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Como buen fan de la ciencia ficción diría que mi película favorita de Nolan (a falta de ver su trilogía sobre Batman :mielda) es INTERSTELLAR, una muestra del buen cine de género que está proliferando estos últimos años (léase GRAVITY (2013), PREDESTINATION (2014), MARTE (2015), LA LLEGADA (2016) o BLADE RUNNER 2049 (2017)).
:)
Yo colocaría Dunkerque justo por delante de El Caballero Oscuro e Interstellar. Ese sería mi "podio" de Nolan.
Pues a mí me siguen pareciendo sus films más interesantes Memento, Insomnia y The Prestige. No me gustan sus films sobre Batman ni Inception, ni comparto esa valoración tan laudatoria sobre Interstellar. Hasta diría que estoy por preferir Following, a pesar de ser un trabajo primerizo (no he visto Dunkerque).
No he visto Following, pero a mí tampoco me gusta Inception, de hecho es la única de este director que no me ha gustado.
Vista La seducción (The Beguiled, 2017), de Sofia Coppola, y revisada El seductor (The Beguiled, 1971), de Donald Siegel. Avanzo que no he leído la novela de Thomas Cullinan, de 1966, de la cual ambas son adaptaciones. Respecto a los títulos en castellano, yo más bien creo que el original debería traducirse por “las seducidas”, aunque en inglés esos participios substantivados no distinguen ni el género ni el número (o sea que, si no me equivoco, también podría traducirse como “el seducido”, manteniendo una interesante ambigüedad).
Coppola ha declarado que no se trata de un remake del film de Siegel sino de una nueva adaptación. Aunque es obvio que se construye un nuevo guion (firmado por la directora) a partir del mismo texto literario, a mí sí me parece bastante un remake, porque se reproducen muchos aspectos visuales y de ambientación del film de Siegel, aunque notablemente aligerado (93 minutos frente a 105) y suavizados.
Empiezo por decir que el film de Coppola me parece una buena película… pero con un gran hándicap: el film de Siegel es excelente, y eso pesa inevitablemente a la hora de juzgarlo. Coppola elimina muchos aspectos del original: suprime totalmente el personaje de la criada negra (una decisión polémica y, a modo de ver, desacertada, porque Hallie es una pieza fundamental en el relato) y las relaciones incestuosas de la directora de la escuela con su hermano (vistas en flashbacks); suaviza la relación entre el soldado y la pequeña Amy (ese largo beso que evita que Amy hable mientras pasa una patrulla sureña); también el descaro del personaje de Carol (mucho más provocativa en la de Siegel); limita las referencias al contexto bélico y al peligro de los soldados (no muestra como los prisioneros yanquis prefieren arriesgarse a morir en la huida antes de hacerlo en la prisión; o la actitud peligrosa de los soldados sureños que visitan la casa, en una secuencia de gran tensión).
Parece como si Coppola hubiera preferido quedarse en la ilustración de un pequeño cuento cruel, un tanto atemporal, filmado de un modo bastante esteticista (aunque también el film de Siegel juega a fondo la carta estética, con una excelente fotografía de Bruce Surtees, a quien citaba Alcaudón el otro día hablando de la eastwoodiana El fuera de la ley), abandonando en cambio los aspectos más críticos. En cambio, Siegel (que además de dirigirlo, produjo el film) se implica a fondo con la lectura más acerada que se podía hacer en ese contexto histórico: una clara denuncia del esclavismo (Hallie dice que los yanquis no luchan por defender a los negros… algo que la historia ha dejado bien claro) y de la discriminación racial y económica de la población afroamericana; un alegato contra la guerra (¡en pleno conflicto bélico en Vietman!), ya desde el mismo inicio, cuando junto a unas fotos sepia de la guerra de Secesión oímos una canción tradicional antibélica (“Dove she is a pretty bird”) en la voz del propio Clint Eastwood. Para muestra, un par de estrofas:
Come all you young fellows take warning by me
Don't go for a soldier, don't join no army
For the dove she will leave you, the raven will come
And death will come marching at the beat of a drum
Come all you pretty fair maids, come walk in the sun
And don't let your young man ever carry a gun
For the dove, it will scare her, and she'll fly away
And then there'll be weeping by night and by day
Coppola imprime una dirección artística, en el vestuario, en las imágenes feéricas de los alrededores de la residencia, más idealizada,
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frente a un estilo más descarnado de Siegel (las chicas visten vestidos más bastos; trabajan la tierra; son más racistas y clasistas).
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Mención aparte merecen las interpretaciones. Aunque el nivel del reparto del film de Coppola es muy alto (Kidman, Dunst, Fanning, Farrell), lo cierto es que personaje por personaje me gustan más las de Siegel, empezando por una Geraldine Page inmensa, y siguiendo por Eastwood, una adecuadísima Elizabeth Hartman, una seductora Jo Ann Harris (que al parecer tuvo un afer con Clint) o incluso la niña Pamelyn Ferdin, sin olvidar uno de los personajes centrales, la criada Hallie (Mae Mercer).
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En resumen, otro buen film en la carrera de Coppola, pero un tanto rutinario, que no hace olvidar ni mucho menos la obra maestra de Siegel. Si hay que elegir, no hay color.
A mi, Gravity me pareció un petardo de mucho cuidado :sudor...Cita:
Iniciado por Alcaudón
UN HOMENAJE Y UNA RAREZA:
EL HOMENAJE:
DEADLY IS THE FEMALE / GUN CRAZY (1950, EL DEMONIO DE LAS ARMAS) de Joseph H. Lewis.
Pioneer Pictures Corp. (King Bros. Productions, Inc.) / United Artists Corp.
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Peggy Cummins (1925-2017), la protagonista de esta cinta (junto a John Dall (1918-1971), a quien todo buen cinéfilo recordará (al menos) por su papel en la magistral ROPE (1948, LA SOGA), primera película en Technicolor de Alfred Hitchcock)), falleció el pasado 29 de diciembre y sirva este modesto comentario como homenaje a esta diminuta y siempre juvenil actriz británica (galesa, para más señas) por la que siempre he sentido un especial aprecio.
Obra maestra incuestionable del cine negro, bordeando los límites del cine B (o claramente dentro de ellos, según como se mire (un presupuesto original de 500.000 dólares pero con un coste final de sólo 400.000)), dirigida con pulso maestro por Joseph H. Lewis, uno de los grandes realizadores del género, a la altura de los más grandes (léase Dassin, Hathaway, Hawks o Lang, por citar los primeros que me vienen a la memoria) y con un poderoso guión escrito a cuatro manos por MacKinlay Kantor y Dalton Trumbo (originalmente en los créditos aparecía el nombre de Millard Kaufman que sirvió de tapadera del segundo durante la infausta Caza de Brujas), narra la apasionada (y apasionante) historia de amor y de violencia de Annie Laurie Starr (Peggy Cummins) y Barton Tare (John Dall), una pareja de fugitivos de la justicia, émulos de Bonnie y Clyde, con un marcado toque fatalista y con una arrebatada banda sonora del gran Victor Young adecuada a una de esas historias "más grandes que la vida" que caracteriza la esencia del mejor cine negro de los años '30 y '40 e impecablemente visualizada por Russell Harlan (operador favorito de Howard Hawks) en un contrastado ejemplo de blancos, negros y grises que hacen de su visionado toda una experiencia embriagadora.
Estrenada originalmente con el título DEADLY IS THE FEMALE (quizás por el papel preponderante de la fémina sobre su (en cierta forma) pusilánime pareja, en buena sintonía con lo mejor del cine negro de la época) sería en su presentacion neoyorquina cuando cambiara al definitivo GUN CRAZY, bien traducido aquí por EL DEMONIO DE LAS ARMAS, pues es esa obsesión que ambos personajes sienten por las pistolas (algo plenamente vigente en los EEUU de hoy en día), con un transfondo claramente sexual (sugerido, lógicamente) lo que servirá de nexo de unión entre dos caracteres, personas desarraigadas, que sólo encuentran consuelo el uno en el otro y a los que su carrera delictiva sólo puede llevar a su lógica conclusión.
Escenas tan magistrales como el atraco de un banco, visto a través del asiento posterior del coche, son un ejemplo del talento de Lewis a la hora de usar la elípsis como recurso narrativo de primera magnitud. Toda una lección del mejor cine, de ese cine inmortal que nunca pasará de moda porque está hecho desde el corazón.
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LA RAREZA:
ALICE IN WONDERLAND (1933, ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS) de Norman McLeod.
Paramount Productions, Inc.
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Adaptación libre del díptico de Lewis Carroll ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS / A TRAVÉS DEL ESPEJO Y LO QUE ALICIA ENCONTRÓ AL OTRO LADO (en la traducción de Jaime de Ojeda para El Libro de Bolsillo de Alianza Editorial) esta producción de la todopoderosa Paramount es una película cuando menos curiosa ya que incluye en su nutrido repertorio de caracteres actores tan conocidos como Gary Cooper (El Caballero Blanco), W. C. Fields (Zanco Panco) o Cary Grant (la Tortuga Artificial) a los que sólo es posible reconocer porque en los títulos de crédito iniciales sale su rostro tras la presentación de su personaje.
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Protagonizada por una ya crecida Charlotte Henry (la Alicia del libro tenía 10 años y la actriz ya frisaba los 19) que da bien el pego en su papel protagonista, la película cuenta, además del numeroso (y conocido (al menos en la época)) listado de actrices y actores, con nombres ilustres como los de Joseph L. Mankiewicz y William Cameron Menzies en el guión (del primero no es necesario hablar porque todos conocemos su excelente trayectoria como guionista/realizador; del segundo, recordar que fue el segundo al mando (tras David O. Selznick) en la inmortal GONE WITH THE WIND (1939, LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ)), Dimitri Tiomkin en la columna sonora y Henry Sharp y Bert Glennon en la fotografía, lo que no es óbice para considerarla una fallida adaptación del mundo onírico del autor británico.
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Tal vez la película hubise mejorado de haber usado el Technicolor (bicromático en esa época) para realzar ese mundo maravilloso ideado por Carroll, donde todo es posible y la irracionalidad impera a sus anchas, tal y como haría años después la mucho más conseguida (y clásico incuestionable) THE WIZARD OF OZ (1939, EL MAGO DE OZ), con esa transición entre el mundo en blanco y negro (o mejor dicho, sepia) de la vida cotidiana de Dorothy y el maravilloso y colorido País de Oz, sin duda uno de los usos más bellos del color en la Historia del Cine.
De cualquier forma, una experiencia agradable y una película que llevaba mucho tiempo detrás de ella. Sólo por tratar de descubrir quién se esconde detrás de esos estrafalarios disfraces y maquillajes (se me olvidaba el maravilloso Edward Everett Horton, uno de esos secundarios de lujo que tanto proliferaban en el cine de la época, haciendo de Sombrerero Loco) merece la pena el visionado.
Y es de agradecer lo ajustado de su metraje, 76 minutos. Algo digno de otra época.
P.D. La gran Olivia de Havilland interpretó el papel de Alicia en su juventud en la misma época que se rodó esta película. Sin duda hubiera sido una elección más ajustada. Por aquella época tendría unos 16 años...
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:agradable
De acuerdo. Supongo que sólo destacaban los efectos 3D, pero yo la vi en dos dimensiones... Además, la combinación Bullock-Clooney supera mi capacidad de aguante...:fiuCita:
Iniciado por Jane Olsen
Sobre adaptaciones de los clásicos de Lewis Carroll, hay una británica de 1972: Las aventuras de Alicia, bastante discreta, tirando a floja, por lo que recuerdo. El reparto no era tan espectacular como la adaptació hollywoodiense, pero encontramos nombres populares, como Ralph Richardson (la Oruga), Michael Crawford (el Conejo Blanco), Peter Sellers (la Liebre de Marzo) o Flora Robson (la Reina de Corazones). Tengo anotado que era bastante fiel a la letra, pero tremendamente kitsch, aburrida y falta de ritmo, con una pobre caracterización de los personajes. No ha tenido suerte hasta ahora Carroll (de las de Burton, más vale no hablar), sigo creyendo que la mejor es la de Disney.
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A mí también me gusta mucho la versión de Disney de 1951 aunque como todas en general mezcla los dos libros, pero tiene un excelente ritmo y un hermoso cromatismo (algo que se echa de menos en la versión de 1933).
GRAVITY hay que verla en 3-D que es cómo se rodó para tener una perspectiva más ajustada de lo que el director pretendía contar.Cita:
Iniciado por Jane Olsen
Vamos, es como ver REBELDE SIN CAUSA en 16mm y blanco y negro.
Para mí, Gravity es como ver en lugar de James Dean a Troy Donahue, y Sandra Dee substituyendo a Natalie Wood. No creo que los efectos 3D me salvasen la función.Cita:
Iniciado por Alcaudón
Yo también encuentro la versión de Siegel muy superior a la de Coppola, tanto en los aspectos técnicos como en (lo que es más importante) en los interpretativos. La película de Sofía tiende demasiado al estetiscismo y a la belleza de los encuadres y le falta la mala leche (a falta de otra expresión) que tenía la película original. Y Clint Eastwood es, a la vez, más seductor y más amenazante que Colin Farrell, un actor por el que nunca he tenido gran aprecio.Cita:
Iniciado por mad dog earle
No son sólo los efectos creados por el formato en relieve sino que la historia está muy bien contada y te (me) atrapa de principio a fin. Otra cosa es que los actores sean o no santos de nuestra devoción. Reconozco que nunca me gustó Sandra Bullock (demasiado inexpresiva) pero aquí la encuentro francamente bien. Y Clooney es un actor bastante polifacético.Cita:
Iniciado por mad dog earle
Pero, como siempre, es cuestión de gustos... :cortina
Ah, e INTERSTELLAR es una de mis películas favoritas de ciencia ficción de los últimos tiempos. Aunque creo que ya había quedado claro... :agradable
Yo creo que Farrell no es un mal actor (se atrevió con un Strindberg hace poco, La señorita Julia, y salió airoso) y aquí está bien, lo que pasa es que su personaje pierde mucha fuerza respecto al de Eastwood. En la de Siegel, el soldado herido es un canalla sin escrúpulos, asesino, mentiroso, cobarde, que intenta por todos los medios sacar provecho de su situación (y, entre otras cosas, beneficiarse a tantas féminas de la residencia como pueda), mientras que el de Farrell parece simplemente un pobre diablo.
Donde sale con la maravillosa Jessica Chastain (que también tenía un pequeño papel en INTERSTELLAR... :cortina).
:agradable
Mi padre la llama La Payasa (así, con mayúsculas). Y no se lo llama como algo peyorativo, ojo.Cita:
Iniciado por Alcaudón
Vista El Caíd (The Sheik), de George Melford (veterano cineasta que recordaremos como el director de la versión española de Drácula), vehículo para el lucimiento de Rodolfo (o Rudolph) Valentino. El actor italo-norteamericano había tenido un gran éxito con Los cuatro jinetes del apocalipsis (basada en la novela del valenciano Blasco Ibáñez) y acababa de rodar La dama de las Camelias, según la obra de Alexandre Dumas hijo. Se vivían, pues, los inicios de la valentinomanía. Vista desde esta perspectiva, la verdad es que me cuesta detectar en Valentino méritos suficientes para generar un mito de dimensiones gigantescas como fue el caso. Me parece un mal actor, con una expresividad muy limitada y un aspecto un tanto tontorrón. Tampoco entiendo la fascinación que provocaba entre las mujeres (y entre bastantes hombres), su aparente sensualidad, al menos a la vista de ese caíd (¿por qué no simplemente jeque?) de guardarropía, de movimientos poco gráciles. Para acabarlo de arreglar, el film tiene un ritmo no especialmente vibrante en una ambientación árabe un tanto de cartón piedra, que ni siquiera resulta exótica o fantasiosa. Además, el mensaje es de lo más machista (¿sublimación masoquista para amas de casa del Middle West?) y con un ramalazo racista que quita el hipo: la protagonista, Lady Diana (Agnes Ayres), de viaje aventurero por Arabia, es secuestrada por el jeque porque la quiere por esposa. A pesar de la privación de libertad, acabará enamorándose del castigador, y verá su amor recompensado descubriendo en el último momento (porque nota que tiene las manos grandes, no como los árabes [sic]), que en realidad no es árabe, sino, como le cuenta un amigo francés (Adolphe Menjou), hijo de inglés y… ¡española! ¡Olé, todo resuelto, que suenen las campanas, ya no hay peligro de matrimonio interracial!
https://images.fineartamerica.com/im...21-everett.jpg
Una observación sobre la edición de Divisa: la imagen es francamente mala, con muy poca definición, como desenfocada, un auténtico castigo para la vista, a pesar que se muestra sin grandes defectos de celuloide, salvo las típicas rayas. Pero lo mejor son los extras: dos canciones en la voz del mismísimo Valentino. Una es un tema que suena en la banda sonora de la película (y se muestran los rótulos correspondientes con la letra); la otra, “El Relicario”, cantada (es un decir) en un castellano macarrónico y casi incomprensible. Casi solo por esto vale la pena hacerse con el DVD (especialmente, como es mi caso, si te cuesta 2 euros). Dejo una muestra para melómanos:
https://www.youtube.com/watch?v=QE4tcDjEL4g
Hola a tod@s,
hace poquito vi La muerte de Luis XIV,
pelicula sobre los dias finales de este Monarca Frances,la pelicula tiene unas actuaciones soberbias,sobre todo el medico personal de Luis XIV y el propio Luis XIV hacen un trabajo fantastico,por momentos parece que estes viendo esos ultimos MISERABLES dias de este Rey por una ventana en el tiempo.
en lo negativo,es una pelicula deeeensa,claustrofóbica en todo momento,
me recuerda a una pelicula que vi hace mucho tiempo y que tambien recomendaria,pero por desgracia nor ecuerdo el nombre,trata sobre un anciano que muere entre ambulancia y ambulancia por la incompetencia de el servicio sanitario de su pais,lamento no recordar el nombre,seguro que alguno d evosotros la conoce.
La muerte de Luis XIV es una de esas peliculas bien realizadas pero que no gustara a todo el mundo,en mi humilde opinion muy inmersiva,llena de grandes actuaciones y con unas caracterizaciones...vestuario...etc sobresalientes.
saludos.
Otra que no entiende el éxito ni la leyenda de un tipo como Valentino :sudor. Como actor era limitadito, y su físico no me parecía particularmente atractivo, ni aunque fueran otros tiempos y primasen otros ideales. Anda que no había actores más atractivos y mejores intérpretes en la época del silente :ansia...Cita:
Iniciado por mad dog earle
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Caramba, amigo Jumbo, cuánto tiempo :abrazo. Espero que estés bien.Cita:
Iniciado por Jumbo fett
(RE)DESCUBRIENDO EL CINE MUDO:
THE BLACK PIRATE (1926, EL PIRATA NEGRO) de Albert Parker.
The Elton Corp. / United Artists Corp.
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Cuarta película rodada integramente en Technicolor bicromático (de las anteriores sólo se conserva (incompleta) THE TOLL OF THE SEA (1922) que espero comentar un día de estos... :disimulo), EL PIRATA NEGRO fue uno de los grandes éxitos de su megaestrella, Douglas Fairbanks, el más famoso galán de la época (y casado también con "la novia de América" Mary Pickford) y una película que serviría de base a todo un género, las películas de aventuras, subgénero piratas, que poblarían los mares, quiero decir, los cines, durante buena parte de los años '30, '40 y '50, con ejemplos tan preclaros como CAPTAIN BLOOD (1935, EL CAPITÁN BLOOD) de Michael Curtiz (con Errol Flynn, un émulo de Fairbanks (comparten hasta el bigote)), THE BLACK SWAN (1942, EL CISNE NEGRO) de Henry King (con Tyrone Power) o BLACKBEARD, THE PIRATE (1952, EL PIRATA BARBANEGRA) de Raoul Walsh (con Robert Newton).
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Una película plena de vigor, en consonancia con la gestualidad y la apostura de su estrella que realizó buena parte de las escenas de acción, como cuando rasga las velas del buque capturado y desciende así desde lo alto de los mástiles a la cubierta o aquellas en las que usa su prodigiosa destreza con la espada para mantener a raya a sus numerosos enemigos o las oníricas escenas subacuáticas cuando Fairbanks regresa para rescatar a la heroína, sin olvidar la escena en la que es alzado por sus hombres en una toma vertical contínua impecablemente rodada.
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El excelente uso de la fotografía en Technicolor (obra de Henry Sharp) aporta espectacularidad a los lances y otorga una hermosa plasticidad a los encuadres, además de realzar tanto la belleza de la heroína (Billie Dove) como los soberbios escenarios, especialmente ese enorme barco pirata (gentileza del director artístico Carl Oscar Borg), repleto de una caterva de individuos de baja estofa que parecen una marea humana, mal encarados y peor vestidos.
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El guión de Jack Cunningham parte de una historia del propio Fairbanks (que firma con el pseudónimo de Elton Thomas (su nombre completo era Douglas Elton Thomas Ullman)), una historia de venganza (el protagonista, víctima (al igual que su padre) del ataque de los piratas jura ante la tumba de éste que no descansará hasta tomarse cumplida revancha y qué mejor que enrolarse en la tripulación del barco pirata que provocó su desgracia), donde el bueno es muy bueno, los malos muy malos (a excepción del fordiano Donald Crips que hace de un divertido pirata manco al que le cae en gracia nuestro protagonista) y la heroína muy hermosa y donde al final se descubre que... mejor no lo cuento y así os veís la película... :cuniao
Y es una delicia oir la película con su acompañamiento original ideado por Mortimer Wilson que encaja como un guante en esta trepidante película de aventuras llena de color y espectaculares escenas de acción.
Todo un clásico que hoy en día podemos ver en una copia notablemente buena.
Quién podría pedir más.
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Comentario dedicado a la querida amiga Jane Olsen.
Estoy en ello...
:cortina
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Mira por dónde el compañero mad dog earle y yo hemos coincidido en la revisión de un título del hoy (inmerecidamente) olvidado cine mudo.
:agradable
A Fairbanks lo tengo bastante arrinconado, mira por dónde :sudor. La única que tengo un poco más reciente es El ladrón de Bagdad, de la que hay un más que notable remake.
Y hablando del pirata negro, yo casi me quedo con su remake en clave cómica-musical:
https://www.youtube.com/watch?v=lJWTRK2yObU
https://www.youtube.com/watch?v=Sfk9ou0Y2kc
:agradable
Y ésta es de las pocas ocasiones en que me gusta más el remake que el original:
https://www.youtube.com/watch?v=SND3v0i9uhE