Tema: Carl Theodor Dreyer: revisando sus películas

Ya nos dirás las diferencias con la obra de Munk cuando la leas. Respecto al guion es importante saber si es el guion previo o la transcripción del guion tal como quedó filmado. Para completar el análisis, puedes incluir el visionado de la versión de Molander.

Acabo de acceder a la copia en HD, que es la misma que la editada por el BFI y que me permitirá hacer algunas bonitas capturas de pantalla, así como entender mejor la película porque lleva subtítulos en castellano y ayer me perdí parte del sentido de los mismos porque aunque me defiendo tampoco soy el más versado en la lengua de Shakespeare.

Y mañana recibiré en mi domicilio el libro con la obra de Munk y el guion de Dreyer y del que espero leerme al menos algunas páginas, si no todo al menos de la primera, antes de encarar el complicado comentario de esta maravillosa película que si no es la mejor sí está entre las tres... o las cuatro mejores, a falta de ver GERTRUD...

De hecho, ya adelanto que en mi lista de éxitos ya hay un triple empate en el primer puesto y soy incapaz de decantarme por un título o por otro.

Ya dije que en el caso de Dreyer necesitaba un Top-5. Para mí tiene cinco obras maestras que son muy difíciles de ordenar jerárquicamente, aunque ya hace años que tengo mi preferida.

Te avanzo que si te ha resultado denso seguir Ordet con subtítulos en inglés, el esfuerzo no es nada comparado con Gertrud. De hecho en algunos de los magníficos extras de la edición del BFI algunos actores o el director de fotografía reconocen que fueron muy perdidos durante el rodaje sobre cuál era la intención de Dreyer. Si no la has visto nunca, creo que necesitarás al menos dos visionados de Gertrud para empezar a cogerle el pulso. Esto lo hemos comentado largamente Alex y yo esta mañana en su visita a Barcelona.

Acabo de recibir ahora mismo el libro de Ediciones Sígueme que contiene la obra teatral de Kaj Munk y el guion cinematográfico de Carl Th. Dreyer. Una edición sencilla pero muy cuidada. Espero ponerme con su lectura esta misma noche (la tarde la tengo ocupada) para ir esbozando ya el comentario de la película.

Por cierto, la misma editorial también ha sacado el guion cinematográfico de JESÚS DE NAZARET, el gran proyecto que el cineasta danés jamás puedo llevar a la gran pantalla.

http://www.sigueme.es/libros/jesus-de-nazaret.html

A ver como me las arrreglo con todos los comentarios que tengo pendientes.

Mi plan sería el siguiente, si las cosas no se tuercen:

1. LA PALABRA

2. LA GRAN MENTIRA (1941), de Edmund Goulding > Bette Davis

3, LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES (1968), de George A. Romero > Las últimas películas...

... y continuación espiritual de la obra maestra de Dreyer...

Iniciado por Alcaudón

Por cierto, la misma editorial también ha sacado el guion cinematográfico de JESÚS DE NAZARET, el gran proyecto que el cineasta danés jamás puedo llevar a la gran pantalla.

En todo caso ese guion será una aproximación, porque Dreyer llevaba décadas pensando en un film sobre Jesús, con lo que es más que probable que introdujera cambios importantes en el momento de filmarlo. Con todo, es interesante saber cuál era la visión con la que enfocaba su "Jesús": ¿histórica, religiosa? Junto a la no realizada película de Jesús de Dreyer, otra que sería interesante saber cómo hubiera sido es el "Jesús" de Verhoeven, otro que lleva toda su vida interesado en hacer una película sobre el personaje. La diferencia es que el holandés, quién sabe, todavía podría llevar a cabo su proyecto.

Ayer me leí la (breve) pieza teatral de Munk y ya adelanto que a pesar de su calidad el guion de Dreyer es muy superior puesto que un personaje absolutamente esencial como es el de Inger apenas está esbozado en la primera y ni siquiera es ella la que dice la famosa frase final con la que la película finaliza.

La vida...

Por cierto, un pequeño apunte que, en cierto modo, es un off topic: para los interesados en la carrera de Sybille Schmitz, que tan buena impresión dejó en Vampyr, la he descubierto interpretando un pequeño papel (con final trágico) en un film mudo de G.W. Pabst: Tagebuch einer Verlorenen, protagonizado por Louise Brooks.

Cortometrajes:

Como primer extra en la revisión de la obra de Dreyer, comentaré brevemente sus cortometrajes. Como ya dijimos, en 1942 Dreyer recibió el encargo del Comité Cinematográfico Gubernamental para realizar un cortometraje sobre la ayuda estatal a las mujeres que van a dar a luz, pero tienen problemas económicos o sociales. Después dirigiría Vredens dag y a continuación se exiliaría en Suecia. A la vuelta a Dinamarca, Dreyer dirigió 7 cortometrajes más entre 1946 y 1954, previos al rodaje de Ordet. En total, pues, son 8 cortos, aunque participó como guionista en más cortos dirigidos por otros directores.

En la edición del BFI de varios film en BD de Dreyer se incluyen 7 de estos cortos, quedando fuera, por razones desconocidas, el corto de 1946 Vandet på landet. Les dedico unos breves comentarios (indico las duraciones de las copias en la edición del BFI).

01. Ayuda a las madres (Mødrehjælpen, 1942) (11’46”)



Es un cortometraje de propaganda institucional. Se nos informa del servició estatal que se ocupa de las madres embarazadas, casadas o solteras, que dudan sobre si tener a sus hijos o si donarlos en adopción. Se centra en una mujer que no tiene relación con el padre de la criatura y tiene miedo de perder el trabajo. Se nos enseña que el servicio público educa a las futuras madres y les ofrece una residencia donde las ayuda a tirar adelante la crianza del bebé durante los primeros meses. Quizá lo más curioso, visto hoy en día, sea que a esa mujer, Erna (madre ficticia o no), se le proporciona un trabajo en un taller donde recicla materiales para convertirlos en juguetes.

02. Agua de la tierra (Vandet paa landet, 1946) (copia de YT: 14’)



Como ya he dicho, este corto está ausente de la edición del BFI. Es curioso porque este, precisamente, lo vi hace años en la Filmoteca. Tiene, al igual que el anterior, un tono muy didáctico, aunque con notas de humor por medio de unas voces en off que van comentando el problema. El objetivo es educar a las comunidades rurales sobre las formas de evitar la contaminación de las aguas de los pozos. Hay una copia disponible en YouTube aunque solo con subtítulos en alemán generados automáticamente.

03. Iglesias rurales (Landsbykirken, 1947) (13’53”)



Se nos muestra la evolución de las iglesias rurales danesas a lo largo de 800 años: de las primeras iglesias de madera de roble a las románicas de piedra. Luego, la asunción del estilo gótico, más ligero, que introduce el uso del ladrillo, que permite que los templos crezcan con torres, campanarios y más aberturas al exterior, lo que implica más luz en el interior. Se comenta también la evolución interna de las iglesias, con la retirada de las ornamentaciones católicas a partir de la reforma protestante. Como conclusión comprobamos que las iglesias, tanto externamente como internamente, son el resultado de la acumulación de diversos elementos estilísticos a lo largo de diferentes épocas.

04. La lucha contra el cáncer (Kampen mod kræften, 1947) (11’06”)



Otro corto de propaganda institucional, en este caso de la asociación de lucha contra el cáncer que nos cuenta lo beneficioso de los diagnósticos precoces. La conclusión es que, al menor síntoma, hay que acudir al médico. Se presenten tres casos, con un tono clínico, sin concesiones sentimentales: una mujer con un cáncer de mama no quiere tratarse y muere poco después; un hombre con un tumor en el labio, que se trata a tiempo, se recupera, y también el caso de una mujer con cáncer de útero.

05. Alcanzaron el transborbador (De nåede færgen, 1948) (11’48”)



Para mí, el mejor de todos, el más cinemático. Aunque hay también un mensaje de fondo, el de los peligros del exceso de velocidad, no se verbaliza como tal, si acaso las imágenes se bastan por si solas. Una pareja que viaja en moto baja de un ferri y ha de llegar a tiempo para enlazar con otro ferri, para lo cual tiene unos tres cuartos de hora para hacer 70 km. La pareja (que van sin casco, algo impensable hoy en día) se lanza a una carrera desenfrenada. Avanzan todo tipo de vehículos o de ganado que circula por la carretera, cruzan temerariamente un paso a nivel, y cada vez aceleran más y más. Finalmente, se cruzan con un coche que tiene pintado algo así como un esqueleto (un detalle simbólico más que evidente). El conductor del vehículo, además, parece una encarnación de la muerte.



El intento de adelantarlo termina con la moto estrellándose contra un árbol. El ferri se va sin ellos y el corto acaba con una barca trasportando dos ataúdes, una imagen que no hubiera desentonado en Vampyr.



06. Thorvaldsen (1949) (10’02”)



Corto de carácter divulgativo sobre la obra del escultor danés Thorvaldsen, residente en Roma de 1797 a 1838, donde adquirió prestigió internacional con sus estatuas de estilo neoclásico, obras que transmiten serenidad y sensualidad. Thorvaldsen cultiva una temática heredera de la escultura grecolatina, aunque Dreyer opta por acabar el corto mostrándonos sus obras sobre Cristo.

07. El puente de Storstrom (Storstrømsbroen, 1950) (7’06”)



Construido entre 1933 y 1937, el puente de Storstrom, de 3,2 Km (se nos dice que en aquel entonces era el más largo de Europa, aunque hoy en día ha sido ampliamente superado, incluso en la misma Dinamarca) se nos muestra desde distintas perspectivas, sin recurrir a la voz, solo con música en la banda sonora.

08. Un castillo en un castillo (Et slot i et slot: Krogen og Kronborg, 1954) (8’53”)



Un poco como en el corto dedicado a las iglesias rurales, Dreyer analiza la estructura del castillo de Kronborg, fortaleza situada en un punto estratégico que le permitía controlar el tráfico marítimo y cobrar las tasas correspondientes. Unas reformas realizadas en los años 20 sacaron a la luz que dentro del castillo, como una segunda piel, se conservaba un castillo anterior, del siglo XV, el de Krogen. El corto nos cuenta que una parte de esa estructura primigenia se ha recuperado. Mediante el uso de maquetas, Dreyer desmenuza la estructura pasada y presente del castillo de una forma muy didáctica.

Con estos cortos completamos la revisión de la obra de Dreyer, aunque todavía añadiré un extra más: la filmación de un guion de Dreyer sobre la tragedia grieda “Medea”, de Eurípides, dirigida por otro danés universal: Lars von Trier.

Medea (1988), de Lars von Trier



Veinte años después de la muerte de Dreyer, el enfant terrible del cine danés (y por extensión europeo), Lars von Trier, asume el reto, que presenta como una interpretación personal y un homenaje al maestro, de filmar para la televisión uno de los guiones que Dreyer dejó escritos: la traslación a la pantalla de la tragedia de Eurípides. Era uno de los proyectos en que Dreyer trabajaba antes de su muerte (como en el film sobre Jesús, que llevaba décadas en preparación), proyecto del que incluso habló más de una vez en entrevistas.

Lo primero que hay que decir es que, independientemente de que Von Trier sea fiel o no al guion (algo que no puedo comprobar), y que el guion sea o no fiel a la obra clásica (lo es, probablemente, en su esencia, pero no en la letra), la película visualmente es difícil de imaginar que se parezca en nada a lo que hubiera hecho Dreyer. De entrada, es presumible que el film de Dreyer también hubiera sido en color, como el de Von Trier (de hecho, ya comentamos que le hubiera gustado filmar en color Gertrud), pero dudo que tuviera la textura de la película de 1988, época en la que el joven director danés jugaba constantemente con la transgresión de los estilos visuales convencionales (solo hace falta recordar el tono sulfuroso de la fotografía de El elemento del crimen, que comenté en el otro rincón,o, poco después, la mezcla de color y blanco y negro de la afamada Europa, sin olvidar la inolvidable serie televisiva Riget/The Kingdom, de la que, afortunadamente, podemos ahora, casi 20 años después, gozar de la tercera temporada, en una operación de recuperación de una serie que nos dejó colgados parecida a la de Twin Peaks).

No me voy a extender en el comentario del film de Von Trier, porque es probable que en fecha no muy lejana (en todo caso, para el 2024 o más allá), dediquemos un “revisando sus películas” al danés, uno de los directores más juguetones y provocadores del panorama cinematográfico de las últimas décadas (capaz de colar a la crítica aquel bluf del Dogma 95, que tanta tinta hizo correr, lo cual tiene mérito y por lo cual ya me resulta simpático).

La película nos cuenta la tragedia de Medea (Kirsten Olesen), a la que podemos considerar una bruja, una hechicera, lo que conecta el personaje con otros de la filmografía dreyeriana. Medea ayudó a Jasón (el siempre perturbador Udo Kier, solo hay que verlo en Riget) en el célebre episodio del vellocino de oro, y se casó con él. Ahora, en Corinto, Jasón acuerda con el rey, Creonte (Henning Jensen, otro de los actores de Riget), que abandonará a Medea (que ha tenido dos hijos con Jasón) y se casará con su hija, Glauce. No obstante, esta, en la noche de bodas, deja claro que compartirá el lecho solo cuando Medea sea expulsada de Corinto.

Medea obtiene de Creonte un día de margen antes de marchar, jornada que aprovecha para regalar una corona nupcial a Glauce. La corona, envenenada, provoca la muerte de la princesa, y también la del rey, ya que es un veneno que actúa por contacto. Medea huye con los dos hijos, a los que, en una secuencia de una crueldad extrema (se hace difícil mantener la vista en la pantalla), ahorca en un árbol reseco, a lo cual uno de ellos incluso colabora. Jasón los encontrará muertos, lo que provoca su desesperación.



Mientras tanto, Medea se aleja a bordo de una nave comandada por Egeo, rey de Atenas (Baard Owe, el pianista amante de Gertrud, él también actor presente en Riget).

La película es impresionante, aunque desconcierta el estilo visual, por su poca nitidez, su tono algo difuminado y su coloración cobriza.





Uno puede pensar que es un problema de la copia disponible, pero vistos otros films de la época me inclino a pensar que es una opción intencionada de Von Trier. Tiempo habrá quizá de dilucidarlo en el futuro. En todo caso, una coda más que digna a la obra de Dreyer, que nos deja todavía con más ganas de saber qué hubiera hecho el maestro con esta tragedia.

Eso sí, si alguien se anima con la historia de Medea, siempre se puede hacer un programa doble con la adaptación que filmó Pasolini, Medea, con nada más y nada menos que Maria Callas como protagonista.



Y con Medea cierro la revisión de la obra de uno de los más grandes directores de cine de la historia. Ya solo queda, cuando lo creáis oportuno, dar paso al cuestionario Fletcher y hacer el balance correspondiente.

Iniciado por Alcaudón

Acabo de acceder a la copia en HD, que es la misma que la editada por el BFI y que me permitirá hacer algunas bonitas capturas de pantalla, así como entender mejor la película porque lleva subtítulos en castellano y ayer me perdí parte del sentido de los mismos porque aunque me defiendo tampoco soy el más versado en la lengua de Shakespeare.

Y mañana recibiré en mi domicilio el libro con la obra de Munk y el guion de Dreyer y del que espero leerme al menos algunas páginas, si no todo al menos de la primera, antes de encarar el complicado comentario de esta maravillosa película que si no es la mejor sí está entre las tres... o las cuatro mejores, a falta de ver GERTRUD...

De hecho, ya adelanto que en mi lista de éxitos ya hay un triple empate en el primer puesto y soy incapaz de decantarme por un título o por otro.

Ordet es un juego de niños comparado con la complejidad de Gertrud.

Mañana espero ponerme por fin con el (demorado) comentario de LA PALABRA dado que - y por este orden - he visto la película, me leido la obra de teatro de Munk y he hecho lo propio con el guion de Dreyer.

Y para desengrasar el cerebro he facturado un par de reseñas para "el otro rincón" y para el dedicado a la pequeña/gran Bette Davis.

O sea, que no tengo tiempo de aburrirme...

... al menos por ahora...

Iniciado por Alex Fletcher

Ordet es un juego de niños comparado con la complejidad de Gertrud.

Dúdolo, querido amigo...

INGER: Yo creo que también hoy ocurren muchos pequeños milagros a nuestro alrededor sin que nos demos cuenta, y que nuestro Señor escucha las plegarias de la gente, pero a hurtadillas, casi, para no armar jaleos innecesarios. Si no, no podríamos rezarle como lo hacemos ahora, me parece a mí. Aquí también pueden ocurrir, abuelo, entonces y ahora.

…

MIKKEL: ¡Oh, Inger! Sí, la vida, la vida.

BORGEN: ¡La vida!

...

LA PALABRA (1932) Kaj Munk

...

...

INGER: ¿Sabes lo que creo yo? Que ocurren muchos pequeños milagros a nuestro alrededor sin que nos demos cuenta. Nuestro Señor escucha las plegarias de la gente, pero casi a hurtadillas, para no armar mucho revuelo.

…

MIKKEL: Ahora empieza la vida para nosotros.

INGER: Sí, la vida… la vida, la vida.

…

LA PALABRA (1955) Carl Theodor Dreyer

…

13. Ordet (1955, La palabra)

Director: Carl Theodor Dreyer.

Productor: Tage Nielsen.

Producción: Palladium, Copenhague.

Guion: Carl Theodor Dreyer, basado en la obra teatral homónima de Kaj Munk (Teatro Betty Nansen de Copenhague, 2 de septiembre de 1932).

Fotografía: Henning Bendtsen, en blanco y negro (1.37:1).

Dirección artística: Erik Aaes.

Música: Poul Schierbeck.

Montaje: Edith Schlüssel.

Reparto:

- Familia Borgen: Morten, el abuelo (Henrik Malberg); Mikkel, el hijo mayor (Emil Hass Christensen); Inger, su esposa (Birgitte Federspiel); Johannes, el hijo mediano (Preben Lerdoff Rye); Anders, el hijo pequeño (Cay Kristiansen); Maren, la hija mayor de Mikkel e Inger (Ann Elisabeth Groth Hansen).

- Familia Petersen: Peter el sastre (Ejner Federspiel); Kirstine, su esposa (Sylvia Eckhausen); Anne, su hija (Gerda Nielsen).

Rodaje: del 15 de julio al 13 de agosto de 1954, en la costa oeste de Jutlandia y en los estudios de Hellerup.

Duración: 2:05:31. (Copia en BD editada en Reino Unido por el BFI en 2015).

Estreno: 10 de enero de 1955, Copenhague.



…

13 de agosto de 1925 (muerte de Inger) > 15 de agosto de 1925 (resurrección de Inger)



…

Kaj Munk (1898-1944) escribió “Ordet” en tan sólo seis días durante el verano de 1925, aunque no se estrenaría hasta siete años después, en concreto el 2 de septiembre de 1932 en el Teatro Betty Nansen de la capital danesa.

Las lecturas consecutivas de la misma y del guion escrito por el propio director me han permitido hacer una comparativa entre ambas y he de decir que en mi modesta opinión el segundo es francamente superior a la primera, especialmente porque reduce considerablemente los diálogos de los personajes (relativamente) secundarios de la trama como son los del pastor o los del doctor o las farragosas diatribas entre los dos patriarcas y, sobre todo, porque enriquece muy notablemente el personaje de Inger (una excepcional Birgitte Federspiel), algo absolutamente crucial puesto que es el corazón de la familia Borgen y entorno a él giran los demás personajes.



Lo más impresionante de LA PALABRA no es el hecho de que se produzca un auténtico milagro digno del Hijo del hombre sino el que el mismo sea asumido con una absoluta naturalidad, algo, no obstante, que iría en perfecta consonancia con lo manifestado por Inger tanto en la obra de Munk como en el guion de Dreyer y que incluyo al principio de mi reseña.









LA PALABRA es una obra maestra porque nos hace creer lo increíble.

Y lo hace sin estridencias. Y sin necesidad siquiera de incluir una banda sonora que refuerce un acto tan abrumador como es una resurrección.

Por cierto, antes de seguir me gustaría indicar que la (escueta) música de la película, obra de Poul Schierbeck, no fue compuesta ex profeso para la misma puesto que su autor había fallecido en 1949 y pese a ello se ajusta como un guante a la espartana (pero absolutamente perfecta) puesta en escena del cineasta danés.

No deja de resultar curioso que Johannes (un igualmente espléndido Preben Lerdoff Rye) sea capaz de resucitar a su cuñada cuando recupera la cordura y siempre a instancias de la hija mayor de Mikkel (Emil Hass Christensen) e Inger, Maren (Ann Elisabeth Rud) y ello nos llega a preguntar si hubiese hecho lo propio cuando tenía perdida la razón.

De hecho, el milagro se produce porque implica a los tres únicos personajes que creen en ellos: Inger, Johannes y Maren.

En la (crucial) reelaboración que del texto original hace Dreyer es determinante por un lado que desconozcamos los motivos por los que Johannes se ha vuelto loco y cree ser el propio Jesucristo (y los posteriores por los que recupera la cordura) y por otro lado el que sea Inger y no Mikkel quien diga la frase con la que el director cierra la película y que incluyo igualmente al inicio de mi crónica.



LA PALABRA retoma conceptos o imágenes de cintas previas de su director.

De EL AMO DE LA CASA el reloj de pared que allí se para cuando la pareja se separa y aquí cuando Inger fallece. Y su puesta de nuevo en funcionamiento cuando se vuelve a la normalidad.

De LA NOVIA DE GLOMDAL los arreglos entre las familias para casar a sus hijos.

De LA PASIÓN DE JUANA DE ARCO la escena del parto que recuerda, aunque sea un poco cruel decirlo, a las torturas con las que se la amenaza a la protagonista si no se retracta de sus afirmaciones y al hecho de que Johannes, como Juana (por cierto, extraña similitud entre los nombres), sean “elegidos” de Dios.

De VAMPYR el hecho de que la locura de Johannes, al igual que la de Allan, se deba a la desmedida afición por la lectura, cual Quijote de la Mancha.

De DIES IRAE la no inclusión de ningún título de crédito, salvo el de la propia película y que el querido compañero mad dog earle parece haber olvidado…

Ah, y una última aclaración.

Mad dog earle afirma en su comentario que Mikkel se muestra completamente desconsolado, proclamando ante los intentos de consolarlo con las típicas palabras de la religión, que él amaba el cuerpo de Inger, no su espíritu.

Sin embargo, ello es incorrecto debido a una mala traducción de los subtítulos cómo fácilmente podemos comprobar si leemos ese pasaje en el guion de rodaje:

BORGEN: Vamos, Mikkel, su alma está con Dios. Ya no está aquí, tú mismo lo estás viendo.

MIKKEL: (Con un nuevo acceso de llanto) Pero su cuerpo sí, y yo también amaba su cuerpo.

O sea, que amaba a Inger tanto por su alma como por su cuerpo y no sólo este último, algo completamente lógico dado el carácter de su esposa.

Me gustaría extenderme mucho más en el comentario de esta Obra Maestra pero el visionado de la misma ya me queda un tanto lejano debido a mi afán por leer primero la obra de Munk y luego el guion de rodaje de Dreyer.

No deja de ser paradójico que en una película con semejante título la imagen tenga mucha más importancia que la palabra.



De ahí que aunque el guion de Dreyer, como antes decía, mejora sustancialmente el ya notable texto de Munk, es su puesta en imágenes lo que la convierte en una de las Cimas del Séptimo Arte.

Y siempre me quedará la duda de qué ocurrió después de que Johannes resucitara a Inger.

¿Se convertirá Borgensgaard en un nuevo Lourdes o una nueva Fátima?

¿Acaso Johannes será el propio Jesucristo reencarnado?

The answer, my friend, is blowin’ in the wind

The answer is blowin’ in the wind

Buenas noches y, buena suerte.



...

Lista de éxitos dreyeriana (a falta de ver ÉRASE UNA VEZ...):

01. LA PASIÓN DE JUANA DE ARCO (ex aequo)

01. DIES IRAE (ex aequo)

01. LA PALABRA (ex aequo)

04. VAMPYR

05. LA VIUDA DEL PASTOR

06. MICHAEL

07. EL AMO DE LA CASA

08. LOS ESTIGMATIZADOS

09. EL PRESIDENTE

10. PÁGINAS DEL LIBRO DE SATÁN

11. DOS PERSONAS

12. LA NOVIA DE GLOMDAL

Algunas puntualizaciones, por alusiones:

Iniciado por Alcaudón

De LA PASIÓN DE JUANA DE ARCO la escena del parto que recuerda, aunque sea un poco cruel decirlo, a las torturas con las que se la amenaza a la protagonista si no se retracta de sus afirmaciones y al hecho de que Johannes, como Juana (por cierto, extraña similitud entre los nombres), sean “elegidos” de Dios.

Similitud completamente casual, a no ser que me digas que en la obra de Munk el personaje no se llama Johannes (cosa que no creo, porque también se llama así en la película de Molander). Y que se llame Johannes tiene mucho sentido (creo que ya lo dije en otra ocasión), puesto que es el Evangelio de Juan el que empieza invocando la palabra (el "logos"):

Al principio existía la Palabra, y la Palabra estaba junto a Dios,
y la Palabra era Dios.
Al principio estaba junto a Dios.
Todas las cosas fueron hechas por medio de la Palabra
y sin ella no se hizo nada de todo lo que existe.

Iniciado por Alcaudón

De DIES IRAE la no inclusión de ningún título de crédito, salvo el de la propia película y que el querido compañero mad dog earle parece haber olvidado…

Supongo que te refieres a que dije, respecto al inicio de Ordet, que "es una de las pocas películas (de hecho, no recuerdo ningún otro caso), en que el film carece por completo de títulos de crédito, solo aparece el nombre del film y la referencia a Kaj Munk". Pues imagínate cómo estoy de memoria en estos momentos de mi vida, que sí hay, como mínimo, un caso, y es precisamente un film de Dreyer rodado pocos años antes (y comentado por mí dos semanas antes). Buscando una explicación al gazapo, pienso que el efecto que produce el inicio de Vregens Dag es muy diferente, con el largo texto del "Dies Irae" y la tenebrosa música del himno medieval, de manera que cuando aparece la mano firmando el documento acusatorio de la "bruja", uno ya se ha olvidado de que ahí deberían aparecer unos créditos. En cambio, en el caso de Ordet, el inicio no está mediado por un texto, sino que directamente entramos en materia, con la bellísima música de Schierbeck de fondo. De todos modos, es un error imperdonable y me aplicaré la penitencia correspondiente.

Iniciado por Alcaudón

Mad dog earle afirma en su comentario que Mikkel se muestra completamente desconsolado, proclamando ante los intentos de consolarlo con las típicas palabras de la religión, que él amaba el cuerpo de Inger, no su espíritu.

Sin embargo, ello es incorrecto debido a una mala traducción de los subtítulos cómo fácilmente podemos comprobar si leemos ese pasaje en el guion de rodaje:

BORGEN: Vamos, Mikkel, su alma está con Dios. Ya no está aquí, tú mismo lo estás viendo.

MIKKEL: (Con un nuevo acceso de llanto) Pero su cuerpo sí, y yo también amaba su cuerpo.

O sea, que amaba a Inger tanto por su alma como por su cuerpo y no sólo este último, algo completamente lógico dado el carácter de su esposa.

Aquí la cosa es más compleja. De entrada, lo que yo digo no es ni pretende ser una cita de lo que se dice en la película, sino una interpretación. Es cierto que en el film (al menos los subtítulos en inglés, confieso mi incapacidad para dilucidar este matiz en danés, lengua que no conozco), utiliza un "too" que correspondería a ese "también" (me refiero a la edición del BFI). Pero a mi entender Mikkel lo que quiere decir es "dejadme de zarandajas con el espíritu o el alma (tanto monta), yo lo que quiero, lo que he perdido, es su cuerpo". Y de ahí la voracidad con la que se reencuentran sus bocas, sus cuerpos, cuando Inger resucita.

En todo caso, no veo que los subtítulos estén mal traducidos, como mínimo a la luz de la cita que haces del guion. Por otra parte, cuando citas el guion, supongo que lo haces de una traducción, con lo que la posibilidad de una mala interpretación se mantendría, a no ser que lo cotejes con el texto en danés, cosa que no creo que se pueda hacer en la edición de "Sígueme". A veces damos más credibilidad al texto escrito que al subtitulado, y no tiene por qué ser más correcto, de la misma manera que no siempre va a coincidir el texto del guion publicado con lo que se dice efectivamente en el film.

Esta noche intentaré verme GERTRUD y enseguida ponerme con su comentario para dar de esta forma carpetazo a la revisión.

E intentaré hacer lo mismo con la de Lang con la cinta de Godard y quién sabe si más adelante con el segundo de los dípticos hindúes, aunque las copias de que dispongo carecen de subtitulaje en castellano.

Y, por supuesto, comentar los títulos de Bogie pendientes, aunque me temo que son bastantes, pero tacita a tacita...

Propósitos de Año Nuevo.

Vista esta noche y adelante que, aunque me ha gustado, no la considero como una de sus mejores películas.

A ver si mañana mismo me puedo poner con el comentario, aunque esta semana tengo asuntos legales que requieren de mi atención.

Es una lástima que, al contrario que en el caso de LA PALABRA, no parece que la pieza teatral de Hjalmar Söderberg se haya editado en castellano.

Recuerdo que los de LA PASIÓN DE JUANA DE ARCO y DIES IRAE lo fueron en su momento de la mano de Alianza Editorial.

De esta forma tenemos los libretos de las que yo considero sus tres mejores películas.

Si ya lo decían The Beatles…

All you need is love

All you need is love

All you need is love, love

Love is all you need

o más poéticamente…

Amor omnia (“El amor lo es todo”)

o

14. Gertrud (1964, ídem)

Director: Carl Theodor Dreyer.

Productor: Niels Jørgen Nielsen.

Producción: Palladium, Copenhague.

Guion: Carl Theodor Dreyer, basado en la obra teatral homónima de Hjalmar Söderberg (Dramaten, Estocolmo, 13 de febrero de 1907).

Fotografía: Henning Bendtsen, en blanco y negro y formato panorámico (1.66:1).

Dirección artística: Kai Rasch.

Música: Jørgen Jersild.

Montaje: Edith Schlüssel.

Reparto: Nina Pens Rode (Gertrud Kanning), Bendt Rothe (Gustav Kanning), Ebbe Rode (Gabriel Lidman), Baard Owe (Erland Jansson) y Axel Strøbye (Axel Nygren).

Rodaje: Shooting began around 1 May and stretched over the next three and a half months. The studio shooting was done at Nordisk Film in Valby and at Sagafilm in Charlottenlund, since Palladium’s own studios had been rented out to the Danish Broadcasting Corporation (DR) for a television shoot. The exteriors were shot in the gardens of Vallø Castle, except for the scene in front of the Swedish Opera in Stockholm, which was shot as an evening/night shot on an exterior set built at Sagafilm.

Duración: 1:56:21. (Copia en BD editada por el BFI en 2015).

Estreno: el 18 de diciembre de 1964 en París y 1 de enero de 1965 en Copenhague.



Una pequeña nota al margen antes de iniciar el breve comentario del último largometraje del cineasta danés.

Aunque no pondría la mano en el fuego juraría que Dreyer jamás firmó ninguno de ellos con su nombre completo sino con el abreviado de Carl Th. Dreyer, al menos si nos atenemos a los títulos de crédito originales que se conservan de los mismos.



Incluso en alguno de los mejores, como DIES IRAE o LA PALABRA, el director prescindió por completo de los mismos.

Es una lástima que no exista traducción al castellano de la obra teatral del escritor sueco Hjalmar Emil Fredrik Söderberg (1869-1941) como ocurría en el caso de LA PALABRA pues de esta forma no podemos saber el grado de fidelidad que mantiene la película con la misma.

- Aunque es bien conocido que todos los grandes directores de cine a uno y a otro lado del Atlántico intervinieron, siquiera de forma anónima, en los guiones de sus películas, en el caso de Dreyer el cineasta danés siempre apareció acreditado como libretista o colibretista, lo que nos da una idea del control que el mismo tenía sobre el producto final. -

Y digo que es una lástima porque al contrario que en el caso de LA PALABRA, su anterior largometraje, Dreyer no parece haber hecho una labor de síntesis de los parlamentos (porque lo cierto es que parecen más parlamentos que diálogos y que nadie se me ofenda) tal vez porque le parecieran demasiado hermosos para recortarlos (o modificarlos), lo que unido a una puesta en escena con un marcado tono “teatral” (denótese el entrecomillado) provoca, o al menos a mí así me lo parece, un conflicto entre el fondo y la forma.

No sé si es por el hecho de que yo me considere un romántico empedernido (aunque, me temo, que con escasa fortuna) pero lo cierto es que GERTRUD me ha parecido una cinta notablemente gélida teniendo en cuenta que el tema central de la misma es el AMOR (con MAYÚSCULAS).





Reconozco la elegante puesta en escena de Dreyer, que con el paso de los años se va haciendo más y más sencilla.

Y a pesar del uso creativo de los espejos, en los que vemos al personaje de Gertrud tal vez no cómo es en realidad sino como le gustaría ser (¿o puede que al revés?)…





... estamos lejos del empleo que de los mismos hacían genios de la talla del gran Douglas Sirk (1897-1987), del que, por cierto, la revista “Dirigido por…” prepara un completo dossier en dos partes para los números de febrero y marzo del presente año y cuyos melodramas más importantes ya fueron comentados por su seguro servidor en “el otro rincón” en plena pandemia.

Por cierto, puede pasar desapercibido el hecho de que la protagonista, al compás de la historia, va mudando su vestuario desde el gris, pasando por el blanco y hasta llegar al negro...







Y no deja de ser extraño que el cineasta optara por primera vez por el formato panorámico cuando es una de sus películas más “claustrofóbicas” (de nuevo denótese el uso del entrecomillado).



De hecho, Dreyer a veces, como al principio, desecha la posibilidad de mostrar a los dos protagonistas (Gertrud y Gustav) juntos y opta por el plano/contraplano seguramente para dejar clara la separación emocional y la falta de comunicación que existe entre los personajes.







Alabar el trabajo de todo el elenco actoral, especialmente una espléndida Nina Pens Rode (1929-1992), más elegante que bella.



Pero igualmente reconozco que la película tiene un ritmo demasiado pausado lo que hace que sus casi dos horas de metraje se me antojen a veces un tanto excesivas.

Mad dog earle menciona en su comentario la famosa escena de DOS CABALGAN JUNTOS (1961), de John Ford, entre James Stewart y Richard Widmark en la orilla del río.

No deja de ser curioso que el nombre del cineasta norteamericano acudiera a mi memoria en la escena final entre Gertrud y Axel (Axel Strøbye) pero en referencia a EL HOMBRE QUE MATÓ A LIBERTY VALANCE (1962), aunque ni yo mismo sabría decir el por qué...



Y aunque seguramente no sea más que una casualidad lo cierto es que el último largometraje de su director está estrechamente vinculado con el primero, EL PRESIDENTE (1919), pues en ambos el protagonista masculino espera ser nombrado para un alto cargo público.

Aunque bien es cierto que el comportamiento de ambos es diametralmente opuesto puesto que en el primero renuncia al mismo para salvar la vida de su hija mientras que en el segundo lo acepta y dicha aceptación será el principio del fin de su relación marital.

De todos los hombres con los que se ha relacionado sólo ha mantenido la inquebrantable amistad de su compañero de estudios Axel, seguramente porque ha sido el único que nunca le ha exigido nada a cambio.

Al menos Gertrud no correrá la misma suerte que Juana de Arco o Ana Pedersdotter y aunque muera en soledad, en un final ciertamente hermoso como indica a la perfección mad dog earle, lo hará siendo una mujer libre.



Buenas noches y, buena suerte.



…

Lista de éxitos dreyeriana (a falta de ver ÉRASE UNA VEZ...):

01. LA PASIÓN DE JUANA DE ARCO (ex aequo)

01. DIES IRAE (ex aequo)

01. LA PALABRA (ex aequo)

04. VAMPYR

05. LA VIUDA DEL PASTOR

06. MICHAEL

07. GERTRUD

08. EL AMO DE LA CASA

09. LOS ESTIGMATIZADOS

10. EL PRESIDENTE

11. PÁGINAS DEL LIBRO DE SATÁN

12. DOS PERSONAS

13. LA NOVIA DE GLOMDAL

Uys anda que no voy atrasada, la proxima que veré despues de fiestas Du skal ære din hustru
Mi Top 3 tendrá VAMPYR y VREDENS DAG segurísimo...pero hay que verlas todas

Pasito a pasito, como servidor en el rincón de una actriz de cuyo nombre no quiero acordarme...

Iniciado por Alcaudón

01. LA PASIÓN DE JUANA DE ARCO (ex aequo)

01. DIES IRAE (ex aequo)

01. LA PALABRA (ex aequo)

04. VAMPYR

05. LA VIUDA DEL PASTOR

06. MICHAEL

07. GERTRUD

08. EL AMO DE LA CASA

09. LOS ESTIGMATIZADOS

10. EL PRESIDENTE

11. PÁGINAS DEL LIBRO DE SATÁN

12. DOS PERSONAS

13. LA NOVIA DE GLOMDAL

Muy abajo veo que sitúas Gertrud. Luego me leeré atentamente tu comentario, pero ya veo que en esto discrepamos claramente.

Por otra parte, quizá podemos ya dar paso al cuestionario Fletcher, ¿no?

Es lo que iba a decir. Esta noche lo preparo.

Ya me he leído el comentario. Yo ya advertí, y Alex lo reconocía en su análisis, que Gertrud necesita de más de un visionado. En los extras de la edición del BFI algunos de los participantes (actores, director de fotografía) en el film confiesan que no tenían claro de qué iba la película. Dreyer, por su parte, fue depurando al máximo su estilo a lo largo del rodaje. En resumen, que hay que verla más de una vez.

Sobre el formato panorámico ya comenté (que no me leéis ) que ya Ordet, a pesar de rodarse con la intención de proyectarla en formato estándar, se hizo con la precaución de encuadrar de manera que se pudiera proyectar también en formato panorámico. Incluso Dreyer acabaría prefiriendo el panorámico en algunas de las proyecciones iniciales.

Entre el cambio de formato y el interés por introducir el color, hubiera sido interesantísimo ver alguno de sus proyectos no filmados (Medea o el film sobre Jesús) con esas características. ¿Hubiera recurrido al scope?

No es la primera vez que veía la película y de hecho tenía mejor recuerdo de ella.

Y, ojo, yo no he dicho que no me guste sino que Dreyer tiene películas (claramente) mejores.

Y sí, había leído tu comentario sobre los formatos pero la Europa de 1954 no era la Norteamdérica de 1954 y el número de pantallas panorámicas era notablemente inferior al de las tradicionales.

Y en cuanto al color ya en el cine mudo se usaban los tintados y/o virados de color, aunque en el caso de Dreyer sólo se han conservado en un par de largometrajes.