Tema: Revisitando a Ingmar Bergman

Una vez leí una vez una crítica de la película de Corman en la que a esta foto, le ponían de pie "Bergman meets Parchís" :



Eso del demonio/ángel/chica creo que se ha hecho alguna vez más en el cine. En La última tentación de Cristo, sin ir más lejos, creo que el demonio tenía forma de niña. Quiza Scorsese tomara la idea de esta película.

Y otra cosa. Comentáis que al personaje del caballero, que acaba de volver de las Cruzadas, está como que le da igual todo, es como si no pudiera reintegrarse en la vida cotidiana. Si esta película la hubieran hecho en los setenta, hubiera dicho que es como un trasunto de aquellos jóvenes que volvían del Vietnam, y que no lograban encontrar un lugar en la vida civil. En su propio país mucha gente los odiaba, y en la guerra no habían obtenido ninguna gloriosa victoria, y en cambio, les habían dado por saco bastante. ¿Estrés postraumático? ¿Una metáfora de los ex-combatientes de la la II Guerra Mundial? La tengo muy perdida, esta película, a ver si la revisito, pero el personaje del caballero y su escudero me parecieron -salvando las distancias- una especie de Don Quijote y Sancho innmersos en un mundo aún más decadente y sórdido que el de aquella España -mitad nobles sin tener donde caerse muertos y sin ocupación, mitad de curas y monjas y mitad de pícaros y fulleros- que empezaba a dejar atrás su poderío imperial. Recordemos que las Cruzadas fueron muy malas para el feudalismo, y quizá favorecieron su caída. Muchos nobles murieron allá en una guerra que no supuso ninguna mejora real para Occidente y que no cumplió el objetivo para el que se inició, o se quedaron sin feudo, porque lo habían hipotecado para obtener dinero con el que irse a la aventura oriental. Al volver, como ya no tenían nada, muchos se dedicaron al saqueo y al bandidaje, aunque por suerte parece que no duraron mucho. En Robin y Marian también presentan un poco esa misma situación, pero desde una perspectiva más romántica, aunque igualmente crepuscular y dominada por la melancolía.

Iniciado por mad dog earle

¿Esa edición de Lacasa... es la misma que la del doblete con El manantial de la doncella?

http://www.moviesdistribucion.com/dv...%E9ptimo+Sello

Lo digo porque, aunque no me gusta recomprar y preferiría una edición en BD, quizá si encuentro esa edición doble a buen precio la compraría. Otra cosa, MIK, ¿en comparación con la de Vértice en BD, que indicabas que era 1080i, has podido comprobar qué tal?

Sí, esa misma.

Había unas pocas unidades esta semana en el 79 (hoy quedaba una la sección de 2€), y tras leer el problema con el subtitulado en El manantial de la doncella, y pese a ya tener esta edición de quiosco remasterizada de Vértice (aunque no aparece logo alguno durante la reproducción ni en el serigrafiado del disco), decidí hacerme con el doblete, por lo irrisorio del precio.

Puede que en su tienda física dispongan de copias en oferta, aunque de todos modos tendría aquí un precio inferior a 7€.

Sobre las ediciones en blu-ray, lo miré en algún hilo del foro, ya que, por desgracia (más en títulos de esta calidad) no dispongo de dicho sistema , aunque se mencionaba que, obviamente la calidad visual era notablemente superior a la ofrecida por los dvds, se lamentaban de que se usara un máster en 1080i, desaprovechando la resolución óptima que si ofrecen los títulos del director e el extranjero.

Con todo, si no tienes problemas con el inglés, existen apabullantes ediciones extranjeras, te dejo aquí una comparativa

Por cierto, probé anoche por encima El manantial de la doncella y la imagen no es tan buena como en El séptimo sello.

Comparte, eso sí, el mismo tipo de subtitulado, que probé junto al doblaje, para comprobar si era una transcripcción literal de este, pero afortunadamente no.

El doblaje, por cierto es aberrante. En diálogos de lo más intrascendentes cambian completamente el guión.

A ver si en un momento puedo poner alguna captura de este otro título.

Saludos.

Interesantes comentaris, MIK y Jane. Abundo en dos o tres cosas: sobre Jof y la chica "muda", cierto que no interactúan (de hecho, la chica no interactúa prácticamente con nadie), pero sí comparten ese momento de paz, de carácter casi sagrado (o sin el casi) en que se reparten la leche y las fresas (inserté una imagen de ese momento en mi comentario).
Sobre las posibles influencias en Lynch, yo creo que sirven para desmentir esa imagen que el propio Lynch ha querido expresar de que no es un gran conocedor del cine, que no es un cinéfilo. Yo creo que no lo es en el sentido en que lo es Scorsese, pero es alguien que sin duda ha visto , y con mucha atención, algunos autores clave de la historia del cine, como Bergman sin ir más lejos (y Fellini o Hitchcock).
Sobre ese paralelismo que Jane establece entre los cruzados y el regreso de los soldados de Vietnam, cierto es que la II Guerra Mundial estaba muy próxima, pero también la de Corea, y en definitiva la Guerra Fría, algo que tuvo aterrorizado al mundo durante los 50, 60, 70 y buena parte de los 80. Bergman era muy consciente de ese conflicto (lo expresa claramente en sus libros de memorias) y lo refleja en ocasiones en sus personajes (por ejemplo, ese traumatizado personaje que encarna Max von Sydow en Los comulgantes). De todas maneras, yo no diría que al caballero Blok todo le da igual, más bien es que se siente desubicado, sin norte, que su vida se ha quedado sin sentido, sin tener respuestas a sus cada vez más acuciantes preguntas. En cambio, el escudero (cierto que esa pareja, cómo no, recuerda en ocasiones a Don Quijote y a Sancho Panza), que tampoco tiene respuestas, acepta vivir sin ellas, se rebela ante la falta de sentido de la vida, pero sin acudir a falsas promesas, a "paños calientes", que podría decir el bueno de Sancho. De ahí esa frase final, que me parece extraordinaria, de aceptar el silencio, pero sin renunciar a la protesta.
Y sobre Karin (a la cual ciertamente no ha conocido Jof), me recuerda la mujer del protagonista de Cuentos de la luna pálida, cuyo fantasma lo recibe al final de la película. Vale la pena recorda que es el personaje que lee los versículos del libro del Apocalipsis durante esa última cena (tan diferente a esa otra "cena" con los cómicos, la del reparto de la leche y las fresas).
En fin, inacabables los comentarios. Y eso que casi no hemos entrado en los aspectos más visuales. Me ratifico en alabar el trabajo de Gunnar Fischer, un director que merecería el reconocimiento general que tienen otras grandes directores de fotografía.

Muy interesante lo que mencionas, Jane.

Lo cierto es que sí parece haber por parte del director una crítica hacia la sociedad de la época.

En mi opinión, la plaga apocalíptica puede tener su reflejo en la inminente amenaza nuclear (después de la atroz 2ª Guerra Mundial y la barbárie del nacismo) en la que varios cineastas de todo el mundo, como Resnais (Noche y niebla), Kubrick (El beso mortal, Teléfono rojo) o Stanley Kramer (La hora final), entre otros muchos, pusieron en pantalla la visión de un posible holocausto, reflejando/criticando las políticas que habrían llevado a la humanidad al borde del colapso.

De hecho, durante los años 50, proliferaron multitud de películas de todos los géneros (particularmente, la ciencia-ficción), con el holocausto como eje central, aunque también hubo superproducciones como Los diez mandamientos, donde las plagas tienen un protagonismo importante.

Una magnífica película sobre el feudalismo, acompañada de una estupenda atmósfera sería El señor de la guerra (1965), del gran Franklin J. Schaffner, aunque sin los aspectos fantásticos o apocalípticos.

Iniciado por mad dog earle

. De todas maneras, yo no diría que al caballero Blok todo le da igual, más bien es que se siente desubicado, sin norte, que su vida se ha quedado sin sentido, sin tener respuestas a sus cada vez más acuciantes preguntas. En cambio, el escudero (cierto que esa pareja, cómo no, recuerda en ocasiones a Don Quijote y a Sancho Panza), que tampoco tiene respuestas, acepta vivir sin ellas, se rebela ante la falta de sentido de la vida, pero sin acudir a falsas promesas, a "paños calientes", que podría decir el bueno de Sancho. De ahí esa frase final, que me parece extraordinaria, de aceptar el silencio, pero sin renunciar a la protesta.
Y sobre Karin (a la cual ciertamente no ha conocido Jof), me recuerda la mujer del protagonista de Cuentos de la luna pálida, cuyo fantasma lo recibe al final de la película. Vale la pena recorda que es el personaje que lee los versículos del libro del Apocalipsis durante esa última cena (tan diferente a esa otra "cena" con los cómicos, la del reparto de la leche y las fresas).

Cierto, parece redimirse tras esa cena compartiendo la leche y las fresas,

Spoiler:

con el trueque que realizará para despistar que la Muerte les atrape, con lo que habrá vivido como menciona en dicha cena, algo con lo que llevarse el recuerdo tras la muerte.

Respecto a Karin

Spoiler:

es significativo que, pese a la edad que se supone tiene Block, esta aparezca con la misma edad con que la dejó tras irse a las cruzadas, lo que aviva el aspecto mizoguchiano del fantasma.

Vaya, MIK, parece que estamos conectados al mismo tiempo. Sobre el terror a la guerra nuclear, baste recordar que los niños de los 60 teníamos integrado en el vocabulario que utilizábamos para los juegos lo de la bomba atómica y la bomba H y los efectos devastadores de la radioactividad. Todo ese mundo de guerra fría era algo cotidiano. Por supuesto en los EEUU era algo mucho más paranoico. Baste recordar esos documentales, tipo Duck and Cover, en que se ve a los niños de la escuela recibiendo el consejo de ponerse debajo del pupitre en caso de explosión nuclear. ¡Para ponérsele a uno los pelos de punta!

Iniciado por MIK

Muy interesante lo que mencionas, Jane.

Lo cierto es que sí parece haber por parte del director una crítica hacia la sociedad de la época.

En mi opinión, la plaga apocalíptica puede tener su reflejo en la inminente amenaza nuclear (después de la atroz 2ª Guerra Mundial y la barbárie del nacismo) en la que varios cineastas de todo el mundo, como Resnais (Noche y niebla), Kubrick (El beso mortal, Teléfono rojo) o Stanley Kramer (La hora final), entre otros muchos, pusieron en pantalla la visión de un posible holocausto, reflejando/criticando las políticas que habrían llevado a la humanidad al borde del colapso.

De hecho, durante los años 50, proliferaron multitud de películas de todos los géneros (particularmente, la ciencia-ficción), con el holocausto como eje central, aunque también hubo superproducciones como Los diez mandamientos, donde las plagas tienen un protagonismo importante.

Una magnífica película sobre el feudalismo, acompañada de una estupenda atmósfera sería El señor de la guerra (1965), del gran Franklin J. Schaffner, aunque sin los aspectos fantásticos o apocalípticos.

Lo cierto es que la película ésa con Charlton Heston -hasta donde recuerdo, la vi hace mucho también - es muy bergmaniana, pero como si la hubieran hecho en Hollywood. Es decir, más acción, menos metafísica, y una acción más concreta. Y aún así tiene cosas muy llamativas para una película mainstream americana de la época: recuerdo que, salvo Heston, los actores no eran muy conocidos, y había una cantidad considerable de sexo y violencia para la época (en esto, me recordó un poco a otra película de ambientación medieval pero ya mucho más aventurera como era Los vikingos, de Richard Fleischer).

Lo de Don Quijote y Sancho lo digo porque me pareció, que, como ellos, estaban un poco perdidos en un mundo en decadencia. Y al igual que con el hidalgo manchego y su escudero, uno era el idealista intelectual y el otro, el sensualista pragmático, por así decirlo. El caballero era como más nihilista "no hay respuestas, no se puede hacer nada", había una desesperación más palpable. El escudero, aunque también tenía un poco esa actitud, como que no pensaba en ello, era más un "que nos quiten lo bailao", "vamos a comer y a beber ahora que mañana moriremos" (otra actitud también muy medieval, y concretamente, post peste negra, casi ya renacentista).

Ciertamente espeluznante...

En mi caso, recuerdo el terror que me invadió tras contemplar las imágenes del desastre en la central nuclear de Chernóbil (y la posterior ciudad fantasma).

Aquí están las capturas del otro título del doblete, El manantial de la doncella (pertenecen a los primeros minutos, de modo que no hay spoiler alguno).

Pues al poner el pasado viernes, el dvd de El manantial de la doncella para mostrar algunas capturas, no me pude resistir a ver más tarde la película, que ya comentaré más adelante.

En este caso, también hay diferencias en la calidad de imagen respecto a la edición de Manga Films (2003), aunque no excesivas.

Como se puede apreciar en las capturas de mi post anterior, aparece un recuadro en la imagen de la edición del sello La casa del cine (también presente en el dvd de Criterion, editado en 2005), así como un blanco y negro poco definido, falto de nitidez y contraste.

Al bajar el tono de color (hasta el mínimo) y ajustar el contraste y nitidez, la cosa mejora más de lo que se aprecia en las capturas, aunque muy lejos de lo que este título se merece.

Pues bien, he probado la susodicha edición del sello Manga Films de 2003 y me parece ligeramente superior, aunque con matices (se mantienen la poca nitidez y el exceso de brillo, así como el tono grisáceo, aunque la imagen ocupa toda la pantalla y parece tener mejor fluidez y más naturalidad (menos borrosa, como si se hubiera quitado un velo a la pantalla, por así decirlo) que la de LCDCPT.


El defecto viene en el último tramo, en el que en puntuales secuencias (en zonas oscuras) parece formarse polarización (los puntitos negros parecen cobrar vida), no presente en la edición del programa doble.

Los subtítulos, de diferente tipografía, parecen usar la misma traducción en ambos casos, no siendo la temida transcripcción de su doblaje. Pongo un ejemplo ilustrativo de las diferencias, primero la edición de La casa del cine, después la de Manga Films:





Curiosamente, y pese a tener esta edición de Manga Films el logo de Svenks Filmindustri al inicio (que no está presente en la otra edición), dura unos veinte segundos menos que la edición de LCDCPT.

Algunas capturas más:
















Y un par de ejemplos de lo que parece polarización, que aparece puntualmente en el último tercio:






Comentar que existe una edición posterior remasterizada (tanto en blu-ray como en dvd) editada por el sello Vértice, que viene en formato 1.33 pillarbox, con mejora anamórfica, que aunque no tengo, debe ser muy superior a esta (parece que el blu-ray viene en 1080i, aunque supera la calidad del dvd, queda algo por debajo de las extranjeras al no aprovechar la máxima resolución del formato).

Creo que de la película hay edición francesa y alemana en blu-ray. He encontrado esta comparativa entre el dvd de Criterion (2005) y el blu-ray alemán (¡que envidia! ).

Gracias por el esfuerzo, MIK. Pero, visto lo visto, me parece que me quedo de momento con las ediciones añejas de Manga a la espera que alguien (¿A contracorriente?) edite algún día copias decentes en BR. Los DVD de Manga, aunque no óptimos, sí son al menos visibles, y no están los tiempos para recomprar al tuntún.

Por cierto, si ya has visto El manantial de la doncella, puedes comentarla, aunque en este caso te avances cronológicamente, no importa. Yo la visionaré pronto (creo que es la que me toca ahora). De hecho, acabo de ver Fresas salvajes que será mi próximo comentario.

Gracias por el ofrecimiento mad dog earle, pero prefiero esperar a que llegue su turno (y tras leer con fruición tu análisis, faltaría más ), puesto que hay dos películas tras Fresas salvajes que las separan cronológicamente y no quisiera romper el ritmo.

Justo ahora que mencionas Fresas salvajes, esta forma parte (junto a En el umbral de la vida), de esos dvd del director que no logro encontrar, con lo que empiezo a temerme lo peor...

En fin, mientras recuperaré un par de títulos anteriores (Llueve sobre mi corazón y Sonrisas de una noche de verano), para ir poniéndome al día.

Iniciado por MIK

Gracias por el ofrecimiento mad dog earle, pero prefiero esperar a que llegue su turno (y tras leer con fruición tu análisis, faltaría más ), puesto que hay dos películas tras Fresas salvajes que las separan cronológicamente y no quisiera romper el ritmo.

Justo ahora que mencionas Fresas salvajes, esta forma parte (junto a En el umbral de la vida), de esos dvd del director que no logro encontrar, con lo que empiezo a temerme lo peor...

En fin, mientras recuperaré un par de títulos anteriores (Llueve sobre mi corazón y Sonrisas de una noche de verano), para ir poniéndome al día.

Ciertamente, ahora he revisado la lista y veo que antes me toca visionar En el umbral de la vida y El rostro. Como el periplo que planteé pasa por seguir escrupulosamente el año de realización, este será el orden de mis comentarios, pero eso no impide que quien quiera pueda intercalar los suyos, por supuesto. Mañana espero publicar el comentario de Fresas salvajes. Ya avanzo que el DVD de Manga que tengo, el de hace años, se ve bastante bien, aunque como pasaba con el de El séptimo sello, no llegue a ser óptimo. La película, no lo descubriré a nadie, es una maravilla, de lo mejor y más "imitado/homenajeado/referenciado" de Bergman.

Vista anoche Llueve sobre nuestro amor (1946).

Poco que añadir a los previos análisis de los compañeros.

Si bien Bergman ya expone aquí muchos de los temas que serán recurrentes en su flmografía posterior (personajes que tratan de escapar de un pasado algo turbio, que toparan con todo tipo de trabas por parte del estado, de la religión y de la propia sociedad), es la forma lo que choca más en relación a esta.

Y es que, como se ha mencionado, el relato adquiere por momentos el tono de fábula capriana (en forma de ¿ángel? en el personaje del hombre del paraguas, interpretado por Gösta Cederlund, voz de la conciencia y claro trasunto del director, como delata su gorra ).

Lo cierto es que, como mencionó mad dog earle, el guión evita menciones al estado social y económico del país tras la guerra, con lo cual, mediante ese tono de fábula, se suavizan aspectos que revelarían una sordidez que no habría sido del agrado de la indústria (pese a que la primera parte de la película deja clara la opinión del director al respecto).

Lo malo es que no siempre funciona, haciendo que su desarrollo no mantenga la fluidez desable (por contraste) en algún pasaje que otro, aunque siendo su segunda película (y más aún no partiendo de un guión propio, sino una adaptación) y ante la presión a la que estaba sometido tras las críticas a su primera película y a la del productor de esta segunda, Lorens Marmstedt (que bajó los humos al director, forzando su auto-crítica, que motivó la reescritura del guión y el volver a rodar numerosas escenas), no se le puede exigir el (altísimo) nivel de su filmografía posterior.

Destacable, como también habéis mencionado, la sensualidad latente en sus primeras escenas.



Así como la presencia de temas recurrentes en el cine del director (espejos, trenes, artistas, etc..). Curiosamente, aquí el director hace una ácida mención en cuanto al arte (o a su vulgarización), mediante el horrible matrimonio que regenta la floristería/jardinería, más concretamente en la hija que toca el piano (a la que apenas vislumbramos) .

Las imágenes finales (y su mensaje) me han evocado al Chaplin de Tiempos modernos (salvando las distancias).




Un par de apuntes: el propietario de la cabaña me pareció muy dickensiano y en ciertos apectos, la película (al menos en su tramo inicial) me recordó a películas del noir americano como (la posterior) They live by night (Los amantes de la noche) (1948), de Nicholas Ray.
Como curiosidad, antes de ver la película, leyendo su argumento tuve la impresión de que la cinta tendría semejanzas con L'atalante (1934), de Jean Vigo, aumentadas tras ver los gatos que conviven con el personaje del propietario, aunque obviamente, nada tenga que ver con el bonachón interpretado por Michel Simon.

Iniciado por MIK

Un par de apuntes: el propietario de la cabaña me pareció muy dickensiano y en ciertos apectos, la película (al menos en su tramo inicial) me recordó a películas del noir americano como (la posterior) They live by night (Los amantes de la noche) (1948), de Nicholas Ray.

Hay que reivindicar desde ya la cinta de Nicholas Ray.

Cierto, excelente film el de Ray, que bebe bastante del rodado años antes por Lang, You Only Live Once, aunque con un estilo visual notablemente diferente. Algo de ese espíritu hay en el film comentado por MIK de Bergman, aunque tal como ya apunté en su día, yo lo veo más próximo a Capra (y diría que Capra y Bergman no ligan demasiado bien). Y, sí, a mí también me parece que algo de chapliniano hay en la película, ese final de poner al mal tiempo buena cara, de sacar la dignidad a flote en las peores circunstancias.

La de Fritz Lang es otro peliculón . Pero dime tú una película de Fritz Lang que sea mala.

Mala, lo que se dice mala, ninguna. Como mucho tiene tres o cuatro films regularcillos o no del todo bien resueltos (en especial, me decepcionó Guerrilleros en Filipinas), algo irrelevante al lado de tal colección de obras maestras como hay en su filmografía. ¿Te animas a un "revisando a Lang", después de tu excelente miniclo dedicado a Lee?

Uf, lo haría, pero ando tan mal de tiempo ... Especialmente tengo ganas de volver a ver Las tres luces y La tumba india (versiones de Joe May -que estuvo a punto de dirigir Lang, ver a Conrad en una peli de Fritz no habría tenido precio, no sé por qué nunca trabajaron juntos- y del propio Lang).

Esa de los Guerrilleros no la he visto .

Yo la que no he visto nunca es esa versión de La tumba india de Joe May. De Lang, sin contar las perdidas (Halbblut y Der Herr der Liebe), la única que no he visto nunca es Harakiri, inspirada en "Madame Butterfly". Y ninguna la tengo catalogada como mala.

De hecho, a continuación de mi santísima trinidad (Bergman, Fellini, Hitchcock), Lang ocupa un lugar preferente.

Es un folletín delicioso . Conrad interpretando a un marajá un tanto cabroncete, sacerdotes con extraños poderes que conceden deseos sólo para demostrar la futilidad de la vida humana, mazmorras subterráneas con yoguis que se autoinflingen extrañas torturas, amantes secuestrados, leprosos que parecen zombies...

Sólo por ver a Conrad con estas pintas, es digna del visionado:



Sólo los actores del cine mudo podían estar tan ridículos y a la vez, tan magníficos. Me recuerda a la Alla Nazimova de Salomé:



En la versión de Fritz Lang sale la Debra Paget marcándose un bailecito sexy que pa qué :



Perdón por el off-topic .

Para reconducir el off-topic a Bergman, vale la pena recordar que el sueco tuvo su film languiano: El huevo de la serpiente, o al menos así lo consideran algunos comentaristas.

Vaya, me estáis poniendo los dientes largos mencionando a Fritz Lang.

Ya que citáis You only live once (cuyo dvd presenta una calidad de imagen realmente atroz, aunque parece que la edición del sello Regia es mejor), tengo no pocas películas pendientes del director por (re)visionar, entre ellas la mencionada Las tres luces.

Volviendo a Bergman, veo que Persona está descatalogada incluso en la segunda edición (2011) del sello Vértice (que incluía un documental), con lo que habrá que esperar una posible reedición (tuve algún problema con la edición de Filmax en su día y no recompré a tiempo).

Lo extraño (y peor), es que son casi mayoría los títulos de la filmografía del director que ya no están en catálogo (pese a que algunos sí permanecen editados en formato blu-ray), ya que pese a que alguno de los títulos de la primera etapa ha sido reeditado por otro sello, los más conocidos permanecen en el limbo (pese a que alguna que otra tienda disponga en catálogo de algunos de ellos).

Iniciado por MIK

Vaya, me estáis poniendo los dientes largos mencionando a Fritz Lang.

Ya que citáis You only live once (cuyo dvd presenta una calidad de imagen realmente atroz, aunque parece que la edición del sello Regia es mejor), tengo no pocas películas pendientes del director por (re)visionar, entre ellas la mencionada Las tres luces.

De You only live once tengo el BR con el sello de Layons: calidad sólo discreta.

Fresas salvajes, de 1957, es quizá uno de los films bergmanianos más “citados” explícita o implícitamente por otros autores, hasta llegar al extremo de Woody Allen en su Deconstructing Harry, en donde él mismo encarna a un escritor que viaja a su antigua universidad para recibir un homenaje. El retorno de un personaje a su pasado, como un espectador privilegiado, es algo que Bergman utiliza en este film varias veces, y que posteriormente se ha utilizado en multitud de películas (Allen, de nuevo. entre los que más han recurrido a ese recurso narrativo que rompe la unidad de espacio y tiempo, solapando en cierto modo dos tiempos en un mismo espacio).

El argumento es simple y bien conocido: un médico de 78 años, interpretado con gran convicción por el gran Victor Sjöström (que tenía precisamente esa edad en el momento del rodaje), Isak Borg, ha de viajar a la universidad de Lund donde ha de recibir el título de doctor jubilaris. Decide hacer el viaje en coche, en compañía de su nuera, Marianne (Ingrid Thulin), momentáneamente separada de su marido (Gunnar Björnstrand), él también médico. Ese viaje va a ocupar la totalidad del film, salvo un breve prólogo y un epílogo.

La película arranca con el tictac de un reloj, como si desde el primer segundo Bergman quisiera dejar claro que el tiempo va a ser el elemento central del film. Durante la noche previa a la partida, Isak tiene un sueño escalofriante, que ya comentamos hace unos días. Unas imágenes muy contrastadas (Gunnar Fischer otra vez detrás de la cámara), quemadas, recrean la calle de una ciudad desierta. En una pared hay un enorme reloj sin manecillas (lo que fácilmente nos hace recordar Rumble Fish, de Coppola).

Spoiler:

Oímos latidos acelerados, campanadas; vemos la presencia de un extraño hombre o muñeco que se desploma; y aparece un coche fúnebre portando un ataúd. Cuando una de sus ruedas se encalla en una farola (a mí esa rueda encallada me recuerda la manguera atascada de Blue Velvet),


el ataúd resbala y cae al suelo: en su interior hay un cadáver, pero cuando Isak se acerca, el muerto, que es él mismo, le coge de la mano. Isak se despierta. Parece como si esa pesadilla, una especie de sueño premonitorio o como mínimo admonitorio, le lleve a la decisión de viajar en coche en lugar de tomar el avión, ante el enfado de su asistenta.

El viaje va a tener diferentes etapas. En la primera, se detienen a visitar la casa de campo donde Isak y su numerosa familia pasaban los veranos. Cuando se sienta al lado de unas fresas silvestres (como si de la magdalena de Proust se tratara), retorna al tiempo perdido, para contemplar las maniobras de seducción de su hermano, Sigfrid, para con su prima Sara, su amor de juventud.


Bergman recrea en una larga secuencia una reunión familiar, alrededor de la mesa, cargada de humor (unas traviesas gemelas; un tío sordo, con trompetilla; los rubores y lloros de Sara cuando la señalan atribuyéndole amoríos con Sigfrid). Isak contempla la escena con una delicada expresión de ternura. Cuando finaliza la ensoñación, surge, como si de una encarnación de su deseo venido del pasado se tratara, una nueva Sara (Bibi Andersson, en los dos papeles), una joven y desenvuelta muchacha de camino a Italia a donde va acompañada de dos jóvenes estudiantes, Anders (la fe, quiere ser pastor) y Viktor (la ciencia, estudia medicina). Los tres se añaden a la expedición.

El siguiente jalón del camino lo marca un accidente de automóvil. Un coche vuelca y Isak acoge también al matrimonio que viajaba en él, una pareja constantemente a la greña (él se presenta como católico; ella, como actriz). Marianne, harta de soportar sus discusiones, los echará del coche. Esa es una de las caras del amor, parece decirnos Bergman, como ya nos ha dicho y nos seguirá diciendo en su obra.

Se detienen para comer, dando paso a uno de esos momentos de paz (casi como el reposo del caballero Blok con los cómicos en El séptimo sello) que, no obstante, deriva en una discusión entre los jóvenes sobre religión. Isak decide acercase a visitar a su madre, una venerable señora de 96 años, de fuerte carácter. Le muestra a Isak una serie de objetos, entre ellos un reloj de bolsillo sin manecillas (Bergman insiste en la misma imagen del sueño, un reloj que ya no puede marcar el tiempo).

De vuelta al coche, y bajo la lluvia, Isak se duerme y sueña. Ve a la prima Sara que le cuenta que se casará con Sigfrid (y lo hace manteniendo un espejo ante el rostro de Isak).



Sara le dice que él que sabe tanto, que es médico, que va a ser homenajeado, en realidad no sabe nada, no sabe comprender su dolor, quizá vive sin saber vivir. Y eso se va a ilustrar dentro del mismo sueño, cuando es conducido a una aula donde se le somete a examen (todo este segmento tiene un cierto aire kafkiano). Ha de leer un texto incomprensible para él, que dice que el primer deber de un médico es pedir perdón.


Y luego se le conmina a asistir a la relación adúltera que mantiene su mujer en el exterior de la casa (es el recuerdo de un momento que Isak vivió hace años, lo cual nos da información sobre lo poco feliz que fue su matrimonio, y que probablemente le ha amargado la vida).

Despierto de nuevo, mientras los muchachos recogen flores para ofrecérselas como regalo, Marianne le cuenta una conversación con su marido: ella está embarazada, pero él no quiere tener hijos (volvemos a uno de los temas repetitivos de Bergman; el próximo film será, por cierto, En el umbral de la vida). De ahí la separación actual de la pareja. Nuevamente vida y muerte como la alternativa decisiva ya en el mismo momento del origen de la vida: ¿es mejor dejar que la vida surja o es preferible atajarla, cortarla de raíz?

Finalmente, llegan a la universidad y asistimos a la ceremonia, con toda la pompa y circunstancias que marca el protocolo. Llegado el final del día, por la noche, en su habitación, los jóvenes le cantan una canción bajo la ventana. Luego, tiene una conversación con su hijo: este le confiesa que no puede vivir sin Marianne, entendemos, pues, que la vida surgirá. Isak evoca de nuevo el mundo de su juventud, y entre sueños ve a sus padres junto al mar (sus progenitores, como si Bergman quisiera enlazar esa imagen con la de la aceptación del hijo de Isak de ser padre). Dos primeros planos de Isak, uno en ese mundo recreado, onírico, y otro en la cama, con los ojos abiertos, en reposo, como reconciliado con su pasado, cierran el film, y quizá su vida.

La película está completamente dominada por la presencia de Sjöström, el viejo maestro (al que ya vimos en Hacia la felicidad, encarnando a un director de orquesta). Bergman reconoce en sus memorias que escribió la película pensando en el veterano cineasta, el cual se apoderó totalmente del personaje. Pero no hay duda que encarnar en alguien como Sjöström los dilemas que se plantean ante el paso del tiempo, el recuerdo de los paraísos perdidos o la necesidad de ajustar las cuentas con la propia vida cuando esta se acerca al final, con todo lo que representaba para Bergman y para el cine, fue un acierto excepcional, aunque al parecer no evitó dificultades durante el rodaje (algunas de las cuales parece que se vencieron gracias a la habilidad de Bibi, por la que Sjöström sintió una atracción perfectamente comprensible).

Del DVD visto, sólo decir que como pasa en algunas ediciones de Manga de hace años la copia es correcta, pero no óptima (nada que ver, no obstante, con los horrores de El silencio, por ejemplo). Hay reedición por parte de Vértigo (no sé si a partir del mismo máster) en DVD y también edición en BR, de las cuales no puedo decir nada.

Iniciado por mad dog earle

De You only live once tengo el BR con el sello de Layons: calidad sólo discreta.

Compré la edición en dvd del mismo sello (comparten idéntico diseño de carátula) al pensar (iluso de mí) que compartiría el mismo máster. Craso error, ya que posee una calidad de imagen penosa.
Como consuelo, su precio era inferior a 1€ y queda la posibilidad de adquirir la edición de Regia más adelante.