Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

No se entiende la escasa calidad de la película editada por Universal. Me da miedo verme el resto de clásicos que han editado recientemente incluyendo alguna película de Fritz Lang como EL MINISTERIO DEL MIEDO (1944).

Creo que las que ha editado Divisa tienen mucha más calidad.

Es cierto que esas ediciones de Universal parten de masters antiguos. Algún que otro western parecía un dvd. Aún así, yo me he hecho con casi todos esos clásicos. Pero me pasa como a tí, que me da miedito probarlos.

El problema es que sigue habiendo gente en este país que en lugar de molestarse en buscar las mejores copias existentes en el mercado (como hace la inmarcesible A Contracorriente) tira de lo primero que encuentra.

Y desde luego en los EUA existen magníficas copias en BD de buena parte de los clásicos que aquí se editan como si estuviésemos todavía en la época de los VHS.

Iniciado por tomaszapa

Pues visto así, es un muy buen apunte. Además, era uno de los primeros guiones que firmaban. Por lo tanto, no era una especie de recompensa por guiones anteriores y sí por su contribución al esfuerzo en los tiempos malos.

Por cierto, casualmente vi ayer Seven Days to Noon, dirigida y producida por los hermanos John y Roy Boulting (Roy, además, coescribe el guion, basado en una historia de Paul Dehn y... ¡James Bernard!) para la London Film Productions (fundada en 1932 por Alexander Korda), film que obtuvo en 1951 el Oscar al mejor argumento ("Best Story"), o sea que el gran compositor de muchos films de la Hammer obtuvo su único Oscar por ser el coautor de esta historia original.



En este caso, sí me parece un Oscar presentable, puesto que se trata de un film muy original para la época: un científico amenaza con hacer estallar en Londres una potente bomba si no se cancela el programa de producción de estos artefactos. A continuación desaparece, recayendo en la Special Branch de Scotland Yard la misión de encontrarlo y desactivar el explosivo (que cabe en un maletín). La población del centro de Londres es evacuada, con lo que asistimos a unas últimas horas con el centro londinense desierto. Atractivo film que cuenta además con la fotografía de Gilbert Taylor (que recordaremos como responsable de la fotografía de películas como la hitchcockiana Frenzy; las polanskianas Repulsion, Cul-de-sac y Macbeth; la kubrickiana Dr.Strangelove; The Omen, de Richard Donner, o la celebérrima Star Wars,de Lucas).

Si os interesa el film, está disponible en Netflix.

The Salvation Hunters (1925), de Josef von Sternberg



Primer largometraje de Josef von Sternberg, rodado en unas condiciones de producción dignas del cine más independiente: con cuatro cuartos, provenientes en parte de los ahorros del director; con actores poco o nada conocidos, que de entrada no cobraron (se dice que salvo uno, Stuart Holmes, que era un actor veterano); rodando en exteriores (el puerto de San Pedro en Los Angeles y el valle de San Fernando) y, los interiores, en estudios de la Poverty Row. Finalmente, gracias a que el actor principal, el británico George K. Arthur, había conocido a Chaplin en Londres, le hicieron llegar una copia que entusiasmó al genial actor, director y productor, entusiasmo que compartió con sus amigos y compañeros de la United Artits, Douglas Fairbanks y Mary Pickford, algo que se refleja en la siguiente nota que se insertó en la prensa:



Entre los actores, encontramos a la casi debutante Georgia Hale, que impresionó tanto a Chaplin que la convirtió en la actriz principal de The Golden Rush, rodada justo a continuación del film de Sternberg.

Ciertamente, la película tiene algo especial, que denota una fuerte personalidad tras la cámara (y tras el guion, la producción y el montaje, porque de todo esto se ocupó Sternberg, y seguro que además estuvo encima de la fotografía que firma Edward Gheller). La película, con una duración de 70 minutos (en la edición en DVD del Filmmuseum de Múnich), nos cuenta una historia dramática, muy estilizada, llena de simbolismos y de apuntes poéticos.

De entrada, un rótulo nos indica que lo que pretende filmar la película es “a thougt” (un pensamiento, una idea). Sternberg, como hizo durante toda su carrera, no se anda con chiquitas. Para ello nos sitúa en el puerto de San Pedro, cuyas aguas acogen los desechos, la suciedad, que vierte la sociedad.



Por allí deambula el “boy” (todos los personajes carecen de nombre, lo que les otorga un cierto carácter simbólico), interpretado por Arthur. Se le describe como un fracasado, un joven sin empleo, indeciso y algo cobarde, que se considera a sí mismo situado en un punto medio entre los “chicos del barro” y los “del sol”.

Ese barro (“mud”) es el que constantemente está sacando del fondo del canal del puerto una enorme y monstruosa draga, que opera peligrosamente sobre sus cabezas.



El chico conoce a una chica (“the girl”, Georgia Hale), tan perdida y amargada como él, pero con un carácter más decidido. Para completar la “familia”, se hacen cargo de un niño (“the child”, Bruce Guerin), huérfano, al que rescatan de los malos tratos de un adulto.

Hartos de su vida en el puerto, los tres deciden embarcarse en un bote para dirigirse al centro de la ciudad. Allí, un tipo con aspecto de proxeneta (“the man”, Otto Matieson) les ofrece ayuda… interesada, por supuesto.



Un rótulo nos advierte: “Man’s worst enemy is a man. A city is full of enemies”. Les proporciona un cuchitril (de la pared del cual pende un costroso rótulo de “God Bless Our Home”)



para que se alojen, con la intención de que la chica acabe aceptando dedicarse al “oficio más viejo del mundo”, como suponemos debe hacer o haber hecho la mujer que parece vivir con él (“the woman”, Nellie Bly Baker). Sternberg se permite el uso de un símbolo, casi diabólico, para caracterizar al personaje del macarra, una nota un tanto exagerada en el conjunto del film.



La búsqueda del chico de un trabajo por las calles de Los Angeles se muestra estéril. Será la chica la que tomará finalmente la decisión de prostituirse, lo que Sternberg nos muestra sin necesidad de rótulos: con una cerilla apagada se pinta los ojos y pide a la vecina un lápiz de labios. Pero en el momento decisivo, cuando ya ha llevado un hombre a la habitación (“the gentleman”, Stuart Holmes, el que quiso cobrar por adelantado), se echa para atrás, sacando solo una limosna del caballero, aunque se resiste a aceptarla, al igual que el chico, siendo el niño el que la recoge y con la que compra comida.

El proxeneta decide sacar a los tres al campo para intentar convencer a la chica en un ambiente más propicio, menos sórdido. Pasan una jornada campestre que, no obstante, acabará a tortazos entre el hombre y el chico. Este, por primera vez, se ha arriesgado y ha asumido su responsabilidad. La pelea se produce junto a un cartel publicitario que dice:



Quizá sí. Los tres, unidos (esos “salvation hunters” del título), se ponen en marcha, abandonando al macarra. Un vibrante travelling frontal los acompaña,



para después cerrarse la película con un bello plano de cara al sol poniente, hacia el que se pierden las tres figuras, de espaldas, y un rótulo nos indica “away from mud – towards the sun”.

Final poético, bellísimo, digno del mejor Chaplin. Sternberg se muestra como un director con un potencial espléndido a pesar de las limitaciones de producción, capaz de combinar en el film aspectos de clara filiación chaplinesca con otros que remiten sin duda a la sordidez de Von Stroheim. Un debut espléndido, aunque visto hoy en día nos puede parecer algo moroso y, en algunos momentos, demasiado esquemático.

Sirva este comentario como modesto apéndice a las magníficas contribuciones de Alcaudón analizando la obra silente de Sternberg (del que, por cierto, nos quedamos pendiente de seguir con Der blaue Engel y el ciclo hollywodiense con Marlene Dietrich ).

Iniciado por cinefilototal

Ya te digo, vamos, que tuve que ver el final dos veces porque no podía creérmelo...

En los años '40 y comienzos de los '50 ya he visto suficientes títulos como para indicar que los finales muchas veces no estaban a la altura de lo previamente establecido, ya fuese por precipitado en comparación con el temple de lo que nos lleva hasta el clímax o porque directamente se disparata todo y se desvirtúa considerablemente el valor del relato. Los test-screenings y reshoots también existían en esa época.

Ayer me vi una TV movie que ni siquiera se ha editado en DVD en USA pero que al estar subida a Youtube me proporcionó la inexcusable ocasión de verla. ¿La razón? Fue la última película que rodó Henry Fonda (1905-1982), justo tras "En el estanque dorado", y también la última en la que apareció Myrna Loy (1905-1993). Su título, Summer Solstice (1981), y es una propuesta en cierta manera continuísta con el celebrado film de Mark Rydell pero sin su brillantez. Supuso la única vez en la que estos dos intérpretes veteranos trabajaron juntos a lo largo de sus largas carrera. Una despedida, pues, crepuscular y agridulce. Ellos dos son lo mejor de este film.
Extrañamente, en IMDb se cuenta que el metraje es bastante superior a la muestra que he visto (75 min. vs. 50 min.). Not normal.







Dirige con gran sobriedad y respeto Ralph Rosenblum (1925-1995), editor de films tanto para Sidney Lumet ("Larga jornada hacia la noche", "El prestamista", "Punto límite" - con Fonda precisamente) como Woody Allen (desde "Bananas" hasta "Interiores").; En cualquier caso la propuesta me ha dado lo que quería ver y en lo que pretendía fijarme, la actuación de las dos viejas glorias con una ternura y decoro máximos. En realidad el film está lleno de flashbacks en los que ambos son jóvenes y tienen toda la vida por delante (interpretados por Stephen Collins y Lindsay Crous) y en los que se nos relata la historia de la pareja, con sus momentos felices, regulares y desgraciados. En el presente, cuando esa vida por delante ya está cerrándose, toca hacer un pequeño balance en la más absoluta intimidad; bien en su dormitorio, bien en su playa.







Las secuencias que comparten los ancianos Henry (Joshua) y Myrna (Maggie) son un cara a cara solitario salvo la aparición ocasional de un joven policía que enturbia un poco su velada en la playa. Entre susurros de voces ajadas se hablan, entre miradas que confirman el mutuo cariño se comunican, y entre silencios se nota que se conocen de toda la vida.
La última secuencia del film demuestra por qué Fonda ha de ser considerado uno de los más grandes intérpretes del cine norteamericano, incluso con la salud ya muy deteriorada. Es profundamente emocionante. La de Myrna también estaba resintiéndose y más que lo haría en los próximos años.

Curiosamente he encontrado un "making off" del film también que se convierte en un tributo al siempre magnífico e inmortal HENRY FONDA. Por los siglos de los siglos. Como los buenos vinos, Fonda no hizo sino mejorar con los años.
El arte de sentir y reaccionar de la forma más natural e instintiva posible, como terapia, solamente puede explicar su excelsa trayectoria como intérprete. Como Spencer Tracy, como Robert Ryan, como Gary Cooper.... una fuerza interior que poseen y que no sabrían explicar sin apelar a sus rincones más ocultos y a su propia existencia.









Y en cuanto a Myrna Loy, ojalá hubiese trabajado en films de mayor caché como "Los mejores años de nuestra vida" y no hubiese quedado atrapada en el conservadurismo y la predicibilidad que auspiciaba Metro Goldwyn Mayer. Por de pronto, David Lean la quiso para "Un espíritu burlón" (1945) y L. B. Mayer se negó a cedérsela; claro que entonces quizá por conflictos laborales no hubiese llegado William Wyler a contar con élla.



Incluso un film tan, tan intimista como éste se mueve a un buen número de personas para poner toda a punto durante el rodaje de las escenas en las que las dos leyendas comparten la vacía playa.

Iniciado por Otto+

En los años '40 y comienzos de los '50 ya he visto suficientes títulos como para indicar que los finales muchas veces no estaban a la altura de lo previamente establecido, ya fuese por precipitado en comparación con el temple de lo que nos lleva hasta el clímax o porque directamente se disparata todo y se desvirtúa considerablemente el valor del relato. Los test-screenings y reshoots también existían en esa época.

Esto que citas es importante, en mi opinión. Se tenía muy en cuenta la opinión del estudio, de los mandamases, y también de un público seleccionado. Se de películas donde una mediocre respuesta o desigual del público de "prueba" hicieron modificar el final, bien dulcificándolo o bien cambiándolo de tono en cualquier caso.
Me acuerdo de Dias sin huella, esa gran película de Wilder. tuvieron que cambiar el final porque era mucho más descorazonador por otro optimista.
Por eso, vistos a los ojos del espectador actual, muchas cosas nos chocan. Pero aquel espectador medio de los años 30 o 40 quería salir del cine con una sonrisa o al menos, algo a lo que agarrarse.

No conocía esa tv movie Solsticio de verano. Al parecer una televisión de Boston organizó un concurso de guiones entre sus televidentes. El guión ganador fue el de este Solsticio de verano, que se rodó cerca, en Cape Cod.
La elección de Fonda fue práctica. Estaba cerca de allí, tras justamente acabar el rodaje de En el estanque dorado.
Por cierto, el guionista responable fue Bill Phillips, que se estrenaba en estas labores. Lo curioso es que su siguiente guión, esta vez para el cine, fue de la película de John Carpenter, Christine, esa del coche "especial".

La fiesta del más allá (2021)..................... 7







Una Segunda Oportunidad






Mi comentario:

El veterano director Stephen Herek, realizador de films tales como Somos los mejores (1992), Los tres mosqueteros (1993), 101 dálmatas. ¡Más vivos que nunca! (1996) entre otros, se le ha encomendado la tarea de llevar a imágenes el libreto escrito por Carrie Freedle sobre una chica llamada Cassie, muy sociable y a la que le gustan las fiestas, que fallece durante la semana de su 25º cumpleaños. Lo que no se espera la chica es que se le va a dar una segunda oportunidad, más que nada para enmendar errores y solucionar asuntos pendientes que tenía en vida. La fiesta del más allá (2021) se ha estrenado en la famosa plataforma en streaming de Netflix, aunque bien podrían haberse estrenado en sala de cine.
La trama no es que sea nada original, lo de los ángeles de la guarda (por ejemplo, como el famoso Clarence), pero sí que me lo parece de la manera en qué está contada. No será una obra de arte, pero me ha hecho pasar un rato muy agradable. Sin duda, tiene un buen reparto encabezado por la cantante y actriz Victoria Justice, que está bien secundada por Midori Francis (ya me sonaba su cara, y es que la pude ver en el film titulado Chicos buenos del año 2019) y Adam Garcia (imborrable su presencia en la mítica película El Bar Coyote), entre otros. La química que existe entre las actrices Justice y Francis, que interpretan a dos muy buenas amigas, es innegable. La verdad es que, es de estos largometrajes que da gusto haber visto. Sabes que no pasará a la historia del cine, pero has disfrutado viéndolo. Es un buen melodrama fantástica, te ríes y te dan ganas de llorar muchas veces, sobretodo durante su tramo final. Mi nota final es de 7/10.

Iniciado por tomaszapa

Esto que citas es importante, en mi opinión. Se tenía muy en cuenta la opinión del estudio, de los mandamases, y también de un público seleccionado. Se de películas donde una mediocre respuesta o desigual del público de "prueba" hicieron modificar el final, bien dulcificándolo o bien cambiándolo de tono en cualquier caso.
Me acuerdo de Dias sin huella, esa gran película de Wilder. tuvieron que cambiar el final porque era mucho más descorazonador por otro optimista.
Por eso, vistos a los ojos del espectador actual, muchas cosas nos chocan. Pero aquel espectador medio de los años 30 o 40 quería salir del cine con una sonrisa o al menos, algo a lo que agarrarse.

Exacto, era el popular "Happy end", por muy oscura que fuera la pelicula, al final tenía que acabar bien, si o si... era la moda de aquella época; aún así también tenemos muchos clásicos donde la trama termina no precisamente alegre.

Si alguien quiere ver un final triste, recomiendo ver el video de la muerte de Pepa de El secreto de Puente Viejo, ya que tiene ese final en el 381, después de todo lo que ha pasado, también recomiendo el capítulo final de la brasileña Jesús que he tenido que bajar el volumen e irme a otra pestaña por su contenido, pero digamos que no termina tan agradable como Rey de reyes 1961. Y si alguien le va el gore, recomiendo ver la crucifixión de esa telenovela, que por lo que empecé a ver al final del capítulo 98 (versión capítulos de 1h y algunos de 50min), tiene pinta de cruda Pasión de cristo en 2 - 3 capítulos de 1h.

Iniciado por tomaszapa

No conocía esa tv movie Solsticio de verano.

Yo tampoco la conocía. Siempre había tenido la idea de que lo último que rodó Fonda fue En el estanque dorado, pero resulta que no.

Además, también tenía la idea de que Myrna Loy se había retirado de manera definitiva bastante antes. Una actriz que siempre me ha gustado mucho en sus comedias de los años 30.

Iniciado por tomaszapa

Esto que citas es importante, en mi opinión. Se tenía muy en cuenta la opinión del estudio, de los mandamases, y también de un público seleccionado. Se de películas donde una mediocre respuesta o desigual del público de "prueba" hicieron modificar el final, bien dulcificándolo o bien cambiándolo de tono en cualquier caso.
Me acuerdo de Dias sin huella, esa gran película de Wilder. tuvieron que cambiar el final porque era mucho más descorazonador por otro optimista.
Por eso, vistos a los ojos del espectador actual, muchas cosas nos chocan. Pero aquel espectador medio de los años 30 o 40 quería salir del cine con una sonrisa o al menos, algo a lo que agarrarse.

El final de "Sospecha", que incluso para Joan Fontaine no resultaba el más lógico o legítimo. El de "Corazones solitarios" (1958, Vincent J. Donehue) enfadó bastante a Montgomery Clift. He reseñado un par de films, "Ransom" y "Mi prima Rachel" cuyos finales son impetuosos y resueltos como en un chasquido de dedos que daña su perspectiva global. Y tantos ejemplos habrá condicionados por el Código Hays o la Caza de Brujas.
William Wyler exclamó no sin razón que "Los mejores años de nuestra vida" no hubiera podido hacerse un par de años más tarde por el ambiente tan envenenado que dejó la caza al comunista indiscriminada. Como se cita a Lauren Bacall en el libro de Myrna Loy, "it suddenly became risky, even dangerous, to be a Democrat. Fear was rampant -- the ruling emotion"· Había listas oficiales y agendas ocultas en las que escrutaban films y a profesionales del cine, y el film de William Wyler estaba inscrito en una lista gris-negra no hecha pública relacionada con posibles films anti-norteamericanos tan solo un par de años después de su apoteósico estreno.

Iniciado por tomaszapa

No conocía esa tv movie Solsticio de verano. Al parecer una televisión de Boston organizó un concurso de guiones entre sus televidentes. El guión ganador fue el de este Solsticio de verano, que se rodó cerca, en Cape Cod.
La elección de Fonda fue práctica. Estaba cerca de allí, tras justamente acabar el rodaje de En el estanque dorado.
Por cierto, el guionista responable fue Bill Phillips, que se estrenaba en estas labores. Lo curioso es que su siguiente guión, esta vez para el cine, fue de la película de John Carpenter, Christine, esa del coche "especial".

Yo lo he descubierto ahora gracias al libro biográfico sobre Myrna. Tampoco lo conocía. A finales de los '70 la actriz siguió trabajando ocasionalmente en films ocasionalmente; en 1978 fue dirigida por el mismísimo Burt Reynolds en una comedia llamada "De miedo también se muere", donde hacía de madre de la bigotuda estrella, y en 1980 la dirige Sidney Lumet en un film bastante poco conocido del realizador, otra comedia llamada "Dime lo que quieres". Si algo distinguió las dos últimas décadas de la actriz, fue la capacidad que tenía fácilmente de caer en gracia a intérpretes más jóvenes (desde Monty Clift y Paul Newman hasta Burt Reynolds).

En el "making of" se cita un hecho que tiene su relevancia: "Fonda comenzó en el arte de la interpretación precisamente en Cape Cod. en 1925 y aquí la terminó con el rodaje de este film en el mismo lugar, completando el círculo perfecto de su carrera"

Iniciado por cinefilototal

Exacto, era el popular "Happy end", por muy oscura que fuera la pelicula, al final tenía que acabar bien, si o si... era la moda de aquella época; aún así también tenemos muchos clásicos donde la trama termina no precisamente alegre.

Dramas de gente común como tú y yo es difícil que acabaran mal en aquélla época en la que había que insuflar optimismo sin pasar por antiamericano; pero cine bélico o noir, o el western, sí que se prestan a valores como el sacricio vital por la patria, por unos principios, o la redención aun a costa de perder la vida.

Iniciado por Rassendyll

Yo tampoco la conocía. Siempre había tenido la idea de que lo último que rodó Fonda fue En el estanque dorado, pero resulta que no.

Además, también tenía la idea de que Myrna Loy se había retirado de manera definitiva bastante antes. Una actriz que siempre me ha gustado mucho en sus comedias de los años 30.

Myrna hizo algunos pequeños papeles en los 60' y en los 70', pero en esas décadas estuvo principalmente volcada en labores sociales y pedagógicas. En el libro que he leído sobre élla se cuenta que rechazó un papel que le ofreció Hitchcock, probablemente en "Marnie", y otro también en "La mujer X", un film con Lana Turner de protagonista. No los rechazó porque los considerara poca cosa sino porque atravesaba una etapa personal delicada por entonces. A finales de los años '60 retomaría su carrera en el cine

Iniciado por mad dog earle

The Salvation Hunters (1925), de Josef von Sternberg



Primer largometraje de Josef von Sternberg, rodado en unas condiciones de producción dignas del cine más independiente: con cuatro cuartos, provenientes en parte de los ahorros del director; con actores poco o nada conocidos, que de entrada no cobraron (se dice que salvo uno, Stuart Holmes, que era un actor veterano); rodando en exteriores (el puerto de San Pedro en Los Angeles y el valle de San Fernando) y, los interiores, en estudios de la Poverty Row. Finalmente, gracias a que el actor principal, el británico George K. Arthur, había conocido a Chaplin en Londres, le hicieron llegar una copia que entusiasmó al genial actor, director y productor, entusiasmo que compartió con sus amigos y compañeros de la United Artits, Douglas Fairbanks y Mary Pickford, algo que se refleja en la siguiente nota que se insertó en la prensa:



Entre los actores, encontramos a la casi debutante Georgia Hale, que impresionó tanto a Chaplin que la convirtió en la actriz principal de The Golden Rush, rodada justo a continuación del film de Sternberg.

Ciertamente, la película tiene algo especial, que denota una fuerte personalidad tras la cámara (y tras el guion, la producción y el montaje, porque de todo esto se ocupó Sternberg, y seguro que además estuvo encima de la fotografía que firma Edward Gheller). La película, con una duración de 70 minutos (en la edición en DVD del Filmmuseum de Múnich), nos cuenta una historia dramática, muy estilizada, llena de simbolismos y de apuntes poéticos.

De entrada, un rótulo nos indica que lo que pretende filmar la película es “a thougt” (un pensamiento, una idea). Sternberg, como hizo durante toda su carrera, no se anda con chiquitas. Para ello nos sitúa en el puerto de San Pedro, cuyas aguas acogen los desechos, la suciedad, que vierte la sociedad.



Por allí deambula el “boy” (todos los personajes carecen de nombre, lo que les otorga un cierto carácter simbólico), interpretado por Arthur. Se le describe como un fracasado, un joven sin empleo, indeciso y algo cobarde, que se considera a sí mismo situado en un punto medio entre los “chicos del barro” y los “del sol”.

Ese barro (“mud”) es el que constantemente está sacando del fondo del canal del puerto una enorme y monstruosa draga, que opera peligrosamente sobre sus cabezas.



El chico conoce a una chica (“the girl”, Georgia Hale), tan perdida y amargada como él, pero con un carácter más decidido. Para completar la “familia”, se hacen cargo de un niño (“the child”, Bruce Guerin), huérfano, al que rescatan de los malos tratos de un adulto.

Hartos de su vida en el puerto, los tres deciden embarcarse en un bote para dirigirse al centro de la ciudad. Allí, un tipo con aspecto de proxeneta (“the man”, Otto Matieson) les ofrece ayuda… interesada, por supuesto.



Un rótulo nos advierte: “Man’s worst enemy is a man. A city is full of enemies”. Les proporciona un cuchitril (de la pared del cual pende un costroso rótulo de “God Bless Our Home”)



para que se alojen, con la intención de que la chica acabe aceptando dedicarse al “oficio más viejo del mundo”, como suponemos debe hacer o haber hecho la mujer que parece vivir con él (“the woman”, Nellie Bly Baker). Sternberg se permite el uso de un símbolo, casi diabólico, para caracterizar al personaje del macarra, una nota un tanto exagerada en el conjunto del film.



La búsqueda del chico de un trabajo por las calles de Los Angeles se muestra estéril. Será la chica la que tomará finalmente la decisión de prostituirse, lo que Sternberg nos muestra sin necesidad de rótulos: con una cerilla apagada se pinta los ojos y pide a la vecina un lápiz de labios. Pero en el momento decisivo, cuando ya ha llevado un hombre a la habitación (“the gentleman”, Stuart Holmes, el que quiso cobrar por adelantado), se echa para atrás, sacando solo una limosna del caballero, aunque se resiste a aceptarla, al igual que el chico, siendo el niño el que la recoge y con la que compra comida.

El proxeneta decide sacar a los tres al campo para intentar convencer a la chica en un ambiente más propicio, menos sórdido. Pasan una jornada campestre que, no obstante, acabará a tortazos entre el hombre y el chico. Este, por primera vez, se ha arriesgado y ha asumido su responsabilidad. La pelea se produce junto a un cartel publicitario que dice:



Quizá sí. Los tres, unidos (esos “salvation hunters” del título), se ponen en marcha, abandonando al macarra. Un vibrante travelling frontal los acompaña,



para después cerrarse la película con un bello plano de cara al sol poniente, hacia el que se pierden las tres figuras, de espaldas, y un rótulo nos indica “away from mud – towards the sun”.

Final poético, bellísimo, digno del mejor Chaplin. Sternberg se muestra como un director con un potencial espléndido a pesar de las limitaciones de producción, capaz de combinar en el film aspectos de clara filiación chaplinesca con otros que remiten sin duda a la sordidez de Von Stroheim. Un debut espléndido, aunque visto hoy en día nos puede parecer algo moroso y, en algunos momentos, demasiado esquemático.

Sirva este comentario como modesto apéndice a las magníficas contribuciones de Alcaudón analizando la obra silente de Sternberg (del que, por cierto, nos quedamos pendiente de seguir con Der blaue Engel y el ciclo hollywodiense con Marlene Dietrich ).

Algo que espero subsanar en breve cuando las aguas vuelvan a su cauce.

Además la recientísima edición en BD por parte de Divisa de EL ÁNGEL AZUL me permite tener todas las películas de la actriz y dirigidas por Sternberg con la máxima calidad.

Iniciado por tomaszapa

Esto que citas es importante, en mi opinión. Se tenía muy en cuenta la opinión del estudio, de los mandamases, y también de un público seleccionado. Se de películas donde una mediocre respuesta o desigual del público de "prueba" hicieron modificar el final, bien dulcificándolo o bien cambiándolo de tono en cualquier caso.
Me acuerdo de Dias sin huella, esa gran película de Wilder. tuvieron que cambiar el final porque era mucho más descorazonador por otro optimista.
Por eso, vistos a los ojos del espectador actual, muchas cosas nos chocan. Pero aquel espectador medio de los años 30 o 40 quería salir del cine con una sonrisa o al menos, algo a lo que agarrarse.

Y quizás por ello Wilder se vengó más adelante con el final de EL APARTAMENTO.

Iniciado por cinefilototal

Exacto, era el popular "Happy end", por muy oscura que fuera la pelicula, al final tenía que acabar bien, si o si... era la moda de aquella época; aún así también tenemos muchos clásicos donde la trama termina no precisamente alegre.

Las dos cumbres del melodrama hollywoodense acaban mal.

LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ y CASABLANCA.

Iniciado por Rassendyll

Yo tampoco la conocía. Siempre había tenido la idea de que lo último que rodó Fonda fue En el estanque dorado, pero resulta que no.

Además, también tenía la idea de que Myrna Loy se había retirado de manera definitiva bastante antes. Una actriz que siempre me ha gustado mucho en sus comedias de los años 30.

Insuperable la pareja Myrna Loy / William Powell.

Iniciado por Alcaudón

Insuperable la pareja Myrna Loy / William Powell.

Me has recordado que Terenci Moix escribió sobre Harrison Ford y Sean Connery en Indiana Jones y la Última Cruzada que eran la mejor pareja cómica que había surgido en el cine desde William Powell y Myrna Loy.

Aparte de la saga de The Thin Man, me gusta mucho Una mujer difamada, donde formaban un cuarteto formidable junto a Jean Harlow y Spencer Tracy.

Iniciado por Alcaudón

Las dos cumbres del melodrama hollywoodense acaban mal.

LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ y CASABLANCA.

Movimientos estratégicos precisos propiciados por el fragor de la batalla para remover conciencias.

Afortunadamente "Casablanca" era una producción Warner y en ese sentido era un estudio menos timorato que MGM, además de que la 2ª Guerra mundial mandaba imperatorio ese mensaje de final feliz frustrado. Que "Casablanca" finalizara mal también servía para envalentonar al público mediante posterior reflexión. Y los Hermanos Warner dentro de los grandes magnates fueron los más belicosos desde un primer momento contra Hitler. Hay dramas como "Kings Row" (1942, Sam Wood), "Since You Went Away" (1944, John Cromwell), o "Edge of Darkness" (1943, Lewis Milestone) que procuran absorber al público norteamericano de la época, familias, mediante historias y personajes con el que se puede identificar muy fácilmente al tener familiares desplazados como soldados al conflicto bélico. Y en esos films hay vida y muerte. Sacrificios conmovedores que hay que honrar manteniendo la lucha.

"Lo que el viento se llevó" ya es otra cosa, y el rodaje fue definitivamente una caldera a gran presión. El largo proceso de pre-producción del film y sus fricciones entre bambalinas han de ser más sabrosas que la película en sí (única pero algo endiosada)Cukor despedido para satisfacer a Gable en detrimento de Leigh y De Havilland que se sentían a gusto con él. Gable enemistado a muerte con Selznick y sintiéndose "miscast" en el reparto (Carole Lombard en las premieres del film consiguió que la tensión entre ambos se enfriara, y así se lo hizo saber Selznick agradeciéndoselo por carta). A Leslie Howard su personaje tampoco le agradaba; no se identificaba con él y menos al albor de una contienda bélica; "¡qué personaje más blando!" diría. A Max Steiner le estrujaron como a un limón para que en 3 meses compusiera el 80% de la partitura casi sin dormir y bajo vigilancia médica en lo que parece un regimen esclavista.
A Clark Gable en el libro biográfico de Carole Lombard se le deja como un personaje excesivo; muy inseguro, mimado por el estudio y engreído, ególatra, rácano con el dinero. La MGM lo moldeó a su antojo y él se dejó hacer. Sólo a partir de la muerte de Carole y tras enrolarse en la campaña militar su carácter se apaciguaría ostensiblemente volviéndose más sensible. Pero ante todo, debía ser una persona muy insegura - como tantos intérpretes - y no sentía cómodo con gente intelectualmente de cierto nivel como ciertas amistades que había cultivado la Lombard. Intimidado y fuera de sitio se sentía; lo suyo era ir de caza, emborracharse con amigos y cosas así. Entre Spencer Tracy y él se cultivó una amistad sincera pero peculiar; en el libro de Myrna Loy, otra que tardó un poco en apreciar a gable aunque al final se llevarían bien tras realizar sus dos primeros films conjuntos, se cuenta que Tracy envidiaba a Gable y éste a Tracy. El primero porque desearía ser un hombre como Clark, fornido y apuesto; mientras que el segundo daría su brazo por ser en sus interpretaciones tan comedido y superlativo como Spencer.

En cualquier caso, ambos films son extrapolables al clima pre-bélico o bélico que ya se vivía por entonces. Y la campaña mediática y su poder de atracción debía impresionar también exteriormente a los EEUU como símbolo de grandeza y mensaje enérgico de cara a confrontarse con el enemigo.
A Hitler le gustaba Hollywood y su tremendo sistema de estrellas como símbolo de expansión de modo de vida, tanto que intentó adaptarlo a su manera al III Reich.

Resulta que 1939 fue uno de los años con mejor cosecha de la historia del cine por este trasfondo pre-bélico en EEUU y por las declaraciones de guerra de Gran Bretaña y Francia hacia Alemania. Muchos títulos de este año tienen su base en personajes u obras literarias procedentes de estos países como gesto de buena voluntad hacia ellos mientras las estrellas de Hollywood realizaban actos multipresenciales en actos de recogida de beneficios para ellos.

Goodbye Mr. Chips, Gunga Din, The Rains Came, Wuthering Heights, The Hound of the Baskervilles, The Story of Alexander Graham Bell, Beau Geste, The Four Feathers, The Adventures of Sherlock Holmes, Gulliver's Travels, The Little Princess, ..... del lado británico, mostrando bien figuras históricas, relatos universales de su literatura o acercando su pasado victorioso como Imperio.

The Three Musketeers, The Main in the Iron mask, The Flying Deuces, The Hunchback of Notre Dame..... a mucha menor escala, adaptándose a lo francés.

Incluso hacían maratones destinados a recavar fondos o material sanitario para países como Grecia:






Y durante la Guerra Civil española varias estrellas recaudaron fondos y se posicionaron a favor del bando republicano, liderados por el escritor Dashiell Hammett a partir de una propuesta de Ernest Hemingway que vino a mostrar un documental sobre la contienda. Una de las sesiones se organizó en el hogar de Fredric March y su mujer Florence Eldridge, y allí intérpretes, realizadores e intelectuales como las actrices Anna May Wong y Luise Rainer, el actor Melvyn Douglas, el realizador Lewis Milestone y la escritora y guionista Dorothy Parker fueron ganadas para la causa.

Por no hablar del aventurero Errol Flynn que vino en persona a España en 1937 mientras la lucha entre los dos bandos estaba en su apogeo:

Iniciado por Rassendyll

Aparte de la saga de The Thin Man, me gusta mucho Una mujer difamada, donde formaban un cuarteto formidable junto a Jean Harlow y Spencer Tracy.

Una película que cuenta con una cita de Katharine Hepburn nombrando "Una mujer difamada" (Libeled Lady, 1936) "the funniest damn thing I've ever seen in my life". Lo cierto es que a Myrna le agradaba mucho Spencer Tracy también y hubiese querido rodar más películas conjuntamente, algo que también diría de George Cukor y que el realizador también buscaba pues la admiración era mutua, pero no surgiría la ocasión pues además de que posteriormente entraría en juego la propia Hepburn como tecer pilar indiscutible de la asociación, los propios designios que le tenía la propia vida destinados a Myrna en un futuro alejarían mucho esa posibilidad.

Ya me habría gustado a mí que Myrna hubiese trabajado con Frank Capra, George Cukor, George Stevens, Howard Hawks, Wilder, Lubitsch o Leisen, pero su época dorada la pasó en la Metro con directores como Woody Van Dyke o Jack Conway. Y es que en la MGM los realizadores se subordinaban a los productores y, por lo tanto, la actriz no brilló con realizadores con vitola de autor. William Wyler fue a lo máximo que llegó, y ojo, Wyler quedó encantado con élla.

"The rapport that developed between Wyler and Myrna Loy astonished Myrna and made for one of the peaks of her professional career. Fredric March told her, "I can't believe the radar you two have going. You don't even need to talk". When she substituted a gesture for a line, or in one instance sensed that a bit of dialogue didn't work and should be cut, Wyler allowed her instincts to prevail and thanked her for helping him. He said that because Myrna Loy played it, the role of Milly Stephenson became bigger that it seemed in the script. The two retained the warmest feelings for each other. The Los Angeles Times film critic Kevin Thomas remembers seeing them meet unexpectedly at a big party and fall into a spontaneous embrace."

Myrna Loy, The Only Good Girl in Hollywood, pág. 254


Durante la Caza de Brujas Wyler y Myrna mantendrían contacto a la hora de consolidar una resistencia ante la ola que cernía sobre todos los demócratas liberales que pueieran ser calificados como comunistas. Incluso durante el rodaje de "Los Blandings ya tienen casa" Wyler en compañía de John Huston visitarían a Myrna solicitando su ayuda como figura pública para edificar el llamado Comité para la Primera Enmienda, un órgano asociativo que claramente estaba en contra de la Caza de Brujas y sus modos. Melvyn Douglas, que trabajaba con élla en el film atendió y correspondió a la solicitud.
Mediante mensajes radiofónicos breves, más adelante participó en cuestionar el cercenamiento de libertades y los métodos coercitivos del Comité de Actividades Antiamericanas junto a Burt Lancaster, Gene Kelly, Judy Garland, Dana Andrews, Robert Ryan. El propio Gene Kelly preguntó a las audiencias que escuchaban la radio, ¿Fuiste a ver al cine "Los mejores años de nuestra de vida?, ¿te gustó?, ¿te convirtió en un anti-americano?, ¿saliste del cine deseando derrocar al gobierno?

La actriz no se vio bien tratada en general durante su época de mayor esplendor en la Metro; tampoco le benefició su alineación política con los demócratas liberales, lo que sin duda eliminó las posibilidades de una nominación al Oscar por el film de Wyler; ni igualmente tuvo suerte con los cuatro matrimonios que contrajo y en los que en general dio más que lo que recibió en forma de amor puro incondicional y comprensión. No siendo capaz de tener hijos, llegó a vivir su máxima aventura y experiencia gratificante en labores representativas de la ONU y la UNESCO, lo que la llevó a ser bendecida por las amistades y el cariño de generaciones más jóvenes a la suya. Un cariño que no encontró en sus cónyuges pero que la colmarían de alegría en su madurez y en sus últimas décadas de vida.





Con Joanne Woodward durante un homenaje a Myrna en 1985. Paul Newman y élla estrecharían vínculos y lazos afectivos con Myrna desde que protagonizaron "Desde la terraza" (1960, Mark Robson) y compartieron agenda política y social por los derechos humanos.

[In 1974] When I was touring in "Don Juan in Hell," we played a college town near New Orleans. Paul [Paul Newman] happened to be there shooting Con el agua al cuello (1975), so I went to see him that afternoon. I remember walking down a country road past every kid in town waiting to glimpse Paul Newman. When he saw me he rushed over, threw his arms around me, and kissed me, eliciting a collective swoon from those kids, who were probably wondering, "Who's that lucky old lady?" We went off and talked until they called him back to work.



Roddy MacDowall, otro de sus grandes admiradores.



Una mujer humilde, discreta, buena escuchadora, sensible y tímida que se entregó a causas humanitarias y a defender los derechos de las personas.