Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Iniciado por Alcaudón

Simplemente es una mala película, independiente de que sea o no fiel al relato original.

Aunque es cierto que el haber leído previamente la obra condiciona indefectiblemente su visionado en la gran, o en mi caso en la pequeña, pantalla.

Y es una lástima porque tenía esperanzas en ella.

Ahí está, por ejemplo, el anhelado proyecto de Guillermo del Toro de la adaptación de "En las montañas de la locura" esperando un viento propicio para su cristalización.

Yo intuyo, como decía en el post anterior, que esa misma clave que señalas es fundamental en tu caso. Porque la película ha tenido bastante buena acogida entre la crítica (un 86 por ciento de aprobados en rotten).
De todas formas, en mi caso, me haré con ella. Iré con prudencia, pero me puede, aparte de la opinión de un segundo doctor, la pedazo de edición que ha sacado AC.

El grado de fidelidad de un texto literario no implica ni mucho menos la calidad de una película.

Ahí tenemos, por ejemplo, el caso de BLADE RUNNER.

Una excelente película pero una mala adaptación de la novela de Philip K. Dick "¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?".

O al revés.

Cualquiera de los grandes melodramas de Douglas Sirk es infinitamente superior a los materiales que tomaba como base.

Pero, evidentemente, lo quiera uno o no, condiciona y mucho la lectura previa del original literario.

Ahora mismo, por ejemplo, estoy leyendo desde el principio "Al Este del Edén" de John Steinbeck, de la que Elia Kazan únicamente tomó su tramo final para elaborar su magistral película y pese a mis propios prejuicios me está gustando y mucho la novela.

Iniciado por tomaszapa

Yo intuyo, como decía en el post anterior, que esa misma clave que señalas es fundamental en tu caso. Porque la película ha tenido bastante buena acogida entre la crítica (un 86 por ciento de aprobados en rotten).
De todas formas, en mi caso, me haré con ella. Iré con prudencia, pero me puede, aparte de la opinión de un segundo doctor, la pedazo de edición que ha sacado AC.

No hagáis demasiado caso a las puntuaciones de las páginas "supuestamente" especializadas.

Lo cierto es que la película de Richard Stanley en ningún momento alcanza a transmitir el horror (¡el horror!) que destilan las páginas del (breve) cuento de Lovecraft, cosa que sí hace, por el contrario, el cuidadoso trazo de Alberto Breccia en el magnífico cómic que indicaba.

De hecho, nadie como el dibujante uruguayo ha sabido plasmar el extrañamiento que produce la prosa recargada del autor de Providence.

Si tuviera que indicar alguna adaptación aceptable e incluso correcta del mundo de Lovecraft me quedaría con el Roger Corman de THE HAUNTED PALACE (1963) o por qué no, el díptico nacional LA HERENCIA VALDEMAR/LA SOMBRA PROHIBIDA (2010) de José Luis Alemán.

¡Cielos, no! El díptico de Alemán me pareció malísimo. El personaje de Óscar Jaenada era ridículo hasta decir basta.

Iniciado por Alcaudón

De hecho, nadie como el dibujante uruguayo ha sabido plasmar el extrañamiento que produce la prosa recargada del autor de Providence.

Amén

Iniciado por Alcaudón

El grado de fidelidad de un texto literario no implica ni mucho menos la calidad de una película.

Ahí tenemos, por ejemplo, el caso de BLADE RUNNER.

Una excelente película pero una mala adaptación de la novela de Philip K. Dick "¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?".

O al revés.

Cualquiera de los grandes melodramas de Douglas Sirk es infinitamente superior a los materiales que tomaba como base.

El mismo Hitchcock, que hemos revisado hasta la extenuación, hizo películas increíbles a partir de textos bastante normalitos, o incluso, alguno más mediocre. Pero es que Hitchcock era especial. Tenía en mente una película y la desarrollaba en dibujos, en storyboards. Ahí acababa lo divertido, según se desprende de sus palabras.

Iniciado por mad dog earle

¡Cielos, no! El díptico de Alemán me pareció malísimo. El personaje de Óscar Jaenada era ridículo hasta decir basta.

Tiro de memoria, amigo Earle, dado que la vi tan pronto salió en DVD pero tengo el lejano recuerdo de que no estaba mal.

¿Y qué te parece la adaptación de Corman?

Tiene detalles lovecraftianos, pero en general H. P. no ha estado demasiado bien tratado en el cine. Hace un tiempo hablamos de bastantes adaptaciones del de Providence en otro hilo de Cinefilia dedicado a él.

Almanaque de Otoño (1984)



Tras realizar “Nido Familiar” el director húngaro filmaría en 1981 “El Intruso” y en 1982 dos films más, “Hamlet” (para televisión) y “Gente Prefabricada”.

Desgraciadamente no he conseguido ver todavía ninguna de las tres (las únicas que me faltan de su filmografía), aunque todo se andará. Sin embargo, es importante señalar que en “Hamlet” hace su primera incursión al color y también que empieza a utilizar el plano secuencia para narrar sus historias; recurso que, justo después de la película que ocupa esta reseña, “Almanaque de Otoño”, perfeccionará hasta la extenuación convirtiéndolo en el valor más importante para dar impulso a su cine; y digo que es importante señalarlo porque precisamente en “Hamlet” utiliza tan solo dos planos secuencia para contar toda la película. Así que debe de ser interesante comprobar cómo mueve la cámara para tratar de mantener la atención del espectador, sobre todo teniendo en cuenta que fue una producción para TV donde los patrones cinematográficos son más restrictivos. Algo que por cierto, hasta no hace mucho, seguía siendo así. En las escuelas te marcaban muy bien los tiempos y requerimientos de las cadenas para elaborar sus series y films. Aunque ahora, con la explosión del streaming, probablemente haya cambiado bastante.

Pero en fin, para no alargarme más, señalar que “Almanaque de otoño” es la primera y última película que ha dirigido en color destinada al cine. Y en términos de forma, como contaré a continuación, la película es una excepción en varios aspectos (no solo en el del color) que la distinguen de las demás convirtiéndola en una rareza dentro de la filmografía del director.



La historia se desarrollará íntegramente entre las paredes de un piso burgués bastante amplio a la par que deteriorado, cuya propietaria, por miedo a la soledad, convive con su egoísta y desconsiderado hijo y con tres inquilinos más: un profesor de mediana edad con problemas de autoestima que tiene dificultades para pagar el alquiler; una mujer joven que, aparte de hacer medio de enfermera de la propietaria, busca amparo en los brazos de cualquiera que esté dispuesto a amarla; y un hombre que, aparte de entenderse sentimentalmente con la joven y quererla a su manera, intenta servir de apoyo emocional al resto de convivientes dependiendo del momento que lo necesiten.

Poco más conoceremos de los personajes más allá de lo referente a la relación y la convivencia que existe entre ellos. Los conflictos que desarrollan a lo largo de la trama están provocados por sus carácteres y cómo interfieren en la convivencia y la relación entre los mismos. La película tiene un enorme carácter intimista y la historia se desarrollará entre conversaciones de alcoba, rincones improvisados a modo de confesionario o pequeños paréntesis cotidianos donde se cruzan los personajes. Pero repito, toda la historia tiene lugar íntegramente entre las paredes del inmueble y la puesta en escena recrea de manera teatral y “Bergmaniana” el escenario como la trascendencia y profundidad de los diálogos. De hecho, es imposible ver está película sin que la sombra de Bergman acaricie (con delicadeza, eso sí) cada uno de los fotogramas del metraje.







La base argumental donde se apoya la película es en el deseo que tiene el hijo de la propietaria de desposeerla de sus bienes para convertirse en el dueño del inmueble, arrebatarle sus pertenencias y poder construir su vida como más le convenga y caiga quien caiga. Circunstancia que atormentará profundamente a Hédi, la madre, hasta el punto de llegar a temer por su propia vida después de las fuertes discusiones que hay entre los dos relacionadas con las constantes necesidades económicas del hijo que ella está cansada de asumir. A partir de aquí Hédi buscará amparo emocional en los demás inquilinos que tratarán de quitarle hierro al asunto argumentando que se trata de discusiones cotidianas sin más y que las palabras se las lleva el viento.

En cualquier caso esta situación dará pie para que los personajes empiecen a hablar de sus propias circunstancias para ejemplificar mediante sus situaciones la forma que tienen de ver la vida y cómo deciden afrontarla para dar y pedir a su vez consejo. Por una parte el profesor confesará sentirse extremadamente agotado, sobrepasado por las altas expectativas que siempre ha generado en los demás y que cada vez le resulta más difícil de fingir; por otro lado la bella Anna, que tratando de buscar amor y amparo, irá dando tumbos sin acabar de establecer una relación sentimental profunda con nadie porque ella misma está perdida; Miklós, que después de mostrar empatía y fidelidad hacia Anna y Tibor, el profesor, se verá traicionado por los mismos tras un pequeño idilio entre ambos que evidenciará la carencia de amor por parte de Anna y la traición de Tibor; etc, etc, etc... todos los personajes tendrán una relación única y característica con cada uno de los demás y la historia irá progresando poco a poco.

De alguna manera la película cuenta la forma que tiene el ser humano de lidiar con sus problemas y cómo ello repercute consecuentemente en los demás. Nuestra visión del mundo condiciona nuestro comportamiento y éste en el de los demás como el de ellos en el nuestro.



Como decía al principio, el film tiene un carácter marcadamente intimista y el director utiliza unos medios para conseguirlo muy alejados de los que utilizará a partir de entonces en su carrera. Empezando por el color y la iluminación que condicionarán toda la fotografía de la película.

Dentro de cada plano iluminará a los personajes que lo compartan de diferente manera para diferenciarlos cromática y emocionalmente. Hasta el punto de que en una misma escena y plano, conforme la actitud del personaje cambia, la perspectiva y color del personaje también lo hará para mostrar una presencia diferente. Por ejemplo, en este caso Hédi busca amparo en el personaje de Miklós como solía hacer siempre pero ya es tarde, Miklós esta hastiado por las circunstancias y lo que acaba encontrándose es desesperanza y recelo:

... el plano empieza así, con el rojo de Miklós que hasta el momento representaba el calor y amparo de una voz amiga que la escucha...



...para seguidamente, mediante un lento traveling que cambia la perspectiva, acabar el mismo plano así...



La composición y la perspectiva también jugará un papel muy importante para tratar de darle su correspondiente lectura a la escena. Teniendo en cuenta que la película se desarrolla exclusivamente en el inmueble, utilizará los espacios para oxigenar o constreñir el plano dependiendo del momento para otorgarle el ritmo adecuado; utilizará el punto de vista para hacernos cómplices de los personajes o para sentir que los espiamos; o, como mostraré a continuación, para ver como la situación entre los personajes cambia radicalmente:

...Miklós, que al principio cuidaba (aquí lo vemos afeitando a Tibor con delicadeza) y trataba de ayudar al profesor porque se fiaba de él...



... y más tarde, tras la aventura de Tibor con Anna (la mujer que Miklós ama)...



Con el picado y respectivo contrapicado extremo le dará relevancia a las escenas para potenciarlas y comprender mejor la situación que experimentan los personajes. Aprovechando así la falta de recursos escenográficos ya que no dispone de la posibilidad de utilizar otros espacios que le ayuden a jugar con la expresividad del film.


La interpretación naturalista de los actores también significará un cambio radical en el tratamiento que más tarde otorgará a las representaciones de sus personajes. En este caso, más cercano al realismo y a la búsqueda de empatía emocional que al distanciamiento deliberado para convertir a los actores en elementos menos significativos que solo sirvan para dar pie al movimiento de cámara y para dar prevalencia a la cinematografía. Aunque en este caso la dirección de actores es magnifica y cabe destacar especialmente el trabajo de Hédi Temessy (Hédi también en la película, la propietaria del piso), capaz de mantener la intensidad durante largas escenas y modularla sin llegar a cortar el plano. A continuación dejo el principio de la película que, aparte de ver el tono de la cinta, sirve para comprobar la sensibilidad y buen hacer de la actriz:



La película, aunque se aleja del estilo que lo caracterizará más adelante, es interesante e hipnótica a su manera. Tarr demuestra gran dominio del lenguaje más clasicista y como resultado evidenciará a partir de su siguiente película el deseo de alejarse del mismo para alcanzar cotas diferentes deliberadamente. En la próxima cinta, “La Condena”, hablaré irremediablemente de ello porque el cambio es tan drástico como ilustrativo.

Y para finalizar, como anécdota, una pequeña presentación de Doménec Font de la película que tuvo lugar en Barcelona el año 2005, que expresa muy bien las características del director para el que quiera informarse un poco más sobre el tema:

Ese contrapicado extremo, con la cámara situada debajo de un suelo de vidrio, me recuerda la famosa secuencia de los pasos del misterioso inquilino en la hitchcockiana The Lodger, aunque la intención sea muy diferente, porque mientras Hitchcock ilustra lo que experimentan los caseros al oír los pasos en el piso de arriba, supongo que la intención de Tarr es otra, estéticamente mucho más extrema y no sé si justificada argumentalmente.

Iniciado por mad dog earle

Ese contrapicado extremo, con la cámara situada debajo de un suelo de vidrio, me recuerda la famosa secuencia de los pasos del misterioso inquilino en la hitchcockiana The Lodger

O "La historia de un hombre tatuado" de Seijun Suzuki.

"Venom" de Ruben Fleischer con Tom Hardy y Michelle Williams. El periodista Eddie Brock investiga una fundación para desenmascarar a su propietario por irregularidades, el cientifico Carlton Drake. A raíz de ello pierde su empleo y a su novia, pero una doctora de la fundación le da información en la que experimentan con alienigenas para unirlos con humanos. Uno de ellos se fusiona con Eddie otorgándole poderes sobrehumanos. Otra película basada en un comic Marvel, adaptación libre del origen de uno de los secundarios de "Spiderman", se deja ver a pesar de sus efectos especiales realizados por ordenador.

De Ruben Fleischer (sin conexión aparente con el excelente Richard Fleischer) he visto y tengo en BD una interesante muestra de cine negro como es GANGSTER SQUAD (BRIGADA DE ÉLITE) (2013), con un atractivo reparto (Josh Brolin, Ryan Gosling, Nick Nolte, Emma Stone y Sean Penn).

Iniciado por mad dog earle

Ese contrapicado extremo, con la cámara situada debajo de un suelo de vidrio, me recuerda la famosa secuencia de los pasos del misterioso inquilino en la hitchcockiana The Lodger, aunque la intención sea muy diferente, porque mientras Hitchcock ilustra lo que experimentan los caseros al oír los pasos en el piso de arriba, supongo que la intención de Tarr es otra, estéticamente mucho más extrema y no sé si justificada argumentalmente.

No he visto “The Lodger” pero conozco el plano que señalas. En el caso de Hitchcock el recurso se utiliza con un propósito completamente diferente (fantástico en mi opinión) tratando de contrarrestar las limitaciones del momento y traducir el sonido en imagen.

Tarr lo hace desde otro punto de vista. Primero en contraposición con el picado como decía en la reseña para ver que las tornas han cambiado; segundo, para manifestar superioridad física de un personaje hacia otro (probablemente como señala Abuelo Igor, que por lo que intuyo -no he visto “El Hombre Tatuado”- se acercaría más al plano nadir que utilizó Tarantino en “Kill Bill”* para dar superioridad al personaje de Thurman); y tercero, para representar un patetismo acentuado muy incómodo por parte de Tibor, el personaje aplastado contra el suelo. Aunque para entender este último punto es necesario ver la película porque solo funciona por contexto.

(*)

Pues, no sé si consigue esa superioridad que dices con ese plano...

En el plano de Kill Bill, simplemente es un plano detalle de ¨la acción de coger la espada¨. Hecha así, porque sí...

En la escena de Tarr, por cierto, un potajillo de iluminación sin ton ni son (supongo que estaba empezando...pues las más modernas están mejor hechas), pasa exactamente igual: No puede haber superioridad de alguien sobre el tio al que están pegando, porque el ¨superior¨, no se ve..

Al igual que en Kill Bill, Uma Thurman no está en foco, está en foco la katana...Es una acción, cierto...PeroNo es activa la frase cinematográfica, no es¨Uma Thurma coge la espada¨, es frase pasiva ¨La katana, es cogida por Uma Thurman¨. En este plano de Tarr no hay (conseguido, eh?, no sé si intención por parte de Tarr) un motivo de querer señalar la superioridad de ese personaje...apenas se puede ver unas manillas por detrás del que está en el suelo, luego...El dolor, la humillación, lo que sea sobre el contexto del film, del personaje...sí...Cualquier mención del otro no.

Este tipo de planos, como el de Kill Bill, son dudosos...Yo los veo justificados, en el caso de Hitchcock, o cuando el plano detalle, realmente quiere remarcar el objeto entre personas..Por ejemplo: Hacer que un objeto importante en la trama, viaje, por el suelo, recibiendo patadas. La acción en una capa de hielo, por supuesto, 1000 veces vista...Pero para mí gusto, creo que fuera de un uso de cámara subjetiva de un personaje, creo que desubica, que es una muy mala decisión.

Para esa escena prefiero una toma tipo Gaspar Noé en Irreversible...Película pésima (en mi opinión), pero buena colocación de cámara donde se puede apreciar todo...Al final, querer ir de virguero, querer potenciar algo forzadamente, puede hacernos perder la ¨sugestión¨ del film...

Con Hitchcock no pasa..No salimos del ¨hechizos¨, para que el autor nos señale un recurso narrativo molón.

Y por qué pasa a pasiva la frase? ¨la katana es cogida...¨. Porque ahí es protagonista...

Por ejemplo, dos tipos forcejean por coger un arma...En el arma está la atención...

Una situación donde se pudiera haber hecho eso es en el inicio de Indiana Jones y el templo maldito. Con el antidoto yendo y viniendo por la sala. Pero Spielberg no cayó en la trampa de hacer ese plano, sólo lo haría, si el suelo fuera de cristal...Era de cristal en Kill Bill?

Edito: Precisamente, Tarantino mete un suelo de cristal en el lugar exacto donde hace esa toma..El resto es parqué de madera.

Porque el director, Hitchcock, Spielberg, no hace como un Von Trier, que fuerza el recurso a pesar de la sugestión de la narración...Lo rompe para aparecer él...

Quizas no he sido demasiado específico a la hora de señalar ese plano de Kill Bill. No era ese exactamente el plano que buscaba pero lo he puesto al menos para recordar la escena en concreto donde aparece varias veces ese plano del que hablo donde, bajo mi punto de vista, si que se intenta evidenciar la superioridad de ella sobre las circunstancias luchando contra los demás.

En cualquier caso, respecto a la toma de Tarr, no es necesario ver al personaje para saber que está ahí, lo que le está haciendo y por qué. Y segundo, para que una dirección sea buena o mejor, no necesariamente, ni mucho menos, tiene que mantener el “hechizo” como lo llamas tú, para mantener la sugestión del film. Eso es una limitación que no tiene ningún sentido. El director puede expulsar al espectador de la película deliberadamente para que permanezca en un plano más alejado y observar la película con otra perspectiva, probablemente desde la que al director le interesa.

En cualquier caso, como decía en el plano de Béla Tarr, la toma cobra sentido por contexto, como bajo mi punto de vista lo hacen las mejores.

Son dos maneras de verlo...

Yo, no lo veo...Ni lo veo funcional, ni lo veo elegante...

Otra cosa es crear unas coordenadas distintas, que puedan potenciar ciertos recursos narrativos que ayuden a la narración. Por ejemplo, Dogville: quitar paredes, hace posible ver al resto de vecinos murmurando sobre la protagonista. Ahí sí, ¨con esas normas establecidas de antemano, pudiera ser funcional...Como de hecho, funciona a la perfección en esa película en concreto de Von Trier.

Pero como todo...Cuestión de gustos.

Bueno, mi intención no era tanto defender específicamente el plano de Tarr como la funcionalidad que tiene en la película. Que a uno le guste más o menos el plano es muy personal y cada uno sabrá lo que le convence. A mí, aunque lo acepto como valido, no me parece tampoco una excepcionalidad. Es una decisión que tomó el director, que entiendo el por qué, y que realmente ayuda a reflejar las sensaciones de los personajes. Pero el hecho de que rompa con “la magia” de inmersión de la película, en este caso, como en tantos otros (entiendo entonces por qué has dicho a veces que Bergman no es santo de tu devoción...), no es para mí motivo de fracaso sino de virtud.

Iniciado por C.Bethencourt

Son dos maneras de verlo...

Yo, sin embargo, acepto ambas formas de verlo. No doy solo una como válida. De hecho, el ejemplo de Spielberg, Hitchcock o Fincher (en “La habitación del Pánico” o en “El Club de la Lucha”) como el de Von trier que comentas me parecen magnificos.

Iniciado por DrxStrangelove

Bueno, mi intención no era tanto defender específicamente el plano de Tarr como la funcionalidad que tiene en la película. Que a uno le guste más o menos el plano es muy personal y cada uno sabrá lo que le convence. A mí, aunque lo acepto como valido, no me parece tampoco una excepcionalidad. Es una decisión que tomó el director, que entiendo el por qué, y que realmente ayuda a reflejar las sensaciones de los personajes. Pero el hecho de que rompa con “la magia” de inmersión de la película, en este caso, como en tantos otros (entiendo entonces por qué has dicho a veces que Bergman no es santo de tu devoción...), no es para mí motivo de fracaso sino de virtud.



Yo, sin embargo, acepto ambas formas de verlo. No doy solo una como válida. De hecho, el ejemplo de Spielberg, Hitchcock o Fincher (en “La habitación del Pánico” o en “El Club de la Lucha”) como el de Von trier que comentas me parecen magnificos.

Precisamente los planos imposibles de Fincher, se han quedado obsoletísimos. Y eso no quiere decir que un plano imposible sea un recurso no válido..Para mí, si sirve a la narración , perfecto.

Se basa en un: Lo importante es la obra...Las señas de identidad del autor, ya se verán después..Al final, cada persona, quiera o no, meterá su punto de vista, sus maneras tecnicas...Eso saldrá de manera natural, no hace falta sobreactuaciones.

Todo esto, a modo general lo digo, no hablo ni de Tarr ni de Bergman (la obra del sueco, me gusta mucho, simplemente, me gustan más otros autores, que no suelen ser valorados).

No sé si acepto las dos maneras de verlo...Mejor dicho, no sé si acepto la función metacine del cine..Lo que sí se es que lo conceptual, para mí, no es Arte...No puede serlo. No es la vía....

Y además de no ser una vía, considero que es peligroso...Que es un atajo para la difusión del Arte, que es...LO FÁCIL...Que es un asidero, que despista sobre lo fundamental...Que es un intrusismo que resta más que suma...Que es moldeable, y que se adapta a posteriori a cualquier circunstancia..Me creo a DePalma embriagado por ¨Vertigo¨ de Hitchcock a la salida del cine..No me creo los de otros miles y miles de¨gitanillos de temporᨠque se apuntan al carro, como digo a posteriori.

Es uno de los grandes temas del Siglo XX...Esto que comento...

THE LIGHTHOUSE

No era lo que esperaba...
Para nada digo que sea mala, tan solo por el aspecto técnico vale mucho la pena y entiendo que quede intencionalmente muy abierta a la interpretación de los espectadores. Mas bien estoy molesto por como me la vendieron. Creo que iba con la espectativa de terror lovecraftiano y me encontré algo mas cercano al cine de arte.

LA VIRGEN DE GUADALUPE

Película de temporada ¿Que puedo decir? Le tengo cariño a su estilo de peplum lowbudget mexicano. A resaltar como basta un bronceado y afeitada para hacer pasar a Valentin Trujillo (probablemente en su mejor momento físico) como príncipe azteca.

LAS ROSAS DEL MILAGRO

Pero si de peplums mexicanos hablamos, esta se lleva las palmas... bueno, su primer mitad. Creo que nunca me he quedado a verla completa.

Robert Eggers le falta un poquito...En ¨El faro¨ me paso como con ¨La bruja¨...Le falta (o le sobra), un pelín...

Me deja con un sabor agridulce...Nada, será cuestión de esperar...Aún así, siempre le doy una oportunidad, porque finalmente dará en la diana...Seguro..

De nuevo aviso para navegantes, esta (breve) reseña no contiene spoilers...

OTRA DE CAL (PERO CON UN BUEN PUÑADO DE ARENA) / PARTE II:

TENET (2020, ídem)



Estreno: 26 de agosto de 2020 (España); 3 de septiembre de 2020 (EUA).

Dirigida y escrita por Christopher Nolan.

Fotografiada por Hoyte Van Hoytema (en color y 65mm IMAX y Scope).

Musicalizada por Ludwig Göransson.

Protagonizada por John David Washington (El protagonista), Robert Pattinson (Neil), Elizabeth Debicki (Kat), Dimple Kapadia (Priya) + Michael Caine (Crosby) y Kenneth Branagh (Sator).

Christopher Nolan (1970), como otros directores de su generación (Paul Thomas Anderson (1970), Darren Aronofsky (1969) o David Fincher (1962)), tiene una filmografía notablemente breve puesto que en 22 años de carrera únicamente ha dirigido 11 largometrajes (desde FOLLOWING (1998) hasta la película hoy comentada).

Ello nos habla bien a las claras de la meticulosidad con la que el director londinense prepara cada uno de los proyectos cinematográficos en los que trabaja, siendo además el guionista (o coguionista) de la mayor parte de ellos.

TENET es una mixtura de cine de ciencia ficción y de thriller futurista que parece beber más de la fuentes de ORIGEN (2010) que de las de INTERSTELLAR (2014) y sin embargo, no en la forma pero sí en el fondo, se aproxima más a esta.

El palíndromo que forma la palabra TENET bien podría ser un ejemplo pluscuamperfecto del MacGuffin hitchcockiano puesto que no sólo es el concepto sobre el que gravita toda la película sino que también contiene la explicación (si tal existe) de la misma.

La referencia a Sir Alfred no es baladí puesto que Nolan, al igual que el maestro, incluye a lo largo del metraje varias escenas dialogadas donde los protagonistas hacen un resumen de la situación hasta ese momento, algo de agradecer dado lo laberíntico del argumento y la no menos escheriana puesta en escena.

Aunque el espléndido inicio de la película, un tour de force digno del talento de su director, nos hace frotarnos las manos ante un espectáculo visual y sonoro de primera magnitud, lo cierto es que la película va perdiendo fuelle a medida que pasan los minutos, algo acentuado además por la imposibilidad de mantener la lógica (o la ilógica) no sólo de la narración sino, lo que es peor, de la puesta en escena.

Tampoco ayuda el escaso carisma del protagonista, John David Washington, que bien podría ser un emulo del Hombre sin nombre que encarnaba Clint Eastwood en la trilogía de Sergio Leone puesto que sólo se le conoce como…

… el Protagonista.

Otra pista que el director deja caer desde un principio pero que sólo acabaremos de entender cuando la película llegue a su fin.

Al menos tenemos un magnífico villano, encarnado por el actor/director Kenneth Branagh y la que podríamos considerar la compañera del héroe, la estilizada Elizabeth Debicki.

Y no nos olvidemos de Robert Pattinson, uno de los actores jóvenes de más talento de los últimos años, como bien pudimos apreciar (al menos los que aguantamos hasta el final de la proyección) en la espléndida EL FARO (2019) de Robert Eggers.

TENET es una película inteligente porque apela a la inteligencia del espectador, pero también es una película ininteligible en buena parte de su desarrollo porque el director, como antes decía, lo fía todo a una puesta en escena que no baja en ningún momento el pistón pero que acaba por enredar la madeja hasta el extremo de perdernos en los vericuetos de la trama.

De todas formas, alabo a directores como Nolan (o los arriba mencionados) porque, independientemente de que los resultados no siempre acompañen a las intenciones, tratan al espectador no como un mero consumidor de palomitas que espera que le den todo masticado sino como personas inteligentes que van al cine (o lo ven en la comodidad de sus casas) para reflexionar.

Y para pasar un buen rato, por supuesto.

Feliz tarde.

Esta de TENET voy a verla...

Iniciado por C.Bethencourt

Precisamente los planos imposibles de Fincher, se han quedado obsoletísimos. Y eso no quiere decir que un plano imposible sea un recurso no válido..Para mí, si sirve a la narración , perfecto.

Se basa en un: Lo importante es la obra...Las señas de identidad del autor, ya se verán después..Al final, cada persona, quiera o no, meterá su punto de vista, sus maneras tecnicas...Eso saldrá de manera natural, no hace falta sobreactuaciones.

Todo esto, a modo general lo digo, no hablo ni de Tarr ni de Bergman (la obra del sueco, me gusta mucho, simplemente, me gustan más otros autores, que no suelen ser valorados).

No sé si acepto las dos maneras de verlo...Mejor dicho, no sé si acepto la función metacine del cine..Lo que sí se es que lo conceptual, para mí, no es Arte...No puede serlo. No es la vía....

Y además de no ser una vía, considero que es peligroso...Que es un atajo para la difusión del Arte, que es...LO FÁCIL...Que es un asidero, que despista sobre lo fundamental...Que es un intrusismo que resta más que suma...Que es moldeable, y que se adapta a posteriori a cualquier circunstancia..Me creo a DePalma embriagado por ¨Vertigo¨ de Hitchcock a la salida del cine..No me creo los de otros miles y miles de¨gitanillos de temporᨠque se apuntan al carro, como digo a posteriori.

Es uno de los grandes temas del Siglo XX...Esto que comento...

Entonces, cuando Bergman hizo “Los comulgantes” o “Persona” entre otras ¿fue un “gitanillo de temporá”?, ¿Haneke con “Funny Games” o “Caché” también lo fue?, ¿o David Lynch en “Mullholland Drive” o Buñuel con “El Angel Exterminador”? El “metacine”, o la ruptura de la cuarta pared, es una herramienta igual de valida que cualquier otra para conseguir un resultado determinado.

Lo que personalmente sí que veo peligroso es poner barreras al arte dictando cuales son las pertinentes y cuales no y convertirlo en un dogma o una doctrina. Pero por suerte eso no es así y tanto el autor como el espectador son soberanos para determinar lo que les resulta valido y lo que no.

Y lo dejo aquí, no vaya a ser que luego me acuses de que estoy más obsesionado por tener razón que de querer llegar a una conclusión objetiva.