, Inc.

Distribución: Metro-Goldwyn-Mayer, Inc.

Guion: Robert Bolt, basado en la novela “Il dottor Živago”, de Borís Pasternak (Feltrinelli, Milán, 1957).



Fotografía: Freddie Young y (2ª unidad) Manuel Berenguer, en Metrocolor y Panavision (2.35:1) (> 70mm Blow Up (2.21:1)).

Operador de cámara: Ernest Day.

Diseño de producción: John Box.

Música: Maurice Jarre.

Montaje: Norman Savage.

Reparto: Omar Sharif (Yuri Andriéevich Zhivago), Julie Christie (Larisa Fiódorovna “Lara” Antípova), Geraldine Chaplin (Antonina Alexándrovna “Tonia” Gromeko), Rod Steiger (Víktor Ippolítovich Komarovski), Alec Guinness (Yevgraf Andriéevich Zhivago), Tom Courtenay (Pável Pávlovich “Pasha” Antípov), Siobhan McKenna (Anna Ivánovna Krueger), Ralph Richardson (Alexandr Alexándrovich Gromeko) y Rita Tushingham (Tatiana “Tania”, hija de Lara y del doctor Zhivago).

Presupuesto: 15.000.000 de dólares.

Rodaje: del 28 de diciembre de 1964 al 7 de octubre de 1965, en Canadá, España y Finlandia.

Metraje: 17.396 pies / 193 minutos (+ Overture, Intermission y Entr’acte) / 3:20:05 (Copia en BD editada por Warner en 2017).

Estreno: 22 de diciembre de 1965 (Capitol Theatre, Nueva York) y 26 de abril de 1966 (Empire Theatre, Londres).



…

Coordenadas espacio / temporales:

Rusia > URSS / (Básicamente) entre 1902 y 1929

…

08-04-66/ Oscar / 10 nominaciones (y 5 premios *): película, director, guion adaptado *, fotografía (en color) *, diseño de producción *, diseño de vestuario *, banda sonora *, montaje, sonido y actor de reparto (Courtenay).

…

De las “Cinco Grandes” de David Lean, o sea, EL PUENTE SOBRE EL RÍO KWAI (1957), LAWRENCE DE ARABIA (1962), DOCTOR ZHIVAGO (1965), LA HIJA DE RYAN (1970) y PASAJE A LA INDIA (1984)…

- Ahí es nada, 7, 7, 5, 2 y 2 Oscar, respectivamente. O sea, un total de 26… -

… siempre había considerado a la 3ª – es decir, a la película objeto del presente comentario – como “el patito feo” del conjunto y he de decir que, lamentablemente, mi opinión sobre la misma apenas ha cambiado a pesar del paso del tiempo aunque gracias al nuevo visionado (y además de una tacada) he apreciado matices que antes me habían pasado desapercibidos o que sencillamente los había olvidado por completo.

- Por cierto, entre la segunda y esta Lean se encargó de una de las 2ª unidades durante el rodaje de la mastodóntica LA HISTORIA MÁS GRANDE JAMÁS CONTADA (1965) como un favor personal a su director, George Stevens, al que apreciaba mucho. -

Y aunque sea remar a contracorriente (aprovecho para hacer publicidad subliminal de la distribuidora y productora nacional por excelencia… ) para mí lo más destacado de la misma radica en la (inolvidable) banda sonora de Maurice Jarre (1924-2009), la (entregada) interpretación de Omar Sharif (1932-2015)…





... y la (celestial) belleza de Julie Christie (1940)…





... sublimada hasta Júpiter y más allá del infinito (por cierto, otra cinta de la MGM, aunque de 1968…) gracias a la (exquisita) fotografía de (esta vez) Freddie Young (1902-1998).

- Un par de cosas respecto a esto último:

Por un lado, Young sustituyó al director de fotografía original, Nicolas Roeg (1928-2018), por desavenencias entre este y Lean, aunque en los extras que acompañan a la edición en DVD (no así en BD) en algunas de las claquetas se observa claramente el nombre del primero. Eso sí, ignoro si dicho material fue rodado de nuevo o no.

Curiosamente y ya convertido en director Roeg volvería a trabajar con Christie en la “cinta de culto” AMENAZA EN LA SOMBRA (1973), basada en un cuento de Daphne du Maurier, la escritora “favorita” de Sir Alfred…

Por otro, aunque Young había firmado un contrato para rodar la excelente cinta de aventuras KHARTOUM (1966), de Basil Dearden – la cual comenté hace unos meses en un rincón de cuyo nombre no quiero acordarme… - gracias a la intermediación del productor, Carlo Ponti (1912-2007), Lean consiguió que la United Artists se lo cediera imagino que a costa de una sustanciosa compensación económica…

Y finalmente y como avancé en mi última reseña DOCTOR ZHIVAGO no se rodó en 65mm Super Panavision 70 sino en 35mm Panavision.

No fue elección de Lean sino de la MGM que no solo distribuía la película sino que también en buena parte la financiaba con el fin de ahorrar costes. No obstante y tal y como indico en la ficha la misma se pudo ver tanto en 35mm como en el denominado 70mm Blow Up, una técnica que se venía usando desde 1963 y que permitía obtener copias en 70mm de gran calidad a partir del negativo en 35mm.

https://www.in70mm.com/presents/1963_blow_up/index.htm

https://www.widescreenmuseum.com/widescreen/35-70mm.htm

A pesar de lo dicho siempre luce mejor una copia rodada en 65mm que una exhibida en 70mm a partir de un negativo en 35mm.

Además hemos de tener en cuenta que el OAR se modificaba de 2.35:1 a 2:21:1. O sea, que se recortaba la imagen por los laterales.

Y ahora que he cumplido la promesa que hice la semana pasada prosigamos con el comentario… -

No deja de ser paradójico que la que probablemente sea la película en la que Lean gozó de mayor libertad sea uno de sus trabajos menos interesantes dentro de lo que se considera su mejor etapa creativa.

Y es que tanto la MGM como Ponti le dieron carta blanca al director en todo lo que este les solicitó dado el enorme éxito de taquilla que habían obtenido sus dos anteriores producciones, amén de los mencionados 14 Oscar.

Justo es de reconocer que al frente de la MGM estaba Robert O’Brien (1907-1997), un ejecutivo al que incluso el caustico Stanley Kubrick llegó a ensalzar porque gracias a él pudo llegar a buen puerto con la que es su magnum opus, la (indirectamente) citada 2001: UNA ODISEA DEL ESPACIO (1968)…



Y eso a pesar del batacazo económico que supuso la, por otra parte, excelente REBELIÓN A BORDO (1962), de (entre otros) Lewis Milestone, la película que Marlon Brando prefirió protagonizar en lugar de LAWRENCE DE ARABIA…



En lo único que O’Brien presionó fue para que la cinta estuviese lista para su estreno antes de que finalizase el año (1965) para poder así competir en los Oscar.



O sea, que Lean tenía apenas 3 meses para montar la película… teniendo en cuenta que todavía Jarre no había compuesto la música de la misma…

Sin embargo, al impenitente fumador de cigarrillos David Lean los retos no le cohibían sino más bien todo lo contrario puesto que en LAWRENCE DE ARABIA contó igualmente con tan solo 4 meses de posproducción…



De nuevo sería gracias a la intervención de O’Brien el que la película pasase de ser un veneno para la taquilla en las primeras semanas de exhibición (y además acompañadas de unas brutales críticas que Lean nunca pudo perdonar…) a convertirse en la segunda más taquillera del año, solo por detrás de SONRISAS Y LÁGRIMAS (1965), de Robert Wise, gracias al millón de dólares que se gastó en promocionar la cinta en todos los medios de comunicación posibles.

De hecho, DOCTOR ZHIVAGO recaudó más dinero que todas las demás películas de Lean juntas...



Y a pesar de los comentarios de los compañeros, justo es de reconocer que buena parte de ese éxito se debió a la banda sonora de Jarre y, especialmente, al bellísimo “Lara’s Theme”.



Y es que es precisamente la música del compositor francés lo que hace que por momentos la película se eleve a sus más altas cimas dado que la narración solo funciona a ráfagas puesto que ni la historia de amor de los protagonistas, Yuri Andriéevich Zhivago (Sharif) y Lara Fiódorovna Antípova (Christie), – y que para Lean era el eje alrededor del que debía girar lo que para él era el corazón (nunca mejor dicho) de la novela de Borís Leonídovich Pasternak (1890-1960) – está plenamente desarrollada ni el (trascendental) momento histórico en el que se enmarca (la transición de la Rusia de los zares a la URSS de los comunistas) es más que un mero telón de fondo de la misma.

Por lo poco que he podido leer de la novela de Pasternak DOCTOR ZHIVAGO es una versión notablemente libre de la misma, algo lógico por otra parte dado no tanto por sus dimensiones como por la cantidad de personajes que aparecen en ella y a los que además se les llama por distintos nombres. O sea, como J. R. R. Tolkien en EL SILMARILLION (1977)…

No dudo que para Lean pueda ser una de sus películas favoritas dada la absoluta libertad de la que gozó, al igual que para Pasternak la novela era (casi) autobiográfica.

Pero, como digo, la cinta solo funciona por momentos y ciertamente sus 193 minutos (a los que hay que añadir los habituales Overture, Intermission y Entr’acte… aunque no Exit Music)…







... son extenuantes y más cuando uno, como cuando era joven, la ha visto de una tacada.

Curiosamente, Julie Christie no fue nominada por su interpretación en esta película en los Oscar de 1966 aunque sí lo ganó por otra, DARLING, de John Schlesinger…



… seguramente porque su rol en la misma es meramente pasivo, algo además potenciado por el propio director dada la extraordinaria fotogenia de la actriz.

- Con Schlesinger volvería a trabajar en otra cinta de época mucho más atractiva como es LEJOS DEL MUNDANAL RUIDO (1967), basada en la novela homónima de Thomas Hardy…



La obsesión de un hombre por un ideal de mujer (o por una mujer ideal) como solo la fértil imaginación de un poeta como Yuri era capaz de conjurar.





- Desde luego no fue 1965 un mal año para Christie puesto que primero trabajó a las ordenes de John Ford y Jack Cardiff en EL SOÑADOR REBELDE – y de cuyo montaje se encargó Anne V. Coates, la mano derecha de Lean en LAWRENCE DE ARABIA –...



… y luego en las mencionadas DARLING y DOCTOR ZHIVAGO. -

Y aunque se me olvidó mencionar el excelente trabajo del (único) norteamericano, Rod Steiger (1925-2002), el personaje que encarna, el abogado y político Víktor Ippolítovich Komarovski, es sin duda el más interesante y el mejor construido de toda la película, seguramente porque al final demuestra ser el más humano a pesar de su más que discutible catadura moral.



En cambio, a pesar de ser grandes actores los papeles que encarnan Alec Guinness (1914-2000) (que parecía sentirse más a gusto como actor de reparto que como la estrella principal)…



... y Tom Courtenay (1937)…



… son meros esbozos, especialmente el segundo y eso a pesar del importante rol que ambos juegan en la trama y de que el primero además sea el (intermitente y omnisciente) narrador de la historia, algo que no ocurre en la novela de Pasternak.

Todavía más irrelevante es el personaje encarnado por Geraldine Chaplin (1944), Tonia, lo cual desequilibra totalmente esa relación a tres entre ella, Yuri y Lara, dado su escaso atractivo frente a una resplandeciente Lara/Christie.



¿Qué nos queda entonces, aparte de ya lo mencionado?

Pues, por ejemplo, la profusión de imágenes de espejos en los que se reflejan los personajes en la primera mitad de la película (confrontando el cómo nos vemos vs. el cómo nos ven los demás)...











... y, especialmente, la ubicación de los personajes principales detrás o delante de los cristales, seguramente el aspecto estético más trabajado puesto que parece aislarles del mundo que les rodea...









... junto a, por supuesto, las siempre sobresalientes transiciones que le hicieron tan (justamente) famoso...

















O inquietantes imágenes como la del cuerpo de la madre de Yuri primero sobre…



- Con ese precioso detalle de la hoja en su cerúleo y virginal rostro. -

… y luego bajo tierra…





… o la del soldado muerto de frío sosteniendo la ametralladora…



… y que parecen extraídas, respectivamente, de una cinta de la Hammer o de la mismísima ALIEN (EL OCTAVO PASAJERO)…



- Tendréis que reconocer que el parecido es más que notable... -



O filigranas como…





Ah, y para finalizar y aunque en la novela queda claro que la mujer que ve Yuri en el tranvía NO es Lara en la película…



… yo juraría que sí lo es…



Además la prueba definitiva sería el hecho de que asiste a su entierro…





… donde será la primera vez que se crucen los caminos de Lara y del hermanastro de Yuri…



Como veis la medicación del psiquiatra está dando sus frutos con una ida de olla digna del gran (y prematuramente fallecido) Philip K. Dick.

Buenas noches y, buena suerte.



From Yuri (o Alcaudón)…



… to Lara (o Julie)…





P. D. Y aunque uno tiene unos hábitos de lo más saludables siempre he sentido una especie de fetichismo con el uso de las corbatas por parte de las mujeres…



...



Lo siento, amigo mad dog earle, no he podido evitarlo…



Pero, ¿quién dijo que no le gustó la película?



Agur.

Iniciado por Alcaudón

Ah, y para finalizar y aunque en la novela queda claro que la mujer que ve Yuri en el tranvía NO es Lara en la película

… yo juraría que sí lo es…



Además la prueba definitiva sería el hecho de que asiste a su entierro…

Pues yo todavía mantengo mis dudas. Aunque, ante unos entusiastas de Christie como vosotros, no me atreveré a llevaros la contraria. En todo caso, que asista al entierro no es prueba de nada.

Uno.

He ido casi fotograma a fotograma y yo juraría que sí es ella.

Dos.

Creo que en la novela ella no asistía al funeral, aunque no le eché más que un vistazo al final de la misma ya que tengo intención de leerla cuando mi agenda quede un poco desahogada.

Por cierto, gracias a tu comentario me he dado cuenta de un enorme gazapo que nos han colado a todos por la escuadra (izquierda o derecha, al gusto de cada cual) obnubilados por la celeste mirada de Christie (en la novela la heroica los tiene grises...).

Me refiero a que en la escena del funeral observamos que Lara no ha envejecido un ápice mientras que Yuri es todo un anciano y eso que se supone que tienen la misma edad.

Heroína no heroica. El móvil no me deja moverme en la caja de texto y corregirlo.

Pero fíjate respecto a las imágenes del cementerio que el peinado es diferente y la ropa también. Si coincidieran, no habría duda, pero no lo hacen. Probablemente la intención es que sea Lara (se utilizara o no a Julie Christie para la escena), pero a mí me queda una pequeña duda.

Iniciado por Alcaudón

Por cierto, gracias a tu comentario me he dado cuenta de un enorme gazapo que nos han colado a todos por la escuadra (izquierda o derecha, al gusto de cada cual) obnubilados por la celeste mirada de Christie (en la novela la heroica los tiene grises...).

Me refiero a que en la escena del funeral observamos que Lara no ha envejecido un ápice mientras que Yuri es todo un anciano y eso que se supone que tienen la misma edad.

Y para el tipo de vida que llevaría, los años sin duda no habrían pasao en balde. Pero yo apunto a la perspectiva de encarar Lean el relato en clave literaria, la de los cuentos primigenios de los hermanos Grimm o "La bella y la bestia". De ahí que la fijación por el tono realista (e histórico) esté marchito, envuelto en una especie de realidad alternativa o difuminada y un entorno pictórico avasallador al óleo.
El director tuvo muy clara su apuesta para llevar al celuloide el relato y eso se trasladó a despojarlo de crispación o crudeza hasta un núcleo muy básico. Todo me encaja en esa disposición tan idealizada: desde el acercamiento de Shariff probablemente facilitado por el realizador a su Yuri (donde dije "blando" puedo igualmente catalogarlo como "idealista romántico" -y poeta- sin una psicología compleja, o más matizada) hasta el fetichismo que engalana a Christie. Un cuento muy agridulce que conectó bien con el público de la época, quizá porque éste estaba ansiaba escapar de la realidad de los turbios años '60. Claro, tan demodé que no me extraña que le llovieran las críticas.

Como "cuento" turbio al óleo, podría estar en la órbita de Michael Powell o el tratamiento visual de la Hammer en cuanto a su intensa coloración y texturas intrincadas.

Por cierto, "Papillón" de Franklin J. Schaffner es un film que recoge, se inspira, o recicla apuntes de buena parte de estos epics de Lean a mi entender para lograr una obra más que notable también en su tratamiento visual.

No te lo creerás pero no recuerdo haber visto nunca Papillón y eso Schaffner era un director excelente y no solo por El planeta de los simios o Patton.

Creo que el motivo se debe a que la copia a la que tuve acceso, no sé si por la televisión o en VHS o DVD no respetaba el formato original.

Creo...

Iniciado por mad dog earle

Pero fíjate respecto a las imágenes del cementerio que el peinado es diferente y la ropa también. Si coincidieran, no habría duda, pero no lo hacen. Probablemente la intención es que sea Lara (se utilizara o no a Julie Christie para la escena), pero a mí me queda una pequeña duda.

Necesitaríamos un auténtico Blow Up fotograma a fotograma para desfacer el entuerto.