Tema: Jean Renoir: revisando sus películas

Primera peli de Renoir con su esposa Catherine Hessling de prota en una trama con una clara predileccion hacia la clase social más desfavorecida representada en el rol de Catherine Férand frente a la hipocresía de los más pudientes...dominando el cotarro.

Catherine es una sirvienta que trabaja para el alcalde local y es víctima de las lenguas afiladas de la esposa del alcalde y sus amistades....queda claro en la escena en la que se le pide una llave y acude a buscarla a una reunión festiva donde es acosada por toda la élite de impresentables y frikis.La mujer de Mallet tiene un amante interpretado por el mismo Renoir.

El alcalde quiere a Catherine y teme que su esposa la siga incordiando así pide a su hermana que le dé a Catherine un puesto en su propia casa. La hermana tiene un hijo enfermo que da bastante mal rollo el pobre. Muere después de besar a Catherine mientras el resto de la ciudad celebra el carnaval. Catherine está de luto y no es apropiado que una sirvienta muestre afecto público por alguien que no pertenece a su status.Pobre chiquita! Catherine se va y se esconde en un hotel barato de la ciudad donde es intimidada por un proxeneta.. puede salir del atolladero y reencontrarse con el alcalde, quien se sorprende por la actitud del pueblo,la lleva de nuevo a su casa y la asciende a su secretaria. La esposa, por supuesto, está furiosa y deja a su marido.

Es el inicio de una campaña de difamación contra la credibilidad política del buen hombre. El amante de la esposa de Mallet ve lo que está sucediendo como una oportunidad de oro y hace un ataque público al carácter moral del alcalde. Catherine quiere evitar la caída de su protector y huye,dejando una nota.
Se esconde en un viejo tranvía por la lluvia mientras el alcalde conduce su auto buscando desesperadamente a la joven. Dos vagabundos son expulsados de un pub y, frustrados, empujan el tranvía, por lo que comienza una carrera loca por las colinas hacia el puente y el abismo del valle. Catherine ya se teme lo peor pero es salvada a tiempo por el alcalde que ha hecho su elección por la niña. Las implicaciones sociales de su elección no se muestran, pero son claras para todos. La persecución del automóvil y el tranvía y la forma en que Renoir muestra la velocidad con la cámara son bastante notables.

Esta escena final ilustra también la influencia del cine silente americano. Otros elementos muestran la influencia del cine alemán..Renoir era un gran admirador de Stroheim. Un primer film para mí con toda su influencia,buena tecnica para la época,critica social etc... anodino total. La prota y la panda que la rodea me ha suscitado el interés justito.Combo total:
5.5/10

00. CATHERINE (1924) / UNE VIE SANS JOIE (1927, UNA VIDA SIN ALEGRÍA)



Directores: Albert Dieudonné y Jean Renoir.

Producción: Les Films Jean Renoir (no acreditado).

Productor: Jean Renoir (no acreditado).

Guion: Jean Renoir.

Fotografía: Jean Bachelet y Alphonse Gibory (no acreditados), en blanco y negro con virados en color (1.33:1).

Música (versión reconstruida): Marc Perrone.

Montaje: Jean Renoir (no acreditado).

Reparto: Catherine Hessling (Catherine Ferrand), Madame Maud Richard (Madame Mallet), Eugénie Nau (Madame Laisné), Albert Dieudonné (Maurice Laisné), Georges Térof (Gédéon Grave), Louis Gauthier (Georges Mallet, alcalde, consejero general y diputado), Pierre Philippe (Adolphe, el guapo) y Jean Renoir (Subprefecto).

Rodaje: de marzo a mayo de 1924 en Cagnes-sur-Mer, Vence y Niza (Departamento de Alpes Marítimos).

Duración: 1 h 24 m 17 s.

Estreno: 9 de noviembre de 1927 en el Cinéma Max Linder de París (actualmente Max Linder Panorama).



Rodada durante la primavera de 1924 entre otros sitios en el mismo lugar – Cagnes-sur-Mer - en el que se casaron (en 1920) Jean Renoir y la actriz protagonista, Catherine Hessling, aunque no estrenada comercialmente hasta tres años después en un montaje al parecer orquestado por el actor (y director ocasional) Albert Dieudonné (1889-1976) – el mismo año que vio la luz su película más famosa, la espléndida NAPOLEÓN de Abel Gance…



… -, CATHERINE o UNE VIE SANS JOIE – una cinta que seguramente jamás llegó a tener estreno comercial en nuestro país – es una obra de autoría debatida aunque yo pondría la mano en el fuego que tiene más del primero que del segundo.

Eso sí, convendría matizar esto último puesto que parece evidente que Dieudonné se dirigió a si mismo (o mejor dicho, le dirigió Renoir siguiendo las indicaciones del primero) y porque además el segmento en el que su personaje, el enfermizo Maurice, toma protagonismo es con toda seguridad el mejor de la película.





Dicho segmento, el que acontece en Niza en casa de los Laisné, actúa a modo de bisagra o charnela de los otros dos en los que se articula la película y que tienen lugar en la localidad de Varance.

De hecho, el mismo podría configurarse en una set piece independiente del resto de la cinta en el que, afortunadamente, la protagonista pasa a tener un rol secundario.

Y digo lo de afortunadamente porque a Renoir, al igual que le pasaría más adelante al Charles Foster Kane wellesiano, el amor incondicional por su esposa le impidió ver las nulas capacidades dramáticas de la misma.



Me entran escalofríos sólo de pensar que será la protagonista de los siguientes títulos del francés, desde LA FILLE DE L’EAU (1924) hasta TIRE-AU-FLANC (1928), pasando por NANA (1926), SUR UN AIR DE CHARLESTON (1927) y LA PETITE MARCHANDE D’ALLUMETTES (1928).

Y si como decía yo apostaría a que Dieudonné dirigió su propio segmento, lo más lógico sería pensar que Renoir se centrara en las evoluciones de su joven esposa, dada la profusión de primeros planos de la misma y donde el director parece querer emular a su padre, el pinto Pierre-Auguste Renoir pues muchos de los mismos parecen auténticos retablos.



El problema es que ni la Hessling era especialmente hermosa (al menos según mi modesto punto de vista) ni mucho menos una actriz no digo consumada sino con un mínimo de talento dramático.

Renoir (entiendo que Renoir, aunque quién sabe…) a la hora de la puesta en escena toma una curiosa decisión como es el hecho de que la protagonista en los primeros planos casi siempre sale de frente y por contra el resto del reparto de perfil.

Veamos algunos ejemplos…

















Dado que como decía el registro interpretativo de la actriz (al menos en este momento de su carrera) era más bien escaso (por decir algo) el interés de la película no radica en las peripecias de su personaje, una huérfana cuasidickensiana por la que yo al menos no he sentido la más mínima empatía, sino por lo que les acontece al resto del elenco que gira entorno a ella.

Tampoco las relaciones amorosas tienen especial interés dado que apenas son esbozadas, ni siquiera las más relevantes y que en mi peculiar lenguaje científico quedarían de la siguiente forma:

Maurice >< Catherine >< Georges > Madame Mallet >< Subprefecto

Donde mejor funciona la película es, como antes decía, en esas set pieces sueltas que salpican la historia, desde la buñueliana en casa de los Laisné (la escena de la muerte del pobre Maurice – un excelente Albert Dieudonné, que da grima sólo con verle su rostro macilento – parece todo un avance de una muy similar en la magistral ENSAYO DE UN CRIMEN (1955) del aragonés por su forma de relacionar el amor (léase el sexo) con la muerte), pasando por la genial de la pegada de carteles y ese espectador que asiste impasible a la misma (con diferencia la más cercana a ese cine que tanto decía amar el director francés) hasta la trepidante aunque ciertamente inverosímil persecución del tranvía con la recurrente toma del espejo retrovisor.











Quizás porque el experimento le salió fallido Renoir optó muchos años después por contarnos de una forma mucho más creíble y desde luego mucho más amena las peripecias de una auténtica sirvienta en MEMORIAS DE UNA DONCELLA (1946), con la irresistible Paulette Godard en el papel principal.

- Y de la que el citado Buñuel, que parecía seguir las huellas dejadas por Renoir, hizo una nueva versión en la que para mí es una de las mejores películas de su demasiado alabada etapa francesa, DIARIO DE UNA CAMARERA (1964). -

Renoir (o Dieudonné…) tienen además la ingenioso (aunque no novedosa) idea de presentar a los personajes principales no en los títulos de crédito iniciales (al menos no aparecen así en los que han sobrevivido hasta nuestros días) sino a medida que hacen acto de aparición.

Así…

02:31 Madame Mallet

02:45 Madame Laisné

02:51 Maurice Laisné

04:24 Gédéon Grave y su esposa, padres de Mallet

05:37 Georges Mallet, alcalde, consejero general y diputado

32:19 Adolphe, el guapo, corredor de apuestas, prestamista semanal, etc

Y como todo no van a ser palos contra la pobre Catherine también sería justo reconocer las escasas prestaciones del propio Renoir que aquí encarna al subprefecto y que parece un sosias del gran Erich von Stroheim.





Y al contrario de lo que opinan algunos la música al acordeón de Marc Perrone me parece bastante ajustada aunque bien es cierto que a veces parece superponerse a las propias imágenes, algo de agradecer cuando el protagonismo recae en la inexpresiva Catherine.

De todas formas un inicio de ciclo francamente atractivo (pese a…) aunque nunca sepamos a ciencia cierta quién dirigió qué.

Ni falta que hace, la verdad sea dicha.

Feliz Navidad y próspero Año Nuevo.

Iniciado por Alcaudón

De todas formas un inicio de ciclo francamente atractivo (pese a…) aunque nunca sepamos a ciencia cierta quién dirigió qué.

Bueno, según Renoir, el director fue Dieudonné, pero, como ya cité en mi comentario (recogiendo las palabras del propio Renoir en sus memorias), a continuación dice que él se entrometía constantemente en las labores de dirección. Probablemente fue un trabajo conjunto, muy "en familia", vista la presencia también de Renoir ante la cámara, o de su amigo Pierre Lestringuez. A pesar de todas las debilidades del film, visto el modo de producción y la acumulación de debutantes implicados, el resultado es bastante destacable.

Y estamos de acuerdo, como comenté, que la presencia como actor de Dieudonné, y el dibujo del personaje, es quizá lo mejor del film. Esa secuencia nocturna durante los carnavales de Niza, es, en mi opinión, lo mejor de la película, junto a la pasión por la imagen en movimiento, desbocada, de la persecución final, gusto por la velocidad muy propio de la época. En este sentido, recuerdo como especialmente logrado el mediometraje de Jean Epstein La glace à trois faces, de 1927.

1. La hija del agua (La fille de l'eau, 1925)



La fille de l’eau es, en sentido estricto, el primer film dirigido por Renoir (y producido por Les Films Jean Renoir, o sea, financiado con los cuadros heredados de papá). Como el anterior, si cabe de manera más acusada, la película tiene un cierto aire amateur, un desaliño formal que no sé si atribuirlo a la bisoñez de Renoir, a la copia que nos ha llegado (restaurada en 2005 por la Cinémathèque francesa) o a las veleidades experimentales del director.

El desaliño formal (en su descargo hay que decir que es difícil de valorarlo con el DVD disponible) se muestra en una iluminación un tanto descompensada (¿o es lo que pretendía conseguir Renoir?), en un montaje a veces poco fluido, con algunos errores de racord, y sobre todo en unos encuadres bastante imprecisos, con profusión de cabezas cortadas (¿problemas con el formato de la copia?). Renoir defendía en aquella época el montaje rápido y los ángulos extraños, así como una interpretación un tanto maquinal, como si los actores fueran marionetas o autómatas (no mucho después cambiaría radicalmente su forma de concebir el cine), lo que quizá justifica el maquillaje extremo e inverosímil de Catherine Hessling,



o el recurso a actores aficionados, como sus amigos Pierre Lestringuez o Pierre Champagne, aquí en el papel de Justin (Champagne murió en un accidente de tráfico en 1927 en el que se vio envuelto también Renoir).

Respecto a la historia que nos cuenta el film, hay que tener en cuenta que Renoir criticaba el cine francés de su tiempo: “Catherine y yo soñábamos con implantar en Francia un cine liberado de todo vínculo teatral o literario”, tomando como referencia el mundo de la pantomima. Puede sorprender esa intención primeriza en un director que va a adaptar obras literarias del peso de “Nana (la próxima entrega de esta revisión) o “La bête humaine”, ambas de Zola, o “Madame Bovary”, de Flaubert.

En todo caso, con La fille de l’eau, Renoir, que adapta un guion de Pierre Lestringuez (que, de nuevo, también participará como actor, en el papel del tío Jeff), nos entrega una mezcla de melodrama griffithiano y de galería de personajes chaplinescos. La película nos los va a hacer desfilar poco a poco, como si se tratara de un conjunto de pequeñas estampas costumbristas. Por una parte, tenemos a Gudule (la Hessling) que viaja a bordo de una barcaza, una péniche, a lo largo de un canal. Sirga la embarcación su tío Jeff, un bruto, mientras que controla la nave su padre, el cual pronto saldrá de escena, muerto ahogado. En paralelo, e inicialmente sin conexión, se nos presenta la familia Raynal: el padre, orgulloso de su coche nuevo; la madre, defensora de las apariencias, y el hijo, Georges (Harold Lewinstong), al que vemos montado en un caballo blanco.

Estas primeras secuencias en el canal son, probablemente, las más bellas del film, aunque las condiciones de la copia no son las mejores como para valorarlo. Renoir afirmó en su día que la película “nació en 1924 de la extraña unión de Catherine Hessling y el bosque de Fontainebleau. Teníamos una casa en Marlotte, junto al bosque. Catherine y yo descubrimos el encanto de aquel paisaje misterioso". Es sobre todo esta parte la que alimenta el tópico de considerarlo un film “impresionista”, algo muy tentador cuando el director es hijo de Pierre-Auguste Renoir. A mí, por otra parte, me han recordado la maravillosa L’Atalante, que años después dirigiría Jean Vigo (con un actor tan renoiriano como era Michel Simon).





Pronto, la huérfana sufre los abusos del su tío, incluso un intento de violación, entrando así el film en un terreno perfectamente codificado dentro del melodrama cinematográfico (y teatral y literario, a pesar de la opinión de Renoir): el de la huerfanita desvalida y sola en el mundo. Con la péniche en venta, porque Jeff ha dilapidado la herencia de su hermano, y asustada por el comportamiento del tío, Gudule (por cierto, tiene narices el nombrecito, veo que en imdb se la identifica como Virginia, probablemente el nombre del personaje elegido para la distribución internacional del film) no tiene más remedio que lanzarse al camino, como si fuera Lilian Gish en un film de Griffith o cualquiera de las jóvenes en apuros de los films de Chaplin.

Gudule va a ser acogida por unos “gitanos”: La Roussette, la madre, y La Fouine (literalmente, “la comadreja”), el hijo, un cazador furtivo. Con ellos, malvive a base de robar en los huertos vecinos, pescar en cotos privados y habitar un carromato, sin tiro, instalado en medio del bosque.

Los distintos personajes van desfilando: Justin, el granjero, que ahuyenta a La Fouine cuando descubre sus utensilios para pescar; el mecánico del pueblo, al que Justin cuenta su hazaña; el propietario del bar, donde se reúnen los hombres del pueblo, aquejado de un terrible dolor de muelas, etc.

La Fouine no se queda con los brazos cruzados y, como venganza, quema un pajar de Justin. La represalia del granjero, comandando una multitud enfurecida que sale del bar, será quemar el carromato de los gitanos, los cuales, previsoramente, han salido en estampida dejando atrás a Gudule. Aunque el film no carga las tintas en la escena, esa brutal venganza deja un poso amargo sobre el comportamiento del campesinado, una muestra de la violencia que anida en el interior de esa sociedad aparentemente bucólica y tranquila que nos habían mostrado las primeras imágenes del film.

Gudule vuelve a quedarse sola y desamparada, como la Catherine del film anterior. En una oscura noche tormentosa, elemento dramático al que Renoir recurre una vez más, la muchacha se queda dormida bajo un árbol, experimentando unas extrañas pesadillas. Sin duda, la secuencia de los sueños, de unos 6 minutos, es el fragmento más célebre y recordado del film (se llegó incluso a proyectar por separado, para sorpresa del propio Renoir, según cuenta en sus memorias). Renoir monta un conjunto heterogéneo de imágenes, recurriendo a toda una panoplia de trucajes: cámara lenta, fragmentos con movimientos hacia atrás, sobreimpresiones, imágenes deformadas… Incluso incluye la aparición de un reptil de aspecto siniestro.







A la mañana siguiente, Georges encuentra enfebrecida a la muchacha y la lleva a la casa de los Raynal. Allí convalece de su enfermedad y se va recuperando poco a poco (y, a su vez, va naciendo lentamente una atracción mutua entre ambos jóvenes). Pero, como mandan los cánones, reaparece el malvado Jeff (que podría ser uno de esos malos chaplinescos que encarnaba brillantemente Eric Campbell) exigiendo violentamente a su sobrina que le dé dinero.



Pero el “héroe”, el Georges del caballo blanco, dará buena cuenta del brutal Jeff, arrojándolo finalmente al canal, cuya corriente lo arrastra lejos (vamos, como si de un San Jorge matando el dragón se tratara). “Happy end” en toda regla.

Si nos fijamos en lo que nos cuenta, la película no tiene nada de especial, quizá un apunte tenebroso en la secuencia de la quema del carromato de los gitanos. Si valoramos el cómo, y hacemos caso a Renoir, que dijo que la película “solo era un pretexto para algunos planos que tenían un valor puramente visual”, el film se queda corto, porque salvo la secuencia de los sueños de Gudule y el inicio en el canal, el film me parece, en general, bastante convencional. Sea como sea, el film fue un fracaso, que Renoir asumió con una cierta desesperación, hasta que descubrió que el segmento de los sueños, lo más experimental del film, tenía un éxito insospechado.

En la próxima entrega, podríamos decir que Renoir da un giro inesperado a su carrera, adaptando la novela de Zola y rodando en Alemania, con un actor del prestigio de Werner Kraus. Pero eso será ya la semana que viene.

Lo que es un milagro es que películas tan antiguas siquiera hayan llegado hasta nuestros días. Hay que recordar que de cintas mucho más modernas y más famosas no se han conservado los negativos y las restauraciones deben partir del interpositivo o del internegativo o de lo que haya a mano.

Yo creo que mi copia está relativamente bien incluyendo los virados de color originales aunque tiro de memoria.

Desde luego no parece que Renoir empezara con brio su carrera cinematográfica.

Sin embargo, como bien dices su siguiente obra ya es una producción de empaque como es la adaptación a la gran pantalla de la famosa novela de Zola.

Iniciado por Alcaudón

Yo creo que mi copia está relativamente bien incluyendo los virados de color originales aunque tiro de memoria.

La copia que he visto es la que se editó en su día con los sellos de Studio Canal y Universal (mi copia también lleva el sello FNAC), en un pack junto a otros varios films de Renoir, bajo el rótulo "Colección Jean Renoir" (que es la que tú dijiste que tenías ).



Si realmente es la que tienes, los virados te los tendrás que pintar a mano. Es una copia con un buen contraste, pero que carece de la nitidez precisa como para apreciar bien el juego lumínico y los detalles. También, como he comentado, hay muchos planos en que se cortan las cabezas, y no creo que sea impericia del cámara, ya que, al menos uno de los dos acreditados, Alphonse Gibory, tenía ya una larga experiencia.

Querido amigo mad dog earle, efectivamente tengo esa copia pero además otra...

Y aunque mi memoria me jugó una mala pasada puesto que efectivamente la copia en HD carece de los habituales virados de la época e incluso se aprecia esa falta de nitidez (especialmente marcada en la escena del (pseudo)surrealista sueño) también es cierto que no he notado esos recortes de imagen que tú señalas.

Ah, y aunque está lejos de ser una gran película, incluso de una buena película, me parece superior a UNA VIDA SIN ALEGRÍA.

Es más me ha sorprendido muy agradablemente Catherine Hessling a la que no sólo he visto bastante entonada sino incluso (y pese al recargado maquillaje de la época) atractiva. Quién lo iba a decir después de su trabajo en la anterior cinta.

Espero comentarla siquiera levemente mañana para de esta forma ponerme con el visionado y posterior comentario de la demorada última cinta muda de Fritz Lang aprovechando que estoy de vacaciones hasta el 13 incluido, aunque tal vez haga alguna pequeña excursión campestre.

Lo de los recortes de cabezas no es durante todo el metraje, afortunadamente, pero sí en varios planos. Ya dirás si también lo notas en esa "otra copia".

Pues no, no los he notado. De hecho y al contrario que en la cinta anterior los intertítulos tampoco lo están.

Desde luego veo en la película una mayor influencia de Griffith que de Chaplin como espero demostrar en mi breve reseña.

Griffith era una influencia universal. Pero a mí me recuerda en muchos detalles a Chaplin, sin su humor (aunque de haberlo, haylo, como ese saco de patatas que cae sobre la cabeza de Gudule).

Pero en Chaplin el humor era consultancial a su estilo y a su puesta en escena.

El personaje que encarna Catherine me recuerda todavía más al de cierto cómic de prensa norteamericano que llegó a tener un éxito descomunal y al que haré también mención en mi comentario.

Aunque tal ver debería rectificar ese último comentario dado que dicho cómic se publicó más tarde que cuando aconteció el rodaje de la película.

Me ha vuelto a traicionar la memoria puesto que pensaba que el mismo había visto la luz en 1922 y no en 1924 como sucedió.

Me refería, por supuesto, a "Little Orphan Annie", de Harold Gray.

Alcaudón, no pasa nada. Que la verdad no te estropee un buen titular

El otro día me llegó "French can-can" en bluray... pero me espero al visionado correspondiente cuando toque en este ciclo para comentar juntos.

Mientras tanto, ve ensayando!!

Iniciado por tomaszapa

Mientras tanto, ve ensayando!!

"Sólo si tu me acompañas"...

Iniciado por cinefilototal

"Sólo si tu me acompañas"...

Por supuesto.

Curiosamente me pensaba que no había visto el film, y en su transcurso me iba sonando cosas, así que miré mi base de datos, o sea FA, y veo que ya la había visto hace unos cuatros años, le di un seis en esos años, ahora le daría la misma puntuación. Lo mejor, sería esa capacidad de arriesgar en lo visual de Renoir, que ya vi en el film número 0 y dirigiera quien lo dirigiera, siendo la escena, se ve que mítica, del sueño con una fiebre leve (me ha hecho mucha gracia ese matiz en los intertítulos). Dicho poderío visual en algunos momentos se me hace apetecible poder verla en BD, si hubiere o hubiese (según maese Bürger hayla), ya que poseo el mismo pack comentado, y siendo este muy completo (descatalgado, en CEX lo venden por 22€ y dan 10 en intercambio) la calidad de imagen es la que es, y parece que el negativo esté bañado al blanco, como bien dice Mad en su comentario, tanto blanco es algo molesto, sobretodo y precisamente en las mejores escenas del film, las de la fiebre leve . También me he dado cuenta de malos encuadres y como consecuencia, cabezas cortadas.

Sigo poniendo a la Hessling (otra vez un papel de alma en pena) en el grupo de Freaks, terror en estado puro en algunos primeros planos y ese exceso de maquillaje, en, otra vez, un mundo lleno de feas y feos. Y sobre el debate de Griffith o Chaplin, de Griffith creo que he visto una o ninguna (seguro que hay algún BD de Eureka de sus trabajos, en algún precioso pack para entrar en el mundillo Griffith, solo digo que sus films que tengo, por duración, me dan cierta pereza), de Chaplin si que he visto algo más, y si que, partiendo con ventaja de saber la admiración de Renoir por Chaplin, si que he notado algunas cosillas de éste en el film en forma de gag slapstick, como con el jovenzuelo pone el pie apoyado en un barril y en una conversación serie (o eso parece) hay un poco de cachondeito cayéndose dentro de el y empapándose de agua, Festival del humor, me ha parecido un poco forzado y que no venía a cuento. Otro detalle que me ha encantado y no se porque me ha recordado a Chaplin, es en su inicio cuando unos de los protagonistas, no se muy bien quien era, va caminando en dirección contraria a la de la barcaza, con la cámara estática y todo moviéndose, eso si en direcciones opuestas, una escena muy bella a la par que funny.

La música, seguimos en una made in French, con acordeón, ésta vez no la he encontrado tan pesadita como en el primer film y también con efectos sonoros que acompañan muy bien a la acción. No me ha gustado la pelea final, también experimentando como en el primer film comentado, la cámara me parece algo mareante y se marca algunas filigranas que me han parecido regulines, pero bueno, quien no arriesga no gana.

En resumen, film parejo al primero comentado, quizá me decanto un poco más por el primero, pero la hija del aguapor su ligereza duración y por cositas muy interesantes, merece la pena un visionado express. Por cierto tiene algún parecido con el film de la joven del agua de Shyamalan, film que aún no he visto, y por eso pregunto, evidentemente me refiero si hay alguna similitud argumental, entiendo que formal no creo que la haya. Venga pues nos leemos.

No veo mucha diferencia, no

01. LA FILLE DE L’EAU (1925, LA HIJA DEL AGUA)



Director: Jean Renoir.

Producción: Les Films Jean Renoir.

Productor: Jean Renoir (no acreditado).

Guion: Pierre Lestringuez.

Fotografía: Jean Bachelet y Alphonse Giboy, en blanco y negro (1.33:1).

Música (versión reconstruida): Antonio Coppola.

Montaje: -

Reparto: Catherine Hessling (Gudule), Pierre Philippe (Jeff, su tío), Marc Rosaërt (Su padre), Georges Térof (El señor Raynal), Madame Fockenberghe (La señora Raynal), Harold Lewingstone (Georges Raynal), Maurice Touzé (“El Comadreja”), Henriette Moret (“La Pelirroja”) y Pierre Champagne (Justin Crépoix).

Rodaje: junio/julio de 1924 en Bords du Loing, Bourron-Marlotte y el Bosque de Fontainebleau (Departamento de Sena y Marne).

Duración: 1 h 23 m 12 s.

Estreno: 20 de marzo de 1925.



Una pequeña reflexión antes de iniciar mi breve comentario.

Dado que la película no parte de ningún texto literario no acabo de entender la diferencia entre las funciones del adaptador (Renoir) y del guionista (Lestringuez) en la misma salvo que se asimile la figura del primero a la del argumentista.

Precisiones aparte, entremos en materia dado el tiempo es oro y mis rodillas de mantequilla.

LA HIJA DEL AGUA (bonito título, por cierto) vendría a ser una especie de continuación de la cinta anterior en el sentido de que la protagonista, Gudule (una, como ya adelantaba, mucho más entonada (y atractiva) Catherine Hessling), pronto se convertirá en huérfana, como lo era Catherine en UNA VIDA SIN ALEGRÍA; sufre el maltrato de su tío, Jeff (el mencionado Pierre Lestringuez, bajo el pseudónimo Philippe), como allí lo hacía a manos de las “buenas gentes” de Varance a instancias de Madame Mallet, la esposa de su patrón; en ambas acaba ejerciendo de criada; la inclusión de una secuencia (allí la llamaba set piece (malditos anglicismos…)) onírica de tono (falsamente) surrealista que bien podría emparentarse con la que ocurría en Niza entre ella y el macilento Maurice de marcado tono prebuñueliano y porque al final el Amor (nótese el uso de la Mayúscula) triunfa sobre todo y sobre todos.

Además habría que añadir la repetición de buena parte tanto del equipo técnico (a pesar de lo escueto al respecto de los títulos de crédito) como del reparto (Champagne, Hessling, Philippe, Térof).

E igualmente la forma de presentar a los personajes incluyendo el nombre de los actores en los propios intertítulos.



Eso sí, hubo un sensible cambio de localizaciones puesto que se pasó del suroeste (Departamento de Alpes Marítimos) al norte (Departamento de Sena y Marne).

He mencionado la secuencia del sueño de la enfebrecida Gudule y aunque el querido mad dog earle parece alabarla yo creo que rompe completamente el tono naturalista del relato, algo que no ocurría – al menos tan marcadamente – en UNA VIDA SIN ALEGRÍA.



Incluso Renoir se copia a sí mismo cuando usa el mismo efecto de "espejo retrovisor" que ya había utilizado en la cinta anterior.



Aunque hay que reconocer que tiene un cierto toque "draculesco" cuando los antagonistas de la joven reptan (como antes lo había hecho en el suelo el gigantesco camaleón) por las columnas que la rodean.



Y decía lo de (falsamente) surrealista porque el mismo tiene una explicación racional fácilmente asimilable, algo que iría en contradicción con la norma fundamental del movimiento.

Vamos, como Alfred Hitchcock en RECUERDA (1945)…

Estoy completamente de acuerdo en que LA HIJA DEL AGUA podría haber servido de inspiración a Jean Vigo para su primer (y único) largometraje, la espléndida L’ATALANTE (1934) y de la que guardo como oro en paño el pack(ete) “La obra íntegra de Jean Vigo” editado en formato DVD por Sherlock Films en 2005.

Y aunque la protagonista, su fiel perro y su benefactor me parecieron en principio un trasunto de Annie, Sandy y Oliver “Daddy” Warbucks del famoso cómic de prensa norteamericano “Little Orphan Annie” (1924-2010), de Harold Gray, rápidamente me he dado cuenta de mi error puesto que el mismo comenzó a publicarse con fecha 4 de agosto de 1924 y, por tanto, después de la finalización del rodaje de la película y, por supuesto, antes de que se convirtiese en un gran éxito, a uno y otro lado del Atlántico.





La filiación de la cinta con la obra de Charles Chaplin podría admitirse aunque Renoir apenas usa del humor algo que era consustancial a la obra del británico, salvo en momentos puntuales como la escena del robo en la huerta por parte de “El Comadreja” y Gudule o especialmente la de la visita del señor Raynal (Georges Térof, que hizo de “rival” político del honrado Georges (vaya lío con tanta repetición de nombres, tanto en la ficción como en la realidad)) al molino, con esa pareja de niños al estilo Zipi / Zape dignos de enmarcar o ese balcón que nos pone el corazón en un puño.







Sin embargo, donde sí bebe (y mucho) la película es del padre del melodrama cinematográfico y primer gran director de la Historia del Cine.

Me estoy refiriendo, lógicamente, a D(avid) W(ark) Griffith (1875-1948).

Y, especialmente, a LA CULPA AJENA (1919), también titulada – más acertadamente – LIRIOS ROTOS.

De hecho, la escena del intento de violación de Jeff a su sobrina es un calco (entiéndase la expresión) de una de las más bellas – pero terribles – de la citada película.

Como botón un ejemplo:





Renoir también parece imitar la forma de montar de los cineastas rusos como se puede ver en la escena de la quema del carruaje de los gitanos por parte de los aldeanos alentados por el tarambana Justin (Pierre Champagne).

Un argumento demasiado tenue con erróneas decisiones en mi modesta opinión como la muerte tan prematura del padre de Gudule y que si se hubiese demorado algo más nos hubiera conmovido algo al menos.

Pese a todo el relato es mucho más fluido, menos abrupto, que en la cinta anterior y algunas imágenes son ya un presagio de ese Renoir naturalista al que hacía referencia al inicio de la crónica y que serán uno de los sellos de identidad del cineasta, como podemos apreciar en una escena tan bella como la siguiente...









Lástima que la copia, aunque completa y que no incluye recortes en los fotogramas (como sí sucedía, al menos en el caso de los intertítulos, en la obra anterior) presenta un exceso de luminosidad, especialmente en la escena del sueño, donde a veces cuesta distinguir los rasgos de los protagonistas, aunque como bien comenta Earle bien podría ser decisión del propio director.



De cualquier forma, una ligera mejora frente a la película anterior y que paradójicamente aunque no le supondría precisamente un éxito comercial a Renoir si le abriría las puertas a un cine de mayor presupuesto como podremos ver la semana que viene con la adaptación de la famosa novela de Émile Zola, “Nana” (1880).

Ah, y al igual que en la cinta anterior, me parece muy adecuada la partitura al piano de Antonio Coppola (intuyo que sin relación de parentesco con quién ya sabes...) dado que la original, si la hubo (intuyo que sí), se perdió en la noche de los tiempos...

Feliz noche y dulces sueños.

P.D. Espero que no os importe que en lugar de los consabidos pósters originales, que en este caso además son harto difíciles de encontrar, incluya retratos del padre de Jean, el gran Pierre-Auguste. Eso sí, intento mantener la cohesión temática y cromática, como podréis apreciar si volvéis a mi crónica anterior. Que por falta de autobombo no quede.

Amigo Fletcher, ambas películas se parecen como un huevo a una castaña.

Iniciado por Alcaudón

Dado que la película no parte de ningún texto literario no acabo de entender la diferencia entre las funciones del adaptador (Renoir) y del guionista (Lestringuez) en la misma salvo que se asimile la figura del primero a la del argumentista.

Interpreto que el guion es de Lestringuez y la adaptación de ese guion en imágenes es de Renoir, pero estas distinciones son complicadas en los films de la época, ya lo vimos en la revisión de Hitchcock respecto al papel de Alma Reville. Además eran amigos y, como en el film anterior, me da la impresión que todo está hecho un poco como en familia.

Iniciado por Alcaudón

He mencionado la secuencia del sueño de la enfebrecida Gudule y aunque el querido mad dog earle parece alabarla yo creo que rompe completamente el tono naturista del relato, algo que no ocurría – al menos tan marcadamente – en UNA VIDA SIN ALEGRÍA.

¿Naturista o naturalista? En todo caso, no me parece ni una cosa ni otra. Si acaso hay quien lo inscribe en un cierto "cine impresionista", pero me parece una etiqueta poco adecuada. Por lo que respecta a la secuencia onírica (yo no diría surrealista, aunque tampoco me parece del todo desacertado: hay que tener en cuenta que el surrealismo, como movimiento, se crea precisamente en esas fechas con el "Manifest du Surréalisme", de André Breton), más que alabarla, lo que hacía era destacarla respecto al conjunto del film: "Sin duda, la secuencia de los sueños, de unos 6 minutos, es el fragmento más célebre y recordado del film (se llegó incluso a proyectar por separado, para sorpresa del propio Renoir, según cuenta en sus memorias)". No hay duda que si algún momento del film puede sorprender a nuestros envejecidos ojos de cinéfilos del siglo XXI es ese.

Iniciado por Alcaudón

La filiación de la cinta con la obra de Charles Chaplin podría admitirse aunque Renoir apenas usa del humor algo que era consustancial a la obra del británico, salvo en momentos puntuales como la escena del robo en la huerta por parte de “El Comadreja” y Gudule o especialmente la de la visita del señor Raynal (Georges Térof, que hizo de “rival” político del honrado Georges (vaya lío con tanta repetición de nombres, tanto en la ficción como en la realidad)) al molino, con esa pareja de niños al estilo Zipi / Zape dignos de enmarcar o ese balcón que nos pone el corazón en un puño.

Yo creo que, en el fondo, hay bastante más humor del que parece a primera vista (algo, por cierto, bastante presente en general en el cine de Renoir, incluso en films dramáticos). Y como ya hemos dicho repetidas veces, la admiración de Renoir por Chaplin era puro entusiasmo. No solo veo el toque chaplinesco en algunos pequeños gags, sino también en cierta caracterización de los personajes, desde el carromato de gitanos, presente en más de un film de Chaplin, al tío Jeff, pasando por el pillín de La Fouine. Pero eso, en el fondo, como lo de las semblanzas con Griffith, tampoco era nada excepcional, a fin de cuentas ambos eran dos referentes de magisterio cinematográfico de carácter universal.

Iniciado por Alcaudón

Lástima que la copia, aunque completa y que no incluye recortes en los fotogramas (como sí sucedía, al menos en el caso de los intertítulos, en la obra anterior) presenta un exceso de luminosidad, especialmente en la escena del sueño, donde a veces cuesta distinguir los rasgos de los protagonistas, aunque como bien comenta Earle bien podría ser decisión del propio director.
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Ah, y al igual que en la cinta anterior, me parece muy adecuada la partitura al piano de Antonio Coppola (intuyo que sin relación de parentesco con quién ya sabes...) dado que la original, si la hubo (intuyo que sí), se perdió en la noche de los tiempos...

Dos pistas para entender que no has visto la misma copia que Alex y que yo, y que no hablas del DVD publicado en el célebre pack que hemos sacado a colación más de una vez, ya que esa copia, además de los molestos recortes en los encuadres, lleva una banda sonora del mismo Marc Perrone, con su acordeón diatónico, autor también de la de Catherine (une vie sans joie), aunque, como Alex, creo que en esta ocasión la música está mejor ajustada a las imágenes. En todo caso, acláranos, si puedes, cuál es el origen de la copia que has visto.

Ah, y en mi caso me quedo con Catherine (une vie sans joie), la prefiero a esta La fille de l'eau, aunque ni una ni otra nos muestran todavía, como es natural, un Renoir maduro.

Mea culpa. No sé en qué estaba pensando...



- "El almuerzo sobre la hierba" (1863), de Édouard Mane. -

... cuando cambié la palabra naturalismo por naturismo...

¿O acaso fue porque Renoir realizó primero UNA PARTIDA DE CAMPO y más tarde COMIDA EN LA HIERBA?

En cuanto al material del que he partido procede de la reciente (2021) edición en BD de la mano de la norteamerican Kino Lorber:



https://www.kinolorber.com/film/whirlpool-of-fate

A mí, al contrario, me gusta más LA HIJA DEL AGUA que UNA VIDA SIN ALEGRÍA, quizás porque me ha sorprendido muy agradablemente la notable mejora como actriz de Catherine Hessling.

Iniciado por Alcaudón

... cuando cambié la palabra naturalismo por naturismo...

Lo que pasa es que al término "naturalismo" suele dársele un significado muy concreto. Precisamente, "naturalista" es como se califica la obra de Émile Zola, su gran representante literario, del que veremos dos adaptaciones en este ciclo dedicado a Renoir: la próxima entrega, Nana, y, posteriormente, La bête humaine (que recordemos que también adaptó Lang en Human Desire). En este sentido, La fille de l'eau no me parece en absoluto un film "naturalista".

Iniciado por Alcaudón

En cuanto al material del que he partido procede de la reciente (2021) edición en BD de la mano de la norteamerican Kino Lorber:

Pues ya tiene mérito un lanzamiento en BD de un film como este, menor dentro de la filmografía de Renoir. Un aplauso para Kino Lorber, mucho más si, encima, ha mejorado los encuadres, claramente deficientes de la copia en DVD de Universal-Studio Canal.

El encuadre no se, pero la duración....hay 15 minutos más en el BD.

Iniciado por Alex Fletcher

El encuadre no se, pero la duración....hay 15 minutos más en el BD.

Suponiendo que el dato sea correcto (imagino que sí, puesto que es la duración que indica Alcaudón en su ficha, y ya sabemos que para esto es muy puntilloso), eso no quiere decir que haya más contenido de imágenes. De entrada, en el BD son, por lo general, 24 fps y en el DVD son 25 (o sea, la duración de un DVD siempre es menor que un BD, al menos si es PAL). Además, en el caso del cine mudo, puede haber diferentes duraciones en función de la velocidad de paso. No creo que haya más "película". En todo caso, eso nos lo podría aclarar Alcaudón, que tiene las dos copias y las puede comparar. A veces me he encontrado con diferencias enormes entre dos copias que contienen exactamente los mismos planos.