Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Creo recordar que la última película en la que intervino la gran (que nadie lo dude) Jean Arthur fue RAÍCES PROFUNDAS (1953), la (gran) obra maestra de George Stevens.

En su autobiografía Frank Capra muestra su absoluta admiración por ambas actrices pero en mi modesta opinión Stanwyck tenía un registro más amplio y de hecho esta última intervino en todo tipo de géneros, cosa que no ocurrió en el caso de Arthur, como puede ser el cine negro.

Pues yo creo que lo hubiese hecho bien en el cine negro, si se lo hubiese o se lo hubiesen propuesto. A veces, juzgamos y comparamos las carreras de los distintos actores por la cantidad y variedad (que está muy bien), pero habría que ver todos los matices y circunstancias particulares de cada una. En mi caso, no me atrevo (y es algo que me pasa más últimamente) a sentenciar con rotundidad a actores o actrices, en este caso, tan buenas como una y otra.

Iniciado por tomaszapa

No oculto mi devoción por Barbara Stanwyck, pero en los últimos tiempos, cada vez más, me atrae la figura (hoy en día desconocida) de Jean Arthur. Creo que era una gran actriz, y que poseía todos los encantos (físicos e interpretativos) imaginables. Protagonizó tantas películas buenas...y eso que se retiró tempranamente del cine, rechazando bastantes papeles interesantes, salvo alguno que otro.

Ambas son muy buenas actrices, que duda cabe, pero Barbara Stanwcyk, son ya palabras mayores: intervino en todo tipo de géneros, durante varias décadas, siempre de protagonista, luego también se paseó por varias series de tv, a mi personalmente me encanta su voz tan ronca y sensual, como dice alcaudon... y aunque no fuera demasiado guapa, entra en el triunvirato de grandes divas de Hollywood, junto a Bette Davis y Joan Crawford.

Iniciado por Alcaudón

Creo recordar que la última película en la que intervino la gran (que nadie lo dude) Jean Arthur fue RAÍCES PROFUNDAS (1953), la (gran) obra maestra de George Stevens.

En su autobiografía Frank Capra muestra su absoluta admiración por ambas actrices pero en mi modesta opinión Stanwyck tenía un registro más amplio y de hecho esta última intervino en todo tipo de géneros, cosa que no ocurrió en el caso de Arthur, como puede ser el cine negro.

El caso es que Jean Arthur no era muy amiga de la popularidad y la fama, mas bien lo contrario, en cambio Barbara amaba el cine, hacer películas era su pasión... hubiera hecho muchas mas si la hubieran llamado mas en su época de madurez... recuerdo haber leído que en una entrevista que le hicieron a Barbara, durante la promoción de "La gata negra" preguntarle: ¿porqué no hizo cine entre 1958-1962?. Y ella contestó: pues porque nadie me llamó...

Por cierto, me apunto ese título de "Amor prohibido", que no lo he visto nunca.

Una súper mujer la Barbara. Ingenio, personalidad, desparpajo, belleza y otros atributos más privados que hacen de élla un imán. Sí, ya hablé -¿fue en el hilo de cine pre-code o en el de Bette davis?- del stage fright intenso y el horror que sentía Arthur por Hollywood como hogar de vanidades, no la veo con esas premisas en el cine noir. Ahora, Carole Lombard, que en poco o nada tenía que envidiar en talento y desparpajo a stanwyck, a ésta sí que hubiera sido interesantísimo verla crecer en la pantalla, porque ahora que lo pienso sí que tiene algo que envidiar a Stanwyck: tiempo que se le acabó muy pronto.



La pantera disfrutando.

Capra cuenta en su autobiografía (por cierto, recientemente re(editada) en castellano) que mientras Barbara Stanwyck daba lo mejor en la primera toma y luego ya perdía fuerza (o interés), Jean Arthur lo pasaba realmente mal antes de ponerse delante de las cámaras hasta el punto de vomitar y tan pronto como acababa su escena se encerraba en su camerino.

Iniciado por Otto+

Una súper mujer la Barbara. Ingenio, personalidad, desparpajo, belleza y otros atributos más privados que hacen de élla un imán. Sí, ya hablé -¿fue en el hilo de cine pre-code o en el de Bette davis?- del stage fright intenso y el horror que sentía Arthur por Hollywood como hogar de vanidades, no la veo con esas premisas en el cine noir. Ahora, Carole Lombard, que en poco o nada tenía que envidiar en talento y desparpajo a stanwyck, a ésta sí que hubiera sido interesantísimo verla crecer en la pantalla, porque ahora que lo pienso sí que tiene algo que envidiar a Stanwyck: tiempo que se le acabó muy pronto.



La pantera disfrutando.

Viva Barbara Stanwyck. Es verla, oirla (ese vozarron cazallero), que hasta uno puede sentir como..

Perdón, acaban de llamarme de la comisaría. Me dicen que lo deje aquí. Pues nah.

Anoche tocó revisión anual de Lost in Translation así que cuelgo aquí el tocho del hilo del confinamiento 2020 que me sirve igual.

Sólo añado que ya es de las películas que me gustan por igual en cada revisionado. Es muy tremendo y atrevido en lo formal como Coppola narra esto sin actos visibles, de un modo poco habitual en el cine, sin elementos externos que se interpongan entre Bob y Charlotte. NO es una comedia romántica. No es una montaña rusa. Todo se basa en ese halo de felicidad (y, claro, incipiente deseo que anulan en su ejecución pero juguetean con él en el anhelo) y compañía que encuentran en ese planeta alienígena que es Tokyo.

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Ayer revisé Lost In Translation.

Porque como no entiendo una mierda de todo esto pues me pareció una buena selección

Cada vez que la veo creo que me gusta más. Sofia Coppola da en la diana cuando elude el clásico film romántico en el que la pareja se conoce, tienen algo, ese algo fracasa y al final se resuelve, o no. Nada. Esto es otra historia. Para empezar el film, que no necesita contártelo todo (un placer que cuenten con que tienes cierta implicación y puedes pensar solo), no rehuye lo sutil pero tampoco lo obvio: ambos tienen una relación platónica que roza lo físico porque, joder, pues porque los seres humanos somos así. Pensándolo dos veces tampoco es del todo creíble (una aventura -aunque en cierto modo lo es en toda regla- en sus circunstancias vitales, aislados del mundo, perdidos, es plausible) que naveguen en ese momento platónico. Pero por distintas razones, tal vez porque disfrutan de ello tal y como está, lo dejan ahí. La escena de la cama es sensacional. Bob no puede evitar tocar el pie de Charlotte. Bendita Coppola, que tacto, que bien ideado.

Pese a que soy un radical del guión y sobre todo de la dirección creo que, salvo que Coppola hubiera escrito el papel con Scarlett en mente (que no creo), aquí el casting fue un acierto brutal. De Murray no digo nada porque parece que sí lo escribió con él en mente. Ese distanciamiento vital que emana (en su vis cómica de Atrapado en el tiempo es similar) es la génesis de su personaje. Pero lo de Scarlett/Charlotte es sensacional. Es media película. Para Bob, encontrarse con una chica como Charlotte, que en cierto modo (por edad) es tan alien para él como lo es Tokyo, es un influjo vital que le devuelve la alegría. La forma en la que ambos (porque ella siente lo mismo: se siente parte de algo, de alguien, de nuevo, interesante y divertida) se buscan, como aceptan los planes que se proponen, es una delicia. Una puñetera delicia.

La noche que salen de fiesta es mi parte favorita del film. Coppola capta esa sensación, cuando dos personas se gustan, como se buscan el uno al otro, como disfrutan estén donde estén. Coppola además es mala, a saco, en la escena del karaoke pues ahí, cuando Charlotte parece escondida tras esa peluca, saca a relucir todo su poder de seducción y en el rostro de Bob podemos ver, claramente, que de repente recuerda que la chica es un escándalo de mujer. Cuando la deja en la habitación (y llama a su esposa) su cara es de he hecho bien.. pero joder, joder

Coppola es tan jodidamente buena en esta película que hasta los celos de Charlotte son maravillosos: uno no sabe si le cabrea recordar la realidad (Bob tiene un lío con una chica mayor que Charlotte, son sólo cuernos a su mujer, pero no una rarunada con una chica de apenas 20 y poco) (aunque Scarlett tuviera 17-18) o son celos porque ha perdido, momentáneamente, la atención de Bob.

En lo formal es otra delicia. Ese hotel, Tokyo, el contraste cultural, la fotografía grisácea... TODO es metafórico del estado vital de Charlotte y Bob. Están tan perdidos en la vida como perdidos en ese momento en ese gran hotel y en esa gran ciudad.

Del final no digo nada porque me saldría un tocho aún PEOR que este. Pero Scarlett llorando está tan jodidamente mona que dan ganas de partir la TV y pedirle a Bob que se deje de chorradas lolitescas y no se largue.

Pero no voy a ser yo quien discuta con Sofia Coppola. No.

La escena del karaoke merece un monumento.

¿Cómo se puede estar tan mona y sexy A LA VEZ?

Si hasta pega un gallo y le queda bien me cago en mi estampa.

Me voy a mirar fijamente la pared un rato. Un abrazo a todos.

Iniciado por Alcaudón

Capra cuenta en su autobiografía (por cierto, recientemente re(editada) en castellano) que mientras Barbara Stanwyck daba lo mejor en la primera toma y luego ya perdía fuerza (o interés), Jean Arthur lo pasaba realmente mal antes de ponerse delante de las cámaras hasta el punto de vomitar y tan pronto como acababa su escena se encerraba en su camerino.

El otro día estuvo leyendo sobre Arthur, dado mi ya comentado interés en saber más de esa mujer. Y me llamó mucho la atención que, ya dejado el cine, y cuando aún hacía teatro, llegó a sufrir en grado extremo, eso que llaman pánico escénico.
No tuvo que ser nada fácil hacerlo tan bien en su profesión, con todas esas dificultades. Mucho mérito. Viva Jean Arthur, y Viva la Stanwyck, y la Davis, y Doña Rogelia!!!

Iniciado por tomaszapa

El pasado viernes por la noche, puse en casa Wildlife, un film dirigido por el actor Paul Dano.

Con retraso, te he hecho caso y ayer vi este magnífico film de Paul Dano, excelente actor que aquí, en su debut como director, muestra muy buenas maneras. Claro que contar con una pareja extraordinaria, como Jake Gyllenhaal (para mí, quizá el mejor de los actores de la actualidad... nada que ver con Gosling ) y una cada vez mejor Carey Mulligan (a la que la madurez le está sentando de maravilla), es toda una garantía. Pero también hay que valorar el acierto en la elección de Ed Oxenbould en el papel del hijo de la pareja, y en general todo el resto del reparto.

No conozco la novela de Richard Ford que se adapta, pero el trabajo del propio Dano y de Zoe Kazan (nieta de Elia y pareja de Dano) en el guion me parece muy bueno.

Es un honor que rescates una de mis reviews. Hará ya bastante tiempo de eso. La pena es que no se editó por aquí. Porque es de las que hubiese querido tener. Una gran película con unas interpretaciones de todo el elenco muy buenas. Me gustan todos y Mulligan llegará el día en que por fin reciba ese Oscar que tanto merece. Este año estuvo a puntito con esa joven prometedora.

Iniciado por tomaszapa

Es un honor que rescates una de mis reviews. Hará ya bastante tiempo de eso. La pena es que no se editó por aquí. Porque es de las que hubiese querido tener. Una gran película con unas interpretaciones de todo el elenco muy buenas. Me gustan todos y Mulligan llegará el día en que por fin reciba ese Oscar que tanto merece. Este año estuvo a puntito con esa joven prometedora.

Para mí Mulligan está cada vez mejor, ahora que esa cara de niña empieza a endurecerse por el paso de los años (aunque aún es una actriz joven). Por ejemplo, la recuerdo junto al "rey de las cucamonas" en Drive, donde ya estaba bien, pero en esta de Dano (e incluso en una miniserie de televisión, no especialmente destacable, como Collateral) me gusta mucho más. Me apunto esa Promising Young Woman.

Tres vidas errantes (The Sundowners, 1960)



Zinnemann dirige una película ligeramente aventurera, simpática, muy bien interpretada, con una tensión dramática que nunca llega a estallar en conflicto abierto, y que incluso se permite disimular con una sonrisa un final que no deja de ser amargo. Está basada en una novela del mismo título del escritor australiano Jon Cleary, publicada en 1951, que, según leo, se inspira en la vida del padre del autor, quizá de ahí el tono amable que impregna todo el film. En los extras del DVD que he visto, el propio Cleary parece mostrarse satisfecho con el film de Zinnemann y el guion de Isobel Lennart, por lo que veo especializada en películas cómicas, musicales, films luminosos y ligeros (ese mismo año fue autora del guion de un film de Doris Day: Please Don't Eat the Daisies).

La historia nos narra el deambular por Australia de la familia Carmody, de origen irlandés: Paddy (¿qué mejor nombre para un irlandés?), el padre, un pastor de ovejas y trasquilador experto, interpretado por un inmenso Robert Mitchum; Ida, la sufrida madre y esposa, que ve como se frustra una vez tras otra su deseo de estabilidad, de disponer de un hogar donde echar raíces, a la que le da una credibilidad insuperable la gran Deborah Kerr (que se muestra muy bien compenetrada con Mitchum, como unos años antes en la magnífica Heaven Knows, Mr. Allison, de John Huston); y Sean, el hijo, también deseoso de fijar residencia y no ir dando tumbos de un lugar a otro (papel bien defendido por Michael Anderson Jr., hijo del director Michael Anderson).



A ellos se une un inglés mujeriego poco dado a atarse, Rupert (un Peter Ustinov más sobrio de lo habitual).



Sobre estos cuatro actores, más el añadido de Glynis Johns, la patrona de una taberna,



y un buen conjunto de actores de carácter en el papel de los ovejeros, Zinnemann construye una película que mantiene un buen ritmo. Tiene uno de los momentos más intensos durante el incendio en un bosque de eucaliptos, que está a punto de acabar con Paddy, cuando arriesga la vida por salvar parte del rebaño, extraviado.

Más adelante, durante un largo período (inacabable para el inquieto Paddy), participan en las labores del trasquilado del rebaño. Pero Paddy, incorregible, es incapaz de mantenerse sobrio en el momento clave y pierde todo el dinero ahorrado, con el que Ida esperaba poder pagar la entrada de una casa a la que le tenía echado el ojo. Un golpe de suerte en el juego les proporciona como ganancia un caballo de carreras, pero a pesar de la entrega de Sean, convertido en yóquey de la noche a la mañana, su suerte se ve truncada.

Su destino, que asumen con deportividad, será continuar siendo unos “sundowners”, nombre con el que se designa a los trotamundos que viven sin residencia fija, que tienen su hogar allí donde se pone el sol. Zinnemann, quizá queriendo recordar a John Ford, y para darle un marcado carácter irlandés a la historia (a lo que ayuda la banda sonora de Dimitri Tiomkin), la trufa de numerosas peleas, bebida a destajo, y ruidosa camaradería masculina, siendo al final las mujeres, en particular Ida, las que con su fortaleza mantienen los pies en el suelo y tiran de las riendas cuando hace falta. Un buen film, pero que no consigue ir más allá de la típica corrección, un poco sosa, de Zinnemann.

Cinco días, un verano (Five Days One Summer, 1982)



No esperaba gran cosa de esta Five Days One Summer, último film dirigido por Zinnemann. Me la esperaba de un tono similar al de Julia, comentado hace unos días, o sea, corrección formal, oficio y poco más. De hecho, se ambienta en la misma época, los años treinta, aunque substituyendo la Alemania hitleriana por las cumbres alpinas suizas.

Hasta allí se desplaza el doctor Douglas Meredith (un sobrio Sean Connery) y su “esposa”, mucho más joven, Kate (Betsy Brantley, que reconozco que me resultó un tanto cargante en algunos momentos).




Tanta diferencia de edad (de hecho, Connery doblaba la edad de Brantley) denota un secreto que la pareja guarda celosamente ante el personal y los huéspedes del hotel donde se alojan o el joven guía que contratan, Johann (Lambert Wilson):



en realidad, son tío y sobrina, una sobrina que, de forma poco convincente, ya estaba enamorada de su tío desde la más tierna infancia (claro, es Connery, pero, con todo, me parece un detalle un tanto extraño, que quizá en otras manos hubiera dado para detalles inquietantes).

La película va desarrollándose entre escaladas y conversaciones cada vez más íntimas con el guía, que, como es de prever, se enamora de la turista inglesa. Pero, sobre todo, la película gana enteros durante una larguísima secuencia, casi abstracta, rodada en bellísimos paisajes (la fotografía es de Giuseppe Rotunno, aunque supongo que buena parte de esta secuencia se debe a la segunda unidad), que me han recordado el género muy alemán de los llamados Bergfilms, en el que destacaron Arnold Fanck y la polifacética Leni Riefenstahl. Douglas y Johann (Kate se ha quedado en el refugio, debido a la dificultad de la ascensión) atacan una impresionante aguja alpina. Por supuesto, como mandan los cánones, habrá conflicto entre el incestuoso tío y el joven enamorado, que ha descubierto la verdad de la relación de la pareja, y, finalmente, tragedia. Con lo que la película termina de una forma tan poco tranquilizadora como, en cierto modo, acomodaticia era The Sundowners. A destacar la banda sonora de Elmer Bernstein, menos enfática de lo habitual en el compositor neoyorquino.

No se puede decir que se trate de un broche de oro a la carrera de Zinnemann, correcta en general, pero en mi opinión menos magistral de lo que algunos defendéis, pero no deja de ser un buen film, que bien merece un visionado. Como ya advertí, esta revisión que dedico al director austrohúngaro no sigue un orden cronológico, por lo que en el futuro iré incluyendo más comentarios, a medida que consiga localizar algunos de sus títulos que me faltan por ver, me temo que bastante olvidados. Los más conocidos, algunos de los cuales ya tengo en mi videoteca, los comentaré quizá al final o antes si veo que los faltantes son ilocalizables.

Anoche vi por primera vez The Thomas Crown Affair (1968). Creo que me dejó un poco en tierra de nadie. No está mal pero le falta mucho: el robo del banco mola que sea al principio, muy a saco, pero el plan tampoco es una locura. Steve McQueen demasiado rudo para su papel de Bruce Wayne roba bancos por placer y Faye Dunaway por momentos está divertida pero su personaje reviste más potencial del empleado. Que ella directamente se presente a Crown como agente de seguros que sabe que él ha robado el banco tiene su miga pero luego no se expone con claridad su romance, ese punto en el que el asunto deja de ser trabajo y tal. Y la tensión no se da a ningún nivel.

Técnicamente destaca el uso de múltiples tomas al mismo tiempo.

Zinnemann siempre tuvo en el recuerdo aquellos días de su niñez y juventud, subiendo aquellas montañas del llamado por entonces Imperio Austrohúngaro que le vio nacer. Seguramente, era terminar donde empezó todo.

Por cierto, aunque no tenga nada que ver con esto, mucho mejor Connery sin tupé.

Iniciado por Synch

Anoche tocó revisión anual de Lost in Translation así que cuelgo aquí el tocho del hilo del confinamiento 2020 que me sirve igual.

Sólo añado que ya es de las películas que me gustan por igual en cada revisionado. Es muy tremendo y atrevido en lo formal como Coppola narra esto sin actos visibles, de un modo poco habitual en el cine, sin elementos externos que se interpongan entre Bob y Charlotte. NO es una comedia romántica. No es una montaña rusa. Todo se basa en ese halo de felicidad (y, claro, incipiente deseo que anulan en su ejecución pero juguetean con él en el anhelo) y compañía que encuentran en ese planeta alienígena que es Tokyo.

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Ayer revisé Lost In Translation.

Porque como no entiendo una mierda de todo esto pues me pareció una buena selección

Cada vez que la veo creo que me gusta más. Sofia Coppola da en la diana cuando elude el clásico film romántico en el que la pareja se conoce, tienen algo, ese algo fracasa y al final se resuelve, o no. Nada. Esto es otra historia. Para empezar el film, que no necesita contártelo todo (un placer que cuenten con que tienes cierta implicación y puedes pensar solo), no rehuye lo sutil pero tampoco lo obvio: ambos tienen una relación platónica que roza lo físico porque, joder, pues porque los seres humanos somos así. Pensándolo dos veces tampoco es del todo creíble (una aventura -aunque en cierto modo lo es en toda regla- en sus circunstancias vitales, aislados del mundo, perdidos, es plausible) que naveguen en ese momento platónico. Pero por distintas razones, tal vez porque disfrutan de ello tal y como está, lo dejan ahí. La escena de la cama es sensacional. Bob no puede evitar tocar el pie de Charlotte. Bendita Coppola, que tacto, que bien ideado.

Pese a que soy un radical del guión y sobre todo de la dirección creo que, salvo que Coppola hubiera escrito el papel con Scarlett en mente (que no creo), aquí el casting fue un acierto brutal. De Murray no digo nada porque parece que sí lo escribió con él en mente. Ese distanciamiento vital que emana (en su vis cómica de Atrapado en el tiempo es similar) es la génesis de su personaje. Pero lo de Scarlett/Charlotte es sensacional. Es media película. Para Bob, encontrarse con una chica como Charlotte, que en cierto modo (por edad) es tan alien para él como lo es Tokyo, es un influjo vital que le devuelve la alegría. La forma en la que ambos (porque ella siente lo mismo: se siente parte de algo, de alguien, de nuevo, interesante y divertida) se buscan, como aceptan los planes que se proponen, es una delicia. Una puñetera delicia.

La noche que salen de fiesta es mi parte favorita del film. Coppola capta esa sensación, cuando dos personas se gustan, como se buscan el uno al otro, como disfrutan estén donde estén. Coppola además es mala, a saco, en la escena del karaoke pues ahí, cuando Charlotte parece escondida tras esa peluca, saca a relucir todo su poder de seducción y en el rostro de Bob podemos ver, claramente, que de repente recuerda que la chica es un escándalo de mujer. Cuando la deja en la habitación (y llama a su esposa) su cara es de he hecho bien.. pero joder, joder

Coppola es tan jodidamente buena en esta película que hasta los celos de Charlotte son maravillosos: uno no sabe si le cabrea recordar la realidad (Bob tiene un lío con una chica mayor que Charlotte, son sólo cuernos a su mujer, pero no una rarunada con una chica de apenas 20 y poco) (aunque Scarlett tuviera 17-18) o son celos porque ha perdido, momentáneamente, la atención de Bob.

En lo formal es otra delicia. Ese hotel, Tokyo, el contraste cultural, la fotografía grisácea... TODO es metafórico del estado vital de Charlotte y Bob. Están tan perdidos en la vida como perdidos en ese momento en ese gran hotel y en esa gran ciudad.

Del final no digo nada porque me saldría un tocho aún PEOR que este. Pero Scarlett llorando está tan jodidamente mona que dan ganas de partir la TV y pedirle a Bob que se deje de chorradas lolitescas y no se largue.

Pero no voy a ser yo quien discuta con Sofia Coppola. No.

Comparto tu admiración por el film, Synch. Parece un Encuentros en la Tercera Fase (Japón sería la nave extraterrestre); un film delicado, mimoso, de dedicación a esos momentos bellamente efímeros que nos marcan. Columna dórica, jónica y corintia de la carrera de Johansson, que como algunas estrellas de décadas pasadas no sabes si hace de élla misma o actúa (ambas?), minimalista pero afectiva. Es un film japonés en su concepción pausada y paisajística. Un tributo de la directora hacia las historias tímidas/naturalistas en su exposición de esas latitudes, una cultura tan curiosa como extraña y fascinante.

Yo recuerdo hace años cuando hice un viaje turístico a Japón. Llegué a medio día y tuve que comer antes de entrar el hotel... luego cuando salí ya era de noche (era noviembre y anochecía super pronto). Pues bien, toda esa tarde y noche estuve con un jet lag tremendo. Hasta se me escapan recuerdos de aquellas horas, la noche con todas esas luces brillantes, masas de gente de un lado a otro, sonidos que nunca había oido. Fue casi casi como tener un sueño raro.

Lost in translation es de las pocas veces que he visto eso bien trasladado a la gran pantalla. Creo que lo único que me da sensaciones parecidas es cuando los Coen o David Lynch se ponen a filmar coches y personas vagando por la carretera de noche.

Iniciado por tonk82

Yo recuerdo hace años cuando hice un viaje turístico a Japón. Llegué a medio día y tuve que comer antes de entrar el hotel... luego cuando salí ya era de noche (era noviembre y anochecía super pronto). Pues bien, toda esa tarde y noche estuve con un jet lag tremendo. Hasta se me escapan recuerdos de aquellas horas, la noche con todas esas luces brillantes, masas de gente de un lado a otro, sonidos que nunca había oido. Fue casi casi como tener un sueño raro.

Lost in translation es de las pocas veces que he visto eso bien trasladado a la gran pantalla. Creo que lo único que me da sensaciones parecidas es cuando los Coen o David Lynch se ponen a filmar coches y personas vagando por la carretera de noche.

Esto es lo que quería oír.

Iniciado por Otto+

Comparto tu admiración por el film, Synch. Parece un Encuentros en la Tercera Fase (Japón sería la nave extraterrestre); un film delicado, mimoso, de dedicación a esos momentos bellamente efímeros que nos marcan. Columna dórica, jónica y corintia de la carrera de Johansson, que como algunas estrellas de décadas pasadas no sabes si hace de élla misma o actúa (ambas?), minimalista pero afectiva. Es un film japonés en su concepción pausada y paisajística. Un tributo de la directora hacia las historias tímidas/naturalistas en su exposición de esas latitudes, una cultura tan curiosa como extraña y fascinante.

Yep, ambas interpretaciones parecen muy naturales, y leyendo que Coppola escribió poco diálogo y dejó mucho margen para la improvisación puedo imaginarme a ambos acudiendo a su forma de ser real para soltar sus líneas.

Aunque la noche de fiesta es mi parte favorita, también me encanta cuando van a cenar sushi. No ya por los celos si-pero-no de Charlotte sino por lo bien rodado que está eso: desde su estado de ánimo (en crisis del plan "no íbamos por ESE camino, ¿no? entonces ¿estamos enfadados o no?) hasta todo el tema alimentos, la carta toda igual, él cambiando coke por cerveza (y señal de que sea grande).

Peliculón.

Anoche vi por primera vez Night of the comet (1984). No recordaba que la tenía pendiente pero la vi en Filmin y me acordé de ella. La tenía originalmente en lista debido a que el de mi firma la cita como una de las inspiraciones para Buffy.

Pues buena sorpresa me he llevado. NO es una gran película pero si una de esas de serie B que entran muy bien y saben revolotear en su propia premisa. Y además está razonablemente bien rodada e incluso interpretada.

Al grano: el paso de un cometa deja muertos o zombies a quienes lo presencian. Toda Los Ángeles bañada en una luz rojiza que parece uno de los filtros de Instagram de 2012 pero la verdad es que mola (la ciudad se presta, en su downtown a esa sensación de vacío). Las supervivientes, o parte de ellos, son dos hermanas que hacen equipo con un tipo y lidian con un misterioso equipo científico que busca supervivientes al tiempo que se cargan, ametralladora en mano, a los zombies.

La prota, Catherine Mary Stewart, no sólo cumple sino que es uno de esos personajes fememinos potentes ochenteros que molan: decidida, fuerte, al estilo casi Sarah Connor / Ripley, con formación de defensa personal y armas militares, y encima con esa fuerte personalidad que le mete la Stewart.

Lástima que apenas hay escenas de zombies ni los tiros que se prometen cuando ves las armas. El asunto se diluye pero como cinta de 90 minutos, MUY ochentera en sus ropas, mobiliario (neones, diseño hortera, es todo muy 1984, muy de lo que se vio en la 1a temporada de Miami Vice ese mismo año) y sobre todo música, con temas que no he reconocido pero suenan muy del momento.

Nota, el trailer parece MAS serie B de lo que es (esa escena de Regina, la chica dura, agarrando a la otra, que parece de Aterriza como puedas, es precisamente la única cutrada de todo el film, que mala leche ponerlo en el trailer )

Es una película ¿serie B...Serie casi Z? pero con mucho encanto esta de ¨La noche del cometa¨. Yo diría que tiene entre sus cualidades mantener las esencias del look de los 80s, y tiene una bien ganada cualidad de película de culto...De hecho, creo que se está insistiendo muchísimo en hacer un remake....

Ayer por la noche vi



la antecesora de



40 años antes.

Me quedo con la de Glenn Ford.

Reseña hoy por la noche o mañana.

La verdad es que estaba cañón Leslie Nielsen en su debut en pantalla grande en ese Rapto, de 1956. 30 añitos tenía.

Iniciado por tomaszapa

La verdad es que estaba cañón Leslie Nielsen en su debut en pantalla grande en ese Rapto, de 1956. 30 añitos tenía.

Y sale muy bien parado en el film, buena química con Ford. El film es de los guionistas de la re-reseñada recientemente en el hilo de Nicholas Ray Bigger than life, y está basada en un caso real. De la de Gibson, entretenida como es, conscientemente me quedo con la aportación de Lily Taylor, el personaje más ambivalente del film. Supuraba emociones encontradas.

Yo he visto varias veces la de Gibson, y me parece una notable cinta. Pero veo que pone, como dicen los ingleses, que es "loosely based" en la de 1956.