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Re: El callejón de las películas perdidas; o, Ese lugar donde poder comentar otro tipo de cine menos apreciado o conocid
¡Genial, Alcaudón!
Desde luego no hay información que tú no tengas.
Pues de momento ya veo que hay cuatro títulos en la edición de Capra que no están incluidos: 6, 8, 10 y 12; es decir, que no está toda la etapa de Columbia al completo. Pero bueno, igualmente la edición es fantástica y los masters (o másteres) son realmente buenos. Al menos los que yo he visto porque aún no he reproducido todos los discos. El master de “Alegría de vivir”, además, es nuevo y mejor que el que se editó aquí. De todas formas no creo que tarden en llegar aquí estos títulos de manera individual en BD.
Esta es la edición en cuestión por si a alguien le interesa.
https://thedigitalbits.com/images/co...bia4k_open.jpg
https://www.youtube.com/watch?v=hETzSXfKFPs[/QUOTE]
Cita:
Iniciado por
Alcaudón
Pues veo que a lo mejor me he adelantado pensando que ya habíais visto y hablado por aquí de la etapa Sternberg-Dietrich en Paramount. Si no lo habéis hecho os lo recomiendo, al margen del paralelismo que comentaba con Capra.
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Re: El callejón de las películas perdidas; o, Ese lugar donde poder comentar otro tipo de cine menos apreciado o conocid
Como mínimo la 6 está en Movistar (es una de las que he comentado). La 8, según Alcaudón, está perdida. 10 y 12 miró después si están en Movistar.
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Re: El callejón de las películas perdidas; o, Ese lugar donde poder comentar otro tipo de cine menos apreciado o conocid
Comprobado: al menos de momento, 10 y 12 no están en Movistar.
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Re: El callejón de las películas perdidas; o, Ese lugar donde poder comentar otro tipo de cine menos apreciado o conocid
Por cierto, la revista Dirigido por... incluyó en su número de septiembre de 2020 (509) un completo estudio dedicado a Josef von Sternberg. Y este mismo año un igualmente excelente dossier en dos números (549 y 550) a Frank Capra.
Centrándonos en este último y en lo referente al título patrio de sus películas no hay unanimidad en las fuentes consultadas a la hora de saber si fueron o no estrenadas en salas comerciales (en su momento o en tiempos recientes).
Por ejemplo y a pesar de lo que indican en el mencionado dossier cuando listan la filmografía de su director (550, p. 66-67) y que yo he usado por simple comodidad hay un par de títulos que yo pongo en cuarentena.
Me refiero a THE MIRACLE WOMAN (17) y a STATE OF THE UNION (32).
Que yo sepa ninguno de los dos ha sido exhibido en nuestro país, aunque el segundo fue emitido por TVE el 16 de septiembre de 1967.
Y por lo que se refiere al título en castellano de la cinta más famosa de Capra, IT'S A WONDERFUL LIFE (31) y que se estrenó en España, en concreto en Madrid, el 27 de marzo de 1948, el mismo carece de interjecciones (al igual, por cierto, que en su país de origen :cafe ), como se puede comprobar si echamos un vistazo al póster original...
https://e52ee7df92.clvaw-cdnwnd.com/...?ph=e52ee7df92
Por cierto, la distribuidora no era la Filmófono creada por Luis Buñuel en 1935.
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Re: El callejón de las películas perdidas; o, Ese lugar donde poder comentar otro tipo de cine menos apreciado o conocid
Amigo DrxStrangelove, ese pedazo de edición de la obra (incompleta) de Frank (R) Capra tiene una pinta estupenda.
:agradable
Por cierto, los (estupendos) documentales de la serie POR QUÉ COMBATIMOS (1942-1945) se pueden ver en la plataforma Netflix.
En su momento (a finales de los 80/principios de los 90) fueron emitidos por RTVE en V.O.S.E. y yo los grabé en VHS, aunque me temo que todo ese material acabó en la basura con la llegada del DVD.
:rubor
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Re: El callejón de las películas perdidas; o, Ese lugar donde poder comentar otro tipo de cine menos apreciado o conocid
A mi me suena mucho que esos documentales propagandisticos los compré en DVD en El Corte Ingles...
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Re: El callejón de las películas perdidas; o, Ese lugar donde poder comentar otro tipo de cine menos apreciado o conocid
Cita:
Iniciado por
repopo
A mi me suena mucho que esos documentales propagandisticos los compré en DVD en El Corte Ingles...
Sí, hubo edición en DVD de Filmax. La calidad de imagen es mejorable.
https://m.media-amazon.com/images/I/...1000_QL80_.jpg
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Re: El callejón de las películas perdidas; o, Ese lugar donde poder comentar otro tipo de cine menos apreciado o conocid
Esa es. Además hubo otra entrega, "El ataque de los nazis" (The Nazis Strike). Recuerdo comprarlas juntas.
https://es.static.webuy.com/product_...18404270_l.jpg
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Re: El callejón de las películas perdidas; o, Ese lugar donde poder comentar otro tipo de cine menos apreciado o conocid
De hecho fueron ocho entregas. La colección iba más allá de los documentales de Capra. En el capítulo 7 se incluía December 7th, de John Ford.
https://cloud10.todocoleccion.online...g_918C1AE3.jpg
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Re: El callejón de las películas perdidas; o, Ese lugar donde poder comentar otro tipo de cine menos apreciado o conocid
PROGRAMA DOBLE: CUENTOS DE HADAS PARA ADULTOS:
THE VVITCH: A NEW-ENGLAND FOLKTALE (2015, LA BRUJA)
https://i.pinimg.com/736x/bd/3b/99/b...3cab77a71a.jpg
Coproducción entre Canadá, EUA y Reino Unido.
Copyright 2015 by Witch Movie, LLC.
Estreno mundial en el Festival de Cine de Sundance el 23 de enero de 2015.
Estrenada en el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya el 9 de octubre de 2015.
Estrenada en los EUA el 19 de febrero de 2016 y en España el 13 de mayo de dicho año.
- Película vista la noche del 7 de diciembre de 2024 -
Escrita y dirigida por Robert Eggers.
Fotografiada por Jarin Blaschke, en color y formato panorámico (1.66:1).
Musicalizada por Mark Korven.
Protagonizada por Anya Taylor-Joy (Thomasin), Ralph Ineson (William), Kate Dickie (Katherine), Harvey Scrimshaw (Caleb), Ellie Grainger (Mercy), Lucas Dawson (Jonas) + Bathsheba Garnett (La Bruja) y Sarah Stephens (La Bruja, joven)
https://i.pinimg.com/736x/58/bc/47/5...7d72632353.jpg
…
Familia:
Padres > William y Katherine
Hijos > Thomasin, Caleb, Mercy, Jonas y Samuel
…
y
GRETEL & HANSEL (2020, GRETEL & HANSEL [UN OSCURO CUENTO DE HADAS])
https://i.pinimg.com/736x/bb/61/f6/b...0f5cbd53f9.jpg
Coproducción entre Canadá, los EUA e Irlanda.
Copyright 2020 by Orion Releasing, LLC and BRON Creative MG1, LLC.
Estrenada en los EUA el 31 de enero de 2020 y en España el 22 de julio de dicho año.
- Película vista la noche del 11 de diciembre de 2024 -
Dirigida por Osgood Perkins.
Escrita por Rob Hayes a partir del cuento “Hänsel y Gretel” (1812), de los Hermanos Grimm.
Fotografiada por Galo Olivares, en color y en varios formatos (desde 1.55:1 a 2.65:1).
Musicalizada por Robin
Protagonizada por Sophia Lillis (Gretel) y Samuel Leakey (Hansel) + Caperucita Rosa (Giulia Doherty), Alice Krige (La Bruja) y Jessica De Gouw (La Bruja, joven).
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…
Posibles padres de Gretel (y Hansel) > El herrero del pueblo y su mujer (¿una bruja?)
Posibles padres de Caperucita Rosa > El herrero del pueblo y su mujer (luego convertida en La Bruja)
…
Los norteamericanos Robert Eggers (1983) y Osgood Perkins (1974) no solo me parecen dos de los directores de cine fantástico terrorífico más interesantes del panorama actual sino que las dos películas objeto del presente programa doble pueden considerarse igualmente como ejemplos preclaros del mejor cine de género de lo que va de siglo XXI.
Dos obras aparentemente disímiles en cuanto a forma y contenido pero que en el fondo no lo son tanto.
En ambas aunque el protagonismo recae en sus jóvenes heroínas (en la primera Thomasin [el debut en la gran pantalla de la últimamente muy solicitada Anya Taylor-Joy (1996)], en la segunda Gretel [Sophia Lillis (2002)]) son sus (en principio) antagonistas, las brujas, las que en la sombra (algo lógico, dada su naturaleza) manejan no solo los hilos de sus destinos sino también los de sus (desestructuradas) familias.
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Enlazando con esto último ambas narran la conversión voluntario y/o voluntaria (en la segunda no está del todo claro dado su ambiguo final) de sus protagonistas (ambas en la encrucijada de convertirse en mujeres) en las villanas por antonomasia de los cuentos de hadas clásicos.
Y si en LA BRUJA la idea (finalmente no realizada) de enviar de vuelta a Thomasin al asentamiento colonial del que toda la familia fue expulsada por la herejía de su pater familias, William (un excelente, como todo el elenco de la película, Ralph Ineson [1969]) parte de su madre, Katherine (Kate Dickie [1971]), celosa del excesivo apego de su esposo hacia ella,…
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... también en GRETEL & HANSEL será la (enajenada) madre (que no la madrastra, como en el cuento de los Hermanos Grimm) la que eche a ambos de su hogar con cajas destempladas antes de que la locura se adueñe por completo de ella y cumpla (¿a su pesar?) con su amenaza…
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No hay que olvidar además la situación de pobreza a la que se ven avocadas ambas familias debido a su precaria situación económica por mor de ese Mal que ya ha empezado a asentarse dentro y fuera de ellas. -
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También Thomasin y Gretel comparten el don de la clarividencia - más desarrollado en el caso de esta última - y ambas tienen sueños/visiones de (todo) lo (malo) que les deparará (aparentemente) el destino.
- A raíz de estas últimas reflexiones me vienen a la cabeza los títulos de dos (excelentes) cuentos de H. P. Lovecraft (1890-1937): “La maldición que cayó sobre Sarnath” y “Los sueños en la casa de la bruja”. -
En ambas películas La Bruja se nos muestra, cual Jekyll/Hyde, en su versión joven y hermosa (y tentadora)...
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- Esa mirada de irrefrenable deseo pero también angustiada de Caleb por ir en contra de las profundas creencias religiosas que le han inculcado sus padres no es más que un reflejo distorsionado de una escena anterior cuando de forma involuntaria atisba a ver fugazmente el escote de su querida hermana mayor mientras esta duerme. -
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… y vieja y fea (y repulsiva)…
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Eso sí, en LA BRUJA igual (anti)protagonismo tiene La Bruja (valga la redundancia) que el Demonio, encarnado en este caso en el cabrón (en sentido literal) “Black Phillip” (con la persuasiva voz de Daniel Malik) quien mantiene continuas conversaciones con los gemelos Mercy (Ellie Grainger) y Jonas (Lucas Dawson), una pareja de zipizapes capaces de ponernos los pelos como escarpias.
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Y pese a los requerimientos de Thomasin, una vez ha sido encerrada junto a sus hermanos, el animal no parece mostrar el menor interés por establecer igual comunicación con ella seguramente porque todavía no es el momento...
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Solo cuando Black Phillip se escape de su encierro y acabe con la vida de su padre y Thomasin, a su vez, mate a su enajenada madre en defensa propia cuando la ataca violentamente culpándola de todos los males que han ocurrido en la familia desde la desaparición de su hijo pequeño…
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… se dignará a hablar con ella transformándose en un elegante caballero vestido de negro (algo lógico, dado su nombre y su verdadera naturaleza.
El Demonio le ofrece lo que ella más desea. O sea, la oportunidad de vivir su vida a su modo y manera sin las estrictas restricciones y prohibiciones que le impone la puritana sociedad de la época y más todavía habiendo nacido mujer.
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Al parecer solo las Brujas viven una vida plena libres de la tiranía de los hombres quienes, después de todo, son los que hacen (y hacen cumplir) las leyes.
Despojada de sus vestiduras (como antes se ha desprendido de sus ataduras morales y religiosas) se unirá a sus hermanas en el akelarre y aparentemente conseguirá por fin ser libre.
Y digo aparentemente porque después de todo ha sido la acción del Mal el que ha convertido a la dulce y encantadora Thomasin en algo que, en el fondo, no puede estar más lejos de su verdadera personalidad.
Después de todo, ¿acaso las Brujas no son las siervas del Demonio?
En cambio, en el caso de GRETEL & HANSEL el director cierra su obra con un final más abierto puesto que aunque parezca que Gretel vaya a ocupar el lugar de la Bruja a la que ha dado muerte al intentar esta acabar con la vida de su hermano para de esta forma usar sus despojos (como ha hecho antes con los de otros muchos niños) para poder seguir siendo (siquiera temporalmente) joven no se deja llevar por sus nuevos poderes sino que parece que es capaz de someterlos a su dictamen.
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Y, como decía, a pesar de que sus manos se vuelvan igual de negras que las de la Bruja creo que Gretel, al contrario que Thomasin, sí podrá elegir su destino sin la influencia directa del Señor de las Moscas.
O al menos esa es la conclusión a la que yo he llegado tras ver esta hermosa cinta.
Y si en LA BRUJA Eggers nos ofrece una de las escenas más perturbadoras del cine de terror moderno como es la desaparición (a manos de la Bruja, como más tarde sabremos) de su hermano pequeño mientras están jugando…
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… Perkins nos ofrecerá a modo de prólogo una historia (o sea, un cuento dentro de un cuento, como las matrioshkas) en el que se nos narra, usando un formato tan ancho como es el 2.65:1 (a medio camino entre el Cinerama y el Ultra Panavision 70) la (terrible) historia de “una hermosa niña con una bonita caperuza rosa” y que bien podría ser un homenaje al Hitchock de PÁNICO EN LA ESCENA (un flashback falso) o al Kurosawa de RASHOMON (un relato cuya veracidad queda en entredicho dependiendo de quién lo cuente), ambas curiosamente del mismo año, 1950.
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A partir de ahí el director opta por el igualmente atípico 1.55:1 lo que le permite composiciones extraordinariamente hermosas y a las que el muy cuidado cromatismo les confiere una textura que se ajusta como un guante a este, como decía el gran Terence Fisher, “cuento de hadas para adultos” que es la película al igual que LA BRUJA.
Y si en esta última Eggers prefiere el uso de iluminación naturalista y los colores desvaídos, suaves y terrosos (y que solo en una edición en 4K se aprecian en todo su gozoso esplendor, aunque me temo que las capturas no captan ni de lejos su hermosura)...
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… por el contrario Perkins hace gala de una paleta cromática apabullante y de los encuadres geométricos (pero en muchos casos asimétricos) a los que además ayuda (y de qué manera) el formato elegido potenciando la verticalidad de los mismos como si rodase en panorámico no horizontal sino vertical…
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En resumen, dos excelentes propuestas de un género como es el fantástico que está viviendo una de las etapas más fértiles de su historia.
Pero como siempre digo, vosotros mismos.
Buenas días y, buena suerte.
:digno
…
Adenda:
Filmografía (como director) de Robert Eggers:
Largometrajes:
2015, The VVitch: A New-England Folktale / La bruja
2019, The Lighthouse / El faro
2022, The Northman / El hombre del norte
2024, Nosferatu / ídem > Estreno el 25 de diciembre del presente año
…
Filmografía (como director) de Osgood Perkins:
Largometrajes:
2015, February / La enviada del mal
2016, I Am the Pretty Thing That Lives in the House / Soy la bonita criatura que vive en esta casa
2020, Gretel & Hansel / Gretel & Hansel (Un oscuro cuento de hadas)
2024, Longlegs / ídem
…
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Re: El callejón de las películas perdidas; o, Ese lugar donde poder comentar otro tipo de cine menos apreciado o conocid
Cita:
Iniciado por
Alcaudón
En resumen, dos excelentes propuestas de un género como es el fantástico que está viviendo una de las etapas más fértiles de su historia.
:cafe
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Re: El callejón de las películas perdidas; o, Ese lugar donde poder comentar otro tipo de cine menos apreciado o conocid
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Re: El callejón de las películas perdidas; o, Ese lugar donde poder comentar otro tipo de cine menos apreciado o conocid
Desde luego la influencia de Dreyer en Eggers es innegable, parece que estemos al final de “Ordet” (aunque argumentalmente sea más próxima a “Dies irae”) :
Cita:
Iniciado por
Alcaudón
De todas formas, “El Faro”, cuya influencia me remite más a “Vampyr”, me gusta más.
Buena reseña, Alcaudón, las dos películas son muy buenas, aunque para mi “La Bruja” y la dirección de Eggers me parecen superior.
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Re: El callejón de las películas perdidas; o, Ese lugar donde poder comentar otro tipo de cine menos apreciado o conocid
Las dos son magníficas, quizás sobresaliente la primera y notable (alto) la segunda.
A pesar de lo que piensa mad dog earle... :cortina
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Re: El callejón de las películas perdidas; o, Ese lugar donde poder comentar otro tipo de cine menos apreciado o conocid
Cita:
Iniciado por
Alcaudón
A pesar de lo que piensa mad dog earle... :cortina
No tengo nada contra la película de Eggers, aunque no la considero tan excelsa. La de Perkins ya dije en algún lugar de este foro que me parece brillante visualmente, pero floja en el resto. El hijo de Anthony se destaca por su potencia visual, pero ha de afinar todavía otros aspectos de su cine como para que me interese.
Mi crítica (o si prefieres mi "pulla") se dirige más bien a esa apología del cine fantástico actual que sueles repetir aquí y allá con asiduidad, y que no comparto (Flanagan mediante :cortina).
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Re: El callejón de las películas perdidas; o, Ese lugar donde poder comentar otro tipo de cine menos apreciado o conocid
Es que soy mi vehemente tanto en mis filias como en mis fobias, especialmente en el primer caso.
:cortina
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Re: El callejón de las películas perdidas; o, Ese lugar donde poder comentar otro tipo de cine menos apreciado o conocid
FRANK CAPRA (2)
Como, felizmente, Movistar sigue aumentando el número de films de Capra disponibles en su catálogo, también por mi parte modifico mi objetivo inicial, ampliando el universo de películas caprianas a comentar, siempre anteriores, eso sí, a It Happened One Night (sus títulos “mayores” los dejo para otro momento u otro forero más osado).
Cómo se corta el jamón (That Certain Thing, 1928)
https://a.ltrbxd.com/resized/film-po...g?v=c9f99fc0c4
That Certain Thing es la primera película de Capra con la Columbia. Se trata de una comedia romántica, sencilla pero resultona, gracias sobre todo a la labor de Viola Dana como protagonista. Su partenaire es, una vez más en el cine de Capra de estos años, Ralph Graves, actor con aspecto de galán sonriente, pero que me parece sumamente soso tanto en la comedia como en el drama.
El argumento se resume en pocas palabras: Molly quiere ascender socialmente, dejar su trabajo como cigarrera en un hotel y abandonar el miserable piso donde convive con su madre viuda y dos hermanos pequeños. Busca un millonario, aunque no sea propiamente una cazafortunas, carece del cinismo y la amoralidad necesaria. De forma casual choca (en sentido literal) con Andy, hijo de un rico empresario propietario de una cadena de restaurantes. Como es un inútil irresponsable y algo vivalavirgen, su padre lo amenaza y, finalmente, cuando se entera del matrimonio exprés con Molly, le deniega toda ayuda.
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Con ingenio, Molly y Andy conseguirán ganarse su aprecio poniendo en marcha un negocio de comida para trabajadores que venden en cajas, todo un éxito que pone en peligro los restaurantes paternos. Como tantas veces en el cine de Capra, encontramos de fondo una crítica al capitalismo salvaje e inhumano, aunque su receta para combatirlo sea un tanto ingenua y, en última instancia, basada también en las reglas del negocio capitalista. Moderadamente divertida, su brevedad (menos de una hora en la versión disponible en Movistar) es de agradecer.
Por cierto, por una vez el título español es más atractivo que el original. Frente a ese insulso y ambiguo “that certain thing”, lo de “cómo se corta el jamón” da una pista del éxito del negocio de Molly: en sus sándwiches el corte del jamón es más grueso que en los restaurantes del padre de Andy, lo cual es la base de su aceptación por los siempre famélicos obreros que los consumen. Mientras que el padre exige que se corte “thin”, ellos lo ofrecen “thick”.
Dirigible (Dirigible, 1931)
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Dirigible parece una variación sonora del argumento de Submarine, también moviéndose entre el drama romántico y el film de catástrofes, aquí más circunscrito al terreno de la aventura. De nuevo Jack Holt y Ralph Graves son dos amigos y rivales. El primero, Jack, pilota un enorme dirigible o, como también se les llamaba entonces, zepelín. El segundo, Frisky, es un as de la aviación de riesgo. Y, como en Submarine, hay una dama en medio: Helen (interpretada por la “screen queen”: Fay Wray). Helen es la esposa de Frisky y está harta de quedarse en casa esperando la vuelta de su marido… si es que vuelve de sus alocadas aventuras aéreas. Jack, en silencio, está enamorado de Helen, con lo que ya tenemos el triángulo.
https://a.ltrbxd.com/resized/sm/uplo...g?v=8e00b6aa41
Jack convence a la Marina para organizar un viaje a la Antártida con el famoso expedicionario Louis Rondelle (Hobart Bosworth) a bordo del dirigible. Pero la travesía se ve truncada cuando el zepelín sufre un accidente sobre el océano. Frisky toma el relevo de Jack y vuela hasta el continente helado con Rondelle, pero la expedición tendrá un desenlace trágico.
Jack, como en Submarine, volará con su dirigible al rescate de su amigo y rival. Mientras, Rondelle y otro miembro de la expedición mueren y Frisky queda cegado. Una vez rescatado, la ceguera le impedirá leer la carta que su mujer le entregó en el momento de la partida para que la leyera al llegar al Polo Sur. Jack inventa su contenido, que originalmente consistía en la ruptura matrimonial de Helen, sustituyéndolo por un mensaje de ánimo y confianza en el éxito de la aventura. Así, el amigo se sacrifica por partida doble, no solo arriesgando su vida en el rescate de Frisky, sino indirectamente renunciado al amor de Helen, a quien devuelve su marido sano y salvo.
La película destaca sobre todo en los aspectos más aventureros: el frío, el hambre, la muerte ante las adversas condiciones antárticas. Se resiente, en mi opinión, como sucedía en Submarine, de la grisura de sus protagonistas: tanto Jack Holt como Robert Graves me parecen actores poco atractivos.
La mujer milagro (The Miracle Woman, 1931)
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Con guion de Jo Swerling, basado en la obra teatral “Bless You Sister”, de John Meehan y Robert Riskin (autor capital en la obra de Capra), con The Miracle Woman empezamos a ver un tipo de película más reconocible dentro de la obra del director.
Aquí nos cuenta la historia de Florence Fallon (la siempre convincente Barbara Stanwyck). La película se inicia con un incendiario sermón de Florence, hija de un pastor que acaba de fallecer, que tiene como consecuencia la salida en estampida de los feligreses (momento que me recordó el inicio de The Night of the Iguana), a los que acusa de hipócritas.
Un avispado espectador de la diatriba, Bob Hornsby (Sam Hardy), le propone un negocio: convertirla en una falsa predicadora (lo que nos remite a films como Elmer Gantry). Por corte, la película avanza un tiempo indeterminado: ahora Florence es ya esa “mujer milagro” del título, dedicada a vender supuestos prodigios, para lo que se rodea de unos inválidos tan falsos como ella. Pero un auténtico ciego, John (David Manners) tiene fe en sus palabras, de hecho renuncia a suicidarse cuando la escucha por la radio. Incluso la confianza en Florence le lleva a aceptar entrar en una jaula llena de leones junto a la predicadora.
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Poco a poco, Florence y John consolidan una amistad que desemboca en el amor, atracción en la que juega un papel un tanto extraño (y en mi opinión un tanto gratuito) el muñeco de ventrílocuo del ciego.
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Todo ello se desarrolla ante la desconfiada mirada de Bob, que no solo teme por el negocio, sino que también experimenta los celos, puesto que en el fondo se siente atraído por Florence.
Nuevo triángulo amoroso que tiene un accidentado final, cuando las llamas devoran el edificio en que predica Florence, justo el día en que está decidida a confesar su falsedad ante su público, algo que parece prefigurar el desenlace en el estadio de Meet John Doe.
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Re: El callejón de las películas perdidas; o, Ese lugar donde poder comentar otro tipo de cine menos apreciado o conocid
Cita:
Iniciado por
DrxStrangelove
Desde luego la influencia de Dreyer en Eggers es innegable, parece que estemos al final de “Ordet” (aunque argumentalmente sea más próxima a “Dies irae”) :
De todas formas, “El Faro”, cuya influencia me remite más a “Vampyr”, me gusta más.
Buena reseña, Alcaudón, las dos películas son muy buenas, aunque para mi “La Bruja” y la dirección de Eggers me parecen superior.
No sé si Eggers habrá visto la obra maestra de Dreyer, aunque ciertamente el final de una es el inverso de la otra.
O sea, en la primera Dios atiende la súplica de la hija de la difunta mientras que en la segunda lo hace el Demonio.
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Re: El callejón de las películas perdidas; o, Ese lugar donde poder comentar otro tipo de cine menos apreciado o conocid
Eso sí, el ruego de cada una es bien distinto.
Resucitar una persona vs. alcanzar la libertad (relativa, como indicaba en la reseña).
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Re: El callejón de las películas perdidas; o, Ese lugar donde poder comentar otro tipo de cine menos apreciado o conocid
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Alcaudón
O sea, en la primera Dios atiende la súplica de la hija de la difunta mientras que en la segunda lo hace el Demonio.
No tengo tan claro que se pueda decir que en Ordet Dios atienda la súplica de la hija (y del cuñado, Johannes, que es quien dice la palabra), al menos no ese dios personalista a quien se suelen dirigir las plegarias. Yo prefiero dejarlo en el terreno de la ambiguedad, en la apelación a una dimensión misteriosa o transcendente si se prefiere, que contrasta con la frialdad de la ciencia.
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Re: El callejón de las películas perdidas; o, Ese lugar donde poder comentar otro tipo de cine menos apreciado o conocid
Ciertamente es una visión muy personal de Dios.
Y nunca llegaremos a saber si Johannes es efectivamente quien dice ser o simplemente está loco.
Lo único cierto es que la madre resucita.
Y Thomasin consigue alcanzar su deseo más anhelado aunque en realidad no ha hecho más que pasar de ser sierva de Dios a serlo de Satanás.
En cambio Gretel tiene en sus manos (en este caso literalmente) la posibilidad de forjar su propio destino.
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Re: El callejón de las películas perdidas; o, Ese lugar donde poder comentar otro tipo de cine menos apreciado o conocid
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Alcaudón
No sé si Eggers habrá visto la obra maestra de Dreyer, aunque ciertamente el final de una es el inverso de la otra.
O sea, en la primera Dios atiende la súplica de la hija de la difunta mientras que en la segunda lo hace el Demonio.
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mad dog earle
No tengo tan claro que se pueda decir que en Ordet Dios atienda la súplica de la hija (y del cuñado, Johannes, que es quien dice la palabra), al menos no ese dios personalista a quien se suelen dirigir las plegarias. Yo prefiero dejarlo en el terreno de la ambiguedad, en la apelación a una dimensión misteriosa o transcendente si se prefiere, que contrasta con la frialdad de la ciencia.
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Alcaudón
Ciertamente es una visión muy personal de Dios.
Y nunca llegaremos a saber si Johannes es efectivamente quien dice ser o simplemente está loco.
Lo único cierto es que la madre resucita.
Y Thomasin consigue alcanzar su deseo más anhelado aunque en realidad no ha hecho más que pasar de ser sierva de Dios a serlo de Satanás.
En cambio Gretel tiene en sus manos (en este caso literalmente) la posibilidad de forjar su propio destino.
Bueno, yo hablaba solo de influencia, porque, si comparamos “La Bruja” con “Ordet”, Eggers a su manera la transgrede otorgándole explicaciones fantásticas a lo increíble, pero hay que decir que mientras Dreyer hace una reflexión transcendental sobre la fe en sí misma, extrapolable incluso a cualquier dogma, Eggers lo que busca es una atmósfera determinada siguiendo ciertos códigos que la mantengan dentro del género de terror para contarnos su relato. De hecho, como decía, creo que argumentalmente está más cerca de “Dies irae”, pero yo hablaba sobre todo de la puesta en escena: el encuadre, la iluminación, la composición, el color y la representación. Pero temáticamente hay que tener en cuenta que se basó, si no recuerdo mal, en un antiguo escrito o cuento del folclore inglés, y, según él, simplemente trató de recrear fielmente lo que cuenta dicho escrito. Aunque evidentemente, de la forma que la filma, también existe una reflexión propia sobre la fe y cómo esta repercute en la vida de esta miserable familia; al final, si en lugar de tomarnos de manera literal lo que sucede tratamos de entender emocionalmente a Thomasin, más que la decisión consciente de abrazar al diablo lo que sucede es que se ve ineludiblemente empujada a considerarse a sí misma esa “bruja” que tan cruelmente le había estado llamando su familia. Me parece mucho más interesante considerar que los aspectos fantásticos del film son simbólicos y que lo que tratan de conseguir es que entendamos el interior de los personajes para ver cómo la religión y la fe condicionan sus vidas. En este sentido también vi la influencia de “El Resplandor” de Kubrick, donde todo lo que pasa se puede tomar de manera ambigua considerando que los efectos paranormales del hotel están solo en la mente de los protagonistas.
Respecto a “Gretel & Hansel”, aunque creo que visualmente es muy interesante y tiene una atmósfera y un ritmo muy atractivos, no creo que cinematográficamente esté a la altura de “La Bruja”. Es cierto que hay paralelismos muy interesantes como bien has indicado, Alcaudón, pero es que en Eggers se percibe un dominio técnico más elevado porque pone por encima, pese a todo lo que he dicho antes sobre la puesta en escena, el fondo sobre la forma. Personalmente creo que juega en otra liga.
Por cierto, a ver si consigo una buena edición en 4k de “La Bruja” porque todavía no la tengo. ¿Alguna recomendación? Porque imagino que habrán varias.
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Re: El callejón de las películas perdidas; o, Ese lugar donde poder comentar otro tipo de cine menos apreciado o conocid
Yo compré recientemente la británica de Second Sight en 4K y la calidad es extraordinaria.
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Re: El callejón de las películas perdidas; o, Ese lugar donde poder comentar otro tipo de cine menos apreciado o conocid
FRANK CAPRA (3)
La virtud del amor (So This Is Love, 1928)
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So This Is Love es una de las películas más flojas incluidas en este lote que estoy comentando. Se trata de una comedia ni especialmente hilarante ni original, ni cuenta con unos protagonistas atractivos. Como en el caso de la ya comentada The Matinee Idol, uno de los protagonistas es Johnnie Walker, actor que me resulta particularmente antipático. Cierto es que en este film es de lo que se trata: encarna a Spike Mullins, un boxeador arrogante y pendenciero que se fija en Hilda (Shirley Mason), la dependienta de una tienda de comestibles. Para completar el triángulo, Jerry (William Collier Jr.), apocado empleado de una tienda de modas, tiene también a Hilda como objeto amoroso.
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El cariño de la muchacha parece que depende de quién dará los mamporros más fuertes, con lo que Jerry tiene todas las de perder. Hay una humillante escena en un baile en la que Spike le roba la chica a Jerry y encima le da una buena somanta. Como si de un film de Keaton, Lloyd o Chaplin fuera, pero sin recurrir al slapstick, el enclenque enamorado recibe unas clases de boxeo de urgencia y, fruto de una coincidencia afortunada, se verá combatiendo con Spike. Consciente del peligro que corre su admirador, Hilda atiborra a Spike de comida lo que permite que, de forma completamente inesperada, Jerry venza a su rival en el ring.
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Film poco distinguido, fácilmente olvidable, se beneficia de una duración que no alcanza la hora.
La nueva generación (The Younger Generation, 1929)
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Primer film sonoro de Capra y de la Columbia, aunque, como era habitual en esos años, está solo parcialmente sonorizado, con algunas escenas dialogadas, un par de canciones y una banda sonora que integra la música y diversos efectos de sonido, conviviendo con escenas mudas y rótulos. Al parecer hubo también una copia totalmente silente.
En este caso estamos ante un melodrama puro y duro. Nos cuenta el ascenso social de una pobre familia judía del Lower East Side, los Goldfish, compuesta por el padre, un despreocupado vendedor callejero (Jean Hersholt, que es quien aporta el mayor componente sentimental al film),
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la madre y dos hijos, un chico ambicioso, Morris (de mayor, Ricardo Cortez), y una chica, Birdie (Lina Basquette), que está enamorada del vecinito, Eddie (Rex Lease).
La película nos cuenta en un prólogo, en que los chicos son aún niños, la rivalidad entre Morris y Eddie. Una pelea entre los muchachos ocasionará un incendio que dejará a los Goldfish en la calle.
Pero pasan los años, y gracias al acierto comercial de Morris (se intuye que desarrollado sin demasiados escrúpulos) acceden a la alta sociedad neoyorquina, con negocio y vivienda en la Quinta Avenida. Morris quiere dar el salto definitivo a esa clase social dorada (curiosamente, para hacerlo prefiere cambiar su apellido, pasando a llamarse Fish), convirtiéndose en uno de esos típicos ricos caprianos, desproveídos de humanidad, hasta el punto de simular que sus padres son criados para no avergonzarse ante los Kruge, una familia rica con la que quiere emparentar. Pero no es solo eso: también quiere impedir por todos los medios que Birdie continue su relación amorosa con Eddie, ahora un músico de medio pelo que se ha mantenido en el barrio de origen.
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Hay un episodio poco claro que condena a Eddie a prisión: Morris le encarga que cante desde la calle una canción ante la joyería de los Kruge, lo cual atrae a la gente y a los dependientes y, mientras tanto, roban el local. ¿Qué responsabilidad tuvo Morris? ¿Fue una trampa para alejar a Eddie de la hermana? Sea como sea, queda inexplicado en el film (al menos en la copia disponible), y el cantante acaba en prisión. No obstante, previamente, se ha casado con Birdie con el margen de tiempo suficiente (y una eficacia digna de elogio) de dejarla embarazada.
Morris expulsará a su hermana de la casa y evitará que sus padres tengan ningún contacto con ella. Solo al final, cuando el viejo Goldfish agoniza, permitirá que la hija visite al padre. La película se cierra con Morris, solo en la inmensa mansión que ha logrado con sus negocios. Rico pero sin amor.
Pasa el circo (Rain or Shine, 1930)
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Rain or Shine rivaliza con So This is Love para ocupar el puesto de cola entre estos primeros films de Capra. Es una extraña comedia, adaptación de un musical de Broadway, en la que parece como si Capra quisiera acercarse al mundo de los hermanos Marx (aunque en realidad Groucho y compañía justo empezaban por aquellas fechas en el mundo del cine). El tono circense, el humor de teatro de variedades, con mucho gag verbal, en especial entre los personas encarnados por Joe Cook y Tom Howard, las excentricidades del personaje interpretado por un esperpéntico Dave Chasen (que parece remitir a Harpo Marx), y el caótico y destructivo final, todo ello se podría rastrear en la obra de los Marx, aunque habitualmente mejor resuelto.
Para empezar, el protagonista (casi de manera absoluta), Smiley, el gerente del circo, recae en Cook, un actor que debutaba en el cine y que procedía del mundo de las variedades, y que a mi modo de ver tiene una vis cómica más bien limitada, al menos en pantalla.
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El resto del reparto oscila entre lo anodino, como es el caso de la pareja romántica, Mary (Joan Peers), la propietaria del circo, y Bud (de nuevo William Collier Jr.), hijo de buena familia,
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y lo grotesco, representado por el personaje de Dave, una especia de payaso zarrapastroso, que repite ad nauseam los mismos tics, supuestamente cómicos, a lo largo de todo el film.
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Hay un momento claramente marxiano (aunque en el fondo probablemente remite a un tipo de humor muy de la época), en la que Smiley boicotea una cena con la familia de Bud en un restaurante de la alta sociedad. A pesar de este y de otros momentos, a mí personalmente la película no ha aconseguido arrancarme más que alguna ligera sonrisa. Lo mejor queda para el final, durante una caótica representación circense, pelea con el público incluida, que acaba con el circo devorado por las llamas, y Smiley rescatando en el último momento a Mary de morir quemada. En definitiva, film curioso dentro de la filmografía de Capra, para completistas, que sirve, eso sí, para comprobar que el siciliano sabía cómo mover las masas. Ese aspecto y cierto tono documental con el que consigue meternos dentro del circo es lo mejor de un film poco atractivo. Como curiosidad, suena el “Singin’ in the Rain” durante los títulos de crédito iniciales.
La jaula de oro (Platinum Blonde, 1931)
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Platinum Blonde parece, ya desde el mismo título, un film pensado a mayor gloria de Jean Harlow. Nunca he llegado a comprender el porqué del enorme éxito que tuvo en su día la Harlow. Me parece una actriz más bien poco dotada, un tanto ordinaria, y de una supuesta belleza, todo un sex symbol del momento, que, en todo caso, confieso que no responde a mis gustos. En su descargo, hay que recordar que solo tenía 20 años en el momento del estreno, y que vivió solo hasta los 26.
Si además resulta que aquí se la empareja con un actor que me parece más bien irritante, como es Robert Williams (que, lamentablemente, murió pocos días después del estreno del film),
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estamos en mi opinión ante una comedia desaprovechada, donde solo se salva Loretta Young (para mí, incomparablemente más atractiva que la Harlow) y algunos secundarios, en especial Halliwell Hobbes, el mayordomo (en uno de esos papeles que bordaba Edward Everett Horton, o Walter Catlett, el periodista rival de Williams, que aporta los momentos más bufos.
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La trama es simple: Stew Smith (Williams), periodista que aspira algún día a ser dramaturgo (para lo cual parece poco dotado), sigue una noticia de alta sociedad, lo que le permite entrar en contacto con los Schuyler, la hija de los cuales es Ann (Harlow). Aunque la química es nula, se acaban casando ante la sorpresa de la familia. Pero, como es de esperar, esa relación matrimonial no tiene ningún futuro, porque Stew sigue queriendo trabajar en el diario y, además, como le quedaba claro desde el primer momento en que aparece en pantalla a cualquier espectador, y también a sus compañeros de trabajo, en el fondo está enamorado de Gallagher (la Young). Hay algunos momentos divertidos (en los diálogos participó Robert Riskin), pero el film no alcanza el nivel que seguramente años después hubiera conseguido Capra, sobre todo con un reparto más ajustado.
En la próxima (y última) entrega de este miniciclo dedicado a Frank Capra comentaré las mejores películas del lote actualmente disponible en Movistar y previas a It Happened One Night. ¡Feliz Navidad!:abrazo
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Re: El callejón de las películas perdidas; o, Ese lugar donde poder comentar otro tipo de cine menos apreciado o conocid
FRANK CAPRA (y 4)
Mujeres ligeras (Ladies of Leisure, 1930)
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Primera colaboración de la gran Barbara Stanwyck con Capra (repetiría cuatro veces más con mucha mejor fortuna), esta vez en un melodrama al que le falta intensidad emocional y se diluye en una cierta indeterminación genérica.
Buena parte de los problemas del film radican en la sosería, ya destacada en otros comentarios sobre los films de Capra de esta época, del protagonista, Ralph Graves, que encarna a Jerry Strong, un pintor, meramente un diletante, que se permite una vida de artista gracias al dinero de su familia. Ni siquiera parece un apasionado de su arte: cuando intenta pintar a Kay (Stanwyck), una party girl por la que se siente atraído, no es capaz de ir más allá de cuatro tópicos sobre las estrellas para conseguir la que se supone es la mirada que busca en la improvisada modelo.
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La película se basa en una obra teatral de Milton Herbert Groper que había llevado a los escenarios David Belasco, el dramaturgo estadounidense autor de “Madame Butterfly” (convertida en ópera por Puccini), pero que nadie espere encontrar nada de la pasión amorosa de la pobre geisha Cho-Cho-San en el personaje de Kay. Eso sí, como en otros films de Capra, hay un intento de suicidio final, aunque Capra aprieta pero no ahoga, con lo que la película tiene una conclusión un tanto forzada y acomodaticia. En todo caso, una vez más en su cine, se contrapone el mundo de la alta sociedad a la que pertenecen los Strong, que muestran su rostro más clasista cuando conocen la relación del heredero con la que creen que es una cazadotes, con la lucha tenaz de las clases populares por sobrevivir en un mundo cruel y despiadado.
Lo mejor del film son los momentos cómicos que ofrecen la compañera de piso de Kay, la también party girl Dot (Marie Prevost), y el amigo de Jerry, Bill (Lowell Sherman), pero incluso esas notas de humor son de moderada intensidad.
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La locura del dólar (American Madness, 1932)
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American Madness me parece un magnífico film. Me atrevería a aventurar que, probablemente, muchas de sus virtudes provienen del guion y los diálogos de Robert Riskin, colaborador esencial de Capra en su época de esplendor. También se beneficia de un excelente reparto donde destaca Walter Huston como Thomas Dickson, un banquero con rostro humano,
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ayudado en todo momento por la pareja que forman el cajero Matt (Pat O’Brien) y la secretaria Helen (Constance Cummings).
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Frente a ellos, el jefe de los cajeros, Cluett (Gavin Gordon), será el responsable de generar una crisis que está a punto de provocar la quiebra del banco, precisamente en el momento en que la junta de accionistas presiona a Dickson para que acepte una fusión con un banco mayor, a lo que nuestro banquero se niega. Los cinco accionistas están interpretados por un grupo de espléndidos actores de carácter, como Edwin Maxwell, Arthur Hoyt o Berton Churchill.
Cluett ha cedido a las amenazas de unos mafiosos con los que tiene una deuda importante, facilitándoles el acceso a la caja fuerte.
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En paralelo, intenta seducir a la esposa de Dickson (Kay Johnson) para disponer de una coartada. Durante el robo muere el vigilante del banco. La noticia corre como la pólvora por la ciudad y los clientes se lanzan en masa a recuperar su dinero. El banco no puede hacer frente a tal cantidad de reintegros con lo que parece que Dickson tendrá que ceder el control a la junta. Pero como sucederá años más tarde en It’s a Wonderful Life, la bondadosa gestión de Dickson al frente del banco tendrá su recompensa: una serie de amigos, clientes privilegiados e inversores contrarrestarán los reintegros con cuantiosas imposiciones, desactivando así el riesgo de quiebra. Como tantas otras veces, la crítica al sistema de Capra es moderada, se conforma con señalar los defectos a la vez que resalta poderosamente sus virtudes.
La película, de corta duración, centra la última media hora en la caótica situación que se vive dentro del banco, escenas que Capra sabe dominar con un ritmo envidiable y una brillante planificación (Joseph Walker es el director de fotografía, responsabilidad que repetirá en numerosos films de Capra, incluido el citado film centrado en las tribulaciones de George Bailey).
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Sin duda, una gran película. Como curiosidad, se cuenta que Allan Dwan empezó el film, pero después de unos días de rodaje fue substituido por Capra.
La amargura del general Yen (The Bitter Tea of General Yen, 1932)
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Última película que comento de Capra de las disponibles actualmente en Movistar (más adelante intentaré añadir el comentario de Lady for a Day aprovechando que está en el catálogo de Filmin). Para mí se trata de la mejor, ex aequo con American Madness, aunque esta última encaja más fácilmente con el tipo de película capriana por excelencia.
The Bitter Tea of General Yen (me gusta más el título original, aunque nos avanza una pista sobre la resolución del film) acontece durante la guerra civil en China, cuyo estallido se sitúa en 1927 y que no concluiría hasta la victoria final de Mao Zedong en 1949. La película arranca con una combinación ajustada de imágenes rodadas en estudio, transparencias, maquetas y algunas documentales centradas en la ofensiva sobre Shanghái, convertida en refugio de todo tipo de desplazados. Entre ellos numerosos miembros de la comunidad occidental, que esperan asistir a la boda del misionero Dr. Strike (Gavin Gordon) y su novia que acaba de llegar de Estados Unidos, Megan (Barbara Stanwyck, espléndida como siempre), a la que conoce desde la más tierna edad.
Mal momento para la boda. Además, Strike antepone el salvamento de unos huérfanos a la ceremonia nupcial, con la entusiasta complicidad de la novia, la cual ha asistido solo poner pie en tierra al atropello del conductor del rickshaw que la transportaba. Aunque aún no lo sabe, el vehículo responsable era el del general Yen (el actor danés Nils Asther), en viaje de incógnito.
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En la confusión del momento, durante el rescate de los niños, Megan es arrastrada por la multitud y salvada por ese mismo hombre que ha visto anteriormente mostrarse completamente indiferente por la muerte de su conductor. Así, Megan queda ligada al destino del general, imposibilitada de volver por sus medios a Shanghái.
En un principio, Megan actúa como una occidental prejuiciosa y racista, insultando a Yen al que llama “yellow swine” (“cerdo amarillo”), actitud que Capra refuerza mediante la visualización de una pesadilla de Megan en la que el general aparece transformado en una especie de monstruo de largas uñas.
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Es evidente que está como pez fuera del agua, completamente superada por las circunstancias (se horroriza ante la contemplación de los fusilamientos que ordena Yen). Pero, y en esto radica el mayor interés del film, poco a poco va a verse atraída y finalmente seducida por el misterio y el encanto del “otro”, de lo oriental (por muy de guardarropía que nos parezca la caracterización de Asther), aunque sus métodos resulten violentos e incomprensibles para la que iba a ser la mujer de un misionero.
La magnífica fotografía de Joseph Walker, en un precioso y contrastado blanco y negro, nos subyuga con su orientalismo de pacotilla, pero tremendamente eficaz para un espectador occidental,
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ambientación bien complementada con la presencia de Toshia Mori (actriz japonesa), como Mah-Li, la asistenta y suponemos que amante de Yen.
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Completa el reparto un soberbio Walter Connolly, otro de esos actores de carácter espléndidos que pueblan los films de Capra, en el papel de un cínico norteamericano dedicado a gestionar las finanzas de Yen, uno de los caudillos reinantes en la China desmembrada por la guerra civil.
https://www.eastman.org/sites/defaul...amp=1644863797
Lo que Yen no preveía es que Mah-Li lo traicionaría y que quedaría a merced de sus enemigos. Abandonado por todos, en sus últimos momentos solo parecer poder contar con Megan, que se rinde a los encantos de Yen, dejando atrás sus prejuicios anteriores. Las últimas escenas, en las que ese “té amargo” juega un papel decisivo, son de gran belleza e intensidad emocional, aunque Capra no era un director que se dejara llevar por el romanticismo exacerbado, siempre fue muy terrenal.
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Como comentamos el otro día, sería interesante poner en relación este film de Capra con uno de Josef von Sternberg estrenado el mismo año y que también sitúa la acción en la guerra civil china: Shanghai Express. Curiosamente, en la película de Sternberg también el papel principal de señor de la guerra chino está encarnado por un escandinavo, en este caso el sueco Warner Oland.
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Por lo demás, la improbable beata Megan se transforma en la aventurera Shanghai Lily, encarnada por Marlene Dietrich, dentro de una fantasía visual a las que nos tenía acostumbrado Sternberg. Pero esa es otra historia. ¡Feliz Año Nuevo! :abrazo
