Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Iniciado por DrxStrangelove

Hombre, pues sí, tienes razón. Pero como siempre me ha interesado más la parte irónica o cínica de Wilder pues "Ariane", que es esencialmente romántica, me sorprendió mucho. "Sabrina" también es romántica, pero como en mi opinión dista mucho de ser una buena pelicula, no la tengo muy en cuenta.

A mi, cada vez que la veo, me gusta más Sabrina. Pero es cuestión de gustos, claro. Wilder es tan grande, que en su filmografía caben todas las tonalidades sentimentales habidas y por haber. Y la mezcla de sensaciones que provocan sus filmes, es lo más.
La parte irónica o cínica es majestuosa en su filmografía, pero también a mi me encanta esa parte dramática (véase Días sin huella) o ese fatalismo y decadencia moral que muestra en otras (Perdición, El crepúsculo de los dioses o El apartamento) .

Iniciado por tomaszapa

A mi, cada vez que la veo, me gusta más Sabrina. Pero es cuestión de gustos, claro. Wilder es tan grande, que en su filmografía caben todas las tonalidades sentimentales habidas y por haber. Y la mezcla de sensaciones que provocan sus filmes, es lo más.
La parte irónica o cínica es majestuosa en su filmografía, pero también a mi me encanta esa parte dramática (véase Días sin huella) o ese fatalismo y decadencia moral que muestra en otras (Perdición, El crepúsculo de los dioses o El apartamento) .

Estoy de acuerdo contigo. Pues si puedo le daré otra oportunidad a "Sabrina" a ver si en un segundo visionado cambio de opinión, porque solo la he visto una vez.

Iniciado por DrxStrangelove

Estoy de acuerdo contigo. Pues si puedo le daré otra oportunidad a "Sabrina" a ver si en un segundo visionado cambio de opinión, porque solo la he visto una vez.

Yo tengo una anécdota personal. La primera o primeras veces que la vi, me situaba desde el punto de vista de William Holden. Parecen la pareja ideal, guapos, etc...Ya más tarde, vi otra película muy distinta cuando me ponía en el pellejo de Bogart. Supongo que en esa disyuntiva se ha colocado no solo Audrey sino la mayoría de los que hemos disfrutado con esa película.

Billy Wilder tiene grandísimas películas tanto dentro del cine "serio" (PERDICIÓN, EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES, EL GRAN CARNAVAL, TRAICIÓN EN EL INFIERNO, TESTIGO DE CARGO) como dentro de la comedia (EL MAYOR Y LA MENOR, BERLÍN OCCIDENTE, SABRINA, LA TENTACIÓN VIVE ARRIBA, ARIANE, CON FALDAS Y A LO LOCO, UNO, DOS, TRES, IRMA, LA DULCE, BÉSAME, TONTO, EN BANDEJA DE PLATA, ¿QUÉ OCURRIÓ ENTRE TU PADRE Y MI MADRE?, PRIMERA PLANA).

Y Wilder es especialmente grande cuando mezcla la comedia y la tragedia, o sea, EL APARTAMENTO y LA VIDA PRIVADA DE SHERLOCK HOLMES.

De hecho, si tuviera que quedarme con sólo tres películas suyas creo que me decantaría por:

- PERDICIÓN.

- EL GRAN CARNAVAL.

- LA VIDA PRIVADA DE SHERLOCK HOLMES.

Y si me apuráis aún más, me quedaría solamente con la tercera, en mi modesta opinión la mejor traslación a la gran pantalla del inmortal personaje creado por Conan Doyle (junto, of course, con EL PERRO DE BASKERVILLE de mi adorado Terry Fisher).

Joder, pues yo lo siento Alcaudón, pero a mi me tienen que cortar a rodajitas finas, como el salami, para elegir tres y menos uno (me caigo muerta ). De Wilder, de Almodóvar, de Hitchcock y de algunas otras debilidades, no puedo elegir. Sorry (seems to be the hardest word)

Iniciado por Jane Olsen

Que yo sepa no, pero las tienes todas en el tubo.

De pequeño recuerdo que por la tele (en la única cadena que existía) daban mucha animación de países del este. Siempre me acuerdo que en lugar del habitual The End aparecía la palabra Koniec que yo creía que era yugoslava y resulta que es polaca. O sea que los dibujos animados que yo pensaba que eran del ex-país de Tito eran en realidad polacos.

Si es fácil, amigo tomaszapa. Verás:

- De Frank Capra: CABALLERO SIN ESPADA.

- De Charles Chaplin: MONSIEUR VERDOUX.

- De Michael Curtiz y William Keighley: ROBIN DE LOS BOSQUES.

- De Cecil B. DeMille: LOS DIEZ MANDAMIENTOS.

- De William Dieterle: JENNIE.

- De Terence Fisher: DRÁCULA.

- De John Ford: CENTAUROS DEL DESIERTO.

- De Alfred Hitchcock: DE ENTRE LOS MUERTOS.

- De Howard Hawks: RÍO BRAVO.

- De John Huston: EL HOMBRE QUE PUDO REINAR.

- De Stanley Kubrick: 2001: UNA ODISEA EN EL ESPACIO.

- De Fritz Lang: LA MUJER DEL CUADRO.

- De Charles Laughton: LA NOCHE DEL CAZADOR.

- De Anthony Mann: WINCHESTER '73.

- De Roman Polanski: LA SEMILLA DEL DIABLO. (por alusiones... )

- De Nicholas Ray: REBELDE SIN CAUSA. ()

- De Ridley Scott: ALIEN.

- De Don Siegel: LA INVASIÓN DE LOS LADRONES DE CUERPOS.

- De Steven Spielberg: TIBURÓN.

- De King Vidor: ... Y EL MUNDO MARCHA.

- De Raoul Walsh: MURIERON CON LAS BOTAS PUESTAS.

- De Orson Welles: EL CUARTO MANDAMIENTO.

- De William Wyler: LOS MEJORES AÑOS DE NUESTRA VIDA.

- De Fred Zinnemann: TRES VIDAS ERRANTES.

... y así sucesivamente.

Claro que para mañana tal vez mi voluble mentalidad masculina me haga cambiar las elecciones.

Y ya estoy preparado para...

Iniciado por Alcaudón

De pequeño recuerdo que por la tele (en la única cadena que existía) daban mucha animación de países del este. Siempre me acuerdo que en lugar del habitual The End aparecía la palabra Koniec que yo creía que era yugoslava y resulta que es polaca. O sea que los dibujos animados que yo pensaba que eran del ex-país de Tito eran en realidad polacos.

Hubo una época, en los ochenta, en que efectivamente echaban por la tele muchas producciones europeas, sobre todo, procedentes del este de Europa, y no sólo animación rusa. Series y películas polacas, checoslovacas, austríacas, alemanas... Recuerdo Los visitantes, Arabella, La niña que vino del espacio, Ravioli, Pippi Calzaslargas... También daban un montón de series inglesas: Chocky, Reloj de Luna, Dr. Who... Y además, había una marcada preferencia por la ciencia-ficción, el misterio y la fantasía, en oposición al realismo a machamartillo de las producciones de los Pirineos para abajo. Creo que de esa época viene ya mi inclinación por lo fantástico, que en mi opinión, permite una mayor creatividad y experimentación en todos los campos y ámbitos.

La palabra Koniec es polaca, como todo buen amante de Faraón, sabe ...

Iniciado por Alcaudón

Si es fácil, amigo tomaszapa. Verás:

- De Frank Capra: CABALLERO SIN ESPADA.

- De Charles Chaplin: MONSIEUR VERDOUX.

- De Michael Curtiz y William Keighley: ROBIN DE LOS BOSQUES.

- De Cecil B. DeMille: LOS DIEZ MANDAMIENTOS.

- De William Dieterle: JENNIE.

- De Terence Fisher: DRÁCULA.

- De John Ford: CENTAUROS DEL DESIERTO.

- De Alfred Hitchcock: DE ENTRE LOS MUERTOS.

- De Howard Hawks: RÍO BRAVO.

- De John Huston: EL HOMBRE QUE PUDO REINAR.

- De Stanley Kubrick: 2001: UNA ODISEA EN EL ESPACIO.

- De Fritz Lang: LA MUJER DEL CUADRO.

- De Charles Laughton: LA NOCHE DEL CAZADOR.

- De Anthony Mann: WINCHESTER '73.

- De Roman Polanski: LA SEMILLA DEL DIABLO. (por alusiones... )

- De Nicholas Ray: REBELDE SIN CAUSA. ()

- De Ridley Scott: ALIEN.

- De Don Siegel: LA INVASIÓN DE LOS LADRONES DE CUERPOS.

- De Steven Spielberg: TIBURÓN.

- De King Vidor: ... Y EL MUNDO MARCHA.

- De Raoul Walsh: MURIERON CON LAS BOTAS PUESTAS.

- De Orson Welles: EL CUARTO MANDAMIENTO.

- De William Wyler: LOS MEJORES AÑOS DE NUESTRA VIDA.

- De Fred Zinnemann: TRES VIDAS ERRANTES.

... y así sucesivamente.

Claro que para mañana tal vez mi voluble mentalidad masculina me haga cambiar las elecciones.

Y ya estoy preparado para...

Y te faltan todas las del cine mudo .

-De Griffith, Intolerancia.

-De Fritz Lang, Las tres luces, Mabuse, Metrópolis

-De Robert Wiene, El gabinete del Dr. Caligari (el aniversario, el aniversario...).

-De Murnau, Amanecer, La luz que mata y Nosferatu.

-De Victor Sjostrom, La carreta fantasma y El que recibe el bofetón.

-De Tod Browning, El trío fantástico y Garras humanas

-De Paul Leni, El hombre de las figuras de cera y El hombre que ríe.

-De Rupert Julian, El Fantasma de la Ópera.

-De Erich Von Stroheim, Avaricia y La reina Kelly.

-De Alfred Hitchcock, El enemigo de las rubias.

-De Paul Fejos, Magia roja.

-De Henrik Galeen, El estudiante de Praga.

-De Jean Epstein, El hundimiento de la Mansión Usher.

-De Fred Niblo, Ben-Hur.

-De Chaplin, Tiempos modernos, La quimera del oro y Luces de la ciudad.

-De G.W. Pabst, La caja de Pandora.

Etc., etc...

Lo siento, no puedo
Si cojo (agarro para los argentinos ) a Capra, no puedo decir Caballero sin espada porque me quedo sin mis dos joyazas: Vive como quieras y Qué bello es vivir.

John Ford: Centauros del desierto. Pues me quedo sin Qué verde era mi valle o Las uvas de la ira o El hombre tranquilo.

Hitchcock: De entre los muertos. Pero no puedo desprenderme de La sombra de una duda o de La ventana indiscreta o de Psicosis o de La soga...

En Charles Laughton sí coincidimos

Iniciado por Jane Olsen

Hubo una época, en los ochenta, en que efectivamente echaban por la tele muchas producciones europeas, sobre todo, procedentes del este de Europa, y no sólo animación rusa. Series y películas polacas, checoslovacas, austríacas, alemanas... Recuerdo Los visitantes, Arabella, La niña que vino del espacio, Ravioli, Pippi Calzaslargas... También daban un montón de series inglesas: Chocky, Reloj de Luna, Dr. Who... Y además, había una marcada preferencia por la ciencia-ficción, el misterio y la fantasía, en oposición al realismo a machamartillo de las producciones de los Pirineos para abajo. Creo que de esa época viene ya mi inclinación por lo fantástico, que en mi opinión, permite una mayor creatividad y experimentación en todos los campos y ámbitos.

La palabra Koniec es polaca, como todo buen amante de Faraón, sabe ...



Y te faltan todas las del cine mudo .

-De Griffith, Intolerancia.

-De Fritz Lang, Las tres luces, Mabuse, Metrópolis

-De Robert Wiene, El gabinete del Dr. Caligari (el aniversario, el aniversario...).

-De Murnau, Amanecer, La luz que mata y Nosferatu.

-De Victor Sjostrom, La carreta fantasma y El que recibe el bofetón.

-De Tod Browning, El trío fantástico y Garras humanas

-De Paul Leni, El hombre de las figuras de cera y El hombre que ríe.

-De Rupert Julian, El Fantasma de la Ópera.

-De Erich Von Stroheim, Avaricia y La reina Kelly.

-De Alfred Hitchcock, El enemigo de las rubias.

-De Paul Fejos, Magia roja.

-De Henrik Galeen, El estudiante de Praga.

-De Jean Epstein, El hundimiento de la Mansión Usher.

-De Fred Niblo, Ben-Hur.

-De Chaplin, Tiempos modernos, La quimera del oro y Tiempos modernos.

-De G.W. Pabst, La caja de Pandora.

Etc., etc...

Creo que tu entusiasmo por Chaplin te ha traicionado el inconsciente, querida amiga...

Por supuesto, ninguna de ellas es la mejor película de su director (salvo en el caso de Charles Laughton ) pero todas ellas son, sin lugar a dudas, obras maestras del mejor cine de todos los tiempos.

Por cierto, amiga Olsen, apreciarás que de King Vidor he incluido THE CROWD...

Iniciado por Alcaudón

Creo que tu entusiasmo por Chaplin te ha traicionado el inconsciente, querida amiga...

Chaplin no me gusta especialmente , pero es de justicia reconocer la importancia de sus aportaciones. Quería poner Luces de la ciudad , ya lo he arreglado.

I knew it, of course...

A ver si ahora que (¡por fin!) estoy SOLO EN CASA (película, por cierto, que jamás he visto) me hago un ciclo de clásicos del cine mudo.

Por ahora me he visto STRAIGHT SHOOTING (primer (¡!) largometraje de John EL MÁS GRANDE Ford), NOSFERATU, EL VAMPIRO, EL FANTASMA DE LA ÓPERA, EL PIRATA NEGRO (el primer largometraje rodado enteramente en Technicolor - bicromático-) y EL ENEMIGO DE LAS RUBIAS, aunque sólo llegué a comentar las obras de Murnau, Parker y Hitchcock.

Iniciado por Alcaudón

I knew it, of course...

A ver si ahora que (¡por fin!) estoy SOLO EN CASA (película, por cierto, que jamás he visto) me hago un ciclo de clásicos del cine mudo.

Por ahora me he visto STRAIGHT SHOOTING (primer (¡!) largometraje de John EL MÁS GRANDE Ford), NOSFERATU, EL VAMPIRO, EL FANTASMA DE LA ÓPERA, EL PIRATA NEGRO (el primer largometraje rodado enteramente en Technicolor - bicromático-) y EL ENEMIGO DE LAS RUBIAS, aunque sólo llegué a comentar las obras de Murnau, Parker y Hitchcock.

Comentando estoy ahora las bandas sonoras del Fantasma silente en el hilo de las ídem. Si a mí me dejaran como a Macaulay Culkin y como a ti, quizá podría acabar pronto.

Llego tarde al debate, aquí un defensor de "Sabrina" que la prefiero mil veces a "Irma la dulce" y sólo un pelín más que a "el apartamento", en resumen, por ahora, es la comedia Wilder que más me gusta (ya he dicho que me gusta más el Wilder dramático). Sabrina encuentro una comedia muy juguetona, con situaciones y, sobretodo, diálogos muy traviesos y divertidos, con poco azúcar a pesar de ocurrir situaciones propensas a la edulcuración. Holden está bien, pero la Hepburn, se come la pantalla, y ver a ese Bogart medio payasete es una delicia



Tengo una duda, tengo un flashback con Humphrey Bogart con Hula hoop y creo que es en Sabrina, pero no recuerdo la escena con exactitud y además no la tengo muy fresca, sucede o son piraduras mías?

A mí también me suena esa escena de Bogart con el aro. No me extrañaría que fuera en Sabrina. En esa empresa tan seria, aparentemente, que el preside, se dan situaciones con mucho gag, como esa que aportas u otras, probando el plástico más resistente del mundo. Ahí aparece el Wilder más irónico, como en la escena de Holden boca arriba, con el culo malherido tras reventarse una copa de cristal en el pompis

Perdón, quería decir boca abajo. Porque el culo le duele

Además la magia que es el cine pues Bogart no congeniaba ni con Wilder ni con Holden ni con Hepburn (demasiado joven para él) que además eran todos ellos buenos amigos.

EL ÚLTIMO GRAN ROMÁNTICO DEL CINE CLÁSICO NORTEAMERICANO

O

REVISANDO LA FILMOGRAFÍA DE NICHOLAS RAY / PARTE XV:

AMÈRE VICTOIRE / BITTER VICTORY (1957)



Co-producción franco-norteamericana.

Estudio: Transcontinental Films, S. A. y Productions-Robert Laffont / Columbia Pictures Corp.

Productor: Paul Graetz.

Guión: René Hardy, Nicholas Ray y Gavin Lambert, basado en la novela homónima de René Hardy (París, 1955). Diálogos adicionales: Paul Gallico.

Dirección artística: Jean d’Eaubonne.

Fotografía: Michel Kelber (en b/n y CinemaScope).

Música: Maurice Leroux.

Reparto: Richard Burton (capitán Leith), Curd Jürgens (mayor Brand), Ruth Roman (Jane Brand), Raymond Pellegrin (Mokrane), Anthony Bushell (general Paterson), Sean Kelly (teniente Barton), Christopher Lee (sargento Barney).

Duración: 102 minutos.

Inicio de rodaje: 17 de febrero de 1957.

Estreno: 28 de agosto de 1957 (Venecia).

Segunda (y última) incursión de Nicholas Ray dentro de los terrenos del género bélico tras la fallida INFIERNO EN LAS NUBES (probablemente su peor película) y que siempre ha encontrado entre la crítica una posición que oscila entre el desprecio más absoluto y la admiración superlativa (ésta fue la película que provocó la famosa “boutade” de Jean-Luc Godard: "Había el teatro (Griffith), la poesía (Murnau), la pintura (Rossellini), la danza (Eisenstein), la música (Renoir). Pero desde ahora existe el cine. Y el cine es Nicholas Ray").

Igualmente, en la lista confeccionada por los (excelentes) críticos Javier Coma y José Luis Guarner (“La historia del cine a través de los géneros”), abortada por la prematura muerte del segundo y que incluía las mejores (o más representativas) muestras de cada género, se insertaba la hoy comentada obra de Ray, codeándose ese mismo año con obras más prestigiosas (y consensuadas) como MEN IN WAR (1957, LA COLINA DE LOS DIABLOS DE ACERO) de Anthony Mann, THE BRIDGE ON THE RIVER KWAI (1957, EL PUENTE SOBRE EL RÍO KWAI) de David Lean o PATHS OF GLORY (1957, SENDEROS DE GLORIA) de Stanley Kubrick.

Inédita en cines en nuestro país (y vista por primera vez a través de la pequeña pantalla en 1983 (por cierto, recuerdo tal acontecimiento )) BITTER VICTORY sigue siendo una obra extraña (o al menos, a mí me lo parece) dentro del cuerpo fílmico del autor.

En realidad BITTER… es más una producción francesa que norteamericana (quizás por ello sería más lógico usar el título original en francés, AMÈRE VICTOIRE, del que el inglés es transcripción literal) pues son dos las compañías de tal nacionalidad que se encargaron de la producción, la Transcontinental del alemán (pero afincado en Francia) Paul Graetz y la creada ex profeso por el poderoso editor Robert Laffont que había publicado la novela de René Hardy, la cual serviría de base argumental para la película. La Columbia, por su parte, se encargaría de ayudar en la financiación y de la distribución de la película.

Curiosamente, cuando se estrenó en el festival de cine de Venecia, donde compitió en la sección oficial, lo hizo bajo pabellón francés pero con los diálogos (originales) en inglés y con subtítulos en italiano. La película no llegaría a los salas comerciales norteamericanas hasta marzo de 1958.

Hagamos un breve resumen de la trama para hacernos una pequeña idea de la misma.

La acción discurre en África, en concreto en el desierto de Libia, durante la Segunda Guerra Mundial. La fecha (aunque no se indica en ningún momento) es 1943

La lucha que en el norte del continente negro está personificada en los antagónicos Montgomery y Rommel sirve de telón de fondo en esta sencilla (y a la vez compleja) historia cargada de un notable pesimismo sobre la condición humana y rodada por Ray en un prístino b/n y CinemaScope, lo que unido a la heterodoxa banda sonora de Maurice Leroux le otorga una extraña textura que parece acercarla más al cine de arte y ensayo que caracterizará el cine de la década siguiente que al gran espectáculo que los productores imaginaban en un principio.

Teniendo en cuenta que el propio autor de la novela, René Hardy (un ex-miembro de la Resistencia que (al parecer) acabó finalmente delatando a compañeros después de su arresto (y – presuntamente – tortura) por los alemanes) intervino en el guión es de suponer (no he leído la novela por lo cual no son más que conjeturas) que los hechos narrados en la gran pantalla guardan notable fidelidad a lo acontecido en la novela. El propio Nicholas Ray y su amante en aquellos años, Gavin Lambert (que aparece por primera vez acreditado en uno de sus films), con la colaboración de Paul Gallico, ayudarían (imagino) a pulir las aristas de una película en las antípodas del cine bélico más comercial y que lo aunaría a propuestas coetáneas como las arriba indicadas.

La misión que se les encomienda al mayor David Brand (Curd Jürgens) y al capitán James Leith (Richard Burton) es a la vez un mero trámite y una aventura arriesgada (al menos es así como se lo explica a cada uno su superior, el general Paterson (Anthony Bushell – quién, por cierto, dirigió una película para la Hammer, la simpática THE TERROR OF THE TONGS (1961) – [y la nota sobre la célebre productora británica no es baladí como enseguida veremos...]): tienen que atacar el cuartel general de los alemanes en Bengasi (una ciudad del noroeste de Libia en la costa del mar Mediterráneo) y conseguir unos documentos vitales sobre las operaciones del citado Rommel que podrían cambiar el curso de la guerra en el continente.

En realidad (y como bien han apuntado otros críticos (más acreditados) que yo) la citada operación, que por otra parte se resuelve en un principio favorablemente y con escaso derramamiento de sangre (al menos del lado de los británicos), no es más que el “Macguffin” con el que Ray (o Hardy) insertan el tema bélico en una trama que es más bien de un lado la rivalidad amorosa entre Brand y Leith por el amor de una mujer, Jane, la esposa de Brand (Ruth Roman) y de otro una reflexión sobre el tema del valor (como lo eran las (en mi modesto entender) superiores THE RED BADGE OF COURAGE (1951) de John Huston o THEY CAME TO CORDURA (1959) de Robert Rossen) y el absurdo de la guerra.



Ese triángulo amoroso apuntado por Ray (pero en mi opinión no demasiado bien explicitado) recordaría algo al más famoso de la mítica CASABLANCA (1942), donde Burton haría de Bogart, Roman de Bergman y Jürgens de Henreid. El primero conoció a la segunda antes del inicio de la guerra pero no fue lo suficientemente valiente como para aceptar el amor incondicional de ella. Ella, tal vez despechada, se casó con el tercero, un hombre a quién respeta pero que, en el fondo, no ama.

Y aquí entraríamos en los gustos de cada uno. Lo cierto es que ni Burton, ni Jürgens ni Roman han sido nunca actores/actrices por los que haya sentido gran admiración (especialmente en los dos últimos casos). Aunque también he de decir que ambos co-protagonistas masculinos están bastante bien, especialmente Jürgens, que tiene un papel más ingrato pero también más complejo.

Retomando el hilo de la trama, el éxito (aparente) de la misión no es obstáculo para que el regreso al puesto de mando británico a través del desierto (en realidad la historia es más una vuelta que una ida, como en la genial OBJECTIVE, BURMA! (1945, OBJETIVO: BIRMANIA) de Raoul Walsh o la más contemporánea THE WARRIORS (1978, THE WARRIORS (LOS AMOS DE LA NOCHE)) de Walter Hill) sirva de nudo y de desenlace de la trama.

La rivalidad entre Leith, un arqueólogo experto en la antigua Roma y sus colonias, que habla árabe y que tiene una sólida amistad con el nativo Mokrane (el actor francés Raymond Pellegrin) y que se alistó como voluntario en el ejército (como proclama orgulloso ante su superior cuando es tanteado para la misión) y Brand, un militar de carrera, de origen sudafricano, que habla alemán (recordemos que Curd Jürgens era… alemán) pero no árabe (síntoma de su desprecio – o desidia – por la cultura y los habitantes del lugar), agravada por el interés amoroso que todavía se manifiesta entre James y Jane, será el detonante que acabará por inclinar la balanza a un lado o a otro.



Un Brand que nunca antes había entrado en combate (como tampoco, por cierto, Leith) y que a las primeras de cambio, cuando atacan el cuartel general de los alemanes se ve incapaz de matar con su cuchillo al centinela que lo protege. Y será el propio Leith quién tenga finalmente que hacerlo. Un acto de cobardía que Brand piensa que Leith podría utilizar en su contra al regreso de la misión, pues su único interés en la misma es la subida en el escalafón.

Como bien comenta Lieth cuando están ya de regreso a la base, a Brand no le importa el matar a alguien sino la proximidad a ese alguien. Si hubiera tenido que matar al centinela con un rifle con mirilla no hubiera tenido ningún escrúpulo. No deja de recordarme ese comentario a uno similar en la gran obra maestra de Charles Chaplin, MONSIEUR VERDOUX (1947, ídem) sobre que los número santifican: si matas a un sólo hombre, eres un asesino; si matas a miles, eres un héroe.

Tan pronto como tiene oportunidad Brand intenta quitarse de en medio a Leith y para ello le deja con tres soldados heridos, dos británicos y uno alemán. Evidentemente, los heridos iban a ser abandonados (Brand se escuda en las órdenes recibidas para salvar la cara frente a sus hombres) y con ellos desaparecería un testigo incómodo (y un firme rival amoroso).

En una de las escenas mejores (y más duras) de la película Leith mata de un disparo en la cabeza al soldado alemán aunque éste, chapurreando en inglés y enseñándole un foto de su esposa, intenta hacer entender a James que él no es más que un simple soldado. Terrible escena.

Cuando piensa hacer lo mismo con el soldado británico que todavía sobrevivía se da cuenta de que ya no tiene balas en la recámara. El soldado no tiene miedo a morir y sólo le pide que sea rápido. Pero finalmente decide intentar salvarle cargando con él a cuestas y con la ayuda de Mokrane que siempre ha permanecido a su lado.



Todo ello en vano, pues el soldado no tarda en morir. En otro de esos comentarios que parecen más sentencias, Leith le dice a Mokrane que no hace más que matar a los vivos y salvar a los muertos.

Cuando finalmente contacta con la partida de Brand (quien ya lo daba por muerto) la historia entra en su tramo final.

Un Brand que mientras descansa en la arena del desierto ve con pánico (algo que es observado por sus hombres) como un escorpión se pasea por su bota y aparta el pie bruscamente pero sin matar al animal. Algo en la mirada del sudafricano deja ver que algo dentro de él se ha roto.

Ese mismo escorpión que Brand fue incapaz de matar será el que acabe por picar a Leith y le provoque finalmente la muerte.

Pero antes el mismo Brand comprobará con sorpresa que no es tan difícil matar a un ser humano cuando tiene que acabar con Mokrane quien pretendía vengarse por lo sucedido con Leith.

Y no deja de ser paradójico que cuando están a punto de llegar a su cuartel una terrible tormenta de arena amenace con acabar con los restos de la patrulla y especialmente con Brand y sea el moribundo Leith quien le salve protegiéndole con su cuerpo.

Y Brand recibirá su recompensa, su “medalla al valor” (y su respectivo ascenso) pero que ya no le servirá de nada pues ha perdido el amor de su mujer y el respeto de sus hombres.

Y sin embargo algo ha cambiado dentro de él.

En un plano final que enlaza con el inicio de la película, donde vemos unos maniquíes que sirven de entrenamiento que se preparan para la misión, Brand coloca la medalla en el corazón dibujado en uno de ellos como reconocimiento de la verdad.



Quizás un magro consuelo pero sin duda una muestra de que tal vez ha alcanzado la humanidad que le demandaba su rival (y sin embargo salvador) Leith.

Feliz noche y dulces sueños a todas las personas de buen corazón que habitan este humilde planeta.



P. D. Ah, y se me olvidaba. La referencia a la mítica Hammer viene por la presencia en un pequeño papel del gran Christopher Lee. Un Christopher Lee que acababa de rodar la fundacional THE CURSE OF FRANKENSTEIN (1957, LA MALDICIÓN DE FRANKENSTEIN) y que una vez finalizado el rodaje de la obra hoy someramente reseñada se embarcaría en su más memorable encarnación, el conde Drácula de, of course, DRACULA (1958, DRÁCULA). Ambas, obvia decirlo, obras maestras del genial Terence Fisher.

Y, por cierto, que Lee echaba pestes de la película en sus memorias recordándolo como uno de los peores rodajes de su más que dilatada carrera.

Nadie es perfecto.

Ahora sí me voy.

Agur.

Sobre Labyrinth (Jim Henson, 1986), sin spoilers importantes:




Como todas las Navidades he revisado mi única película fija en ese campo (porque, lo que son los días señalados no suelo tener demasiado tiempo y los del medio normalmente me largo de viaje), Labyrinth. Intento verla la mañana del 24 pero muchos años no ha sido posible. Este sí. Ignoro porque me gusta verla ese día, ni siquiera sé porque tiene aire navideño para mí, pero así es.

He hablado de ella muchas veces, habrán caído algunos tochos, así que hoy quiero recordar la creciente (para mí) cantidad de dobles lecturas de esta película. SÉ que vivimos en la época de la deconstrucción, el sobre análisis, auspiciado por la era de las redes, pero en el caso de Labyrinth me parece impepinable.

En cierta forma le debemos parte de esto, o todo, a una mezcla de esas que suceden en Hollywood. O no, se lo otorgo yo pero creo que los tiros van por ahí. El film nace, tras Dark Crystal, de la mano de Jim Henson y Brian Froud, diseñador conceptual (y eso en este film es casi narrativa pura), pero cuando encomiendan el guión a Terry Jones, y las posteriores reescrituras, aparece esa extraña amalgama del Mago de Oz, Maurice Sendak, y demás influencias, pero con una particular pericia para, calzado sobre el laberinto que debe recorrer Sarah, no quedarnos muy claro que demonios está ocurriendo ahí.

Decía de esa mezcla porque la entrada de George Lucas (es lo que tiene que entre un productor creativo) y otros dejó el guión en algo que el propio Jones no reconoce del todo como suyo:

"I didn't feel that it was very much mine. I always felt it fell between two stories, Jim wanted it to be one thing and I wanted it to be about something else." Jones has said his version of the script was "about the world, and about people who are more interested in manipulating the world than actually baring themselves at all."

Por lo que leo, Jones hizo una historia más general, con un villano que atrapa víctimas en su laberinto, mientras que Henson y demás dejaron el film como una historia personal.

Y aquí viene el asunto. Todo son dudas y posibles dobles lecturas desde que, literalmente, desaparecen los títulos de crédito:

-Sarah es una chica de 16? años (15 tenía Connelly) que pasa las tardes recitando sola en un parque, vestida con atuendo y adornos infantiles, de cuento.



-Cuando recibe una puya de su madrastra (que QUIERE que su hija tenga citas, lo veis? El film es raro) tiene un enfado totalmente infantil, impropio de su edad (en la cual en los films yankees los adolescentes son casi adultos ) y justo después..

-Justo después recibe la visita de Jareth. Pero todo eso es real? Es un film de fantasía? Hasta ese momento, aunque sean unos minutos, no hemos visto nada más que a una chica que, tal vez, puede estar un poco loca (o del todo). Porque cabe la opción de que todo el film ocurra en la maltrecha consciencia de Sarah, obligándose a perder a su hermanastro para recuperarlo, y con ello poder -por fin- quererlo y hacer lo correcto.



-Sin embargo todo lo que vemos en el film, además del fascinante mundo del laberinto, está repleto de metáforas sobre la adolescencia, el sexo, las responsabilidades... La relación con Jareth es cuanto menos curiosa: esos pantalones, ese baile de máscaras o ese discurso final.

-Es más, cuando Sarah abandona el Laberinto, aparte de que lo hace como ha entrado (sin túnel o puerta tipo Narnia), aumentando la sospecha de que es un sueño/imaginación, confiesa a sus nuevos amigos la posible necesidad de su presencia durante su vida adulta, aceptando tal vez que nunca será una persona cuerda.



Sí, luego está el propio David Bowie, con sus pintas, sus canciones (algunas me gustan, otras no tanto pero en general son de una etapa que, no sé, no es que me convenza), que rompen todo esa intriga de dobles capas que comentaba pero la he visto TANTAS veces que ya forman parte de la experiencia (aunque siempre me salto el número de las cabezas voladoras).

Os dejo, de nuevo, dos fascinantes lecturas sobre este film a cargo de John Tones:

Primera parte

Segunda parte

A mi me encanta su ambiguedad. No deja de ser una relectura del mago de oz como dices (los compañeros de Sarah pueden representar hasta cierto punto, arquetipos de su personalidad, como la negación del compromiso de Hoggle, la inocencia de Ludo o la osadía de Sir Dydimus, que va acompañada de una total falta de conocimiento, algo muy adolescente ).

Si algo me gusta de ella es ese final, donde se asume el paso a la madurez, el compromiso y las responsabilidades pero sin matar la magia del todo en el proceso: Sarah puede deshacerse de sus juguetes y legárselos a su hermano, pero no renuncia completamente a soñar el resto de su vida.

Puede que todo ocurra simplemente en la mente de una niña que pasa una noche aburrida y deja llevar su imaginación y fantasea, como probablemente hayamos hecho todos de niños. Creo que la locura es un punto de vista excesivo, aunque hay momentos ciertamente curiosos y hasta siniestros, sobre todo el baile tras morder la manzana y el posterior despertar en ese chatarrero, acompañada de esa siniestra vieja que la acompaña a lo que parece ser su habitación, y... esa escena no deja de ser un bálsamo contra el apego excesivo a los objetos antes que a las emociones y a las personas, algo que conecta con el final.

A ver si me la puedo ver de una vez, que dije hace tiempo que lo haría, y no he podido .

Todo la historia y la estética tienen como un toque fantasmal que me resulta sugerente...

Iniciado por Charles Lee Ra

A mi me encanta su ambiguedad. No deja de ser una relectura del mago de oz como dices (los compañeros de Sarah pueden representar hasta cierto punto, arquetipos de su personalidad, como la negación del compromiso de Hoggle, la inocencia de Ludo o la osadía de Sir Dydimus, que va acompañada de una total falta de conocimiento, algo muy adolescente ).

Si algo me gusta de ella es ese final, donde se asume el paso a la madurez, el compromiso y las responsabilidades pero sin matar la magia del todo en el proceso: Sarah puede deshacerse de sus juguetes y legárselos a su hermano, pero no renuncia completamente a soñar el resto de su vida.

Puede que todo ocurra simplemente en la mente de una niña que pasa una noche aburrida y deja llevar su imaginación y fantasea, como probablemente hayamos hecho todos de niños. Creo que la locura es un punto de vista excesivo, aunque hay momentos ciertamente curiosos y hasta siniestros, sobre todo el baile tras morder la manzana y el posterior despertar en ese chatarrero, acompañada de esa siniestra vieja que la acompaña a lo que parece ser su habitación, y... esa escena no deja de ser un bálsamo contra el apego excesivo a los objetos antes que a las emociones y a las personas, algo que conecta con el final.

Es un film fascinante, sin duda. Cuanto más lo pienso más creo que todo ocurre en su cabeza, algo que ni me planteé hace 20? año así. Tengo 41 pero la vi por primera vez con cierta edad (mejor, así no mitifico, menudo palo). El tema de locura lo apuntan ese tremendisimo artículo:

Escribí que no era un final tan feliz como aparentaba: en el mejor de los casos, era un elogio de la domesticación de la fantasía; en el peor, esa niña estaba chiflada. Una avalancha de fans del lado más lumínico de Bowie, de Lady Halcón y La Historia Interminable The Film me calificaron de amargado y viejo pervertido. Por aquel entonces me inquietó que casi solo yo fuera capaz de percibir el poso amargo que Dentro del Laberinto deja tras un visionado atento; hoy, un poco viejo y cascao, recuerdo aquello como una confirmación de la multiplicidad de lecturas que despierta una película tan aparentemente inofensiva. Dentro del Laberinto, enigmática y conscientemente difusa en la exposición de su mensaje es hoy, varias décadas después de su estreno, casi virtualmente inagotable.

Joder me encanta como escribe este tipo. Me recuerda a mi, salvando las distancias (a su favor, claro!).

Iniciado por Jane Olsen

A ver si me la puedo ver de una vez, que dije hace tiempo que lo haría, y no he podido .

Todo la historia y la estética tienen como un toque fantasmal que me resulta sugerente...

El tema Bowie y sus canciones (son muy pocas, de hecho), puede costar, y el tema marionetas según como (a mi ahí ya no, me encantan) pero el film, ciertamente, tiene un noseque que te atrapa. Rezuma mala leche, muy poco infantil o juvenil, algo que sólo he visto pasados los 30 (voy tarde con todo, sin novedad ).

El asuntillo de cariz casi sexual entre Sarah y Jareth es... Joder, es raro, pero aplaudo el atrevimiento de Henson y cía.

Sobre la relación entre Sarah y Jareth se incide poco en la propia película, para no dejar claro en ningún momento si se trata de una pulsión erótica adolescente, una relación romántica consistente o un caso más de la atracción de cualquier chica por el feriante / malote / leader of the pack prototípico. La película no es más explícita, entre otras cosas, porque Jennifer Connelly tenía quince años cuando rodó la película, y dudo que Henson tuviera la más mínima intención de teorizar sobre las pulsiones lolíticas.

Iniciado por Alcaudón

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Teniendo en cuenta que el propio autor de la novela, René Hardy (un ex-miembro de la Resistencia que (al parecer) acabó finalmente delatando a compañeros después de su arresto (y – presuntamente – tortura) por los alemanes) intervino en el guión es de suponer (no he leído la novela por lo cual no son más que conjeturas) que los hechos narrados en la gran pantalla guardan notable fidelidad a lo acontecido en la novela. El propio Nicholas Ray y su amante en aquellos años, Gavin Lambert (que aparece por primera vez acreditado en uno de sus films), con la colaboración de Paul Gallico, ayudarían (imagino) a pulir las aristas de una película en las antípodas del cine bélico más comercial y que lo aunaría a propuestas coetáneas como las arriba indicadas.

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Desconocía este dato, no sabía de ese supuesto amor, que en otra fuente (citada por la Wikipedia) se explica como "a brief love affair".

A mí me parece recordar la película (que tengo que revisar, espero hacerlo mañana) como un alegato antimilitarista, donde el muñeco de entrenamiento juega un claro papel simbólico. El reparto no es demasiado atractivo, aunque en mi caso Richard Burton sí me parece un gran actor, pero con una carrera muy irregular.

LA GRAN BELLEZA (2013) -PAOLO SORRENTINO-

Un gran amigo, conocedor de mis vicios sanos, me sugiere que quiere revisar este film, en uno de mis viajes a la patria no hay suerte, pero si en las navidades, y en Blu-ray, y yo, soy de los pasivos, o sea que les gusta recibir más que dar, se tendrá que aclarar esta frase no?, pues eso, que me gusta que me recomienden más que recomendar, y previamente trincándonos una fideuá nos deleitamos con este espectáculo visual, "la gran belleza", es un film que se tiene que ver pero no es recomendable para cualquier paladar, me imagino a mi mujer pidiendo el divorcio después de un visionado obligado por mi parte.

Conozco poco el cine de Fellini, pero habiendo visto la "Dolce vita", uno la asocia rápidamente, y a la par a Marcelo Mastroianni con el muso de Sorrentino, y excelente actor (para mi nada que envidiar a Mastroianni) Toni Servillo. El film no para de repartir coces directa a los huevos a la sociedad elitista y hedonista, y claro, en particular, la italiana, donde la fiesta de alto standing y las poses son el día el día. El impacto visual del film es incuestionable, y su narrativa aunque a ritmo lento, no da síntomas de aburrimiento (se me hizo corta), ayuda mucho los toques surrealistas o exagerados para plasmar el putiferio de dicha clase social, como por ejemplo, la niña haciendo un cuadro con ira, el surtidor de botox al estilio de administración del estado, con su tiquet de turno corresponidente, entre otras cosas. El toque musical es muy destacable, com muchos matices a descubrir. Roma es plasmada de manera muy particular, limpia y vieja, vacía de espíritu y de personas, a veces parece una ciudad fantasma sólo habitada por la gente de (aparente) clase alta, cosa que los italianos tienen ese poder, aparentar clase alta sin serlo (en algunos casos, por ejemplo el protagonista se mueve entre la clase media y alta, tiene un piso al lado del coliseo pero duerme en un sofá cama), la característica de la ciudad sería soledad, tristeza y vacío, el cual traspasa a la perfección dichos valores a sus integrantes y protagonistas del film, los personajes del film son tan interesantes por ser tan poco interesantes, llenos de tristezas y frustaciones, a la par que aburrimiento y astío por lo que son, un vacío total sin rumbo fijo, en busca de su propia realidad en su propio mundo, buscando "la gran belleza".