Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

PROGRAMA TRIPLE: EL FANTASMA DE LA ÓPERA

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THE PHANTOM OF THE OPERA (1925, EL FANTASMA DE LA ÓPERA)



Director: Rupert Julian (y Edward Sedgwick).

Producción y distribución: Universal Pictures Corp.

Productor: Carl Laemmle.

Guion: Elliott J. Clawson, basado en la novela “Le Fantôme de l’Opéra” de Gaston Leroux (París, 1910). [Serializada previamente en el diario francés Le Gaulois del 23 de septiembre de 1909 al 8 de enero de 1910].

Intertítulos: Walter Anthony.

Fotografía: Charles Van Enger, Virgil Miller y Milton Bridenbecker, en blanco y negro con escenas en Technicolor de dos tiras y tintados en color (1.33:1).

Diseño de producción: Ben Carré.

Dirección artística: Elmer Sheeley y Sidney Ullman.

Montaje: Gilmore Walker.

Reparto: Lon Chaney (El Fantasma/Erik), Mary Philbin (Christine Daaé), Norman Kerry (Vizconde Raoul de Chagny) y Arthur Edmund Carewe (Ledoux).

Presupuesto: 630.000 dólares.

Inicio de rodaje: 29 de octubre de 1924.

Duración: 8.464 pies. (1 h 18 m 04 s)

Estreno: 15 de noviembre de 1925.









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PHANTOM OF THE OPERA (1943, EL FANTASMA DE LA ÓPERA)



Director: Arthur Lubin.

Producción y distribución: Universal Pictures Company, Inc.

Productor: George Waggner.

Guion: Eric Taylor y Samuel Hoffenstein, a partir de la adaptación de John Jacoby de la novela “Le Fantôme de l’Opéra” de Gaston Leroux (París, 1910). [Serializada previamente en el diario francés Le Gaulois del 23 de septiembre de 1909 al 8 de enero de 1910].

Fotografía: Hal Mohr y W. Howard Greene, en Technicolor de tres tiras (1.37:1).

Dirección artística: John B. Goodman y Alexander Golitzen.

Decorados: Russell A. Gausman e Ira S. Webb.

Música: Edward Ward.

Montaje: Russell Schoengarth.

Reparto: Nelson Eddy (Anatole Garron), Susanna Foster (Christine DuBois), Claude Rains (Erique Claudin), Edgar Barrier (Raoul Daubert), Leo Carrillo (Signor Ferretti), Jane Farrar (Biancarolli), J. Edward Bromberg (Amiot), Fritz Feld (Lecours), Frank Puglia (Villeneuve), Steven Geray (Vercheres), Barbara Everest (Tía), Hume Cronyn (Gerard), Fritz Leiber (Liszt).

Presupuesto: 1.750.000 dólares.

Inicio de rodaje: 21 de enero de 1943.

Duración: 1 h 32 m 38 s. (Copia en BD editada por Universal en 2012).

Estreno: 27 de agosto de 1943.





















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THE CLIMAX (1944, MISTERIO EN LA ÓPERA)



Director: George Waggner.

Producción y distribución: Universal Pictures Company, Inc.

Productor: George Waggner.

Guion: Curt Siodmak y Lynn Starling, a partir de la adaptación de Curt Siodmak de la obra teatral homónima de Edward Locke (Nueva York, 12 de abril de 1909).

Fotografía: Hal Mohr y W. Howard Greene, en Technicolor de tres tiras (1.37:1).

Dirección artística: John B. Goodman y Alexander Golitzen.

Decorados: Russell A. Gausman e Ira S. Webb.

Música: Edward Ward.

Montaje: Russell Schoengarth.

Reparto: Boris Karloff (Dr. Hohner), Susanna Foster (Angela), Turhan Bey (Franz), Gale Sondergaard (Luise), Thomas Gomez (Conde Seebruck), June Vincent (Marcellina), George Dolenz (Amato Roselli), Ludwig Stossel (Carl Baumann), Jane Farrar (Jarmila Vadek).

Presupuesto: 750.000 dólares.

Inicio de rodaje: 1 de febrero de 1944.

Duración: 1 h 26 m 07 s.

Estreno: 20 de octubre de 1944.



















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En deferencia al querido compañero mad dog earle , lo que en principio iba a ser otro programa doble dedicado al cine de terror de la Universal de los años ‘30 y ‘40 (y tal vez de los ‘50…), ha acabado por convertirse en uno triple, aunque bien es cierto que en la tercera película del comentario, MISTERIO EN LA ÓPERA, considerada a veces como una especie de secuela de la segunda, no asoma ni siquiera tímidamente la sombra del Fantasma de la Ópera.

Es una lástima que apenas haya iniciado la novela del francés Gaston Leroux (1868-1927) en la traducción que Mauro Armiño hizo para la (preciosa) colección Austral Singular por lo que no puedo juzgar con objetividad el grado de fidelidad de las adaptaciones a la gran pantalla aunque bien es cierto que por lo que voy leyendo la primera es, al menos en su tramo inicial, mucho más ajustada, respetando incluso los nombres originales de los personajes, salvo en el caso del encarnado por el actor Arthur Edmund Carewe, Ledoux, un evidente homenaje del productor Carl Laemmle a un escritor al que admiraba mucho.

Dado que los títulos de crédito de la versión de 1925 son notablemente escuetos he usado como base la información tanto del A(merican)F(ilm)I(institute), como la de la (no siempre infalible) IMDb o el (magnífico) libro de Jonathan Rigby “American Gothic” (2007).

La muy popular novela de Ledoux fue publicada originalmente en forma de folletín en el diario parisino “Le Gaulois” desde el 23 de septiembre de 1909 hasta el 8 de enero de 1910 y a continuación en forma de libro.



- La primera entrega de la novela, 23 de septiembre de 1909 -

En los EUA se publicaría al año siguiente (1911), con cinco ilustraciones a todo color del artista francés André Castaigne (1861-1929).











Pues bien, serían precisamente esas ilustraciones las que el gran actor Lon Chaney (1883-1930) usaría como referencia para recrear a su modo y manera la criatura ideada por Ledoux.



Pero no sólo Chaney sino el propio director, el autoritario Rupert Julian (1879-1943), haría lo propio a la hora de la puesta en escena.

Igualmente fue decisiva la intervención del director artístico y pintor francés Ben Carré (1883-1978), quien había trabajado en el Palacio de la Ópera de París y cuyos storyboards fueron seguidos escrupulosamente por los diseñadores Elmer Sheeley y Sidney Ullman, quienes crearon uno de los decorados más bellos y perfectos de la Historia del Cine.

Rupert Julian ya había trabajado con los actores Mary Philbin (1902-1993) y Norman Kerry (1894-1956) después de que el gran Erich von Stroheim fuese expulsado por Irving Thalberg del rodaje de LOS AMORES DE UN PRÍNCIPE (o EL CARRUSEL DE LA VIDA) (1923), a la que convirtió en un gran éxito de taquilla.



Sin duda fue debido a tal circunstancia que Carl Laemmle confiara en él para el rodaje de esta gran superproducción, teniendo en cuenta eso sí que la Universal en aquellos años estaba considerada la más grande de las Tres Pequeñas compañías cinematográficas de Hollywood.

Sin embargo, el rodaje de la película fue de todo menos un camino de rosas pues director y actor se detestaban profundamente y la comunicación entre ambos era inexistente, de tal forma que la estrella llegó a dirigirse a sí mismo en más de una escena.

Debido a un desastroso preestreno Julian fue despedido.

Edward Sedwigck (1892-1953), el director contratado para arreglar el desastre, solicitó una reescritura del guion y rodó nuevas escenas.

Pese a ello el preestreno de la copia resultante fue igual de calamitoso que el de la versión anterior.

Finalmente sería la directora Lois Weber (1879-1939), en conjunción con el montador Maurice Pivar, quienes redujeron los 12 rollos de película a los 9 que hoy conocemos.

Weber y Pivar usaron la mayor parte del material rodado por Julian (y es por ello que sólo su nombre sale en los títulos de crédito), salvo el final que es obra de Sedgwick.

El estreno el 15 de noviembre de 1925, con première el 6 de septiembre, fue un éxito rotundo y apoteósico, convirtiéndose en una de las producciones más taquilleras de la época.

Uno de los elementos que sin duda ayudaron a dicho éxito fue el uso del por entonces incipiente Technicolor de dos tiras (el de tres no llegaría hasta 1935) en la escena del Baile de Máscaras, en las que se presenta en la forma de la Muerte Roja poeana (y siguiendo fielmente la ilustración de Castaigne que aparecía en el frontispicio de la citada edición norteamericana).



Igualmente se usaron los tintados en color en la escena en la que el Fantasma está encaramado en lo alto de los tejados de la Ópera o cuando aparece un rostro (¿el de quién?) cuando Raoul y Ledoux siguen la pista del Monstruo en los subsuelos del edificio.





Si en el aspecto visual la película es irreprochable, en el apartado actoral aparte del espléndido (y canónico) trabajo de Lon Chaney, tal vez el culmen de su carrera, me gustaría destacar la delicada belleza de una jovencísima Mary Philbin.





También destacar la labor de Arthur Edmund Carewe como el Inspector Ledoux. Genial la idea de mantener el brazo derecho en alto para evitar que el Fantasma use el “lazo Punjab” para estrangularlos como ha hecho con sus anteriores víctimas.



Sin embargo, esa referencia al “lazo Punjab” contradice lo que se nos muestra en pantalla.

Recapitulemos.

Según la novela, Erik (el nombre verdadero del Fantasma de la Ópera), era en realidad un verdugo al servicio de un soberano persa y usaba dicho lazo para matar a los condenados a muerte.

Y de ahí el mote de “el Persa” con el que se conoce al personaje que en la película atiende al nombre de Leroux.

Y de hecho en una escena que acontece en la comisaría se puede leer en la ficha policial de Erik quién es en realidad, qué crímenes ha cometido y que además se encuentra en paradero desconocido.



La película establece una perfecta dicotomía entre el esplendor del mundo de la superficie (el del día, aunque la acción se circunscriba al edificio de la Ópera y sus aledaños) y el subterráneo (el de la noche, donde Erik es amo y señor).



El magnífico final, con Erik acorralado por la multitud (como será norma en toda producción Universal que se precie), servirá de broche perfecto para una historia que con toda justicia se ha convertido en un clásico intemporal.



Si la versión de 1925 es claramente un película de terror, por el contrario la de 1943 pertenece más bien al cine musical por la profusión de canciones que trufan la cinta cortesía de la pareja protagonista, Nelson Eddy (1901-1967) y Susanna Foster (1924-2009).



Eddy había formado pareja junto a la también actriz y cantante Jeanette MacDonald (1903-1965) en ocho películas mientras estuvo bajo contrato con la MGM.



- Por cierto, la primera película de la MGM en Technicolor de tres tiras fue precisamente un musical de la pareja, ENAMORADOS (1938), de W. S. Van Dyke. -



El protagonismo del barítono (Eddy) y la soprano (Susanna), además del tercero en discordia, el Inspector Raoul Dubert (Edgar Barrier), restó lógicamente presencia al supuesto protagonista, el Fantasma encarnado por el pequeño (pero gran) Claude Rains (1889-1967), quien ya había protagonizado para la compañía el clásico EL HOMBRE INVISIBLE (1933), de James Whale, amén de haber encarnado al padre de Larry Talbot (léase, el Hombre Lobo) en una cinta precisamente producida y dirigida por George Waggner y comentada recientemente en el anterior programa doble dedicado a los "monstruos" de la Universal.





Además se rebajó muy notablemente el tono gótico de la propuesta convirtiendo al verdugo encarnado por Lon Chaney en el víctima que representa Claude Rains.

Y es que si Erik provocaba auténtico pavor, en cambio Erique nos produce más bien lástima.

De hecho, el personaje parece más bien una reformulación del encarnado por Lionel Atwill en LOS CRÍMENES DEL MUSEO (1933), de Michael Curtiz (y más tarde por Vincent Price en LOS CRÍMENES DEL MUSEO DE CERA (1953), de André De Toth).

Igualmente el truculento maquillaje ideado por el propio Chaney sería descartado por uno mucho menos terrorífico, obra del gran Jack P. Pierce (1889-1968).



Ese cráneo descarnado que tiene por rostro Erik queda reducido a una profunda cicatriz fruto de un baño de ácido en el caso de Erique.





Pero lo que la censura permitía en 1925 no era posible en 1943.

Si en la primera versión era el origen del Fantasma el que no estaba muy claro, aquí por el contrario sí lo está y de hecho es una de las mejores secuencias de la película gracias al formidable trabajo interpretativo de Rains.

Sin embargo, mientras que en la primera versión el Fantasma estaba enamorado de Christine (y esta de él, hasta el momento en el que ve su verdadero rostro), aquí en cambio se intuye que esta es en realidad hija del primero.



La película adolece además de un final siquiera similar al de la versión de 1925 y de hecho la muerte de Erique será ciertamente anticlimática.

Al igual que la primera versión esta segunda fue un formidable éxito de taquilla y eso a pesar de lo abultado de su presupuesto (teniendo en cuenta que estamos hablando de la Universal) por el rodaje en color que encarecía notablemente el mismo.

Una película que recibió cuatro nominaciones a los Oscar de 1944, llevándose finalmente las estatuillas a la mejor dirección artística (Goodman/Golitzen/Gausman/Webb) y a la mejor fotografía en color (Mohr/Greene), con toda seguridad las mejores bazas con las que contaba la película.

Como curiosidad el papel del famoso músico Franz Liszt lo encarnó el actor Fritz Leiber (1882-1949), padre del famoso escritor de ciencia ficción de igual nombre y que también hizo sus pequeños pinitos en el cine (incluyendo un breve papel en MARGARITA GAUTIER (1936), de George Cukor, junto a la mayestática Greta Garbo).

Y si las dos primeras películas acontecían en París, la tercera por el contrario lo hará en Viena.

Pensada originalmente como una continuación de la anterior y con Waggner en la silla de director (además de sus habituales labores como productor), MISTERIO EN LA ÓPERA toma como base una obra de teatro del británico Edward J. Locke (1869-1945) estrenada en 1909 (el mismo año que empezó a publicarse por entregas la novela de Gaston Leroux), aunque al parecer poco relación tiene con la misma.

Para intentar repetir la jugada Waggner (que se había convertido en una figura clave de la compañía gracias al éxito de EL HOMBRE LOBO (1941)) usó no sólo el mismo equipo técnico al completo (los directores de fotografía Mohr y Greene; los directores artísticos Goodman y Golitzen; los decoradores Gausman y Webb; el músico Ward; el montador Schoengarth) sino también (curiosamente) a las dos actrices que eran rivales en la película, Susanna Foster y Jane Farrar, que en buena medida repiten sus papeles, especialmente la segunda.

Aunque (afortunadamente) hay menos canciones que en la cinta previa MISTERIO EN LA ÓPERA es una película muy inferior y eso a pesar de la presencia del siempre magnífico Boris Karloff (1887-1969), quien pronto reverdecería laureles gracias a su colaboración con el productor Val Lewton en la RKO (THE BODY SNATCHER (1945), de Robert Wise; ISLE OF THE DEAD (1945) y BEDLAM (1946), de Mark Robson).



Por aquello de rizar el rizo la película fue de nuevo nominada en la categoría de dirección artística en los Oscar de 1945, aunque en este caso no se materializó la misma.

Como decía al principio el Fantasma de la Ópera (aunque sea la de Viena) no aparece en toda la película y su lugar es ocupado por el doctor Hohner (Karloff), quien asesinó a su prometida, Marcellina (June Vincent), estrangulándola (aquí al menos se mantiene la tradición), cuando esta le comunicó que ya no le amaba y que además estaba enamorada de otro nombre.



- Por cierto, uno flashback que bien podría ser un antecedente de los que utilizaría como sello personal el director (y productor) Roger Corman en su ciclo de películas poeanas (y lovecraftianas) de los años '60. -

Y hablando del rey de Roma, de nuevo ecos de Poe puesto que el protagonista mantiene incorrupto el cuerpo de su (despechada) amada en una habitación que más bien parece un mausoleo.



Diez años después del luctuoso suceso la llegada de la joven Angela (Foster) hace que la ya precaria salud mental del doctor acabe por quebrarse definitivamente.

Si el Fantasma estimulaba en Christine (en ambas versiones) su don natural para el canto, por el contrario el doctor Hohner usará de la hipnosis para evitar que Angela interprete la canción favorita de aquel.





De nuevo será el espléndido decorado heredado desde los tiempos de la versión de 1925, así como la recreación de las calles vienesas, lo que aporte ese plus a la historia dado la escasa enjundia de la misma.

Tampoco ayuda la presencia de Franz (Turhan Bey, al que ya habíamos visto brevemente en la recientemente comentada LAS MIL Y UNA NOCHES (1942)), el empalagoso novio de Angela, que casi hacen añorar al dueto Nelson Eddy/Edgar Barrier, cuya rivalidad por los favores de Christine aportaba las habituales gotas de humor que presidían las películas de terror de la Universal.

Una película además que tampoco tuvo suerte en taquilla seguramente por el trabajo tras las cámaras de Waggner que se limita a nadar y guardar la ropa y donde la sola presencia de Karloff, sin el maquillaje grotesco habitual, no fue suficiente reclamo para el público.

Un programa que va de más a menos pero que en su conjunto se disfruta de principio a fin y que espero completar en breve con el visionado de la versión de 1962 de Terence Fisher para la Universal y que podréis encontrar en breve (si todo va bien) en su rincón específico.

Buenas noches y, buena suerte.

¡¡Qué bonito comentario sobre el fantasma de la ópera!!...

Hace tiempo me leí la novela original y ciertamente me gustó mucho, también he visto esas tres películas que has comentado, aunque "Misterio en la ópera" solamente una vez y no recuerdo gran cosa, aunque evidentemente, no se puede comparar a los dos fantasmas anteriores, porque no hay tal fantasma...

La versión de 1962 de la Hammer también me gustó a pesar de sus cortes y censura...

La compañera Jane Olsen, hace tiempo, abrió un hilo sobre "El fantasma de la ópera" allí comentamos muchas cosillas...

Retomo la actividad

Fedra





Estrella vive en un pequeño pueblo pesquero, es una joven bella y hermosa que es la envidia de las demás mujeres del pueblo ya que todos los hombres andan detrás de ella. Estrella vive con su padre ciego y malvive vendiendo collares de conchas que ella misma hace, hasta que un día entra en su vida un capitán de barco, Don Juan (E Diosdado) que se enamora y trata de convencerla para que se case con él, aunque ella lo rechaza. Todo cambiará cuando conozca a su hijo Fernando (V Parra) un joven amante de los caballos que no muestra ningún interés por Estrella, lo que hará que ella se obsesione con él y decida casarse con Don Juan para estar cerca de su hijo y así seducirlo



Estupendo film español basado en la tragedia griega inspirada en la versión de Seneca. Atrevido para la epoca!! tanto por el rol protagonista y evidente erotismo y sensualidad que irradia en pleno regimen franquista, además el cada vez más a reivindicar realizador Mur Oti consiguió colar la homosexualidad del rol de Vicente Parra...tanto en su desprecio hacia el personaje de Penella como en su look ese pelo platinado es lo más!!! con secuencias como la de los azotes.

La censura no permitió que la protagonista se suicidara...cambiando esa escena por una turba (las mujeres del pueblo) persiguiendo a Estrella hasta un acantilado y el bellísimo desenlace nadando hacia....Se resuelve de manera si cabe aún más potente.Con una maravillosa Emma Penella bellisima y seductora en una gran interpretación...te la crees total.La parte tecnica cuidadísima,un elenco estupendo y un director notable pero en toda la extensión.Me ha gustado mucho y por doblar a Emma le doy un:

9/10

Seguiré indagando en este director porque ahora están sus pelis en buena calidad rulando ya me gustó mucho esta

Otra revisión, Teen Wolf (de nuevo en Filmin), aunque esta me la sabía razonablemente bien.

Para mí (y creo que la consideración general es similar) nunca fue más que un simpático film ochentero, con caras conocidas (curioso que Fox rodó esto en otoño de 1984 pero Back to the Future, que se rodó, por lo menos su parte, en los primeros meses de 1985, se estrenó antes) y una metáfora nada sutil sobre los cambios de la adolescencia.

Vamos que se deja ver e ya.

Curioso ver a Fox con manierismos de Marty MacFly, claro, es normal, pero es que es justo el momento: esa voz de pito que se le pone cuando se indigna o algo curioso como es cuando sale del gimnasio por unas escaleras previas a la puerta que es clavadito al gimnasio del baile de BTFF (no sé si es el mismo o suelens er así o que).

También hay tópicos que creo explotan con poca gracia. El malote de la secuela creo era mucho más autoconsciente, en escritura y ejecución como malote absurdamente malo y chulapa (siendo el de Encino Man el epítome de eso ) pero en este caso, además de ser otro caso de tipos absurdamente mayores (como 27-28 tenía ahí el actor) para el papel de adolescente tardío (aunque este es repetidor y tal pero vaya), es toda la pose de malo unidimensional. Tampoco, en este tipo de películas hay espacio para más, pero como decía se puede tirar de la autoconsciencia o aportar algo que libere esa sensación.

Por otro lado el habitual pues la chica normal o no-tan-guapa me parece más guapa/tiabuena que la tia buena oficial en este caso el cante es astronómico. Ok Lorie Griffin, modelo y tal, cuerpo que en los 80s se consideraba de curvas y eso (hoy en día sería gorda en Forocoches, Twitter y polígonos varíos), pero joder que su apariencia es extraña, como si debiera ser guapa/tia buena pero.... Joder que desde el primer momento Boof, esto es Susan Ursitti, aunque realmente es totalmente plausible como chica normal, es más guapa, mona, agradable y si el guión lo quisiera, tiabuenorra también. De hecho su escena en el armario con Scott es mucho más sensual y efectiva que la cutre entre Pamela y Scott en el camerino.

Como canta el doble que utilizan para Scott-lobo jugando a baloncesto. Ese es otro tema: si la peli va de un puto equipo de baloncesto.. Pilla actores que sepan jugar (sólo que hayas ido unos años a una escuela de baloncesto o jugado en equipos, puedes pasar como jugador mejor en una peli gracias a las tomas + edición) pero es que en este caso es horrible. Es como cuando sucedía lo mismo, en series de TV, cuando se ponían a tocar un instrumento: joder pilla a un profe para que enseñe a los actores, durante unos días, a simular alguna nota, las poses etc Lo de Scott lanzando tiros libres saltando es algo que en basket es de pura grima

Pero vaya, éxito ochentero, hasta cierto punto algo mítica y sobre todo cumple su cometido. Podría haber sido algo más pero vaya. La secuela, a falta de revisarla, siempre me gustó incluso un poco más. Y tiene esa escena extrañamente bonita (la del otro Scott, y la otra Boof, estudiando juntos con el Send Me An Angel de fondo).

"Nothing sacred" ("La reina de Nueva York", 1937), de William A. Wellman.

NUEVA YORK, sede del progreso mundial.....






Cachondos estos dos letreros. Especialmente el segundo: Coca-Cola, Chevrolet... Toda una declaración de intenciones nada más empezar la juerga.


Una screwball en la mejor tradición de la comedia de enredo y romance de la edad dorada de la comedia clásica americana. Por su planteamiento, interpretación y planificación: ¿Actores en estado de gracia? Yep. ¿Encarnan a personajes estrambóticos, o de humor afinado y afilado, o a auténticos enigmas sobre dos patas? Yep. ¿Sustrato social prejuicioso, ansioso, belicoso, tramposo y "osos" varios que se ríe de sí mismo? Yep. ¿Guión chispeante y exultante? Yep. ¿Y podría estar en plena vigencia HOY más de 80 años depués? JuJU, YEP. Bendito humor y sus escribas.




Ay-mi-Fede....

Este primer párrafo a modo presentación delata una de las múltiples y destartaladas y secuencias a poco de arrancar el film, e incluso si los has visto anteriormente, querido lector, y lo guardaste bien en la memoria, probablemente ya sepas el porqué de tantas preguntas respondidas por mi parte de forma tan escueta. Que conste que podría haber comenzado esta reseña como si de un artículo periodístico se tratase, porque ésta es otra más de las apabullantes muestras de ingenio y sofisticación que en buenas manos fueron las comedias clásicas norteamericanas de los años 30' y sus breves apéndices de los 40' asentadas en el mundo del periodismo escrito (su guionista es un auténtico peso pesado, Ben Hecht, único acreditado de una larga lista que también se arremangó manos a la masa, autor del libreto de "Luna nueva" -1940, Howard Hawks- y, por ende, autor intelectual de sus posteriores versiones); un mundo el de la información periodística en el que ayer, como hoy, abundan pasotas, trileros y adalides de la verdad, que no tiene que coincidir con la verdad "de verdad".







Es como decía el personaje de Robert De Niro en "La cortina de humo" (Barry Levinson): un montaje, que incluye el de invertarse héroes supuestamente de usar y tirar y crear una galería de ídolos para diversión de las multitudes. Se podría montar una screwball comedy con el tema del fútgol perfectamente en España (de hecho, el guíon ya está rodándose; que si en Madrid, que si en Barcelona, que si "Un argentino en París" - y no es un musical). Se admite cualquier trapo sucio o cualquier bola para incrementar el valor del guión.

Dirige William A. Wellman (1896-1975), prolífico realizador que comenzó su aventura cinematográfica hace un siglo exacto prácticamente y de la que se despidió dirigiendo a un todavía desconocido Clint Esatwood a finales de los 50'. Talentoso para llevar a su terreno, realismo y una fuerte carga psicológica que influye en su manera de enfocar los conflictos violentos y sus consecuencias en que suelen derivar sus films no reñidas con un estilo visual virtuoso en los encuadres e inhóspito pero de peculiar belleza en sus localizaciones, "Nothing sacred" es una propuesta curiosa en su filmografía pues el género de la comedia no presenta grandes o habituales entradas en su trayectoria, por lo que se podría entender que éste es un film de encargo y de productor, el legendario David O. Selznick, para vehículo de lucimiento de su estrella principal femenina con firme soporte de intérpretes que lo sustentara a su alrededor. Wellman conoce bien los resortes del género como veterano que es e imprime buen ritmo al film y a las secuencias entre personajes -slapstick inclusive-.





Y no se anda la película por las ramas, desde la primera secuencia coge un ritmo de crucero y una forma de abordar la cadencia de absurdos y malentendidos que va a sostener el argumento del primer hasta el último segundo.
Una vez culminada dicha secuencia de apertura - de forma calamitosa y escandalosa para la reputación del diario Morning Star- se nos presenta a dos de los principales sujetos intercambiando impresiones sobre lo sucedido; a Wallace Cook, periodista que ha caído en desgracia, -ver su escena de presentación, medio minuto que lo dice todo sin decir ni pío- un Fredric March (1897-1975) versátil intérprete como pocos que podía presumir de haber participado en otro otro hit todavía mayor ese año también con Wellman, la originaria "Ha nacido una estrella", y que físicamente y por lo suelto que se le ve en su personaje me recuerda físicamente a un mix entre Gene Kelly y William Holden; y al director del diario, que responde al nombre de Oliver Stone (yeah!), encarnado por un Walter Connolly (1887-1940) que fue habitual de la troupe de Frank Capra y que se convirtió en buen amigo y mentor en la vida real de la aún por presentar estrella femenina. Al igualmente que March, se encuentra comodísimo en su personaje, de lo más agradecido y que en su caracterización me recuerda a la de un satírico y pomposo Charles Laughton o al tatarabuelo del mismísimo J. Jonah Jameson del Daily Bugle spidermaniano.
En el fondo Cook y Stone se aprecian, y en el fondo se llevan un poco a matar; es cosa del género, ya se sabe, y es que las adversidades unen todavía más si cabe. Si se sale bien de éllas.





March está inmenso como ese periodista bobón con punto cínico-pasota que al igual que Zucker y Abrahams mucho tiempo después es capaz de formular frases para el recuerdo solemnes cual tragedia shakespiriana en un ambiente que salta de disparate en disparate, y Connolly ejecuta con máxima eficacia y precisión a su irrascible jefe cantamañanas propenso a un ataque de nervios en cualquier momento. Juntos, como buddy movie, resulta una pareja ganadora.







Con la intención de redimirse (entre comillas) el reportero Cook dispondrá de la que parece ser su última oportunidad para escapar de la miserable existencia que le depara su permanencia en el periódico mientras dure su contrato allí y viajará a un rústico pueblo que, ciertamente, nunca se hallaría en una guía turística seria, puesto que sus habitantes dejan a su lado a los amish del Único Testigo de Peter Weir como tertulianos locuaces y campechanos de Salvamé. Todo un prodigio de pueblo.... Breve secuencia a juego con el conjunto lugareño para Margaret Hamilton, la bruja del Oeste versosa de "El mago de Oz" en un par de añitos.





Allí busca a una joven, Hazel Flagg, que supuestamente está en las últimas gravemente enferma por exposición al radio (¡!) y que Carole Lombard (1908-1942), rostro, talento y expresividad las suyas celestiales en este caso a la hora de incitarnos a la sonrisa permanente, disfruta con su papel lo que un niño con el regalo que le ha traído el Ratoncito Pérez. Fue la única película a color en la que apareció la actriz, todo un raro acontecimiento en tan tempranero 1937 como año de estreno.
Lombard recoje lo mejor de mujeres como Shirley MacLaine, Raffaella Carrá o Kristen Bell. Una auténtica bromista durante los rodajes y una mujer muy enrollada. De lo payasa que llega a ser, está para comérsela a besos desde su primer encuentro fortuíto con el periodista justo frente a la casa del doctor. Hipersensible, tan pronto ríe como una tontuela, pone carita de corderito o se pone a sollozar en base a lo que vea o habite su mente.





Si Wallace Cook es un bobón, su Hazel Flagg es más cortita que un chaleco sin mangas aunque sea consciente de lo que se juega. La pareja perfecta, perfecta en su imperfección y que se complementa. Pero aquí son todos unos santos, quién no corre vuela, encantadores charlatanes o raterillos a gogó, buscando su propio beneficio personal naturalmente. Todos están parcialmente chalados y pese a que actúan por instintos bajos, es difícil no sustraerse a sus encantos, a pesar de las barbaridades que sueltan sin rubor y de las extravagantes situaciones en las que se ven metidos.




Parecen sacados de los cómics de Tintín. Sí, son europeos. Centroeuropeos cuadrados de mente, Hitler en la sombra, que aquí todo el mundo resulta ridiculizado de forma cartoonesca


Completando el elenco actoral, tenemos a Charles Winninger (1884-1969) as Dr. Enoch Downer, figura semi paternal que acompaña a su paciente a todas partes y que guarda un importante resquemor al periódico donde trabaja Cook por un asunto personal no olvidado. Bueno, el buen doctor merecería ser propiamente rebajado a vendedor de elixires tonificantes y milagrosos para el cabello.




La película es un divertimento extravagante a la hora de mostrarnos exageradas y estridentes reacciones de todo tipo hacia la moribunda una vez llega a Nueva York de la mano de Cook y se convierte en la Novia de América, la Reina de Nueva York del título, mientras disfruta opíparamente sus últimos días. Durante su jubiloso periplo neoyorkino lleno de eventos, escenas, secuencias, diálogos, planos, imágenes hilarantes vuelan por doquier, a cada medio minuto, confraternizando al unísono con los múltiples diálogos de besugo que pueblan el relato. A cambio, el sensacionalismo que la rodea y la explotación de su agonía se vende como carnaza de consumo, por supuesto, a la espera de encontrar otra historia que supere la suya, pues la genta se adapta muy rápido al cuchicheo y pide más y mejor. Igual que se sube rápido, la bajada es también pronunciada para este culto hacia las celebridades "light".








El ascenso de la popularidad de Hazel es auspiciado por un campaña rigurosa y desinteresada (y si cuela, cuela)


La secuencia de la velada....

Spoiler:

durante el enfrentamiento de lucha libre es magnífica por el humor variable que contiene. En medio de tanta algarabía, los 10 miserables segundos en honor de la próximamente fallecida joven son de órdago.
Si es que allá por donde pisa, Hazel levanta pasiones... y lágrimas de cocodrilo.

Al final, resulta que para apreciar la vida y todo lo que ofrece, se supone que hay que estar cerca de la muerte como Hazel Flagg para valorarla como se merece. Desde luego la sátira humorística aderezada con diálogos absurdos y segundas intenciones funciona muy bien, de toda la vida, para reflejar las incosistencias y contradicciones de la sociedad, sirviéndonos tanto de diversión sana como de revalorización de la realidad. Sí, se puede.
Efectiva y simpática, "La reina de Nueva York" es una película muy bien definida en sus intenciones y en las relaciones entre personajes. Es un film ingenioso y divertido gracias a todos sus implicados; de hecho, me pregunto si pequeños detalles que se me han quedado grabados no fueron improvisados sobre la marcha dentro de lo que pareció ser un rodaje suave como la seda y cargado de buenísimas vibraciones y colegueo. Siempre nos quedará el cine para no echarse al monte y aferrarse a la utopía de que el mundo puede y ha ser un lugar mejor de lo que es.




No hay nada que reprocharle a este film, salvo que otros te parezcan más divertidos y mordaces desde un punto subjetivo (Luna nueva, Historias de Filadelfia...); sin embargo, tanto tonteo tonto -sin ánimo peyorativo- con el presumible (¿alguien se lo cree?) óbito de la protagonista y la secuencia del avión no hace sino entristecerme un poco por el fatal desenlace que tuvo Carole Lombard a los 33 añitos de edad. Tan joven, y qué mujer tan... querible, divertida, franca y agradablemente optimista.








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Momento distendido durante una reunión de trabajo entre los integrantes de "Ser o no ser", la pelicula póstuma de Lombard. Si cualquier rodaje en el que trabajaba Carole era un placer hasta para los empleados de a pie, con los que charlaba, bromeaba y a los que hacía regalos, éste sería de los mejores. GENEROSA y VITALISTA, así era élla.

Tras una década de admiración y amistad mutua entre realizador y actriz de cuando estuvieron en Paramount, finalmente Lubitsch y élla coincidían en un rodaje. Y tenían planes para extender esa relación profesional...
Previamente, Carole tuvo que decir "no" a su pesar a Orson Welles para protagonizar un film hecho a su medida; el proyecto conocido como "Smiler with a knife" no se realizó y Welles puso la directa rumbo a "Ciudadano Kane".



Ex-marido y ex-mujer, William Powell y Carole Lombard permanecerían como buenos amigos hasta la muerte de élla. Algo divertido se cuece entre los dos porque a élla le ha dado un ataque de risa. Fotografía tomada en 1938 durante un ensayo de la emisión para radio de "Al servicio de las damas", la película que dos años antes le consiguó su única nominación al Oscar.



Nosotros no lo vivimos, pero la actriz hizo de nuestro mundo en su época un lugar mejor.

En su momento, quien poseía los derechos de La reina de Nueva York no los renovó (o no lo hizo en plazo) y la película pasó a ser parte del dominio público. De ahí que hayamos podido ver distintas versiones (prácticamente todas, muy mediocres) de la misma en edición moderna (yo la he visto en edición baratucha de periódico).
La Disney tiene restuarada la cinta, pero no la ha editado aún nisiquiera en dvd.

Iniciado por Synch

Lo de Scott lanzando tiros libres saltando es algo que en basket es de pura grima

El lanzar tiros libres saltando lo he visto hasta en videojuegos; en la época de la NES 8 bits, luego ya no estoy tan seguro. Pero es verdad que deja.... hoyga ke ase?

Iniciado por tomaszapa

En su momento, quien poseía los derechos de La reina de Nueva York no los renovó (o no lo hizo en plazo) y la película pasó a ser parte del dominio público. De ahí que hayamos podido ver distintas versiones (prácticamente todas, muy mediocres) de la misma en edición moderna (yo la he visto en edición baratucha de periódico).
La Disney tiene restuarada la cinta, pero no la ha editado aún nisiquiera en dvd.

Pues mira, ¿quién tiene sus derechos para editarla en España según lo mostrado en el hilo de Fritz Lang? ¿A Contracorriente?

Sí, corroboro que la imagen era muy granulada.

Lombard tuvo unos años, 1938 a 1941, que en taquilla no anduvo tan bien por pasarse al drama y protagonizar algún petardazo de los gordos, Fools for scandal (1938, Mervyn LeRoy), para lo generosamente pagada que estaba (habría mucho que decir de su agente, Myron Selznick, hermano de David, y que se movía por instintos oscuros en la industria). Pero son cosas del público, claro, que no afrontaba la posibilidad de ver a la mujer en otros juegos. Y una de sus mejores interpretaciones de esa época dubitativa parece venir del film de George Stevens "Noche de angustia" (1940), donde hace de enfermera; cine de hospital que debe ser un clásico en el subgénero de "enfermeras y hospitales" por lo que tengo leído.



Tendré que sacer un rato para verla.

Curiosa esa Noche de angustia, de mi estimado George Stevens. La prota, como dice Otto, trabaja en un hospital, de enfermera.
La curiosidad viene porque la propia Carole Lombard retrasó el rodaje de Noche de angustia porque estuvo varias semanas en el hospital tras sufrir un aborto. A la prensa se le comunicó y de hecho, publicaron que se trataba de una operación de apendicitis. Hasta ese punto se cuidaba a las estrellas entonces.

En mi base de datos escribí sobre "Noche de angustia":

Filme modesto de la Rko, siendo un drama médico centrado exclusivamente en el cuerpo de enfermeras y en la vida tan dura que llevaban. Ayudado por una buena dirección y un entretenido guión se pasa el rato agradablemente, a pesar de rozar el folletín en alguna ocasión. Excelente la interpretación de Carole Lombard; también aparece un joven Peter Cushing.

Escape Room (2019).................... 8







Es como si la viera por primera vez. Ayer quería revisionarla ante de ver la secuela, pero me fue imposible. La tensión y el suspense te invaden y se apoderan de ti durante todo el metraje y te sientes, junto a todos los protagonistas, como uno más de la pandilla. La verdad es que no he ido nunca a una Escape Room, pero si me topo con una como esta no sé si saldría con vida. Para quién haya ideado la historia habría bebido de Saw y Destino Final por lo menos y es que las set pieces están notablemente elaborados.

Iniciado por tomaszapa

Curiosa esa Noche de angustia, de mi estimado George Stevens. La prota, como dice Otto, trabaja en un hospital, de enfermera.
La curiosidad viene porque la propia Carole Lombard retrasó el rodaje de Noche de angustia porque estuvo varias semanas en el hospital tras sufrir un aborto. A la prensa se le comunicó y de hecho, publicaron que se trataba de una operación de apendicitis. Hasta ese punto se cuidaba a las estrellas entonces.

Fíjate que en libro de la biografía sobre la actriz que he terminado recientemente, editado en 1976 por primera vez, todavía prevalece la versión oficial de la apendicitis. Lo de un posible aborto rumoreado ya casada con Gable, fue algo que ni desmintió ni confirmó.

Para que se vea lo metida que estaba Lombard en el mundo cinematográfico, pues llegó a los Ángeles en 1914 prácticamente cuando se fundó Hollywood, lo interesada que estuvo siempre en la industria del cine, o todavía más certero, cómo disfrutaba haciendo películas y descubriendo nuevos intérpretes, he aquí un artículo de su pluma publicado en un diario a finales de los años 30':



Cómo tienen que reinventarse sutilmente año por año los intérpretes para no estancarse o no perder comba. incluído el físico, fundamental para élla que creció durante el silente, se asentó durante el pre-code a comienzos de los 30' y terminó por configurar su imagen más madura a finales de esa década. Cambios en peinados, cejas, pestañas, ..... explicando cómo se ha gestado su carrera, ya estando en disposición de escoger realizador o compañeros de reparto, y mencionando la de otros, y ya analizando la generación que viene (Frances Farmer o Dorothy Lamour).
Y lo que la deprime: ése verse apeada a partir de los 35 años una actriz y reemplazada por otra.
Y como dice el titular: PERSONALIDAD (propia), como el mejor antídoto para perdurar en el escaparate que cambia a la velocidad del rayo.

Un artículo que sirve tanto para 1937 como para hoy mismo.

Muy interesante. Salvando las distancias y el tiempo, es lo que ha hecho toda su vida Madonna. Adaptarse a los tiempos, antes de que estos lleguen incluso. Que una tía que salió de la nada y que hacía pop, a la que, como a otros muchos artistas pop de la época, le auguraban unos 5 años de vigencia (en el mejor de los casos) estuviera triunfando durante décadas, dice mucho. Sobre todo de la inteligencia de mujeres como la de Detroit.
Carole Lombard siempre me pareció demasiado inteligente para el cine.

De ello podría inferirse, querido amigo, que los que se dedican al cine deben ser tontos...

Iniciado por tomaszapa

Muy interesante. Salvando las distancias y el tiempo, es lo que ha hecho toda su vida Madonna. Adaptarse a los tiempos, antes de que estos lleguen incluso. Que una tía que salió de la nada y que hacía pop, a la que, como a otros muchos artistas pop de la época, le auguraban unos 5 años de vigencia (en el mejor de los casos) estuviera triunfando durante décadas, dice mucho. Sobre todo de la inteligencia de mujeres como la de Detroit.
Carole Lombard siempre me pareció demasiado inteligente para el cine.

Se suele decir muy a menudo exaltando las cualidades de una persona, pero en este caso me da que se lo ganó en vida misma: era única (algo que también se puede decir de Bette Davis, de Barbara Stanwyck, de Myrna Loy; de Marlene y Greta, que también eran únicas pero por otros aspectos, etéreos o pragmáticos), pero que en el caso de Lombard viene de la enorme curiosidad que sentía por el medio cinematográfico. En 1935 organizaba fiestas a las que acudía desde el electricista de un estudio hasta Noël Coward. Se ganó el respeto de todos los hombres de la industria (trabajó en todos los estudios) y previamente a ser considerada una estrella amarrada tenía un sueldo descomunal, por lo cual su agente Myron Selznick se ganó una buena reprimenda por parte de élla y que no dudó en bajárselo si la oportunidad lo reclamaba o pagar encantada las elevadas tasas que se quedaba el estado de sus ganancias (hasta Franklyn D. Roosevelt le dio las gracias por hacer pública esa revelación). Decía que para élla el dinero no era lo más importante.

Y luego cómo profundizaba en las relaciones con otra gente. Aparentemente era de las pocas estrellas que en su vida privada no cambiaba el disfraz que llevaba en su imagen pública. Fue muy divertido leer como para librarse de sobones tocaculos que la dirigieron con 20 añitos le pidió a sus dos hermanos que la enseñaran a decir todo tipo de palabrotas y expresiones "sexuales" para espantar a aquéllos que querían ligársela; le sirvió como escudo de protección hasta que llegó a Paramount. Resulta desarmante su franqueza en sus opiniones, al menos hasta que se casó con Gable, ahí ya se volvió más comedida. Y, eso, que conocía la industria con la que creció demasiado bien; solamente la maternidad la hubiera retirado. Y de haber sobrevivido.... no creo que su matrimonio con Gable hubiera sobrevivido a pesar de los equilibrios que llevaba entre sus mundos, círculos de amistades incluídas, (a Gable no le gustaban ni Cukor, ni David Selznick - que rescindió su contrato con Carole por no ponerla en un dilema tremendo). La mujer era un apagafuegos, la mejor "relaciones públicas" que pdudieras tener en Hollywood y, ojo, tenía mucho interés en la nueva gente que llegaba (que si Ida Lupino, que si Ray Milland, que si Lucille Ball, que si Maureen O'Hara, que si Anthony Quinn...). Y se llevaba bien con la prensa, hasta el punto de conceder entrevistas informales que no se podían publicar como tal, al gusto pulcro de la época, pero que dejaban al entrevistador con oro en sus manos lamentando no poder hacer nada con éllo. Muy inteligente, pasito a pasito, y adelantada a su tiempo.



Asistiendo a un pase privado del film "They Knew What They Wanted" (1940) junto a Charles Laughton, su pareja actoral en el film. Un film fallido salió, poco destacable. Los rostros de ambos.... mmmm. La Lombard se ganó fama de intuitiva respecto a los guiones que le llegaban, y se fijó en algunos que luego fueron películas que tuvieron gran éxito con otros intérpretes (por ejemplo, "La mujer del año", que acabó siendo un vehículo fundamental para la pareja Hepburn-Tracy).

Iniciado por Alcaudón

De ello podría inferirse, querido amigo, que los que se dedican al cine deben ser tontos...

Intuición, perspicacia, azar... fue lo que consiguió que muchos alcanzaran la cima. La mayoría, quizá brevemente. Y que me he fijado que aquéllas intérpretes que tuvieron una carrera lenta partían de antemanocon ventaja respecto a otras que alcanzaron el cénit muy rápidamente. Jean Arthur, Myrna Loy, Barbara Stanwyck, la propia Lombard, llevaban correteando desde el periodo mudo, avanzando lentamente pero con suficiencia y perseverancia. Si sobrevivieron al paso al talkie y a los difíciles años de la reestructuración de la industria tras el Crack del 29, esto es, hasta 1934-5, ya tenían tablas y eran valores confiables.

Iniciado por Alcaudón

De ello podría inferirse, querido amigo, que los que se dedican al cine deben ser tontos...

No me he leído ese libro de Lombard que comenta Otto, pero desde luego que va en el sentido de mi afirmación. Quizá mi expresión no ha sido muy concreta o específica, pero me refería a que Lombard no era el prototipo de actor y, hay que decirlo, mucho menos de actriz, que se podía ver con frecuencia en aquel Hollywood. Me imagino que las verdaderamente grandes, como cita Otto (a las Stanwyck, Davis, Hepburn, etc...) se diferenciaban de la medianía precisamente por su inteligencia.

Anoche vi online la nueva de Space Jam y no ha estado nada mal, es bastante entretenida y te da un ligero paseo por las películas WB, además que al contrario que otros yo si entendí que el problema se originaba por dejar de lado y ningunear a Algoritmo y no por la pelea. Ahora lo malo es, ¿por que solo podían elegir jugadores de los Looney habiendo metido la posibilidad de ir a buscar hasta de Harry Potter?, claro por que es de los Looney, pero con eso hasta podrían haber elegido a Batman o al Joker, incluso a Peeves el poltergeist de Harry Potter, esa es la única pega además del puntaje final que está mal explicado. El resto genial, entretenido, ágil y hasta animación 3D.

Pues como revisé Teen Wolf hace unos días, anoche le di a su secuela. Decía el otro día que esta siempre me gustó un poco más... Voy a viajar en el tiempo a cerrarme la boca a piñazos. No, no me gusta más, es claramente inferior, veo que todo el mundo lo consiera así y que he caído en algo que llevo eones afrontando conmigo mismo y amigos: la nostalgia es, en si misma, muy amiga de engañarnos a nosotros mismos.

Ojo que nunca consideré Teen Wolf Too una buena película, tal vez aceptable, sino que ya desde chaval (diría que estas las vi en la adolescencia, vaya 99% seguro) simplemente me parecía simpática. Pero creo que era una suma de vectores que en ese momento me afectaron: a mi yo flipao con los coches a esa edad porque sale un precioso Corvette rojo descapotable (y con unas llantas ajenas al modelo); a mi yo adolescente por las dos, bueno, nunca supe que son (salvo que se considere eso directamente un trio me da que es más un rollo comunal o groupie raro) acompañantes del malote; porque algunos retazos de humor me tiran (el entrenador y los gestos de Chubby); y lo único que plenamente sigue vigente, y eso ya era mi yo futuro, esa extraña pero bella escena del estudio dual con el Send Me An Angel de Real Life de fondo.



En esencia es el mismo puto film pero peor. Huele, siendo de 1987, a secuela inmediatamente ordenada tras el éxito de la primera, y que repliquen todo manteniendo cierta mitología (misma familia, algún actor repite, se menciona la primera entrega y sus eventos etc), era algo habitual en los 80 (sobre todo en el slasher). Pero cuando se hace todo idéntico pero peor pues...

Y sin embargo tiene cosillas que podemos salvar. No entiendo eso. Pasamos del instituto a la universidad (bien ahí, se adapta a esos 2 años transcurridos no tanto para la ficción sino para los espectadores de la 1a), ganando con ello -imagino- más licencias para ciertas escenas, el protagonista es ahora el primo de Scott, un Jason Bateman de físico y sobre todo cara similar a J. Fox y en enlace con la 1a está lo habitualmente forzado en estas secuelas: el padre de Scott, tio de Todd (si hasta buscan un nombre de sonoridad similar ), le acompaña a su primer día en la universidad y ahí su compi de habitación es.. Stiles (distinto actor). Y por ahí anda Chubby (mismo actor). Y tiene una beca deportiva, que no entiende, debido a que el entrenador de baloncesto de la 1a es el de boxeo de la 2a (distinto actor) y confía en que se convertirá en lobo y la van a liar de nuevo (Stiles también cree eso). Lo dicho: forzado pero un clásico de secuelas de este tipo.

Por lo demás, decía, se repite todo: Todd, claro, no está hecho para el boxeo y termina convertido en estrella del mismo una vez se convierte en lobo y, de paso, en un idiota total. Eso es lo peor de la película: lo mal, por cutre, que describen a ese Todd chulapa. Bateman está horrible y poco creíble así aunque la culpa no es suya, claro. Scott se convirtió en idiota pero nunca dejamos de ver quien había debajo, nunca se le fue tanto la pinza, pero lo de Todd es muy ridículo. Hasta para este film.

De nuevo hay profusión de tópicos y personajes unidimensionales para anclar la historia: el malo/rival, que recordaba que era ya autoconsciente en la escritura del guión, no, no lo es, es como el 1o o peor. Un tipo ridiculamente machote (lo de que pete una bola de mini golf con la mano es ) que sube al ring con gafas de sol Las dos chicas que le acompañan, impresionantes claro, siendo igual de planas que la de la 1a, pasando del malo a Todd y de Todd al otro. Y una pasea el número de asaltos en la pelea final en bikini porque si.

El director tiene su gracia porque en este caso SI es autoconsciente en su absurdo (pobre Rottweiler: se nota que ladra al entrenador fuera de cámara ). Y el humor del entrenador, pasando de todo en los combates, y algunos gestos de Chubby molan

Hay una escena HORRIBLE cuando cuelan ahí un momento baile con el Do You Love Me en una fiesta. Joder es que es raro, es hortera, no tiene sentido, es muy hortera.

Y sin embargo el montaje de Todd como triunfador ya mola más, ni que sea por el Who Do You Want To Be de Oingo Bongo (Danny Elfman) que siempre mola:



Mención para el combate final que no tiene siquiera algo de historia. Todd, que no ha peleado en su vida (Scott por lo menos sí jugaba a baloncesto), se pelea contra un 3 veces campeón regional, el cual le da una paliza enorme durante 3-4 asaltos. Lo único que pasa es que parece que se cansa un poco (a lo Ivan Drago en Rocky IV en Moscú pero en, aún, más cutre) y le ofrece a Todd que le de un hostion (¿?) y este le pega un gancho que le permite darle varios golpes y dejarlo KO. Lo dicho, horrible.

Lo único salvable es la curiosa escena del baile de estudiantes de ciencias, con esa musiquita y la transformación inicial de Todd, porque el tempo de la escena lo marca el baile/música y tiene su gracia.



Y aunque no ocurra nada destacable, ni bien escrito, de nuevo esta saga sabe elegir una chica buena, la que no debe estar tan buena ni guapa como las otras, que son el mal, la tentación, pero que en realidad es igual, o más, guapa y lo otro no lo sabemos porque a ella la visten HORRIBLE (en serio, parece ropa de secta o algo En la 1a a Boof simplemente la vestían como una chica random del 85, hasta con estilo, de hecho ambas, Boof y la otra, iban similares en el fondo), y a las otras las adornan con pintura, vestidos, escotazos, bikinis etc Pero lo dicho, Nicki (una Estee Chandler que no sé si hizo mucho más: está en Twitter pero veo que habla de temas sociales), es mona, es guapa y cuando sonríe se pasa por la piedra a las groupies.



La mencionada escena del estudio en la que Todd empolla para un final de 1o de carrera en una noche (y luego tiene el combate), pero decía, no entiendo como cascan algo así, extrañamente bonito, en un film con esas otras escenas y momentos de vergüenza. Raro. No sé si hubo tijera, injerencia o que. Mirad, joder, que bonito:



PD: cosas que no sucederían hoy sería la pelea de ranas, vivas, con los alumnos tirándoselas unos a otros, y Chubby besando a una de las groupies tras el combate

Un día tienes que ponerte a revisar la de "Este muerto está muy vivo" (Weekend at Bernie's), Synch.
O la de "Los dioses deben estar locos" con el aborigen africano y la botella de cocacola.
Que conste que tienen gracia ambas, quizá la segunda más.

Iniciado por tomaszapa

No me he leído ese libro de Lombard que comenta Otto, pero desde luego que va en el sentido de mi afirmación. Quizá mi expresión no ha sido muy concreta o específica, pero me refería a que Lombard no era el prototipo de actor y, hay que decirlo, mucho menos de actriz, que se podía ver con frecuencia en aquel Hollywood. Me imagino que las verdaderamente grandes, como cita Otto (a las Stanwyck, Davis, Hepburn, etc...) se diferenciaban de la medianía precisamente por su inteligencia.

Sí, en los 30' se celebró la instauración del star-system tal y como lo hemos conocido, y en los 40 también aunque ahí ya hubo overbooking y flores de pocos días. Los 30' fueron la prueba de fuego por antonomasia: del silente al talkie (bajas y altas), del pre-code al código Hays (bajas y altas) y a partir de ahí a tumba abierta con los envenenados años 40' en Hollywood: la 2nd World War (bastantes intérpretes y realizadores que van al frente y nuevas fioguras emergen para sustituírles), la post-war y la Alerta Roja (bajas). Algunos ganaron y otros perdieron; unos se jubilaron (o los jubilaron) y otros ganaron peso. Lo que llegó después nunca fue tan agitado como en este tránsito. Y justo en la confluencia, 1939, año cinematográfico esencial.
A pesar de todo algunos intérpretes admirables e inteligentes merecieron mejor suerte, aunque tal y como estaban las cosas, bastante es que resistieron - si es que todavía les quedaban ganas de hacer cine, que en algunos casos la respuesta era un "no mucho...". Sobre todo a éllas, si es que se las requería.

No matarás



Thriller agónico este segundo film de David Vitori que nos adentra en la historia de un chico apocado en su día a día ... envuelto en una espiral nocturna infernal. Con un look y puesta en escena certeros, la exasperación sobrepasa...demasié.

Formato 4/3 y cámara al hombro potencian la acción y Mario Casas le pone ganas aunque sigo sin encontrarle el punto, su esfuerzo es loable...un caso parecido al de Kristen Stewart.

La peli funciona más allá de sus irregularidades atrapa desde el principio con un desenlace que actúa cerrando el circulo o no?¿

6.7/10

Iniciado por hannaben

No matarás

Me pareció un buen film a pesar de Mario Casas. Tenso y con buen ritmo. Casas ha ido mejorando con los años, pero sigue dando una de cal y otra de arena. Por ejemplo, la serie El inocente me pareció mala con ganas.

En mi opinión, Casas nunca llegará a ser un gran actor, de los que dejen huella, pero aún así, si le veo una evolución positiva. Le he visto en Toro, El fotógrafo de Mauthausen o Adiós, y me gusta en todas.