Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Alcaudón, fíjate que hasta en IMDB, que por otro lado está hecho de aportes personales que habría que diseccionar , se comenta esto sobre Laughton:



Y luego en la ficha de La noche del cazador encuentras esto, ya más pormenorizado y que me da que sufrió el síndrome "bola de nieve agrandándose" hasta formar una realidad "deformante":





Este último comentario demuestra que las cosas se sacaron de quicio:




Y tengo que decir, ¡qué poco favorecido sale Dana Andrews en general en los posters de State Fair! Vaya narizonga me lo ponen

Luego os cuento alguna cositas más sobre Jeanne Crain....

Si tienes la edición británica de Arrow te recomiendo encarecidamente que veas el extra "Charles Laughton directs "The Night of the Hunter" y podrás comprobar que Laughton dirigió todas las escenas, incluidas las de los niños...

Como lo prometido es deuda ahí van un par de escaneos de fotografías originales de mi colección de la bella Jeanne Crain:





Por cierto, a mi "State Fair" no me parece un musical de escaso fuste, sino todo lo contrario, me parece delicioso, y la manera que tiene de introducir sus números musicales en la trama, harto novedoso para la época.

Fue la primera colaboración en el cine de la famosa pareja de compositores: Rodgers y Hammerstein, luego vendrían otros hitos musicales provenientes de Broadway como: Oklahoma!, Carrusel, Al sur del Pacífico, El rey y yo, Cinderella (Tv), Sonrisas y lágrimas y Prometidas sin novio.

Por cierto, en 1962 José Ferrer dirigió una nueva versión (sin el encanto de esta) con Pat Boone, Ann-Margrett, Bobby Darin, Pamela Tiffin, Tom Ewell y Alice Faye.

Y en 1996 dió el salto a Broadway como "State fair the new musical", con el añadido de varias canciones mas.

Un inciso sobre las cualidades vocales de Dana Andrews, según IMDb era un consumado cantante, pero cuando se enteró de que el estudio había contratado a alguien para doblarlo en las canciones, no dijo nada para que no lo despidiesen... ¡Que buena persona era!.

Sobre Walter Lang: hay varios musicales maravillosos además de "Luces de candilejas" y "El rey y yo"; concretamente yo recomendaría estos:

- Se necesitan maridos (1941, Moon over Miami)
- A la Habana me voy (1941, Week-end in Havana)
- Siempre en tus brazos (1947, Mother wore tights)
- Llámeme señora (1953, Call me madam)
- Can-can (1960)

Anoche revisé Rope (1948), primer film a color de Hitchcock, y famoso por su formato experimental a base de un falso plano secuencia cortado aprox cada 10 mins (necesidad técnica).

No soy el mayor fan de James Stewart (es escuchar su voz, y no sé... Pero ya, eh, tampoco es que no me guste) (pero no me entusiasma) pero el formato de un solo escenario, en NYC (por años casi que la misma de The Lost Weekend de Wilder pero aquella era en B/N y parece otro mundo) y con un planteamiento irresistible con ese par que deciden cometer un asesinato por el mero placer de que no les descubran, y para uno de ellos, por ideas supremacistas en lo intelectual.

Nunca me cuadró el personaje de Phillip. Con ese canguelo y remordimientos no me cuadra que se meta a ejecutar esa idea salvo que el propósito sea que entendamos que entra en crisis justo al ver morir a David.

Brando por contra es un personaje cojonudo y John Dall le da el toque frío y radical necesario.

No existe per se un subtexto gay sino la sospecha de que Brandon y Phillip son pareja pero está presentado de ese modo que o lo ves, claramente, o si por lo que sea (edad prehistórica en lo social en cuanto a 1948 y años posteriores hasta mínimo los 60-70 y ni así, claro, que esto era un film comercial de Hitchcock), no, pues ya.

Me falta también un personaje femenino potente, Janet es poca cosa y Anita es casi alivio semi cómico (me da que se ve como Constance Collier va mirando a veces a un punto que imagino tenía ahí escritos los diálogos).

Genial su escasa duración (80 minutos).

Lo que ocurre es que los musicales de la Fox me parecen "pobretones" en comparación de los de la MGM.

De hecho, casi cualquier musical no MGM palice en comparación con los del estudio del león rugiente, especialmente los que estaban controlados por Arthur Freed, quien tenía su propia unidad autónoma de producción dentro de la compañía.

Uno de los pocos que podría escapar a esa sombra alargada de la MGM sería LAS MODELOS (1944), de Charles Vidor, seguramente por la presencia de Stanley Donen y de Gene Kelly (antes de que formaran un tándem imbatible a partir de UN DÍA EN NUEVA YORK (1949)) y, por supuesto, de una bellísima Rita Hayworth quien, por supuesto, tendrá un lugar en esta modesta revisión aperiódica que inicié ayer.

Ah, amigo cinefilototal, si quieres que comentemos algún musical clásico a cuatro manos o incluso iniciar un ciclo con los mejores ejemplos del género, házmelo saber, aunque con tantas revisiones como llevo (periódicas y aperiódicas) tendré que mirar bien mi agenda.

Iniciado por Alcaudón

Lo que ocurre es que los musicales de la Fox me parecen "pobretones" en comparación de los de la MGM.

De hecho, casi cualquier musical no MGM palice en comparación con los del estudio del león rugiente, especialmente los que estaban controlados por Arthur Freed, quien tenía su propia unidad autónoma de producción dentro de la compañía.

Uno de los pocos que podría escapar a esa sombra alargada de la MGM sería LAS MODELOS (1944), de Charles Vidor, seguramente por la presencia de Stanley Donen y de Gene Kelly (antes de que formaran un tándem imbatible a partir de UN DÍA EN NUEVA YORK (1949)) y, por supuesto, de una bellísima Rita Hayworth quien, por supuesto, tendrá un lugar en esta modesta revisión aperiódica que inicié ayer.

Ah, amigo cinefilototal, si quieres que comentemos algún musical clásico a cuatro manos o incluso iniciar un ciclo con los mejores ejemplos del género, házmelo saber, aunque con tantas revisiones como llevo (periódicas y aperiódicas) tendré que mirar bien mi agenda.

Por supuesto, eso es así, donde estén los musicales de la Metro Goldwyn Mayer que se quiten los demás... Pero bueno, al que le gustan mucho como un servidor, no puede quedarse estacando en la MGM, hay que explorar por otros estudios, y la Fox desde luego era la número dos...

"Las modelos" fue rompedora de muchas de las convenciones del musical en 1944 y aún a día de hoy se mantiene fresca y moderna, a pesar de haber sido luego copiada hasta la saciedad...

Sobre comentar algún título del género pues cuando quieras, aúnque ya sabes que sigo, y sigo esperando tu comentario de "Pal Joey".... ¡¡Sin presiones claro!!...

Me pongo con ese comentario en breve...

Iniciado por Alcaudón

Si tienes la edición británica de Arrow te recomiendo encarecidamente que veas el extra "Charles Laughton directs "The Night of the Hunter" y podrás comprobar que Laughton dirigió todas las escenas, incluidas las de los niños...

Huy, que va, todo lo que tengo es en formato DVD pese a que tengo un reproductor BD, TAN-TA-TA-CHÁN....
He visto algunas en BD pero pocas, la verdad, para el tiempo que llevo con el cacharro; tampoco tengo una TV demasiado grande.

Pero hay una cosa que me ha llamado mucho la atención entre los extras del BRay de La noche del cazador en la edición de Arrow:
isolated music and effects soundtracks; lo que decía de "Rebecca", que contiene la banda sonora incidental mezclada con los efectos de sonido del film. ¿Por qué? Pues porque no se conservan las sesiones de grabación de la partitura musical. Y como mal menor, la música se presenta de la única manera que ha llegado a nuestros días, que es mezclada con los efectos de sonido.
En este caso, además se viene hablando desde hace años de una regrabación con la tecnología actual que cubriera la ausencia de la original, pero no se ha llevado a cabo. Y eso que está en el punto de mira de productores musicales y coleccionistas de BSO, pero sale caro el proceso y las ventas/ganancias son dudosas.
He mirado en Amazon.es y el BD de Arrow parece que ya no está disponible. Una pena.

Iniciado por cinefilototal

Un inciso sobre las cualidades vocales de Dana Andrews, según IMDb era un consumado cantante, pero cuando se enteró de que el estudio había contratado a alguien para doblarlo en las canciones, no dijo nada para que no lo despidiesen... ¡Que buena persona era!.

Este es un aspecto que siempre me ha escamado bastante; si tiene aptitudes, ¿por qué no pulirlas o dejarle al intérprete que se perfeccione por su cuenta? El caso de Natalie Wood era fragrante, se desenvolvía muy bien... Es que los estudios por entonces dirigían tu vida de la A a la Z, y según la ambición o ganas que se muestren eso es frustrante. Y lleva a la postre a que los estudios pusieran "en la nevera", en suspensión, como castigo a sus intérpretes por no querer protagonizar un film; en la Warner Bros. de los 40' hay ejemplos de sobra...

"Las modelos" es un musical del que tengo muy buen recuerdo. ¿Kim Novak sería doblada en Pal Joey, no, cinefilototal?

Iniciado por Synch

Anoche revisé Rope (1948), primer film a color de Hitchcock, y famoso por su formato experimental a base de un falso plano secuencia cortado aprox cada 10 mins (necesidad técnica).

No soy el mayor fan de James Stewart (es escuchar su voz, y no sé... Pero ya, eh, tampoco es que no me guste) (pero no me entusiasma) pero el formato de un solo escenario, en NYC (por años casi que la misma de The Lost Weekend de Wilder pero aquella era en B/N y parece otro mundo) y con un planteamiento irresistible con ese par que deciden cometer un asesinato por el mero placer de que no les descubran, y para uno de ellos, por ideas supremacistas en lo intelectual.

Nunca me cuadró el personaje de Phillip. Con ese canguelo y remordimientos no me cuadra que se meta a ejecutar esa idea salvo que el propósito sea que entendamos que entra en crisis justo al ver morir a David.

Brando por contra es un personaje cojonudo y John Dall le da el toque frío y radical necesario.

No existe per se un subtexto gay sino la sospecha de que Brandon y Phillip son pareja pero está presentado de ese modo que o lo ves, claramente, o si por lo que sea (edad prehistórica en lo social en cuanto a 1948 y años posteriores hasta mínimo los 60-70 y ni así, claro, que esto era un film comercial de Hitchcock), no, pues ya.

Me falta también un personaje femenino potente, Janet es poca cosa y Anita es casi alivio semi cómico (me da que se ve como Constance Collier va mirando a veces a un punto que imagino tenía ahí escritos los diálogos).

Genial su escasa duración (80 minutos).

Pues sí, estoy totalmente de acuerdo con tu última línea. No da para más el film, sumamente absorbente, y madre de topicazos futuros en cuanto a villanos fríos y calculadores y otros frágiles; es un film que pasa en un suspiro, incluso tiene referencias cinéfilas, creo recordar que las dos mujeres del film junto a James Stewart sacan a colación los nombres de Errol Flynn y James Mason. Y si me gusta ésta, "La ventana indiscreta" ya es para gozar a lo bestia.



Por cierto, hace poco acabo de ver un artículo sobre el proceso de maduración de "¡Que el cielo la juzgue!", el baile de nombres que se manejó. Jeanne Crain fue fácil de encajar en el film, pero el papel de Ellen debió alborotar y tentar suculentamente a unas cuantas actrices de renombre. Afortunadamente, Tierney se lo llevó. Es imposible imaginarse a otra.




https://classicfilmaficionados.wordp...f-your-list-2/


Mañana os hablaré de un fotógrafo "atípico", influído por el cine expresionista alemán y el cine de terror de la Universal o King Kong, y denostado por sus coetáneos, William Mortensen (1897-1965), que fue extremadamente importante en los inicios de la carrera de Jeanne Crain, tanto que unas de las cientos de series de fotos que tomó de la actriz llamó la atención de Max Reinhardt, el co-director de "El sueño de una noche de verano" junto a Dieterle.

Iniciado por Otto+

"Las modelos" es un musical del que tengo muy buen recuerdo. ¿Kim Novak sería doblada en Pal Joey, no, cinefilototal?

Pues si, fue doblada en las canciones por Trudy Ewen.

No sé donde leí que para la película "5 contra la banca" Kim tomó clases de canto en el propio estudio pues en dicha película tenía que cantar una canción, pero el estudio finalmente la dobló por Jo Ann Greer... era la tiranía típica de la época.

Por cierto, menuda fotografía mas erótica de Jeanne Crain, ¡quien lo diría, si parece hecha ayer!.

Iniciado por Synch

Anoche revisé Rope (1948), primer film a color de Hitchcock, y famoso por su formato experimental a base de un falso plano secuencia cortado aprox cada 10 mins (necesidad técnica).

Como ya analizamos detalladamente en el hilo que dedicamos a revisar la obra de Hitchcock, ese tópico del plano secuencia es falso, porque no solo se producen los cortes por cambio de rollo, disimulados utilizando una aproximación a la ropa de los actores, sino que hay varios cortes de montaje. Me autocito:

"El intento del experimento probablemente era el de rodar el film en una sola secuencia (unidad de tiempo y espacio, muy teatral, sin esconder su origen), aunque el primer plano lo invalida, pero al final la cosa queda en una secuencia con diversos planos, donde el artificio de los "fundidos" en la oscuridad de las americanas o la tapa del arcón sirven para disimular algunas transiciones entre planos, pero sin poder evitar del todo los cortes de montaje. Si aceptamos que, desde el punto de vista del espectador, esos fundidos no interrumpen el plano, tendríamos que hablar de 6 planos: 1 en el exterior y 5 en el interior."

Con todo, o precisamente por ese reto técnico, me pone (siempre me puso) muchísimo La soga. Fue de las primeras películas de Hitchcock que me encendió la bombilla del buen cine. Me encanta esa sensación de inquietud que se va incrementando ante la llegada de la noche y la no aparición del desaparecido, ese que todos mencionan y con el que tienen relación, de una u otra forma.

Ya hablamos largo y tendido de LA SOGA en el rincón de Sir Alfred.

A mi juicio es un experimento fallido (como el propio Hitchcock admitía) que sólo un director del talento del británico se podía permitir.

Curiosamente poco gente menciona que LA SOGA fue la primera película en color de Hitchcock teniendo en cuenta la importancia que el mismo tendría en sus mejores títulos.

O que fue su primera película como productor independiente.

Y, por supuesto, que fue su primer encuentro con James Stewart.

A día de hoy, "La soga" sigue siendo una obra maestra.

Iniciado por mad dog earle

Como ya analizamos detalladamente en el hilo que dedicamos a revisar la obra de Hitchcock, ese tópico del plano secuencia es falso, porque no solo se producen los cortes por cambio de rollo, disimulados utilizando una aproximación a la ropa de los actores, sino que hay varios cortes de montaje. Me autocito:

"El intento del experimento probablemente era el de rodar el film en una sola secuencia (unidad de tiempo y espacio, muy teatral, sin esconder su origen), aunque el primer plano lo invalida, pero al final la cosa queda en una secuencia con diversos planos, donde el artificio de los "fundidos" en la oscuridad de las americanas o la tapa del arcón sirven para disimular algunas transiciones entre planos, pero sin poder evitar del todo los cortes de montaje. Si aceptamos que, desde el punto de vista del espectador, esos fundidos no interrumpen el plano, tendríamos que hablar de 6 planos: 1 en el exterior y 5 en el interior."

Pero de hecho hay un corte de montaje deliberado que no tiene nada que ver con las transiciones entre rollos, y es cuando Farley Granger tiene una reacción de emotividad exagerada a algo que se dice, y entonces se corta inmediatamente a Stewart porque es el momento exacto en el que él comienza a sospechar. A uno casi le da por pensar en que ese momento tiene la eficacia que tiene en contraste con el lenguaje seudo-teatral, de imagen completa sin cortes, con movimientos que podrían corresponder a la mirada del espectador paseándose por el escenario, mientras que ese corte directo es cien por cien cinematográfico, y Hitchcock, o no puede evitarlo, o lo pone en relieve, como he dicho, en el contexto de todo el artificio anterior.

Iniciado por Abuelo Igor

Pero de hecho hay un corte de montaje deliberado que no tiene nada que ver con las transiciones entre rollos, y es cuando Farley Granger tiene una reacción de emotividad exagerada a algo que se dice, y entonces se corta inmediatamente a Stewart porque es el momento exacto en el que él comienza a sospechar. A uno casi le da por pensar en que ese momento tiene la eficacia que tiene en contraste con el lenguaje seudo-teatral, de imagen completa sin cortes, con movimientos que podrían corresponder a la mirada del espectador paseándose por el escenario, mientras que ese corte directo es cien por cien cinematográfico, y Hitchcock, o no puede evitarlo, o lo pone en relieve, como he dicho, en el contexto de todo el artificio anterior.

Sí, pero no hay uno, hay más, yo conté cuatro, sin tener en cuenta el primero, que da paso al interior del apartamento. Probablemente, Hitchcock no pudo evitarlos, aunque es curioso que se haya mantenido a lo largo de los años ese tópico del plano único. El contraste entre lo teatral y lo cinematográfico ya se consigue con los movimientos de cámara, que en ocasiones no se corresponden a los de los personajes, sino a lo que se está contando, al ojo del espectador que sigue el hilo narrativo.

El estudiante de Praga (Der Student von Prag, 1913), de Hanns Heinz Ewers



Coincidiendo con el inicio de la revisión de la filmografía de Lang, que hemos emprendido en otro hilo, estoy dedicando algunas sesiones a ver (o revisar, como en este caso) algunos clásicos del cine alemán. En esta ocasión se trata de uno de los primeros films del género de terror, una película basada en una historia del novelista, poeta y cineasta Hanns Heinz Ewers, dirigida por él mismo, aunque algunas fuentes atribuyen la dirección a Stellan Rye o incluso al actor principal, Paul Wegener. Ewers es también el autor de la novela "Alraune", llevada varias veces al cine, entre otros por Henrik Galeen en Alraune (1928), protagonizada por Brigitte Helm.

He visionado la excelente edición del Filmmuseum de Múnich, en la cual se otorga el crédito de la dirección a Ewers, asignando a Rye el papel de ayudante de dirección. De hecho, la película se inicia con un plano, externo a la narración, en que se nos muestra a Ewers y a Wegener con el castillo de Praga al fondo.

La película nos narra la historia del estudiante Balduin, un Wegener de presencia imponente (recordémoslo también en su papel de Golem, en Der Golem, wie er in die Welt kam, dirigido por el propio Wegener y Carl Boese), que debutaba en este film. Balduin, a cambio del dinero que le ofrece el mefistofélico Scapinelli (John Gottowt), acepta cederle aquello que este prefiera de las cosas que hay en su pobre habitación de estudiante. Con el dinero, Balduin pretende ascender socialmente y poder acercarse a la condesa Margit (Grete Berger), a la que ha conocido, y de la que se ha enamorado, cuando la ayuda a recuperarse de una caída de caballo. Pero lo que no se espera Balduin es que Scapinelli elija su reflejo en el espejo, liberando así a su otro yo, su doppelgänger, personaje que se le aparecerá en los momentos más inconvenientes. Ese Otro será el que mate en duelo al prometido y primo de la condesa, el barón (Fritz Weidemann), lo que provoca su desprestigio y el rechazo de su amada. Al final, desesperado, Balduin se deshará de su reflejo disparándole en el peño… para descubrir que el receptor de la bala ha sido él mismo.

La película recurre, en general, a planos frontales y estáticos, con poca labor de montaje, aunque en cambio se muestra extraordinariamente brillante en las sobreimpresiones.



El efecto de combinar la imagen de los dos Balduin en el mismo plano está logradísimo, lo que compensa cierta rigidez en la composición de los planos y en las interpretaciones. Con todo, la película goza de un ritmo envidiable y de un interés más que notable, que va mucho más allá de lo meramente arqueológico.

La narración de Ewers, en la que es fácil encontrar ecos del “Faust” de Goethe o de las narraciones de E.T.A. Hoffmann, o incluso del “William Wilson” de Poe, pervive como una de las más brillantes, aunque primitiva, muestras de films sobre los inquietantes doppelgängers.

El estudiante de Praga (Der Student von Prag, 1926), de Henrik Galeen



La película de Galeen (autor del guion del Nosferatu de Murnau y del film sobre el Golem antes citado) es un buen ejemplo de que lo de recurrir al remake era algo que ya se hacía en plena época muda. Trece años después, esta Der Student von Prag sigue al pie de la letra el argumento del film de Ewers, aunque difiere notablemente en su realización. Por un lado, el paso del tiempo se nota en una planificación mucho más variada, con un uso muy superior del montaje, incluso en algunas secuencias acudiendo a un montaje acelerado, de planos cortos. También la movilidad de los actores es superior, dejando de lado el recurso generalizado al plano frontal y estático. Con todo, no me atrevo a decir que la película de Galeen sea superior, sobre todo porque la copia que he visionado (un DVD editado por Tema ) es simplemente horrorosa, casi invisible, con lo que cualquier juicio sobre sus imágenes no deja de ser una especulación. Con posterioridad, he comprobado que en YouTube hay disponible una copia en muchísimo mejor estado.

En todo caso, resulta curioso encontrar en el reparto a los principales actores del mítico Das Cabinet des Dr. Caligari. Por un lado, Balduin es Conrad Veidt (el Cesare del film de Wiene), mientras que Werner Krauss (Caligari) repite personaje mefistofélico, aquí Scapinelli.





Hay también un juego con los espejos que me parece que saca más rendimiento al tema que lo logrado en el film de Ewers, especialmente al poner en escena la secuencia final de la muerte de Balduin. En esta ocasión, el estudiante dispara contra su reflejo justo en el momento en que este se encuentra delante del espejo, que queda destrozado por la bala al mismo tiempo que el doppelgänger desparece. Cuando Balbuin, asombrado, recoge uno de los pedazos del espejo roto, ve como ahora ya vuelve a reflejarse en él, lo que anuncia su propia muerte. Una excelente idea, plasmada a la perfección.



A ver si me animo a comentar algún otro film de esta interesantísima época del cine alemán.

Iniciado por cinefilototal

A día de hoy, "La soga" sigue siendo una obra maestra.

Y que lo digas Más allá de los cortes o no cortes y del ejercicio de virtuosismo, lo que sí se es que fue, si no la primera, sí de las primeras en que quedaba muy bien delimitadas, precisamente por ese tono teatral, las marcas de cada actor o actriz en el suelo. Lo leí hace ya años, y esto ha sido copiado en multitud de ocasiones.

Estos dias he aparcado las de Pesadilla y he repasado casi todas las de Marvel, estoy ya en Ant-Man y la Avispa, asi que casi la tengo acabada, saliendo de estas revisiones vi Feliz dia de tu Muerte, me sorprendí gratamente aunque es casi una copia en el fondo de Atrapado en el Tiempo a la que incluso hacen una mención en el final, es la típica de la que no esperas demasiado y ofrece algo diferente y que funciona, a ver si la semana que viene veo la segunda parte.

Luego también vi en dos partes la de Espartaco, me la habían recomendado tanto en el foro como fuera de el, pero no me pareció nada de lo que me habían comentado, quizás tanta expectativa no es buena, para mi no llega ni mucho menos al nivel de Ben-Hur o Lo que el viento se llevo si es que se las puede comparar, como digo decepción por este clásico.

Iniciado por mad dog earle

Como ya analizamos detalladamente en el hilo que dedicamos a revisar la obra de Hitchcock, ese tópico del plano secuencia es falso, porque no solo se producen los cortes por cambio de rollo, disimulados utilizando una aproximación a la ropa de los actores, sino que hay varios cortes de montaje. Me autocito:

"El intento del experimento probablemente era el de rodar el film en una sola secuencia (unidad de tiempo y espacio, muy teatral, sin esconder su origen), aunque el primer plano lo invalida, pero al final la cosa queda en una secuencia con diversos planos, donde el artificio de los "fundidos" en la oscuridad de las americanas o la tapa del arcón sirven para disimular algunas transiciones entre planos, pero sin poder evitar del todo los cortes de montaje. Si aceptamos que, desde el punto de vista del espectador, esos fundidos no interrumpen el plano, tendríamos que hablar de 6 planos: 1 en el exterior y 5 en el interior."

Sí, sí, el fundido sobre las americanas no lo comenté (creo que la anterior vez que hablé de ella en este hilo, allá por 2010 (!!) sí), pero es obvio que ahí están los cortes.

Algo que supera, no obstante, esos trasuntos técnicos es el ritmo de la acción. Donde Cuarón, por ejemplo, en Roma busca ese punto sosegado de lo cotidiano, mientras que Hitchcock busca, y logra, un ritmo más ágil, vivo, que es lo que le da a mi parecer todo el genio a este film. Tanto que sin él pues, no existiría como tal (o sería otro film), por lo que Hitchcock alcanza la plenitud del propósito técnico: que este sea el film, el propósito narrativo, y lo que a la postre lo eleva a una de las grandes de su filmografía.

Iniciado por tomaszapa

Con todo, o precisamente por ese reto técnico, me pone (siempre me puso) muchísimo La soga. Fue de las primeras películas de Hitchcock que me encendió la bombilla del buen cine. Me encanta esa sensación de inquietud que se va incrementando ante la llegada de la noche y la no aparición del desaparecido, ese que todos mencionan y con el que tienen relación, de una u otra forma.

Yo por su sentido de la anticipación y, por qué no, divertimento mayúsculo (la tuya, que sabes antes que los personajes la que se avecina), siento que La Soga tiene mucho de mago (del suspense) y magia tipo Juan Tamariz. Hitchcock ejerce de Tamariz y uno se lo pasa bomba con su modo de ejecutar la propuesta pese a lo enrarecido que se va tornanado el ambiente y sus diálogos no exentos de tintes macabros y de segundas intenciones.

Iniciado por cinefilototal

A día de hoy, "La soga" sigue siendo una obra maestra.

Yo, desde luego me lo paso pipa con ella. Tiene su levedad, poco dilatada en el tiempo y en su argumento, pero tiene duende y una gracia innata.

Iniciado por Otto+

Yo, desde luego me lo paso pipa con ella. Tiene su levedad, poco dilatada en el tiempo y en su argumento, pero tiene duende y una gracia innata.

De eso se trata en mi caso al menos, disfrutar a tope con un película, y tener el sentimiento de ver una obra de arte; con Hitchcock me suele ocurrir en la mayoría de sus títulos, ya lo sabéis.

Si algo puede reprocharse a "La soga", es lo que ha dicho el compañero Synch: que el papel femenino es muy breve, salvo eso, lo demás me parece perfecto para mi.

¡¡Viva "La soga", Hitchcock y James Stewart!!!.

LA SOGA es una excelente película, eso nadie lo duda, pero en mi modesta opinión no puede incluirse, ni de lejos, en el grupo de sus obras maestras.

El mayor problema que tiene (y del que el propio director se dio rápidamente cuenta) es que la película es más un ejercicio de virtuosismo que otra cosa.

Pese a ello el director volvió a usar largos planos secuencia en su siguiente película, la denostada ATORMENTADA, que aun siendo una película inferior, al menos desde el punto de vista dramático, tiene una puesta en escena notablemente más brillante.

Esta tarde le he dado a Garfunkel and Oates: Trying To Be Special.

Lo tenéis en Netflix.

Me he PARTIDO EL CULO

Se trata de un concierto real, montado con un prólogo y final para maquetar el concierto en forma de producto para comercializar, del grupo Garfunkel and Oates, formado por Kate Micucci y Riki Lindhome. Se trata de un duo musical cómico cuyas letras son un PUTO CACHONDEO, son buenísimas, tratando normalmente temas sociales (mayormente sexuales) con ese punto en que todo lo que dicen lo entiendes a la primera porque es lo que todo el mundo piensa, o le ha ocurrido, en X situación.

Es un número completo: las canciones molan, sus voces también, ellas son MUY divertidas y joder el ritmo es demencial. No sé como pueden memorizar todo eso.

Ejemplo de la canción sobre el sexo anal por parte de una católica que quiere llegar virgen al matrimonio pero engañar a Jesus

Fuck me in the ass cause I love Jesus
The good Lord would want it that way
Gimme that sweet sensation of a throbbing rationalization
It's just between you and me
Cause everyone knows it's the sex that God can't see

It's hard to be as pure as me
To resist the urge to lose my vaginal virginity
To wait until my marriage bed
To give my husband my unsullied maiden head

So take your cock out
Shove it in my ass
Fuck me until you cum



Son geniales.

Sólo dura 1 hora.

Una de las canciones del concierto Joder son geniales hahahaha:

Respecto a “La Soga”, yo sí que creo que es una de las grandes de Hitchcock. Hacer cómplice al espectador de los criminales y temer por que sea descubierto el cadáver durante la primera parte del film me parece magnífico y esencialmente “hitchcockiano”. Respecto a los planos secuencia, es cierto que hay una evidente elipsis al principio que nos conduce del crimen a la fiesta, luego no recuerdo si hay otro, pero lo que sí es cierto es que los “cortes” que tratan de disimular los planos secuencia, aunque se les vea el trucaje, no se deben considerar como falsos planos secuencia o fallos que los entorpecen; los planos secuencia lo son en el momento en que la intención narrativa esté construida para seguir la acción de esa manera pese a los (evidentes) cortes que pueda haber durante la película; la acción está construida para ser percibida como un único momento temporal (salvo por la elipsis del principio o si hay algún contraplano por ahí en medio) que guíe la mirada del espectador por la trama sin las transiciones del montaje por corte. En definitiva, el plano secuencia de la película no deja de serlo ni de perder su efecto por el hecho de que se le vea el trucaje. Hoy en día se hacen planos secuencia larguísimos que disimulan muy bien el corte, y pese a ello, como sabemos que es imposible que los hayan rodado en una sola toma, siguen teniendo el mismo efectismo que el que tiene “La Soga”.