Tema: Federico Fellini: revisando sus películas

Iniciado por Alex Fletcher

No se de donde voy a sacar el tiempo para ver 200 minutos del film en buenas condiciones, o sea descansado y sin niños jodiendo por el medio. El capítulo de Fellini es el segundo?, ya digo que aún no os he leído, ya que es mi primer Bocaccio.

Los cuatro episodios son muy diferentes y no guardan continuidad entre sí, o sea que puedes limitarte a ver el segundo, que es el de Fellini, y que dura 54 minutos. Yo es lo que he hecho, aunque en anteriores ocasiones he visto los tres episodios restantes. De todas maneras, creo que hay un cierto consenso en que el de Fellini es el mejor de largo.

Iniciado por mad dog earle

Los cuatro episodios son muy diferentes y no guardan continuidad entre sí, o sea que puedes limitarte a ver el segundo, que es el de Fellini, y que dura 54 minutos. Yo es lo que he hecho, aunque en anteriores ocasiones he visto los tres episodios restantes. De todas maneras, creo que hay un cierto consenso en que el de Fellini es el mejor de largo.

Fíjate que yo no soy experto en cine italiano, pero recuerdo ese episodio como el mejor.

Luego comento el capi

Varios directores italianos actualizan relatos de Boccaccio... La Italia del momento dejaba atrás la dura posguerra. Cuentos sobre amor y moral… Una idea que agradó a Carlo Ponti que decidió poner en pie el proyecto. Cada historia sería protagonizada por una mujer.

La más delirante y absurda es la de Anita Ekberg... una peligrosa y gigantesca publicidad que quita el sueño y cordura de Antonio (Peppino de Filippo).
Volvemos a esa Italia en desarrollo donde un hombre radicalmente conservador queda consternado cuando frente a su casa plantan un enorme anuncio donde una exuberante Anita anima a los consumidores a beber leche.

Esta imagen le obsesiona..le obnubila. Además alrededor del cartel en un solar se va creando un universo de vida y desenfreno. Don Antonio convierte en cruzada el quitar de su vista a la Ekberg con su gran vaso de leche… hasta que una noche la diva cobra vida y se sale del cartel.La lucha con Don Antonio será tentadora hasta la extenuación.

Totalmente reconocible el modus de Fellini con la actriz sueca como máxima tentación que vencerá al puritanismo absurdo.Fellini se estrena rodando en color… Y lo aprovecha al máximo.
Muy graciosos Anita y Peppino... con esa galeria de personajes que desfilan como en la procesión redentora JAJA.


7.7/10

Iniciado por hannaben

Ya que has conseguido esta imagen, que yo no encontré, vale la pena destacarla, porque Anita utiliza una polvera que recuerda una custodia, o sea donde se guarda la hostia consagrada. Un motivo más para irritar a la carcunda católica.

Yeah! Y Fellini se queda corto

Un calvario encontrar un hueco a solas para ver el film, cosa que no he conseguido y al no querer demorarlo más por miedo a la sanción económica, la he visto como he podido, o sea con niños jodiendo en un momento u otro. Destacar que mi hija ha visto la última media hora. Por lo que me lleva a pedir un paréntesis entre Ocho y medio y la siguiente, ya que por su duración y en confinamiento se me hace casi imposible. Teniendo en cuenta que me muero de ganas por ver por primera vez Ocho y medio y que los niños empiezan escuela, aquí en Basilea, el lunes 11 de mayo, día fijado para ver el film y comentarlo lo más rápido posible. Por eso pido una moratoria de diez días después del comentario de Mad, que normalmente son los domingos, "usease" sería para el día 3, a partir de ahí, la moratoria de 10 días.

Vamos al film, con esa intro mostrándonos como es el Dr.Antonio, abroncando a todo indecente que se le cruce por el camino o que busque, pues Fede me compra fácilmente, lástima del angelito, aunque le de sentido introductorio a la historia, no me gusta y esta vez la música de Rota, en la intro, tampoco me convence y me hace temer que quizá sea algún subproducto de comedieta italiana que aborrezco, pero nada de eso, ha sido sólo un susto de pachanga, después de la intro la música ya no es tan rallante y el niño sólo sale al final, así que visionado tranquilo.



Para mi, lo mejor del film, es todo el merder previo al intento de censurar la pancarta, moviendo sus hilos contra la indecencia, y las primeras alucinaciones. Ya cuando aparece la mujer de los 50 pies, si bien es cierto me sigue divirtiendo pero la breve intervención de Anita Ekberg no es de mi agrado, a la que lanzo una pregunta: debido a dicha interpretación y que sólo he visto un par de pelis suyas -las del ciclo-, me parece que no era muy buena actriz. Ciertamente en La Dolce Vita está bien en su papel, pero claro son, ambos, papeles muy secundarios, y en este capítulo de Boccaccio 70 si que le he visto algunas costuras. No he visto ningún film con Anita de principal, y la pregunta es, ha tenido nivel para sostener un film ella solita, o sea como principal? Yo, a priori y en desconocimiento, tengo mis dudas.

Pero bueno, el resultado final es que me he divertido mucho con el film, sobretodo con Mr Antonio -me encanta cuando compra esas fotos "guarrillas" (para él) y las rompe indignado delante del hombre y el quiosquero, a eso se le dice, marcar territorio-, partiendo de una premisa inicial fascinante, pero a quien se le ocurría tales disparates??? me encanta!!! No voy a decir que el film se me ha hecho corto, ya que la locura del guión da pare esto, como bien dice Mad, no da para mucho más, un alargamiento hubiera sido poco beneficioso para su totalidad, pero eso si, me he quedado con ganas de más Dr.Antonio, eso sin duda. Al buscar fotos por internet, tarea que uso entre dos o tres minutos, me doy cuenta que injustamente otra vez al igual en la Dolce Vita, se lleva el protagonismo Anita, tendré que acotar la búsqueda y eso es inadmisible .

Iniciado por Alex Fletcher

Ya cuando aparece la mujer de los 50 pies, si bien es cierto me sigue divirtiendo pero la breve intervención de Anita Ekberg no es de mi agrado, a la que lanzo una pregunta: debido a dicha interpretación y que sólo he visto un par de pelis suyas -las del ciclo-, me parece que no era muy buena actriz. Ciertamente en La Dolce Vita está bien en su papel, pero claro son, ambos, papeles muy secundarios, y en este capítulo de Boccaccio 70 si que le he visto algunas costuras. No he visto ningún film con Anita de principal, y la pregunta es, ha tenido nivel para sostener un film ella solita, o sea como principal? Yo, a priori y en desconocimiento, tengo mis dudas.

De lo que he visto de ella en el cine de Hollywood, suele estar casi siempre en segundo plano: como mujer voluptuosa y/o despampanante en papeles mínimos o simplemente decorativos:

"Artistas y modelos", "Loco por Anita", ambos con la pareja Dean Martin & Jerry Lewis, pero no siendo ella principal nunca.

"Cuatro tíos de Texas" compartía "carnaza" con Ursula Andress.

Con el cómico Bob Hope, también intervino en "El embrujo de París" y "El amo de la selva", dos mediocres comedias a la medida del divo, no de ella, que suele estar para decorar y poco mas.

"Guerra y paz", en rol muy breve (la protagonista es Audrey Hepburn)

"Regreso de la eternidad", aquí ya protagonista con Robert Ryan y gran elenco, y como creo recordar era una película coral (varias personas en un avión que sufren un accidente en la jungla)...

"La caza del asesino", con Phil Carey, se supone que aquí es la protagonista, aunque no recuerdo absolutamente nada de esta película, la tendré que revisar algún día...

Con el cómico Bob Hope intervino en "El embrujo de París" y "El amo de la selva" dos comedias muy flojas y con Tony Randall "Detective con rubia" basado en una novela de Agatha Christie que tampoco me gustó demasiado...

Se os olvida la mejor después de las de Federico:

La volveremos a ver brevemente en Intervista. Junto a Marcello contemplan en su casa la escena de la Fontana de Trevi.
Sobre el ritmo de los comentarios, mi previsión era ver Otto e mezzo durante este puente y quizá publicar el comentario domingo. Como es un film muy largo, y hay que verlo de una tirada a poder ser, y con tranquilidad, podemos dejar ese tiempo de descanso hasta el siguiente, o sea Giulietta degli spiriti.

A mí me gusta Anita tiene medio registro peero bien dirigida está muy bien.El capi tiene más enjundia de lo que puede parecer tras un visionado,estéticamente también mola y ese retorcido puritanismo,qué mentes por favor!
He visto la peli de la monja que habéis colgado de Anita...me gustan los hábitos religiosos...mi predilecta

Iniciado por Abuelo Igor

Se os olvida la mejor después de las de Federico:

Esta la compré hace poco en T-79, no creo que se un giallo, el mismo título nos dice quien es la asesina

Y está el querido Joe una de mis pelis favoritas...

Iniciado por Abuelo Igor

Se os olvida la mejor después de las de Federico:

Esa no la he visto... ¿es recomendable?.

Lo de la monja asesina me recuerda un film de Abel Ferrara que vi hace poco: Angel de venganza, que diría que está muy influido por el cine italiano.

Iniciado por mad dog earle

Lo de la monja asesina me recuerda un film de Abel Ferrara que vi hace poco: Angel de venganza, que diría que está muy influido por el cine italiano.

Pero, al ser italiana, supongo que habrá más pechuga al aire, no?. Por cierto, la de Ferrara, la vi hace mucho en VHS y tengo buen recuerdo, me gustaría revisionarla, aunque no me fío un pelo de Ferrara.

No está mal, es la historia de una chica joven muda que se convierte en una asesina en serie por venganza (es violada dos veces el mismo día). Yo tampoco confío mucho en Ferrara aunque ha hecho algunos films interesantes.

En el youtube está "La monja homicida", además la película completa en inglés con subtítulos en castellano.

La he visto así por encima... aunque no es mi estilo de cine favorito, me sorprendió ver a una madura Alida Valli aún en activo... y Anitona en un papel protagonista total, aunque el argumento sea poco estimulante...

Fellini 8 ½ (8 ½, 1963)



Quizá no sea Otto e mezzo el film más popular de Fellini (ahí están La strada, Le notti di cabiria, La dolce vita o Amarcord), pero sin duda es su película más influyente, la que ha tenido una repercusión mayor en la historia del cine. Influye, probablemente, el hecho de tratarse de una película sobre el proceso de creación de un film, o mejor aún, para ser más precisos, sobre el proceso de creación de una obra de arte visto a través del artista, independientemente de cuál sea el arte en que se exprese. Tema y forma se funden en una obra de gran originalidad, aunque hoy en día sea menos impactante que en 1963, porque la fórmula se ha repetido en numerosas ocasiones, desde All That Jazz, de Bob Fosse, a Stardust Memories, de Woody Allen, pasando por Youth, de Paolo Sorrentino).

Fellini lo expresa de la siguiente manera [extraído de “Yo, Fellini”, de Charlotte Chandler]: “Yo me describiría a mí mismo como un autor de cuentos, un narrador. Dicho simplemente, me gusta inventar historias. Desde los hombres de las cavernas hasta Charles Perrault y Hans Christian Andersen, pasando por Petronio y los trovadores, me gustaría pertenecer a esta tradición y hacer películas que no fueran ni ficción ni no ficción, sino una autobiografía aproximada, cuentos arquetípicos que relataran una vida idealizada, contados con cierta inspiración. Eso es lo que trato de hacer”. Invenciones fantasiosas que actúan como espejo deformante de su propia vida, o, dicho en palabras atribuidas al novelista Dino Buzzati (con el que contó como guionista para su proyecto no realizado de Il viaggio de G. Mastorna), Otto e mezzo es “la masturbación de un genio”.

Y es que, sin duda, algo hay de masturbatorio, de narcisista, de solipsista, en el film. Empezando por el título (efecto incrementado en muchos países en que se antepuso el nombre de Fellini a la cifra, en una forma de reconocer que Otto e mezzo es Fellini, que la película es él). Mucha tinta ha hecho correr qué quiere decir ese misterioso 8 ½. La versión más convencional y más aceptada es que responde a una particular forma de numerar sus películas, contando como medias películas Luci del varietà (codirigida con Alberto Lattuada) y también sus episodios Agenzia matrimoniale y Le tentazioni del dottor Antonio. Hay quién dice que es el número de mujeres que aparecen en la ensoñación del harén (contando a Carla, su amante, como media, puesto que está casada… un razonamiento que me parece ridículo), o que, en clave psicoanalítica, es la edad en la que Fellini tuvo su primera experiencia de tipo sexual. A eso, comenta el propio Fellini: “En la época de Fellini 8 ½ un entrevistador me preguntó si 8 ½ quería decir la edad a la que había tenido mi primera experiencia sexual. Le dije que sí. Una pregunta estúpida como aquella merecía una respuesta igualmente estúpida. La tomaron en serio, la imprimieron, y fue reimpresa así año tras año”. Sea como sea, lo cierto es que el título de trabajo para el film fue “La bella confusione”, y que incluso se barajó el de “Asa Nisi Masa”.

Para la producción contó de nuevo con el concurso de la productora Cineriz de Angelo Rizzoli. La lista de guionista, como siempre, es extensa: el propio Fellini, y los habituales Flaiano, Pinelli y el consolidado Brunello Rondi. La gran novedad es que tras la cámara no encontramos a Otello Martinelli, responsable de la mayoría de sus anteriores films, sino Gianni Di Venanzo, uno de los más grandes directores de fotografía italianos, del que ya hablamos en su día en la revisión que dedicamos a Antonioni, para el cual fotografió algunos de sus mejores films: Il grido, La notte y L’eclisse. La fotografía en blanco y negro (ultima vez que Fellini lo utilizará en sus películas) de Otto e mezzo, en formato panorámico pero no en scope como La dolce vita, con esos blancos extremos que dotan al film de un aire permanentemente onírico, es uno de sus grandes alicientes.

El argumento es difícil de resumir de una forma lineal y lógica. Se entremezclan pesadillas, sueños, ensoñaciones, visualizaciones fantasiosas de recuerdos o recreaciones de deseos de Guido (un magnífico Mastroianni, envejecido, algo canoso, más delgado de lo habitual, como consumido en sus esfuerzos ante “la página (o "el plano") en blanco”). Especialmente en su parte final, la película abandona toda voluntad de ficción realista, para dejarse llevar por la pura fantasía.

El inicio es uno de los momentos más destacados del film (y de la obra de Fellini, a la altura casi de la secuencia de la Fontana de Trevi de La dolce vita). Guido, de quien aún no sabemos nada, se encuentra encerrado en un coche, atascado en una carretera abarrotada de vehículos (en uno de los cuales vemos a la que después conoceremos como Carla, su amante, Sandra Milo). Un humo empieza a extenderse por el interior del vehículo. Guido lucha por salir de él, y lo consigue a través de una ventanilla (hay quien ha querido ver en esta secuencia una metáfora del parto), alejándose de la confusión volando por los aires. Atrapado por el pie mediante una cuerda, en un paisaje costero, acaba precipitándose sobre la playa… y despertándose de la angustiosa pesadilla. Ahora sabremos que Guido se encuentra en un balneario para someterse a una cura como medida terapéutica contra el estrés que le supone el proceso de creación de su nuevo film.



Un fragmento de “La cabalgata de las Walkirias” de Wagner nos transporta, mediante un encadenado sonoro, a las colas de pacientes que se dirigen a la toma del agua medicinal (alguno de ellos miran directamente a cámara, juguetonamente). Mientras espera su vaso, Guido tiene la primera ensoñación en la que ve a Claudia, una joven y bella mujer (Claudia Cardinale) que parece querer simbolizar la pureza y, en definitiva, actuar como la inspiración para el creador.



Allí, entre la colección de rostros envejecidos que toman las aguas, reconoce el de su amigo Mezzabotta (Mario Pisu), que le presenta su joven amante, Gloria (Barbara Steele, plenamente instalada en el cine italiano, donde ya había protagonizado, entre otras, La maschera del demonio, de Bava).



También conocemos a un crítico francés, Daumier (Jean Rougeul), de aire cahierista (a mí me recuerda el aspecto y la verborrea de Gordard), al que Guido ha sometido a consideración su guion: Daumier irá proporcionándole a lo largo del film, cual impertinente Pepito Grillo, una inacabable sarta de comentarios pedantes, pretendidamente sesudos, mediante los cuales parece como si Fellini se avanzara a los que espera que le dedique la crítica oficial (aunque en realidad, en esta ocasión, la crítica fue en general positiva), incluyéndolos ya dentro de la película.



Después de recibir en una irreal estación de tren a su amante, Carla (que usa a menudo onomatopeyas propias de los cómics, uno de los cuales, de Pippo, o sea Goofy en italiano, vemos que lee en la cama),



y de la consiguiente noche de amor (que Guido dirige como si de una escena de película se tratase, incluida la sesión de maquillaje), le asalta un nuevo e inquietante sueño en el que su madre (Giuditta Rissone, actriz que había sido esposa de Vittorio De Sica) lo acompaña hasta un cementerio, donde mantiene una conversación con su padre muerto (de nuevo, como en La dolce vita, Annibale Ninchi). Cuando besa a su madre, esta se convierte en su esposa, Luisa (Anoul Aimée, en un papel radicalmente opuesto al de la Maddalena de La dolce vita).



Todo este sueño, como también el inicial, me recuerda el cine de Bergman, lo inquietante prevalece por encima de lo meramente fantasioso. También, tal como comenté en el “otro rincón”, un poco antes Pasolini había incorporado a su Accattone una secuencia en que el personaje de Franco Citti soñaba con su muerte. ¿Tenía presentes Fellini estás referencias, del sueco (al que admiraba) o del italiano (del que quiso ser mentor)?

De vuelta a la “realidad”, esta se despliega como un mundo de confusión, en que Guido ha de responder a decenas de preguntas y atender a sus colaboradores (como el viejo Conocchia, o el productor Pace, Guido Alberti), actores, actrices (como Madeleine Lebeau, a la que recordaremos de Casablanca, y que aquí intenta infructuosamente que Guido le preste atención y le diga cuál es su papel en el film; como curiosidad, Lebeau se casó al cabo de unos años con Tullio Pinelli),





periodistas, curiosos y conocidos. Según cuentan las crónicas, ese mundo caótico era el habitual en los rodajes de Fellini, ambiente en el que se movía como pez en el agua.

Durante una fiesta nocturna en los jardines del balneario, que recuerda la de La dolce vita en Caracalla, una vidente lee el pensamiento de Guido: unas enigmáticas palabras, “Asa Nisi Masa” (que quiere decir “ánima”, añadiendo una sílaba con “s” inicial a cada sílaba de la palabra). El conjuro transporta a Guido al mundo de su infancia, en una de las más bellas y evocadoras estampas del film, en la que vemos como se bañan los niños en una tinaja llena de vino, y luego son transportados en volandas hasta sus camas, por sus madres u otras mujeres de la casa, un caserón de aspecto rural que se ha querido ver como una referencia al pueblo de la abuela de Fellini, Gambettola, en la Emilia-Romagna.



Después de la conversación al aire libre con un cardenal, que también está alojado en el balneario, asalta a Guido un recuerdo de su infancia, cuando junto a otros niños visitaban la Saraghina (Edra Gale, estudiante norteamericana de ópera en aquel entonces), una enorme mujerona que por unas monedas les bailaba una insinuante rumba (en otro de esos momentos que uno solo puede calificar de fellinianos),



diversión interrumpida de forma brusca y cómica (con recurso al slapstick incluido) por los curas, que castigarán a Guido obligándole a lucir en clase una caperuza (como la de los condenados por la Inquisición) y un cartel de “vergogna”. Lo más inquietante de la secuencia es el tribunal que lo juzga, un conjunto de sacerdotes interpretados por mujeres. Los curas advertirán al pequeño Guido: “¿no sabes que la Saraghina es el diablo?”, lo cual no le impedirá volver otra vez para verla.

Guido tendrá una breve audiencia con el cardenal en las saunas del balneario, pero solo acertará a declararle que no es feliz. El cardenal le conminará a olvidarse de la felicidad y seguir las enseñanzas de la Iglesia: “quien no está en la civitas Dei pertenece a la civitas Diaboli”. La secuencia de los baños es extraordinaria, con una perfecta fusión entre la música de Rota y las masa de hombres y mujeres ataviados de manera que parecen patricios romanos con sus togas.



La llegada de su mujer, Luisa, va a poner en escena sus problemas matrimoniales, sin pudor, con un punto de exhibicionismo, especialmente si queremos ver a Guido como un alter ego de Fellini. Su esposa ha de aguantar la presencia más que notoria de Carla y las constantes mentiras de Guido. Pero como toda respuesta, Guido genera en su imaginación un mundo ideal en que todas las mujeres de su vida, incluida la Saraghina, comparten un mismo espacio (recuerda la casa campestre que hemos visto en el segmento de “Asa Nisi Massa”), dedicadas en exclusiva a mimar a Guido y atender sus más mínimas necesidades y caprichos.



Y cuando se rebelan, para defender a Jacqueline, una bailarina castigada por haber envejecido al destierro en el piso superior, Guido no dudará a utilizar el látigo (lo que nos puede recordar aquella frase que aparece en la nietzschiana “Así habló Zaratustra”: “¿Vas con mujeres? ¡No olvides el látigo!”, frase por cierto que pronuncia una vieja mujer, no Zaratustra). Por supuesto, es una secuencia que entonces como ahora le ha hecho ganar a Fellini la etiqueta de misógino y machista. Que cada uno piense lo que quiera, me da la impresión de que ese es un debate que nunca se cerrará, pero se ha de reconocer al menos la falta de pudor, la valentía de Fellini por retratar de esa manera a su trasunto cinematográfico.



La secuencia en que se visionan las pruebas con diferentes actrices, en la que Guido imagina que Daumier, que sigue fustigándole con sus críticas, es ahorcado, y en la que aparece Claudia, ahora ya no una ensoñación (¿o sí?), sino la propia actriz, con la que mantendrá una conversación nocturna, en la que Guido le reconoce que no hay personaje ni film, nos lleva al momento final. Primero en forma de caótica rueda de prensa, montada ante el andamiaje que ha de servir para la película (como plataforma desde la que despegará un cohete), y en la que Guido fantasea con su suicidio, y, finalmente, con el famoso desfile final al son de la marcha circense de Nino Rota. Todos los personajes del film se reúnen en una pista de circo, y siguiendo la música que interpreta una banda de payasos, desfilan en círculo para ir desapareciendo del plano. Solo los músicos quedan en el centro de la pista, pero también poco a poco salen del cuadro, hasta que solo queda un niño que toca la flauta (¿Guido niño?), vestido de blanco, que es el último en abandonar la pantalla.



Como ocurría con La dolce vita, el comentario de Otto e mezzo no se acaba con unas pocas líneas, por lo que lo dejo abierto a posteriores ampliaciones en función de vuestros comentarios. En todo caso, es un film inagotable. Aunque no sea mi preferido, la considero sin duda alguna una de las grandes obras maestras de la historia del cine.

Uys luego me pongo con Marcello!!!

"Ocho y medio", aunque en mi caso no fuera una peli de Fellini que me enamorara en el acto, sí que puedo decir que es una de las más propicias en redescubrimientos, de las que te ofrecen más detalles nuevos en revisión (pero bueno, eso es algo que se puede decir casi de toda la obra de este director, no en balde son obras en las antípodas de lo minimalista, abigarradas, casi mundos en sí mismas).

Una de las cosas interesantes para mí de "Ocho y medio" es cómo a partir de ella, con todas las excepciones parciales que se quieran, Fellini se distancia del realismo al uso y abraza la fantasmagoría, haciendo películas en las que el tema principal es invariablemente él mismo, sus recuerdos y su imaginación. La idea de Guido Anselmi como cineasta sin inspiración, que ya no sabe ni qué hacer, presa de un bloqueo creativo, no nos cuadra con el concepto, tal vez idealizado, que tenemos de un Fellini torrencialmente imaginativo, con un chorro constante de ideas saliendo de su escritura y de sus dibujos. La fantasía de que "Ocho y medio" es una especie de auto-exorcismo es atractiva, si imaginamos "La dolce vita" como una especie de cumbre final del Fellini heredero del neorrealismo, y por tanto una especie de callejón sin salida, por su repercusión y su enorme éxito, del que su creador pudo bien sentirse prisionero.

Encuentro bastante verosímil ese mundo de mil y un colaboradores, ninguno de los cuales sabe ni de qué va la película que se va a hacer, como retrato ficcionalizado de lo que podía ser el proceso de elaboración de un film felliniano, pero aquí todo este proceso aparece visto como algo un poco agónico, como una especie de edificio hecho de aire, sustentado por mentiras y sujeto a mil azares que podría venirse abajo en cualquier momento (lo cual de hecho llegó a suceder: resulta irónico ver las secuencias con el "set" abandonado de la plataforma de lanzamiento espacial y recordar los decorados abandonados del aeropuerto de "El viaje de G. Mastorna", que "Block-notes di un regista" nos mostrará ocupadas por un grupo de hippies)

El momento, cercano al final, en que alguien le pasa una pistola a Guido bajo la mesa y este se pega un tiro no parece haber hecho correr los mismos ríos de tinta que si hubiera aparecido en una película de algún director anglosajón de culto con mil seguidores aficionados al cannabis y que escriben en Internet. Mad Dog lo ve como una fantasía con el suicidio, pero también se podría entender como la muerte simbólica del viejo Guido-Federico que va a desencadenar el renacer del nuevo cineasta, más desinhibido con sus fantasías y más en paz con su extraño mundo interior. Aunque también el corro final de todos los personajes, que desfilan tomados de la mano, me hace pensar un poco en el desenlace de "El séptimo sello" de Bergman, en el que vemos a la Muerte sobre una ladera llevarse a varios personajes paseando exactamente igual, llevados de la mano. ¿Acaso ha muerto realmente Guido y la secuencia final son sus últimos pensamientos, con todo su mundo imaginativo desfilando literalmente ante él al son de música de circo?

Otro aspecto que me llama la atención es la manera en la que a partir de ahora la realidad y la ficción se confunden en el cine de Fellini incluso de una manera un tanto impúdica, si puede decirse. Anouk Aimée luce un peinado de pelo corto que podría ser perfectamente uno de Giulietta Masina, mientras que esta vez no solo se referencia a Sandra Milo, sino que aparece en la propia película haciendo un poco de sí misma, dada la larga relación clandestina que ella y Fellini mantuvieron (y que ella misma, en la entrevista que aparece en los extras del DVD de Cameo, afirma que se prolongó más allá de la muerte de Federico, algo por otro lado muy apropiadamente felliniano). Asimismo, las pintas de Marcello son una especie de versión idealizada del propio Fellini, con sus icónicos sombrero y bufanda. Ignoro si en la realidad hubo peloteras conyugales tan tormentosas entre la pareja, pero siempre he querido ver "Giulietta" como una especie de regalo de Federico a su esposa, una compensación por malos momentos del pasado, una peli para mí tan maravillosa que valió por sí misma otros 30 años de matrimonio.

He mirado por ahí de dónde viene el sobrenombre de "Snáporaz", que aparece un par de veces en "Ocho y medio" y será el nombre del personaje de Marcello en "La ciudad de las mujeres". Parece ser que es algo así como "solo un pobre hombre" en dialecto romañolo, y viene de una frase que Federico le dedicaba al actor en los momentos del rodaje en que no le veía muchas ganas de trabajar. La conexión entre estas dos películas viene al hilo de lo que escribe Mad Dog sobre las acusaciones de machismo y misoginia vertidas durante largo tiempo contra Fellini hasta que éste terminó explayándose a gusto sobre el tema en la película de 1980, de una manera que durante mucho tiempo consideré un poco indigna de un maestro que va a pasar a la historia del cine, pero que con los años y la evolución de la sociedad y la cultura casi veo un poco premonitoria. En todo caso, creo, al igual que Mad Dog, que Fellini no es hipócrita con sus fantasías, y que, si gustar de las mujeres y fantasear con ellas en la intimidad absurda de tu subconsciente te hace un criminal del pensamiento, me declaro culpable, señor juez.

La conexión con el terror italiano y el giallo de Barbara Steele me parece tan obvia que prefiero hacer referencia a otras intérpretes del film, Caterina Boratto (a quien veremos en "Giulietta" como esa mítica "mamma"), que trabajó con Bava en "Diabolik" y con Luigi Bazzoni en la inclasificable "Huellas de pisadas en la Luna", y sobre todo Rossella Falk (nacida Antonia Falzacappa), que, entre 1971 y 1972, años clave del filone "giallesco", encadenó títulos tan afamados como "La tarántula del vientre negro" (Cavara), "El día negro" (también de Bazzoni, peculiar director que mereció mejor suerte), "Siete orquídeas manchadas de rojo" (Lenzi) o "El asesino está al teléfono" (De Martino).

Iniciado por Abuelo Igor

La conexión entre estas dos películas viene al hilo de lo que escribe Mad Dog sobre las acusaciones de machismo y misoginia vertidas durante largo tiempo contra Fellini hasta que éste terminó explayándose a gusto sobre el tema en la película de 1980, de una manera que durante mucho tiempo consideré un poco indigna de un maestro que va a pasar a la historia del cine, pero que con los años y la evolución de la sociedad y la cultura casi veo un poco premonitoria. En todo caso, creo, al igual que Mad Dog, que Fellini no es hipócrita con sus fantasías, y que, si gustar de las mujeres y fantasear con ellas en la intimidad absurda de tu subconsciente te hace un criminal del pensamiento, me declaro culpable, señor juez.

Tengo muchas ganas de revisar La città delle donne, porque es una película que nunca me ha convencido, que incluso me desagradó cuando la vi de estreno (¡hace casi 40 años!), y contra la cual yo mismo en algún momento he vertido acusaciones de misoginia. Pero intuyo que el paso del tiempo le puede haber sentado bien, o quizá sea yo que al envejecer he rebajado mi visión crítica sobre la película. Ya veremos, aún nos falta bastante para llegar a ella. En cambio, reconozco que Otto e mezzo me subyugó ya en el primer visionado.

Sobre lo de la muerte simbólica de Guido-Federico, creo que es una posible lectura de la secuencia del suicidio (de hecho, con Le tentazioni... Fellini ya comenzó a dejar atrás cualquier vestigio de realismo, aunque en forma de divertimento). Yo no forzaría tanto la interpretación, me quedaría con que se trata de una fantasía, otra más, de Guido como resultado de la presión a la que está sometido. La conexión que estableces con Bergman, en particular con el final de El séptimo sello, me parece interesante. De hecho ya comenté que la forma como ilustra Fellini los sueños de Guido me recuerden en general la manera como Bergman los inserta en sus películas, no solo en Fresas salvajes, quizá el caso más obvio, sino en muchos otros, como por ejemplo La hora del lobo, De la vida de las marionetas o Fanny & Alexander. En el sueño/pesadilla inicial, esa imagen de un hombre cabalgando por la playa me ha hecho pensar también en El séptimo sello.

Ambos directores se profesaban una gran admiración mutua, e incluso especularon con la filmación de una película conjunta durante una larga noche de conversación en Roma. John Baxter lo cuenta así (Charlotte Chandler lo hace de una manera similar en su "Yo, Fellini"): "Fellini pensó por primera vez en la película en 1968 [se refiere a La città delle donne], cuando Ingmar Bergman fue a Roma. Durante un paseo nocturno por la ciudad con su estrella y compañera Liv Ullmann, los dos hombres había decidido espontáneamente colaborar. Su película, que iba a llamarse Love Duet, se evaporó durante la cena, y con ella la relación, después de una disputa entre Fellini y Bergman sobre quién sabía más sobre la muerte, pero el argumento que Fellini había elegido para su parte de película sobrevivió y, diez años más tarde, acabó desarrollándose [se convirtió en La città delle donne]". Más motivos para tener ganas de revisarla.

Esa conexión con Bergman que mencionáis es un motivo que ha sido muy usado históricamente en el arte. Desde las danzas, hasta la pintura y por lo tanto no tienen porqué estar inspiradas una en la otra. Tiene nombre y se llama danse macabre. Aunque tiene nombre francés se pueden ligar estas historias de coreomanía y llegar hasta la leyenda italiana del baile de San Vito, por lo tanto igual hay ilustradas referencias folclóricas que no llegamos a comprender. Luego intentaré verme la película.

Iniciado por muchogris

Esa conexión con Bergman que mencionáis es un motivo que ha sido muy usado históricamente en el arte. Desde las danzas, hasta la pintura y por lo tanto no tienen porqué estar inspiradas una en la otra. Tiene nombre y se llama danse macabre. Aunque tiene nombre francés se pueden ligar estas historias de coreomanía y llegar hasta la leyenda italiana del baile de San Vito, por lo tanto igual hay ilustradas referencias folclóricas que no llegamos a comprender. Luego intentaré verme la película.

Sí, por supuesto, eso es obvio (en Catalunta aún se mantienen en Verges la "Dansa de la Mort"), pero lo que apuntamos, más allá del origen de la imagen, es la conexión entre uno y otro director (no sé si has leído mi post anterior, donde cito a John Baxter, y se destaca el interés de ambos por la muerte). De hecho, en Otto e mezzo, no hay ninguna danza de la muerte explícita (yo, de hecho, no la veo tampoco en ese final circense). Pero se puede buscar una cierta conexión con el final de El séptimo sello, donde sí que hay una clara representación de la danza macabra.
Creo que Abuelo Igor juega con potenciar el simbolismo de cambio de época del Fellini realista al Fellini onírico y fantástico a partir del imaginado suicidio de Guido y ese final en rondo.

Mi peli preferida con LA STRADA hasta el momento.Ya me explayaré