Las últimas pelis que has visto en casa

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People Will Talk ("Murmullos en la ciudad") -1951- de Joseph Leo Mankiewicz. 20th Fox. Starring Cary Grant, Jeanne Crain, Finlay Currie, Hume Cronyn, Walter Slezak, Sidney Blackmer.



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Con la de títulos insignes que pueblan la talla y autoría de Joseph L. Mankiewicz puedo entender que éste haya quedado relegado a un relativo olvido o una falta de apreciación más positiva. Llega tras "Eva al desnudo" y posterior a "Operación Cicerón" y "Julio César".

Incidiría sobre la ligereza que aparenta el entramado argumental pese al contexto represivo de la época (choque Cecil B. De Mille - Mankiewicz y John Ford poniendo paz inclusive en plena "amenaza roja" y las actividades de la HUAC) y que es al fin y al cabo el que el da el sustento para explicar su fracaso comercial y su relativa oscuridad. Ahora bien, en sus diálogos agudos y en su nítido discurso que choca con la opinión pública mayoritaria de la época en E.E.U.U. asumo que el desinterés por este film pudo tener bastante que ver.
Y es una pena porque, pese a admitir que se trata de un film "menor" en la filmografía del realizador, provoca un gustazo encontrarse con un paradigma de equilibrio entre géneros, cómo transitar entre comedia y drama de forma modélica, interpretado de forma magnífica por todo el elenco actoral y con un guión rebosante de inteligencia e ironía que, si acaso, se queda un pelín corto (no voy a pedir peras al olmo en una época en la que los "halcones" vigilaban de qué se podía hablar y de qué no).

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Qué porte la de Grant, siempre... incluso a la hora de prepararse algo tan... anticlimático... como una autopsia delante de sus estudiantes.

Una de las dos tramas, la que atañe a Jeanne Crain, podría haber dado un poco más de sí con mayor tolerancia. A su vez, el film parecería que se pudiera dividir en dos subtramas que en el mejor de los casos daría para sendos films; bien, no tengo que estar completamente de acuerdo en esta verosímil hipótesis, mas si sale a la palestra es para concederle al film el placer que me ha embargado su visionado, que no ha sido el primero -aunque no fuera íntegro, pues más de la primera mitad del film estoy seguro no haberla presenciado en su día ante mi carencia total de recuerdos, sino parcial, que subyacía en mi memoria latente hasta que he llegado a una secuencia en concreto que me ha hecho revivir vagamente el protagonismo de la segunda subtrama: la ya propiamente protagonizada por el Doctor y su "mayordomo".

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Recuerdo de hace muchos años la secuencia del la "tren-efilia" (estoy seguro de que existirá una palabra para definirlo mejor); es a partir de aquí cuando mis antiguos recuerdos comienzan. Claro, que entonces no conocía el contexto del film.

Esto, naturalmente, lo suple el director con lo que mejor conoce en su labor de guionista: el valor de la palabra y todos sus secretos y un conocimiento del sistema hollywoodiense en el que saber instroducirse a través de las grietas que su muro infranqueable no puede detectar o rechazar.
Curiosamente "Murmullos en la ciudad" es otra de la serie de films en la que Cary Grant encarna a un Doctor, comenzando en 1948 con "En busca de marido" y terminando en "Me siento rejuvenecer" (1952), tras la cuál el intérprete se retira temporalmente. Buscar estos papeles de sanadores bien pudo ser desde luego una apuesta personal de un actor muy privado en su vida personal para encontrarse a sí mismo y que practicó diversas técnicas de meditación, hipnosis, sesiones de toma de LSD, que en definitiva sirven para potenciar la idea de que Archibald Leach y Cary Grant "no eran la misma persona".


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Habiendo paladeado el film, tengo la impresión de haber asistido al visionado de un film "protonavideño" en la línea de "¡Qué bello es vivir!", otro film que navega con éxito entre comedia y drama y que tampoco tuvo éxito en su estreno, solo que me más atemperado y realista en sus potulados. Por si fuera poco, la música, coprotagonista reveladora a lo largo del film, sirve tanto de vía de escape para nuestro protagonista como para separar a los "buenos" de los "envidiosos académicos" que no pueden soportarle. La música como forjadora de mentes sensibles, forjadora de buenas compañías y espíritu de camaradería, y legado fundamental del lado más brillante de la especie humana. En el apartado musical del film Alfred Newman se dedica a adaptar piezas de música clásica que ornamentan y cargan el film de una carga positiva jubilosa.

Spoiler:

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Cary Grant en estado puro. La elegancia formal en su máxima expresión.

Me voy a extender muy poco en la sinopsis de la trama: el Dr. Noah Praetorius (Grant, un apellido que bien podría ser shakespiriano con lo que ello infunde, es un profesional de la medicina que está hecho para ser admirado u odiado casi a partes iguales (el televisivo Dr. House, otro dotado con el don de la palabra, lo admiraría en secreto pero también recelaría y envidiaría su forma de ver la vida). Tiene clínica, es admirado y querido entre los universitarios a los que enseña en la facultad, es respetado en general entre sus colegas, y una praxis profesional atípica en la que el paciente no se vea como enfermo, en una relación de igual a igual, que encuentre una atmósfera positiva en la oscuridad de la enfermedad que lo ayude a culminar un proceso mental que los haga estar más felices consigo mismo. Una especie de autoterapia asistida impartida por un idealista pragmático, un hombre de mundo cultivado que no necesita conocer la ideología, pasado o credo de un determinado individuo para saber que es merecedor de respeto. Un excelente argumentista capaz de contradecir cualquier opinión desacreditatoria desde la sencillez que lo caracteriza.
Como señala el letrero con el que comienza el film,

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Pues sí, hacen falta personas como él en este mundo.... aunque oculte secretos de los que se puedan aprovechar sus adversarios más enconados.

Nadie, pocos, podrían describir la empatía y la admiración que despierta el buen Doctor como Cary Grant. Cualquier sutileza suya, cualquier gesto o sonrisa define absolutamente lo que pretende representar su personaje. Lo hace de forma delicada a través de unos brillantes diálogos que cuando fueron escritos casi seguro estaban con él en mente. La seducción viene por sí misma, sin forzarla, nunca - Grant no sería Gran entonces. Un niño grande que sabía escuchar como nadie en las películas.

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Junto a él, Jeanne Crain (Deborah Higgins). La actriz tiene un encanto indiscutible, ya me lo habéis oído decir varias veces....; pese a que no fuera un gran actriz, la adoro tal y como es. Como el Doctor, Deborah también oculta uno o dos secretos más accesibles investigando un poco. Élla vale lo que su subtrama aporta al film, que es mucho, y debo decir que está particularmente encantadora cuando hace pucheros. Me encanta toda la parte que acontece en la granja.

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No pareces encantada de verme, pese a que tenía la obligación de devolverte la visita por cortesía....


Los secundarios, ja, Finlay Currie (otro con secreto), impasible, poco hablador, pero se percibe una humildad, una humanidad y una lealtad fuera de todas duda. Es como un gran oso de peluche, el abuelo que todo el mundo quisiera tener. No es fácil sin su barba reconocer a San Pedro (Quo Vadis, 1951), intérprete como fue habitual de films históricos.


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Esa sonrisa de Cary.... y cómo va aconsejando sobre la marcha a su fiel Shunderson (el personaje de Currie)


Walter Slezak, robaescenas nato. Timming cómico estelar. Gran confidente de Noah Praetorius y que toca el contrabajo en la orquesta universitaria. Aporta momentos e interrupciones muy logradas en el film; él mismo se autorreconoce "impetuoso", lo contrario que el Doctor. Los polos opuestos se atraen. Tenemos a un Holmes y a un Watson.


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Ná, que me lo quedo yo...


El eterno Hume Cronyn con su particular físico encarna a la némesis del Doctor, un Mr. Scrooge gris. Encarna todo lo que detesta/envidia de él. Alto/bajo, atractivo/feo, empático/huraño. En unos segundos Mankiewicz retrata a este personaje con aspecto de cuervo. Es la caricaturización del senador Joseph MacCarthy, o tal vez del académico cecil B. De Mille a modo de pequeña revancha. Magnífico el marido de Jessica Tandy como el profesor Elwell.


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Sidney Blackmer, otro ilustre veterano de probada categoría (y van....) como el padre de Deborah. Fía su destino al de su hija. Maravilloso el momento en el que él y Finlay Currie se quedan escuchando música. Toda la secuencia lo es.


https://www.youtube.com/watch?v=8ANsf2GUT2E


Margaret Hamilton, más que la Bruja del Oeste de "El mago de Oz". Su esquemática aparición en el film no pasa desapercibida con ese aspecto de spinster ama de llaves. Con élla llegó el escándalo, parafraseando un título de Vincente Minnelli.


Podría seguir comentando más sobre este más que recomendable film, pero lo mejor es sentirlo y empaparse de sus ratos melancólicos, de sus bocanadas divertidas de aire fresco, de la intimidad del romance.... porque pese a que la Caza de Brujas de intelectuales en tierras norteamericanas esté en el ojo de huracán, y qué listo es Mankiewicz al abordarlo en forma de melodrama sin grandes pretensiones, pues una propuesta "más seria" le hubiera traído muchísimos problemas, el film tiene esa sinceridad y la entidad de sobra como para dejar al espectador cautivado durante su metraje, que rezuma optimismo y buen rollo junto a unas cuantas pullitas de gran nivel.
Peple will talk.... la gente hablará.... ¿sí?, pues que hable....hablando se entiende la gente...


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Un CARAMELO de film :encanto:encanto repleto de diálogos ingeniosos.


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Y tierno como un flan.


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Y qué decir de la musa Jeanne Crain:

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A mí no tienes que convencerme de sus bondades, amigo Otto+. PEOPLE WILL TALK siempre me ha parecido una de las joyas escondidas dentro de la filmografía de Mankiewicz. Y aunque siempre se suele valorar más el substrato político que encierra (esa nada velada crítica a la Caza de Brujas) siempre me ha perecido deliciosa la historia de amor entre los protagonistas. Y si Cary Grant está impecable, como siempre, Jeanne Crain es pura delicia.

:agradable

Me ha gustado mucho la review, Otto. Enhorabuena! :agradable
El género de la comedia ha estado muy infravalorado desde siempre por la Academia. Y si además, en esa época, había dramones de enorme categoría o algún que otro musical muy bueno, todos los ojos iban hacia ellos.

Por cierto, que la primera elección para la prota femenina era Anne Baxter, pero en vista de que quedó embarazada y obviamente, su tripa iba creciendo, se eligió a Crain, que había deseado el papel desde que conoció de la existencia de este proyecto.

Para mí el género de la comedia es el más difícil de todos quizás porque pese a ser una persona con un excelente sentido del humor :cortina me cuesta reírme y más a mandíbula batiente.

:agradable

Comparto esa opinión. He escuchado a muchos actores que dicen que hacer reír es lo más difícil. Y además, está el hecho de que es tan subjetivo que lo que a uno le hace gracia a otro, no, y viceversa.

Cita:

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Iniciado por tomaszapa

Me ha gustado mucho la review, Otto. Enhorabuena! :agradable
El género de la comedia ha estado muy infravalorado desde siempre por la Academia. Y si además, en esa época, había dramones de enorme categoría o algún que otro musical muy bueno, todos los ojos iban hacia ellos.

Por cierto, que la primera elección para la prota femenina era Anne Baxter, pero en vista de que quedó embarazada y obviamente, su tripa iba creciendo, se eligió a Crain, que había deseado el papel desde que conoció de la existencia de este proyecto.

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A mi también me ha gustado mucho la review de Otto... :agradable :palmas:palmas

Anne Baxter y Jeanne Crain se fueron dando papeles la una a la otra debido a sus numerosos embarazos, así a bote pronto recuerdo un intercambio de roles en "Su único deseo" (1955), de Jerry Hopper y con Rock Hudson.

Cita:

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Iniciado por Alcaudón

Para mí el género de la comedia es el más difícil de todos quizás porque pese a ser una persona con un excelente sentido del humor :cortina me cuesta reírme y más a mandíbula batiente.

:agradable

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Cita:

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Iniciado por tomaszapa

Comparto esa opinión. He escuchado a muchos actores que dicen que hacer reír es lo más difícil. Y además, está el hecho de que es tan subjetivo que lo que a uno le hace gracia a otro, no, y viceversa.

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Siempre se ha dicho que el género de la comedia es el más difícil de interpretar, por eso valoro tanto las comedias y los musicales, no es nada fácil hacer reir, o sonreir... aunque conmigo lo tienen fácil... :ceja :P

Y por ello el mejor género es la comedia musical... :cuniao

De hace un año aproximadamente en este mismo hilo:


CUESTIONARIO MANKIEWICZ


MEJOR PELI:Eva al desnudo (Juega a otra liga)
PEOR PELI: Ellos y ellas
MEJOR PRIMER VISIONADO:El día de los tramposos
PEOR PRIMER VISIONADO: El americano tranquilo
MEJORA CON EL SEGUNDO VISIONADO: La Huella. Eva al desnudo es imposible que mejore al ser perfecta.
EMPEORA CON EL SEGUNDO VISIONADO:---
UNA SORPRESA: El mundo de George Apley, y también sería Murmullos en la ciudad, pero por el factor Grant ya no es tan sorpresivo
UNA DECEPCION: La condesa descalza, por las altas espectativas que tenía.
MEJOR CHICA JLM: Bette Davis, seguida de Gene Tierney
MEJOR CHICO JLM: Rex Harrison
PEOR CHICA JLM:sintiéndolo mucho Ava Gardner
PEOR CHICO JLM: sin duda, Frank Sinatra
A TODO EL MUNDO LE GUSTA EXCEPTO A MI: Por diferencia de nota entra la mía y la media: La condesa descalza
A TODO EL MUNDO NO LE GUSTA EXCEPTO A MI: " " " ": Murmullos en la ciudad.
MEJOR ESCENA:No es la mejor, ahí pondría cualquier escena de Eva al desnudo, pero no se me saca de la cabeza, la escena de el dia de los tramposos del puticlub cuando PAris es pillado por su víctima al estilo voyeur junto al juez del pueblo teniendo su cabeza entre los pechos de una buena moza.
PEOR ESCENA: Cualquier numerito musical de Ellos y ellas, no por malo si por aversión al género, y más teniendo que el musical y JLM no pegan muy bien.


RANKING (de mejor a menos buena):

1- Eva al desnudo
2- El fantasma y la Sra.Muir
3- Carta a tres esposas
4- El día de los tramposos
5- La Huella
6- Murmullos en la ciudad
7- De repente el último verano
8- El mundo de George Appley
9- Cleopatra (Cleopatra parte I estaría en una posición más alta y Cleopatra parte II estaría jugándose el farolillo rojo)
10- Operación Cicerone
11- Odio entre hermanos
12- Un rayo de luz
13- Julio César
14- Mujeres en Venecia
15- El castillo de Dragonwyck
16- Solo en la noche
17- La condesa descalza
18- Canción para otra navidad
19- Escape
20- El americano tranquilo
21- Ellos y ellas

1- Juega otra liga, sin duda en mi top5 general.
De la 2 a la 8: excelentes pelis
de la 9 a la 14: notables pelis
de la 15 a la 18: buenas
de la 19 a la 21: reguleras.

Pues nada aquí termino un proyecto que empecé hace años, siendo la primera revisión de un director que hago, que empiezo, mejor dicho, el cual lo elegí simplemente porque me di cuenta que tenía casi todas sus pelis, a parte de un par de libros, así que JLM fue el elegido, habiendo visto antes de empezar el ciclo, sólo Eva al desnudo y la huella. Ya terminado el ciclo, y yo, siendo un amante del diálogo inteligente, del cinismo y el doble sentido con sutileza, puedo decir que JLM es y será uno de mis directores predilectos, y si bien es cierto que no tiene una filmografía perfecta, nadie la tiene, si que mantiene un nivel alto en general.

Ala pues....

La mini reseña realizada por aquí hace ya mucho tiempo 24/01/2017

Siguiendo el ciclo casero de Mankiewicz, creo que es la nº10, y no siendo fácil ser el primer film post "Eva al desnudo", "Murmullos en la ciudad" es un film que no hace (o ha hecho) mucho ruido pero tiene bastante chicha para convertirse en una señora cara B de Mankiewicz (la serie B es para el terror y el scifi ). Siguiendo el estilo Mankiewicz en un terreno que domina de sobras, la comedia dramática, el diálogo irónico llevado en volandas por un inmenso Cary Grant, usado para su crítica sutil elegante marca de la casa, y arropado con unos secundarios fantásticos: Shunderson (Finlay Currie), Profesor Elwell (Hume Cronyn), entre otros, y como segunda espada a la otra vez excelente y bella Jeannie Crain (Carta a tres esposas), hace de "Murmullos e la ciudad" una pequeña delicia muy recomendable y poco conocida de Mankiewicz.

Como pegas, decir que la historia del señor Shunderson (desvelada al final film) me parece demasiado extrema y muy forzada en esta conclusiva caza de brujas, escenificada de manera sutil y en otros campos para no levantar más ampollas (recuerden que por aquella época, Mankiewicz es acusado por Cecil B.de Mille de comunista, y la intervención de John Ford fue clave para que se salvara de entrar en la lista negra), a mi me hubiera gustado no desvelar la historia de Shunderson y mantener ese interrogante en el espectador, ya que al conocerla me sentí un pelín decepcionado, en si, la parte del "juicio" es lo más flojo del film.

Tiene momentos de muy alto nivel, como por ejemplo la intro con el villano y una antigua trabajadora, casi todos los diálogos pre romance entre Grant/Crain, el sensacional momento de los trenes de juguete (Sheldon, de Big Bang Theory, tendría una erección) entre otros.

Y ahora me toca "operación cicerón" (five fingers), salivando estoy por ver a un Mankiewicz en un género nuevo para él.

Vista "El club social de Cheyenne". Western abiertamente cómico de 1970, dirigido por Gene Kelly.

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Dos ganaderos (James Stewart y Henry Fonda) deciden dejar el trabajo y marcharse cuando el primero de ellos recibe un telegrama de un abogado, relatándole que su hermano ha muerto, dejándole en herencia su negocio, algo llamado el club social de Cheyenne. Stewart confía en que es una taberna o fonda, y allá que va, ilusionado con la idea de regentar su propio negocio.

El local resulta ser, sin embargo, el emblemático prostíbulo de la zona. El personaje de Stewart intenta (sin ningún éxito) explicar a todo el mundo que él no tiene ningún interés en gestionar esa clase de negocio, pero la gente no lo entiende, pues todos tienen en gran estima el local.

Lo curioso es que por momentos, el contraste entre los dos amigos y las situaciones absurdas que se producen, me recuerdan a las películas de Bud Spencer y Terence Hill. Así, Fonda es un pícaro vividor de moral laxa que se adapta enseguida a la buena vida, mientras que Stewart es un hombre sencillo, generoso, que se conforma con poca cosa, y de moral estricta. Supongo que son arquetipos atemporales.

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Doble sesión de "El Rayo Verde", de Rohmer, seguida por el UHD de "Crash", de Cronenberg, ambas de a Contracorriente.

2 joyitas de culto (la primera me ha gustado algo más que la segunda) que, vistas de forma consecutiva, arrojan más luz sobre el impermeable e incomprendido discurso de Crash, poniendo sobre la mesa el tema de la "SOLEDAD". Y es que los personajes de Crash se revelan como almas solitarias en busca de un sentido para sus vidas. Mientras la Delphine de El Rayo verde anhelaba esa solución a su soledad en los sucesivos viajes vacacionales por los parajes turísticos franceses y, en última instancia, en la posibilidad de observar ese último Rayo verde de la puesta de sol para conseguir mitigar la soledad con el encuentro del amor auténtico, el correspondido, los igualmente perdidos personajes de Crash combaten esa soledad mediante la necesidad del contacto físico con la autodestrucción, como si la solución a sus soledades colectivas fuera, en última instancia, la muerte provocada por el ritual colectivo de la autolesión con los vehículos como elementos de fascinación, prolongación de los cuerpos humanos (de ahí la importancia de la frase final de James Ballard).

Es interesante observar aquí, como bien apuntaba Carlos Heredero en el librito de El Rayo Verde, que en ambas películas los personajes buscan soluciones externas a sus problemas de soledad, pero la sensación que nos dejan sendos visionados es la de que la solución a esa aflicción es totalmente interna, y la única manera que tendrán los personajes de uno y otro film de sobreponerse a la soledad que sienten es mediante un proceso espiritual de introspección; algo que, a juzgar por los acontecimientos, nunca llegan a lograr. Aquí cabe apuntar también que el personaje interpretado por Deborah Kara Unger en el film de Cronenberg, el más interesante en mi opinión, es también el único que vislumbra dudas en ese proceso de autodestrucción supuestamente liberadora; por lo tanto, es la única que podía alcanzar esa liberación de forma interna y espiritual, y aunque se deje arrastrar constantemente por el remolque de James Ballard y demás fauna, deja la puerta abierta a un futuro abandono de esa filosofía destructiva y a emprender las riendas de su propio destino; sólo hace falta ver sus sutiles gestos esquivos, tanto cuando la besa Vaughan como cuando lo hace James Ballard en el desenlace.

En resumen, dos formas antagónicas de cine contemporáneo que diseccionan uno de los males endémicos de la sociedad del s. XXI, la soledad desde un punto de vista espiritual y existencial. El Rayo Verde lo logra de forma cuasi sociológica, empleando un mecanismo cuasi documental donde prima la más absoluta improvisación, naturalidad y frescura, y Crash, por su parte, lo consigue mediante una distopía ambientada en la actualidad, a través de lo artificial, con una puesta en escena tan fría y sofisticada como física y seductora.

Un notable alto para ambas, con opción al excelente, según cómo se comporten en mi memoria, donde ya tienen un hueco privilegiado.

Saludos.

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EDITO: Aprovecho para dejar constancia de que ambas ediciones de a Contracorriente son una delicia, el UHD de Crash tiene una imagen y sonido sublimes, y El Rayo Verde, sin llegar a la excelencia de la imagen de Pauline en la Playa, respeta sobradamente el abundante grano en un máster de los difíciles de procesar (ya que las restauraciones con mucho grano requieren de mucho espacio en disco para que ese grano se muestre firme, en su sitio, como es el caso aquí en la mayor parte del metraje).

Un 10 para la edición de Crash (misma nota que para la edición de Pauline en la Playa, con fotografía de Néstor Almendros) . Y un 9 para la edición de El Rayo Verde.

De verdad, las ediciones que ha sacado AC del universo de Rohmer (8 películas hasta el momento, sin contar los mediometrajes/cortometrajes incluídos en los extras) son una gozada tan grande que a uno le entran ganas de volverlas a comprar y tenerlas repetidas.

Anoche vi Flashback, estrenada en Filmin, aunque estuvo en Sitges ya.

No sé que vi. Si me gustó o no. Si la considero buena o no. Y hay MUCHOS comentarios así :lol

Es interesante, sin duda, un poco efecto mariposa como rompecabezas visual, utilizando la edición como casi única narrativa. Básicamente un tipo vive, en el supuesto presente, una serie de flashbacks de su adolescencia y empieza a no entender una mierda de lo que le pasa. Por el medio una potente droga y, claro, una chica (ahí bien Maika Monroe: le da a su papel el punto etéreo necesario y te crees que el prota pues, eso, que haga el idiota inicialmente, la chica tiene ese punto misterioso y tal). La escena final es sorprendentemente emotiva.

Pero lo dicho... ¿Qué?

PROGRAMA DOBLE

o

WEREWOLF OF LONDON (1935, EL LOBO HUMANO)

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Director: Stuart Walker.

Producción: Universal Pictures Corp.

Productor adjunto: Robert Harris.

Guion: John Colton, a partir de una historia original de Robert Harris.

Dirección artística: Albert S. D’Agostino.

Fotografía: Charles Stumar, en blanco y negro.

Música: Karl Hajos, supervisada por Gilbert Kurland.

Montaje: Russell Schoengarth.

Reparto: Henry Hull (Dr. Glendon), Warner Oland (Dr. Yogami), Lester Matthews (Paul Ames), Spring Byington (Señorita Etie Coombes), Valerie Hobson (Lisa Glendon).

Presupuesto: 195.000 dólares.

Rodaje: del 28 de enero al 23 de febrero de 1935.

Duración: 75 minutos.

Estreno: 13 de mayo de 1935.

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y

THE WOLF MAN (1941, EL HOMBRE LOBO)

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Director: George Waggner.

Producción: Universal Pictures Company, Inc.

Productor: George Waggner.

Guion: Curt Siodmak.

Dirección artística: Jack Otterson y Robert Boyle.

Decorados: R. A. Gausman.

Fotografía: Joseph Valentine, en blanco y negro.

Música: Hans J. Salter y Frank Skinner (no acreditados).

Montaje: Ted Kent.

Reparto: Lon Chaney, Jr. (Larry Talbot/El Hombre Lobo), Claude Rains (Sir John Talbot), Warren Williamd (Doctor Lloyd), Ralph Bellamy (Coronel Montford), Patric Knowles (Frank Andrews), Bela Lugosi (Bela), Maria Ouspenskaya (Maleva), Evelyn Ankers (Gwen Conliffe).

Presupuesto: 180.000 dólares.

Inicio del rodaje: 27 de octubre de 1941.

Duración: 70 minutos.

Estreno: 12 de diciembre de 1941.

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Gracias a la excelente iniciativa de la Universal, primero en formato DVD y más tarde en BD, disponemos hoy en día de magníficas ediciones completas de (casi) todos los “monstruos” clásicos de la compañía, desde el Conde Drácula (y sus descendientes), pasando por el Monstruo de Frankenstein, la Momia, el Hombre Invisible y el Hombre Lobo, hasta llegar a la Criatura de la Laguna Negra.

Para redondear la colección únicamente nos faltaría un paquete con las dos versiones de El Fantasma de la Ópera, dado que únicamente ha sido editada la de 1943, siendo además la primera película de terror de la compañía rodada en Technicolor.

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- Aunque sería conveniente recordar que la versión de Lon Chaney, Sr. (enseguida hablaremos del hijo) de 1925 se rodó parcialmente en Technicolor bicromático, muy notablemente la espléndida secuencia del baile de máscaras. -

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Curiosamente antes de revisar las dos películas tenía en mejor concepto la primera que la segunda quizás porque la Edad de Oro del cine de terror de la Universal fueron los ‘30 y no los ‘40, especialmente cuando a raíz de FRANKENSTEIN Y EL HOMBRE LOBO (1943), de Roy William Neill - una película para nada despreciable, por cierto, a falta de revisarla... -, se empezaron a mezclar los distintos “monstruos”, lo que acabaría por conducirnos a los dominios de Bud Abbott y Lou Costello con (lógicamente) ABBOTT Y COSTELLO CONTRA LOS FANTASMAS (1948).

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- Y dado que los paquetes contienen también las parodias (¿u homenajes?) de la famosa (al menos por entonces) pareja, espero poder hincarles el diente más adelante, al menos para juzgar con objetividad unas cintas que fueron tan populares en su época. -

A pesar de lo que indican los títulos de crédito EL LOBO HUMANO - la primera película sobre el personaje realizada en el cine sonoro – no parte en sentido estricto de una historia original puesto que hacía tan sólo dos años que se había publicado (y con notable éxito de ventas) la novela de Guy Endore “The Werewolf of Paris” (Nueva York, 1933) [“El hombre lobo de París”, Ediciones Jaguar, 2004] y es difícil de creer que esta no tuviera ninguna influencia en el proyecto.

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1935 fue el año más fértil para la Universal en cuanto a la elaboración de películas fantásticas y/o de terror.

Así, se rodarían de forma sucesiva, LA NOVIA DE FRANKENSTEIN, la película hoy comentada, EL CUERVO y EL PODER INVISIBLE.

Y de esta forma, por ejemplo, la hermosa actriz irlandesa Valerie Hobson (1917-1998) coprotagonizaría la primera y la segunda.

E igualmente, el (excelente y prematuramente desaparecido) operador Charles J. Stumar (1890-1935), rodaría la película hoy comentada y EL CUERVO, amén de haberlo hecho previamente en la magistral LA MOMIA (1932).

El director Stuart Walker (1888-1941) seguramente no puede competir con pesos pesados del género como Tod Browning (aun en el ocaso de su carrera) o James Whale (el mejor realizador de cine fantástico de los años ‘30), pero también es cierto que buena parte del éxito de estas producciones se debía al excelente equipo técnico que trabajaba en ellas, aparte por supuesto de la presencia de rostros tan carismáticos como (aunque no sólo) los de Bela Lugosi o Boris Karloff.

Walker únicamente dirigió una docena de películas (de 1931 a 1935) y seguramente entre todas ellas, aparte de la hoy comentada, las más destacadas podrían ser sendas versiones de dos novelas de Charles Dickens, GREAT EXPECTATIONS (1934) y MYSTERY OF EDWIN DROOD (1935).

Curiosamente, si en la primera trabajó con el protagonista masculino de EL LOBO HUMANO, el escasamente carismático Henry Hull (1890-1977), en la segunda lo haría con la protagonista femenina, Valerie Hobson.

- Para rizar el rizo esta última sería la Estella adulta en la versión de 1946 de “Grandes esperanzas” dirigida por David Lean. -

Por mero azar (o eso creo), en otro rincón de este inmenso cajón de sastre que es mundodvd he comentado recientemente la que quizás podría considerarse la obra maestra del director británico Terence Fisher (1904-1980), LA MALDICIÓN DEL HOMBRE LOBO y que además es – al menos para mí – la mejor versión de todas las que se han llevado a la gran (o la pequeña) pantalla.

Al igual que en la obra fisheriana lo mejor de la película se encuentra en el tramo inicial de la misma.

La acción tiene lugar en el Tíbet.

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Allí se encuentra una expedición botánica al mando del doctor Glendon (Henry Hull) con el fin de encontrar la rarísima Mariphasa lupina lumina una planta (ficticia, por supuesto) que sólo florece bajo los influjos de la Luna llena en los valles tibetanos más remotos.

Sin embargo, no es la única persona que tiene interés en la planta.

Como pronto sabremos, otro colega suyo, el doctor Yogami (un impecable Warner Oland (1879-1938)), tiene una mayor necesidad de la misma.

Y es que la Mariphasa es un antídoto (ojo, no una cura) contra la licantropía.

Y quien lo sabe mejor es el citado Yogami puesto que él es un Hombre Lobo…

En la lucha por la planta Yogami muerde en el brazo derecho a Glendon lo que provocará que a su regreso a Londres, donde tiene lugar el grueso de la acción, se empiecen a manifestar en él los primeros síntomas de la enfermedad.

- Curiosamente y al contrario de lo que suele ser habitual en la ortodoxia del personaje (como se puede apreciar en todo su esplendor en la ya mencionada cinta de Terence Fisher) la conversión en Hombre Lobo no impide que el individuo se comporte de una forma parcialmente racional y no puramente bestial pues tanto Yogami como Glendon intentarán contrarrestar los efectos de la maldición aun convertidos gracias al jugo que se extrae de las flores de la planta. -

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Es una lástima que cuando la acción transcurre en la capital del Imperio la historia tome unos derroteros que la aproximan demasiado tanto a EL HOMBRE Y EL MONSTRUO (1931), de Rouben Mamoulian, como a EL DOCTOR FRANKENSTEIN (1931), de James Whale.

Y es que el doctor Glendon parece una mixtura de sus colegas Jekyll (las escenas de la transformaciones son muy similares) y Frankenstein (el laboratorio en el sótano; su obsesión por el trabajo lo que le lleva a aislarse de todos, desatendiendo incluso a su propia (y hermosa) esposa, la cual será objeto de cortejo por parte de un antiguo pretendiente).

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Tampoco tiene empaque de protagonista Henry Hull, un mejor actor de reparto que primera espada y al que recordaremos especialmente por su papel de periodista en el espléndido díptico que forman los westerns TIERRA DE AUDACES (1939), de Henry King y LA VENGANZA DE FRANK JAMES (1940), de Fritz Lang, ambos en rutilante Technicolor.

Al menos la presencia de la bellísima Valerie Hobson sirve para contrarrestar el escaso carisma de Hull.

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Y, por supuesto, la película sube enteros cuando aparece el personaje encarnado por Oland quien, incapaz de traerse consigo desde el Tíbet bulbos de la planta para poder hacer frente a la maldición, luchará a brazo partido por conseguir los que Glendon con tanta paciencia ha logrado hacer florecer.

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Y la escena en el zoológico, cuando un transformado Glendon se acerca a la jaula de los lobos y los deja sueltos recuerda poderosamente a una muy similar en la muy superior – y una de las grandes obras maestras no sólo del cine fantástico – LA MUJER PANTERA (1942), de Jacques Tourneur.

Me gusta también esa idea (que, por cierto, retomaría el gran Mario Bava (1914-1980) en la que para mí es su mejor película, LAS TRES CARAS DEL MIEDO (1963) – y que a su vez procedía del cuento de Alexei Tolstói -) de que uno acaba haciendo daño a los seres que más quiere y que sería retomada en la versión de 1941.

Y, por supuesto, el superlativo trabajo de John P. Fulton en los efectos especiales y Jack P. Pierce en el maquillaje que aunque ahora nos parezca un tanto desfasado tiene el encanto de la era predigital.

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Como decía al principio, tenía mejor recuerdo de la película, pero sigue siendo una cinta francamente interesante y donde destaca especialmente el trabajo tras las cámaras del director artístico D’Agostino y, especialmente, la espléndida fotografía de Stumar.

Lástima que este muriera tan sólo unos días después del estreno, el 29 de junio, a los 44 años.

Pero antes de eso intervendría todavía en EL CUERVO, la segunda de las colaboraciones entre Lugosi y Karloff, después de la magistral SATANÁS (1934).

Pero esa es otra historia…

Al contrario que en el caso de DRÁCULA y LA HIJA DE DRÁCULA, EL HOMBRE LOBO no es una secuela de EL LOBO HUMANO sino un remake.

Y no sólo eso sino que con toda seguridad es la mejor película de terror de la Universal de los años ‘40, algo por otra parte fácil de entender si tenemos en cuenta que a partir de THE GHOST OF FRANKENSTEIN (1942), de (quién te ha visto y quién te ve) Erle C. Kenton, empezaron los (por lo general – salvo la excepción antes indicada - indigestos) cócteles de monstruos.

EL HOMBRE LOBO parte también de una historia original y de un guion de Curt Siodmak (1902-2000), hermano pequeño del mucho más talentoso Robert Siodmak (1900-1973), uno de los mejores directores de cine negro de los años ‘40.

Como decía en el anterior comentario lo de “original” habría que ponerlo entre comillas (como acabo de hacer yo, por cierto) porque seguro que se tomaron, al igual que en el caso de EL LOBO HUMANO, elementos procedentes de la novela de Endore, dada su popularidad. Lástima que no haya podido acceder a la misma para poder corroborarlo.

George Waggner (1894-1984) tuvo una carrera más exitosa que Stuart Walker, primero ejerciendo de director (desde 1938) y más tarde de productor (desde 1941).

- Como director me gustaría indicar que se encargó del primer título de la pequeña compañía creada por Harry Joe Brown y Randolph Scott, GUNFIGHTERS (1947), quienes más adelante se asociarían a Budd Boetticher y de la que saldrían algunos de los mejores westerns de la Historia del Cine (de THE TALL T (1957) a COMANCHE STATION (1960)). -

A él se le debe, por ejemplo, la producción de terror más cara de la compañía, la citada versión en Technicolor de El Fantasma de la Ópera, rodada por Arthur Lubin (1898-1995) y que costó nada menos (teniendo en cuenta los presupuestos que solían manejar la Universal) que 1.750.000 dólares.

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- Si echamos un vistazo a su ficha técnica, EL HOMBRE LOBO tan sólo costó 180.000 dólares, una décima parte de la anterior y, pese a ello, fue un rotundo éxito de taquilla. -

Lon Chaney, Jr. (1906-1973) está lejos de la grandeza de su padre, Lon Chaney, Sr. (1883-1930) pero aquí, sin duda, tiene en el personaje de Larry Talbot el mejor papel de toda su carrera.

- Antes, por cierto, hablaba de TIERRA DE AUDACES. Pues bien, Chaney, Jr., interpretó a uno de los miembros de la banda de Jesse James en dicha película. -

Waggner y Chaney, Jr. ya habían trabajado juntos en una producción previa de corte fantástico, EL HOMBRE QUE FABRICABA MONSTRUOS (1941) y fue precisamente el éxito de la misma el que decantó la balanza en favor del hijo de la gran estrella del cine mudo.

EL HOMBRE LOBO se beneficia de la presencia en el reparto de actores de la talla de Claude Rains (que en la Universal hizo de Hombre Invisible y de El Fantasma de la Ópera, en la película antes mencionada), (Sir) Ralph Bellamy (al que Howard Hawks hizo un inusual guiño en LUNA NUEVA (1940)) o Warren William (el gánster Dave the Dude de DAMA POR UN DÍA (1933), de Frank Capra (luego recreado por Glenn Ford en UN GÁNSTER PARA UN MILAGRO (1961)).

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Por contra, el cada vez más marginado Bela Lugosi encarna a un gitano, Bela (sic), que será quien transmita la maldición a Larry y que morirá a manos de este.

En cambio la pequeña pero gran Maria Ouspenskaya, la madre de Bela, será quien sirva de elemento conductor de la narración, apareciendo – casualmente – siempre que Larry sufre una de sus transformaciones.

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Una historia que no transcurre en Inglaterra sino en Gales y que se inicia con el regreso del hijo pródigo, al castillo de los Talbot (todos los protagonistas de las películas de la Universal, ya sean nobles o plebeyos, parecen vivir en castillos), tras 18 años de ausencia.

Allí le espera su padre, Sir John (Rains), quien espera que su hijo menor ocupe el lugar de su hermano recientemente fallecido.

Siodmak estableció con esta película muchas de las premisas que más tarde serían empleadas en buena parte de las versiones que le sucederían, como el uso de la plata (aunque en este caso no una bala sino un bastón con empuñadura de dicho metal) para acabar con la bestia.

Y si Larry mata a Bela, el hijo de Maleva (la citada Ouspenskaya), será Sir John quien mate a su propio hijo a bastonazos en justa reciprocidad.

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A pesar de que EL HOMBRE LOBO es una película de más empaque que EL LOBO HUMANO también es cierto que la película tiene fallos de raccord, puesto que cuando Larry se transforma en Hombre Lobo está vestido únicamente con una camiseta interior mientras que cuando va en busca de sus víctimas lleva una camisa obscura impecablemente abotonada.

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Y si en la primera cinta la labor del operador Charles J. Stumar era capital para lograr crear ese ambiente de angustia que vive el protagonista, igualmente el trabajo de Joseph A. Valentine (1900-1949) tras las cámaras es absolutamente determinante.

- Un Valentine que se convertiría en uno de los directores de fotografía favoritos de Alfred Hitchcock con el que trabajó en SABOTAJE (1942), LA SOMBRA DE UNA DUDA (1943) y LA SOGA (1948) – la primera película en color de su director – antes de su prematura muerte en 1949. -

Chaney, Jr. (aunque aquí aparece sin el Jr.) encarnaría a continuación al Monstruo de Frankenstein en la cuarta entrega del personaje (la mencionada THE GHOST) y al mismísimo hijo del Conde Drácula en SON OF DRACULA (1943).

Sin embargo, sería el papel de Larry Talbot / Hombre Lobo el que marcaría para siempre su futuro y aquel por el que sería siempre recordado.

Y volver a ensalzar de nuevo la labor, esta vez acreditada, del gran Jack Pierce en el maquillaje de la criatura.

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Un título mítico del cine de terror aunque, eso sí, sin la contundencia de los primeras películas de la productora, especialmente las que nacieron antes de que fuese de obligado cumplimiento el Código de Producción instaurado por la propia industria cinematográfica.

Buenas noches y, felices pesadillas.

:digno

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El hombre lobo, ciertamente fue un gran éxito en taquilla. De hecho, una de las más exitosas para la Universal durante 1942. Sin embargo, cuando se estrenó, el 12 de diciembre de 1941, el Estudio estaba bastante temeroso de la posible reacción del público (si tendrían o no ganas de verla) tras el ataque a Pearl Harbor, unos días antes del estreno.
Los japos no pudieron con los monstruos. :ceja

Los terrores reales resultaron ser mucho más poderosos que los de ficción.

:digno

La realidad siempre superó a la ficción. Solo ver la actualidad, dan ganas de meterse en una de esas de la Universal y vivir esas aventuras, aunque fuera con monstruos como el hombre lobo.

Por cierto, estos dos últimos días me he acordado de Alcaudón varias veces. Resulta que en el piso de abajo, que acaban de vender, han venido ya a finiquitar la calma veraniega y se tiran dando golpes, para renovar por completo la vivienda, durante largos períodos de tiempo. Lo único que me alivia es el par de tapones que dispongo, que al menos quitan bastante del ruido. Que la siesta es sagrada, oiga. :ceja

Pues prepárate... :mielda

Ojo a esto:

Anoche vi, de nuevo en Filmin, y regresando puntualmente (de momento) a la dupla Carlos Marques-Marcet /David Verdaguer, Els dies que vindran (Los días que vendrán) (2019).

Esta, de la trilogía director - actor, ha vuelto a gustarme al nivel de 10.000 km (la segunda, Tierra Firme, la londinense, no tanto, y eso que eran Natalia Tena y Oona Chaplin eh, EH). En esta ocasión la premisa es ya de por si magnética: Marcet rodó durante los 9 meses, y más, del embarazo real de María Rodríguez Soto, pareja de David Verdaguer. La idea y el resultado NO son nada similar a un docu ficción, o reality, ni nada de eso. Ambos actores, en virtud de no mezclar, de crear algo, interpretan a dos personajes completamente distintos pero se aprovecha el embarazo real de María y con ello el plus de autenticidad es de otra dimensión.

Marcet vuelve a rodar con ese tino naturalista, de diálogos realistas (de nuevo se acredita a los actores en los diálogos, señal de que se improvisó lo suyo), a veces (muy pocas) inaudibles (la película se rodó en catalán, y Filmin la tiene así en su opción V.O., imagino que la española debe escucharse algo mejor pero la peli es TAN rollo filmación real que debe ser un poco raro), con ese don para escenas que te olvidas que es una película y no una cámara oculta.

Verdaguer, que interpreta a un abogado que acepta trabajar en un bufete para costear lo que está por venir, tiene esta vez un personaje más alejado de su (aparentemente) yo real pues apenas está gracioso, rápido e ingenioso (como sí lo estaba en las dos anteriores y en entrevistas) mientras que María Soto, que interpreta a una periodista en paro, se lleva toda la peli con una interpretación portentosa. Puedes sentir todo lo que le, les, sucede. Y no soy padre.

Pese a la mención a sus personajes el 80% aprox del film son ellos dos en su piso (que es el del director en la realidad), en el que vamos viendo el avance del embarazo, las dudas, como la pareja se debilita...

Marcet además capta de fábula la BCN real, la mediterranea/cosmopolita, la mezclada, la que él habla catalán, ella con él catalán pero con sus padres español, que cuando se enfada o suelta un taco cambia de idioma. Parece que se ambienta, y se filmó, en el barrio del Born.

Algo que es brutal es que en la vida real la madre de María tiene una filmación hecha por un amigo del nacimiento de María en 1986 así que ni actores rejuvenecidos ni rodaje simulando los años 80: cuando vemos esas imágenes antiguas son reales. Y en la película los padres y hermano de María se interpretan a si mismo en una escena. Cuando Virginia (el personaje que interpreta María) se ve a si misma naciendo en el '86 es muy emotivo.

Pero es que el final es ya... Me pilló desprevenido. A saco. No es spoiler, claro, pues es el nacimiento de Zoe (Lupe en la vida real) aunque no me queda claro si es el parto real o no. En los artículos que he leído dicen que no, que María puso esa condición, pero sino, ¿cómo lo han hecho? ¿Composición/mezcla digital en un film de cuatro euros??

Da igual, la escena del parto, es de un emotivo acojonante, es precioso. Hostia, de verdad, que voy a revisarlo ahora mismo.

https://www.youtube.com/watch?v=sZ_NW-m1akM

Cita:

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Iniciado por Alcaudón

- Aunque sería conveniente recordar que la versión de Lon Chaney, Sr. (enseguida hablaremos del hijo) de 1925 se rodó parcialmente en Technicolor bicromático, muy notablemente la espléndida secuencia del baile de máscaras. -

https://i.pinimg.com/564x/85/9b/03/8...62c3439dbb.jpg

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En 2017 se reestrenó el film de Chaney Sr. con nueva música compuesta para la ocasión por el británico Roy Budd (1947-1993). El compositor falleció tras cumplir la escritura de la partitura pero no llegaría a ver estrenada su versión para tan mítica película, permaneciendo inédita su composición durante más de dos décadas en las que, a fuerza de perseverancia de su viuda, cumpló el sueño de ver estrenado uno de los sueños de su viuda. Ciertamente es más modernista que otras partituras que se han acomodado a las peripecias y desgarros del enmascarado, con un romanticismo más solapado, violento y convulso, llegando a recordar a la también mítica partitura de Danny Elfman para el Batman de 1989. Lo curioso, es que ambas composiciones tuvieron su punto de inicio en ese mismo año, luego no se puede hablar de que una influyera en otra. Lo que escucháis en este vídeo forma parte de la BSO de Budd y da una idea del tono entre iracundo, desgarrado y decadente con el que complementa al film atmosféricamente.

https://www.youtube.com/watch?v=BtUq9RyPB_M

Este montaje, y su banda sonora nueva, conocieron edición para formato doméstico, aunque no sé si estará descatalogada. El CD de la BSO, sí que lo está (que no estaba íntegra, dicho sea de paso).
En cualquier caso, el film está en Ytb.

Spoiler:

https://images-na.ssl-images-amazon....L._SL1470_.jpg

Cita:

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Iniciado por Synch

Ojo a esto:

Anoche vi, de nuevo en Filmin, y regresando puntualmente (de momento) a la dupla Carlos Marques-Marcet /David Verdaguer, Els dies que vindran (Los días que vendrán) (2019).

Esta, de la trilogía director - actor, ha vuelto a gustarme al nivel de 10.000 km (la segunda, Tierra Firme, la londinense, no tanto, y eso que eran Natalia Tena y Oona Chaplin eh, EH). En esta ocasión la premisa es ya de por si magnética: Marcet rodó durante los 9 meses, y más, del embarazo real de María Rodríguez Soto, pareja de David Verdaguer. La idea y el resultado NO son nada similar a un docu ficción, o reality, ni nada de eso. Ambos actores, en virtud de no mezclar, de crear algo, interpretan a dos personajes completamente distintos pero se aprovecha el embarazo real de María y con ello el plus de autenticidad es de otra dimensión.

Marcet vuelve a rodar con ese tino naturalista, de diálogos realistas (de nuevo se acredita a los actores en los diálogos, señal de que se improvisó lo suyo), a veces (muy pocas) inaudibles (la película se rodó en catalán, y Filmin la tiene así en su opción V.O., imagino que la española debe escucharse algo mejor pero la peli es TAN rollo filmación real que debe ser un poco raro), con ese don para escenas que te olvidas que es una película y no una cámara oculta.

Verdaguer, que interpreta a un abogado que acepta trabajar en un bufete para costear lo que está por venir, tiene esta vez un personaje más alejado de su (aparentemente) yo real pues apenas está gracioso, rápido e ingenioso (como sí lo estaba en las dos anteriores y en entrevistas) mientras que María Soto, que interpreta a una periodista en paro, se lleva toda la peli con una interpretación portentosa. Puedes sentir todo lo que le, les, sucede. Y no soy padre.

Pese a la mención a sus personajes el 80% aprox del film son ellos dos en su piso (que es el del director en la realidad), en el que vamos viendo el avance del embarazo, las dudas, como la pareja se debilita...

Marcet además capta de fábula la BCN real, la mediterranea/cosmopolita, la mezclada, la que él habla catalán, ella con él catalán pero con sus padres español, que cuando se enfada o suelta un taco cambia de idioma. Parece que se ambienta, y se filmó, en el barrio del Born.

Algo que es brutal es que en la vida real la madre de María tiene una filmación hecha por un amigo del nacimiento de María en 1986 así que ni actores rejuvenecidos ni rodaje simulando los años 80: cuando vemos esas imágenes antiguas son reales. Y en la película los padres y hermano de María se interpretan a si mismo en una escena. Cuando Virginia (el personaje que interpreta María) se ve a si misma naciendo en el '86 es muy emotivo.

Pero es que el final es ya... Me pilló desprevenido. A saco. No es spoiler, claro, pues es el nacimiento de Zoe (Lupe en la vida real) aunque no me queda claro si es el parto real o no. En los artículos que he leído dicen que no, que María puso esa condición, pero sino, ¿cómo lo han hecho? ¿Composición/mezcla digital en un film de cuatro euros??

Da igual, la escena del parto, es de un emotivo acojonante, es precioso. Hostia, de verdad, que voy a revisarlo ahora mismo.

https://www.youtube.com/watch?v=sZ_NW-m1akM

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Ya sé que pasó ahí: viendo la rueda de prensa de Málaga, María dice que el parto no es el suyo. Ok. Revisándolo veo un posible corte y un segundo muy obvio que de momento apuntan a que están María ("huele a pollo" que mona :-)) y David en un plano, y un parto real en otro, y utilizan las sábanas verdes del hospital Sant Joan de Déu de BCN a modo de corte a lo The Rope de Hitchcock. Investigaré más.

PROGRAMA DOBLE

o

THE WOMAN IN THE WINDOW (2021, LA MUJER EN LA VENTANA)

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Estreno en Netflix: 14 de mayo de 2021 (EUA y España).

Dirigida por Joe Wright.

Escrita por Tracy Letts, a partir de la novela homónima de A. J. Finn (Nueva York, 2018).

Fotografiada por Bruno Delbonnel (en color y Scope).

Musicalizada por Danny Elfman.

Protagonizada por Amy Adams (Anna Fox), Gary Oldman (Alistair Russell), Anthony Mackie (Ed), Brian Tyree Henry (Detective Little) y Julianne Moore (Jane Russell 1 (Katie)).

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y

OXYGÈNE (2021, OXÍGENO)

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Estreno en Neflix: 12 de mayo de 2021 (EUA y España).

Dirigida por Alexandre Aja.

Escrita por Christie LeBlanc.

Fotografiada por Maxime Alexandre (en color y Scope).

Musicalizada por Rob Coudert.

Protagonizada por Mélanie Laurent (Elizabeth “Liz” Hansen).

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Dos películas vistas en días consecutivos (anteayer y ayer) de la mano de la todopoderosa (pero fuertemente endeudada Netflix) y en las que el protagonismo absoluto recae en dos de las actrices más bellas del panorama internacional, la “italiana” Amy Adams (1974) y la francesa Mélanie Laurent (1983)...

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... y que tienen como nexo común el que los personajes que encarnan se encuentran imposibilitados de escapar del espacio reducido en el que se han visto recluidos aunque el motivo sea bien distinto.

Sé que recientemente algún compañero comentó LA MUJER EN LA VENTANA pero no recuerdo si algún otro hizo lo propio con OXÍGENO.

De cualquier forma mi reseña será breve dado que son películas muy recientes y, por supuesto, sin destripar los argumentos de las películas, algo más determinante en el primer caso que el segundo, todo sea dicho.

A pesar de su título original, THE WOMAN IN THE WINDOW no tiene nada que ver con la película homónima (y una de las cumbres) del director vienés Fritz Lang (y que aquí, por cierto, se tradujo más acertadamente por LA MUJER DEL CUADRO) rodada en 1944.

Desconozco la novela de A. J. Finn, pseudónimo del escritor neoyorquino Daniel Mallory (1979), aunque imagino que el grado de fidelidad de la película a la misma será notable dado su éxito de ventas.

Curiosamente el guionista de la misma es Tracy Letts (1965) al que los seguidores de la serie "Homeland" (2011-2020) (entre los que me encuentro) recordarán porque encarnaba a Andrew Lockhart, un senador que acaba reconvertido en director de la CIA.

De su director, Joe Wright, únicamente he visto tres de sus películas, PAN: VIAJE A NUNCA JAMÁS (2015), EL INSTANTE MÁS OSCURO (2017) y la hoy comentada.

Por lo que veo Wright tiene como musa a la etérea Keira Knightley, a la que ha dirigido en tres ocasiones (PRIDE & PREJUDICE (ORGULLO Y PREJUICIO) (2005), EXPIACIÓN (MÁS ALLÁ DE LA PASIÓN (2007) y ANNA KARENINA (2012)).

Y además consiguió para Gary Oldman el único Oscar de su carrera por su papel de Sir Winston Churchill en EL INSTANTE MÁS OSCURO.

Lo más atractivo de la propuesta es por un lado el formidable trabajo interpretativo de una maravillosa Amy Adams que, incluso apareciendo fea, sigue siendo hermosa. Ella es el centro de gravedad sobre el que gira toda la historia y siempre será su punto de vista el que domine por completo la acción.

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Y por otro lado el cuidado cromatismo que impregna la elegante puesta en escena del director para lo cual usa unas texturas que - tal vez inconscientemente - aproximan la cinta a los giallos italianos que tendrían sus mejores exponentes en Mario Bava y Dario Argento.

Y si LA MUJER EN LA VENTANA parece un “homenaje” no sólo a LA VENTANA INDISCRETA (1954), de Alfred Hitchcock, sino también a otras cintas del maestro (incluida, por supuesto, DE ENTRE LOS MUERTOS (1958)), es una lástima que después de haber construido un armazón lo suficientemente robusto como para mantener el interés durante buena parte de la proyección en el último tramo acabe por derrumbarse como un castillo de naipes por un estúpido (y brusco) giro de timón.

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Pese a todo, por el creativo uso del color y, especialmente, por la magnífica interpretación de la celestial Amy Adams ya merece la pena el desplazamiento.

Por su parte, OXÍGENO, del enfant terrible (o eso dicen) del cine francés, Alexandre Aja (1978), es una atractiva cinta de género (aunque no voy a especificar a cuál de ellos pertenece pues buena parte del misterio que rodea a la protagonista proviene de ahí) que, si no estoy equivocado, tiene una duración ajustada al propio devenir de la historia. Vamos, como SOLO ANTE EL PELIGRO (1952), de Fred Zinnemann, director que está siendo diseccionado con pulso maestro por el inmarcesible mad dog earle.

Curiosamente de Aja no he visto sus trabajos más celebrados, ALTA TENSIÓN (2003) o LAS COLINAS TIENEN OJOS (2006), quizás porque no soy muy partidario de la casquería, ni siquiera en la cocina.

Sí he visto por contra recientemente su anterior film, INFIERNO EN EL AGUA (2019), otra cinta de supervivencia en un entorno completamente hostil (en este caso el propio hogar anegado por unas inundaciones y en el que la presencia de un gigantesco cocodrilo no hará sino agravar todavía más la situación).

Una película atractiva protagonizada, al igual que en este caso, por una mujer.

Si antes elogiaba sin reparos el talento y la belleza de la actriz norteamericana (¿pero no habíamos dicho que era italiana? :lee) no voy a ser menos laudatorio mi admiración por los mismos conceptos para la polifacética actriz/directora/guionista Mélanie Laurent.

De su segunda faceta – directora – tengo, aunque todavía no he visto, su cuarto largometraje, GALVESTON (2018), con la pequeña de las hermanas Fanning, Elle, lo cual espero subsanar en un plazo lo más breve posible.

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Aunque a esta propuesta le aúna un final igual de convencional – aunque mejor elaborado – que la anterior la bellísima Mélanie logra cargar sobre sus espaldas (y en este caso es literal, dado que la protagonista se pasa toda la película en decúbito supino) un relato bien llevado, aunque también es cierto que bastante convencional (nada que ver con la contundente BURIED (2010), de Rodrigo Cortés) y del que los amantes del género (sea cuál sea) sabemos valorar en su justa medida.

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Dos historias de supervivencia, tanto física como mental, protagonizadas por dos de los rostros más bellos que podemos ver hoy en día en la gran pantalla…

… o en este caso en la pequeña de la mano de la tan (injustamente) denostada Netflix.

Buenas noches y, nunca mejor dicho, buena suerte.

They got pretty blue eyes

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https://www.youtube.com/watch?v=MMNICLfHE3M

:cortina

Pues apúntate con rotulador negro Orgullo y prejuicio y Expiación. Son dos grandes películas que, entre los veteranos del foro, tienen bastante predicamento. Recuerdo aún las charlas largas analizando estas pelis con Campanilla, Marty McFly, Tripley, Derek, y otros, entre ellos, servidor. :agradable
Con esta última, Wright parece haber dado un petardazo indigno de su filmografía.

En mi caso, todavía no he visto ninguna película de Joe Wright que me haya convencido. Si esta The Woman in the Window la consideras un petardazo (y no te lo negaré), ¿qué decir de Hanna? Aunque en otra categoría, tampoco me gustaron ni su Anna Karenina ni Atonement (Expiación).

A mí, en líneas generales, me ha gustado. Si hubiésemos de juzgar una película exclusivamente por su final muchos clásicos se nos caerían de las manos, teniendo en cuenta que al menos cuando imperó el Código de Producción los mismos estaban en muchos casos adulterados.

:digno