Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

AL CAER LA NOCHE (JACQUES TOURNEUR) -1956-

Desde que vi "Yo anduve con un zombie", siempre he tenido a Jacques Tourneur en el punto de mira. Si bien es cierto, opino que a veces parece un director de encargo, lo digo sobretodo por los westerns, sin haber visto muchos suyos, no me parecen nada del otro mundo. En cambio, si es de fiar, para mi, en el campo del cine noir y el terror. En mi última visita al pais, me topé por casualidad con este film, y por su precio (1€ en Tallers 55) y sobretodo por su director no dudé en comperla.

No se si aportó algo nuevo al género y al cine en general, pero el recurso del flashbacks a tirones intercalando con el desarrollo del film, es un acierto enorme, ya que en todo momento despierta un interés enorme por lo que uno está viendo. Ya se, sospechosamente el film se hizo el mismo año que "el falso culpable" de Hitchcock, o sea que fácilmente podría ser una exploit del film de tio Alfred, pero oigan, si las exploits son así, FIRMO!!!!! por lo tanto estamos dentro del subgénero de Falsos culpables. El film no decae ni un minuto, de buen ritmo y actores que dan la talla, Aldo Rey no me chifla, pero si su voz característica. Anne Bancroft está bellísima, la escena del pase de modelaje es muy destacable. Me gustan especialmente la pareja de gangters: Brian Keith, apenas he visto un film suyo, "Yakuza" con R.Mitchum, y Rudy Bond fantástico como Red.

En resumen, inesperado fantástico film de Tourneur, se nota que domina el género, donde su punto fuerte es lo mencionado, el contar la historia sobre la marcha, a tirones, siempre interrumpido por la acción del momento, y estirándolo al máximo hasta los últimos 15 minutos, un acierto

Como anécdota pongo una foto de la contraportada del DVD, sólo comentar que no situo en el film ninguna de las 3 fotos que aparecen en ella. Es más diría que son otros actores y otra peli, pero se me va de las manos. Para variar Impulso con su jeta de siempre. Eso si nada que decir de la calidad de imagen del DVD, sin quejas, supongo que el rango de calidad/precio influye en mi satisfacción:

¿Solo un film de Brian Keith? Para mí siempre será el protagonista de la serie Mis adorables sobrinos, vista durante mi infancia. Luego lo he visto en varios films, a destacar; Reflejos en un ojo dorado, de John Huston; Compañeros mortales, de Sam Peckinpah, y varios títulos de cine negro de los años 50, como por ejemplo Crimen S.A., de Sidney Salkow; o En un aprieto y 5 Against the House, ambas de Phil Karlson.

Me parece un buen actor, aunque su físico lo encasilla algo en papeles un tanto blandos. Su padre, Robert Keith, fue un secundario habitual, por ejemplo en la magnífica The Lineup, de Don Siegel.

All-Star Superman (Sam Liu, 2011)



Esta ha sido un poco rara. Animación distinta al resto, la historia no termina de convencerme, es como si Superman hiciera cosas raras (ni idea de si eso ocurre en los cómics) pero aún con todo la historia al final tiene su gracia, no por lo que sucede, ni por los personajes (esa Lois cae mal ) sino porque lo que terminan haciendo, desde la redención de Luthor hasta el sacrificio final de Superman en una gran escena en la que vemos como cruza el sistema solar dejando atrás los planetas.

Christina Hendricks pone voz a Lois Lane, joder... Medio casting de Firefly ha participado en animación DC o qué? Fillion, Baldwin, Torres, Glau, Hendricks....

Iniciado por Alex Fletcher

AL CAER LA NOCHE (JACQUES TOURNEUR) -1956-

Desde que vi "Yo anduve con un zombie", siempre he tenido a Jacques Tourneur en el punto de mira. Si bien es cierto, opino que a veces parece un director de encargo, lo digo sobretodo por los westerns, sin haber visto muchos suyos, no me parecen nada del otro mundo. En cambio, si es de fiar, para mi, en el campo del cine noir y el terror. En mi última visita al pais, me topé por casualidad con este film, y por su precio (1€ en Tallers 55) y sobretodo por su director no dudé en comperla.

No se si aportó algo nuevo al género y al cine en general, pero el recurso del flashbacks a tirones intercalando con el desarrollo del film, es un acierto enorme, ya que en todo momento despierta un interés enorme por lo que uno está viendo. Ya se, sospechosamente el film se hizo el mismo año que "el falso culpable" de Hitchcock, o sea que fácilmente podría ser una exploit del film de tio Alfred, pero oigan, si las exploits son así, FIRMO!!!!! por lo tanto estamos dentro del subgénero de Falsos culpables. El film no decae ni un minuto, de buen ritmo y actores que dan la talla, Aldo Rey no me chifla, pero si su voz característica. Anne Bancroft está bellísima, la escena del pase de modelaje es muy destacable. Me gustan especialmente la pareja de gangters: Brian Keith, apenas he visto un film suyo, "Yakuza" con R.Mitchum, y Rudy Bond fantástico como Red.

En resumen, inesperado fantástico film de Tourneur, se nota que domina el género, donde su punto fuerte es lo mencionado, el contar la historia sobre la marcha, a tirones, siempre interrumpido por la acción del momento, y estirándolo al máximo hasta los últimos 15 minutos, un acierto

Como anécdota pongo una foto de la contraportada del DVD, sólo comentar que no situo en el film ninguna de las 3 fotos que aparecen en ella. Es más diría que son otros actores y otra peli, pero se me va de las manos. Para variar Impulso con su jeta de siempre. Eso si nada que decir de la calidad de imagen del DVD, sin quejas, supongo que el rango de calidad/precio influye en mi satisfacción:

Jacques Tourneur tocó prácticamente todos los géneros y en casi todos tiene una obra maestra.

Westerns dirigió un puñado pero al menos uno, CANYON PASSAGE (1946, TIERRA GENEROSA), es espléndido. Hay un estupenda edición en BD británica (por tanto sólo con subtítulos en inglés) que ya comenté en este mismo rincón tiempo ha.

Yo he visto estos días una pequeña delicia "The ghoul" de T.H. Hunter



Karloff interpreta al millonario Morlant, a las puertas de la muerte, que ha adorado toda su vida a los dioses egipcios, y ahora espera que estos le concedan la inmortalidad, para lo cual se ha comprado, gastando casi toda su fortuna, una extraña gema que otros también persiguen. Tras su muerte y entierro, varios familiares y extraños se reunirán en torno a la casa buscando dicha gema, que ha sido robada, y que, según Morlant de no hallarse con él cuando sea enterrado, volverá de la tumba para matar...

Con buenos secundarios (Ernest Thesiger, Cedrick Hardwicke) la película tiene un inicio soberbio con la agonía del moribundo y la presentación de sus extrañas ideas religiosas, para pasar luego a una parte central algo más agarrotada y menos interesante, con una pareja de primos lejanos enemistados que se enamorarán, para recobrar su interés hacia el final, con Karloff de nuevo presente.



Creo que, durante muchos años, se la consideró perdida hasta que se halló una copia. Si bien no es, para nada comparable con otros títulos terroríficos de su época, es muy interesante para los que gustamos de estas películas fantásticas, y aquí tenemos a Karloff en todo su esplendor (que es, junto con Vincent Price y Peter Cushing, mi actor fantástico favorito).

No olvidemos a Bela Lugosi...

Iniciado por Alcaudón

No olvidemos a Bela Lugosi...

Bueno, no desprecio al gran Bela, pero lo cierto es que tampoco considero que sus mimbres interpretativos sean los mismos que los de Karloff, por poner un ejemplo cercano. Y conste que soy rendido admirador de Lugosi, tanto Dracula como La marca del vampiro me parecen soberbias... pero creo que (sin ser mal actor) el nivel es otro. En mi top 3 se queda fuera. En el top 5 sí entra, junto con el gran Christopher Lee.

Charles Lee Ra, ya que veo que habéis hablado de Romero quizá sepas algo sobre la duda que he planteado en el hilo de las ediciones en DVD, sobre la película Zombi:

Iniciado por Mizoguchi

Refloto este hlio porque tengo un lío importante con tanta edición de esta película. Por si alguien lo supiera: ¿está editada la versión de cines con doblaje de cines? si es que sí me gustaría saber qué edición es pero entiendo que no existe. Si es que no, tengo otras dudas:

-¿Qué versión es la de Suevia? ¿de cines? ¿extendida? ¿de Argento? veo que debe haber 5 cortes distintos ¿cuál es la buena?
-¿Cuál es el formato correcto de pantalla? ¿16:9 ó 4:3?. Me parece raro que sea 16:9 y veo que la mayoría parece dar a entender que es el adecuado pero con Martin, del mismo director, se ha editado en 16:9 y claramente se ve que no es así. En el extranjero está en 4:3.

Doy por hecho que no se conserva el doblaje de cines pero es que tampoco sé qué versión es la llamada Theatrical porque como digo parece haber 5 cortes diferentes.

Con esa que habéis citado de Hungry Wives se ha editado en blu-ray dos cortes diferentes de la película, el más cercano a Romero sería el que no se llama así.

La versión correcta de Martin es la 4:3, la 16:9 está recortadísima. De todos modos con las primeras películas de Romero tengo muchísimas dudas con respecto a los formatos.

Iniciado por Mizoguchi

Charles Lee Ra, ya que veo que habéis hablado de Romero quizá sepas algo sobre la duda que he planteado en el hilo de las ediciones en DVD, sobre la película Zombi:



Doy por hecho que no se conserva el doblaje de cines pero es que tampoco sé qué versión es la llamada Theatrical porque como digo parece haber 5 cortes diferentes.

Con esa que habéis citado de Hungry Wives se ha editado en blu-ray dos cortes diferentes de la película, el más cercano a Romero sería el que no se llama así.

La versión correcta de Martin es la 4:3, la 16:9 está recortadísima. De todos modos con las primeras películas de Romero tengo muchísimas dudas con respecto a los formatos.

Sobre Dawn of the dead, o Zombie, hay una auténtica ensalada de montajes diferentes. Todo ello debido a la co-producción de Dario Argento, porque ya de estreno, hubo dos montajes, el "americano" (US Teathrical Versión) y el "europeo" (Europe Version) ambos diferentes. Argento, que se había reservado el derecho de distribución en países de habla no inglesa, incluso cambió la música. Por eso aquí tuvimos una version más amputada en gore, y con una BSO de los Goblin que nada tiene que ver con la original...

Se trata de un montaje totalmente diferente: algunas escenas faltan, otras solo se pueden ver en esta edición, otras están recortadas o estiradas o están montadas en diferente orden. Argento eliminó gran parte del "humor americano" por creer que restaría espectadores en Europa, y varió el tono, pasando de ser una película de terror a algo más cercano a la acción. Hay también remontajes RECORTADÍSIMOS para televisión americana.

Y aparte, en otros países, como Japón, hay aún más montajes diferentes... La "definitiva" el Director's Cut de Romero que no llegó a cines, sino a formatos domésticos, dura 160 minutos. También hay montajes no oficiales hechos por aficionados mezclando versiones. Vamos, ¡una locura!

Desconozco bastante el tema de las ediciones patrias. Creo que todas o casi todas, sobre todo las primeras en DVD, tenían problemas de imagen. Recuerdo que la de Suevia tenía la imagen estirada, o algo así, se comentó por el foro. Nunca he tenido ninguna edición española, me compré la edición de 4 discos de Anchor Bay, "Ultimate Edition", que no lleva ningún doblaje.

Respecto al doblaje original, sospecho que no se podrá encontrar. Por lo que veo, hay tres: el de cines, el de vídeo, y el de un pase televisivo.

http://www.eldoblaje.com/datos/Ficha...l.asp?id=30855

Yo conozco varios, pero no me suena para nada que Carlos Revilla (doblador de Homer Simpson en las primeras temporadas) doble a Ken Foree. Si nunca se editó en vídeo o se emitió por televisión con ese doblaje, lo veo difícil recuperarlo.

En cuanto al montaje "original" si te refieres al que se vio aquí en España en cines y vídeo, es el montaje europeo con música de Goblin y menos gore, y sí está editado, es uno de los cuatro cortes que vinen en el "Ultimate versión" de ANchor Bay en DVD.

Aquí parece haber algo de información al respecto sobre las ediciones en nuestro país:

https://www.imdb.com/title/tt0077402/alternateversions

En cuanto al formato, me pillas. En IMBD aparece tanto 1:33 como 1:85, pero no aclara de donde viene la diferencia, o cual es el formato original o "el bueno".

Espero haberte ayudado algo, pero vamos, en torno a esta película hay un follón increíble

Creo que entonces podríamos sacar dos conclusiones: que hay que olvidarse del doblaje de cines y que, en principio, la mejor versión sería la llamada theatrical, según esto (duraciones en PAL):

http://www.dvdbeaver.com/film3/dvd_r...f_the_dead.htm

El enlace que pones de imdb dice que la versión llamada director's cut no es tal:

The Extended Version or Cannes Film Festival Version runs 139 minutes (this version was erroneously called the 'director's cut' when Elite Entertainment released it on laserdisc)

Y ya no la va a poder hacer, así que... Yo esta película la habré visto doblada hará unos 15 años y no me gustó lo mismo que La noche de los muertos vivientes, claro que no sé qué montaje era. Estando doblada sería la versión europea, por tanto, imagino que será la de Argento y que es posible que sea lo que viene en los DVDs españoles. Eso si no lo he entendido mal porque es fácil hacerse un lío entre tanto montaje.

En su conjunto, no me entusiasma el cine de Romero, pero soy admirador de "Martin"


LA ÚLTIMA CENA (1995) de Stacy Title




Comedia satírica, con unos jóvenes progresistas que se reúnen frecuentemente para cenar y tener animadas conversaciones de signo ideológico; tras una discusión que se elevaba de tono con una especie de neonazi (en composición de Bill Paxton), acaban con él, y deciden que la violencia puede ser buena (y "gozosa") si es para eliminar a ese tipo de gentuza, por lo que deciden invitar en sus sucesivas cenas a un persona derechosa, a la que darle matarile. Barata, con decorado único y que no está a la altura de su en teoría atractivo punto de partida mordaz, quedando algo repetitiva, realización justita por no decir plana, y sin unos actores que hagan funcionar la trama, por más de la "forzadamente simpática y fresca" Cameron Diaz y, eso sí, un Ron Perlman que se hace dueño de la función en la parte final.

Iniciado por Mizoguchi

Creo que entonces podríamos sacar dos conclusiones: que hay que olvidarse del doblaje de cines y que, en principio, la mejor versión sería la llamada theatrical, según esto (duraciones en PAL):

http://www.dvdbeaver.com/film3/dvd_r...f_the_dead.htm

El enlace que pones de imdb dice que la versión llamada director's cut no es tal:

The Extended Version or Cannes Film Festival Version runs 139 minutes (this version was erroneously called the 'director's cut' when Elite Entertainment released it on laserdisc)

Y ya no la va a poder hacer, así que... Yo esta película la habré visto doblada hará unos 15 años y no me gustó lo mismo que La noche de los muertos vivientes, claro que no sé qué montaje era. Estando doblada sería la versión europea, por tanto, imagino que será la de Argento y que es posible que sea lo que viene en los DVDs españoles. Eso si no lo he entendido mal porque es fácil hacerse un lío entre tanto montaje.

Entonces, el Theathrical americano debe ser "la buena". Aunque yo los he visto casi todos, pues es una de mis películas favoritas. Le tengo gran cariño a la versión europea (aunque es la versión del productor, Argento, no la de Romero) pues es la que siempre se conoció aquí en vídeo y en televisión.

Hay una versión no oficial "Extended Mall Hours Cut" de más de dos horas y media de duración.

Como curiosidad, la primera vez que vi la película, en VHS, cuando al principio se van en helicóptero y hablan de la gente que han perdido o dejado atrás, Fran le pregunta a Peter quien ha perdido, a lo que él respondía "varios hermanos". Yo, que en aquella época era ya un consumidor de blaxploitations setenteras, sabía que el concepto de hermano era equívoco entre los afroamericanos muchas veces, y siempre me pregunté exactamente a qué se refería Peter.

Pues bien, en uno de los montajes extendidos la escena continúa, y Fran le pregunta a Peter si se refiere a "hermanos de sangre o hermanos del getto" o algo así, a lo que él responde "ambos". Me hizo mucha gracia que la pregunta que me hice en su día al verla estuviera rodada y perteneciera a la película

National Treasure (Jon Turteltaub; 2004)




Otra de las que me gusta más su título en versión original que el castellano.

Fresca y divertida película de aventuras de Disney con producción de Bruckheimer. A mí me gusta; me gustó bastante la primera vez que la ví, y me sigue aguantando bien, desde luego más que tanto Piratas de Caribe y otros productos disneyianos. De primeras, me atrae que la temática se centre en la Historia de los USA, y qué puede haber más representativo que la Declaración de Independencia. y el mapa que lleva al tesoro acumulado a lo largo de los siglos por los Masones o Templarios. Todo ello se resolverá a través de códigos y claves que el historiador y el buscador de tesoros Ben Gates (Nicolas Cage) tiene que ir siguiendo hasta conseguir encontrar al misterioso esondrijo que alberga dicho este tesoro milenario.

Es interesante el hecho de que Gates sea una suerte de Indiana Jones urbano, aunque más blanqueado y liviano que el Indy de Ford, Lucas y Spielberg, pero que Disney por lo menos recupera ese espíritu añejo de las películas de aventuras.

No me disgusta Nicolas Cage, creo que aunque se pueden contar con los dedos de la mano las películas realmente salvables, pero sí que le reconozco cierta vertasilidad y buen hacer.

Lo mejor de largo es el arranque con ese prólogo que pone en antecedentes sobre los antepasados de los Gates y su relación con la masonería, en dónde el abuelo de Ben Gates ( un gran, como siempre, Christopher Plummer) le revela que la clave de todo reside en un barco hundido en el Ártico llamado Charlotte, en el cual se haya escondida una pipa que indica que la ubicación precisa del mapa se encuentra oculta en el reverso de la Declaración de Independencia.

Ayuda mucho el ritmo vertiginoso de la película, intercalando cada dos o tres diálogos escenas de acción, que yo creo que le va bien para el tipo de producto que es. Diane Kruger, como la doctora de los Archivos Nacionales Abigail Chase, me convence bastante: un personaje interesante, esencial para la que la historia avance, y por lo menos no es la previsible rubia tonta gritona. Y el soporte de unos buenos secundarios como Harvey Keitel, el inspector del FBI; Jason Voight, como el padre de Gates; y claro, Christopher Plummer; la pena que salga tan poco.

Para ser de Disney no hay humor excesivamente infantil: está bien utilizado, e incluso con algún gag realmente divertido, como el momento en que Gates pega el cambiazo de la Declaración falsa por la verdadera, siendo pillado in fraganti.

Vamos con lo malo, que lo hay: sobra completamente el hacker nerd y payasete de Riley (Justin Bartha); y el villano, el financiero Ian Howe (Sean Bean), muy sosete y anodino (Ed Harris mejora bastante en la secuela, aunque como película sea inferior). Muchas conveniencias de guión (como por ejemplo, es imposible que Gates salga de rositas por un delito federal tan grave como es robar la Declaración, por mucho que haya pactado con el FBI; y no conforme con eso, reciben como recompensar poderse quedar con el tesoro). Y el tramo final, demasiado empalagoso y "happy ending" (se nota que es de Disney ).

A mí me parece un buen divertimento, una digna película de aventuras, y honesta que da lo que ofrece (otras ni siquiera lo son).

Se merece un notable, justito, pero notable. Un 7.

Batman: Year One (Sam Liu, Lauren Montgomery, 2011)



Con esta he tenido una sensación novedosa ya que adapta el cómic homónimo de Miller-Mazzucchelli y lo he leído este mismo año. Es una historia sencilla, el primer año de Batman tras el regreso de Wayne a Gotham después de 12 años ausente. El Batman Begins de Nolan se basó en buena parte en él.

Me ha gustado un poco más que todo lo que he visto hasta ahora de animación DC, confirmando que me tira mucho Batman (lo sé desde 1989 ), es una historia con poca chicha pero es una presentación de Gotham, Batman y algunos personajes clave, y la adaptación consigue un tono noir cojonudo con esas obligadas voces en off (estaban ya en el cómic) y esa BSO de Christopher Drake, con teclados/música atmosférica, casi recuerda a Blade Runner! Es el compositor de otros films similares pero no recuerdo ese tono, los recuerdo de corte clásico. Curioso. Hay un tema rockero cuando aparece Selina, justo en ese momento, con el bombo de una batería marcando la chulería de la futura Catwoman, mola!



Ah y Selina es Eliza Dushku! Eliza como Catwoman... Ostras Si decía que medio casting de Firefly prestaba voces a estas películas, Buffy/Angel llevan ya unos cuantos! (Boreanaz, Marsters, Denisof, Dushku)..Y Katee Sackhoff (Battlestar Galactica) de Essen, que ya era un poco... Starbuck, sí

1. Batman: Under the Red Hood
2. Batman: Year One
3. Batman: Gotham Knight
4. Justice League: Crisis on Two Earths
5. All Star Superman
6. Wonder Woman
7. Superman: Doomsday
8. Superman/Batman: Public Enemies
9. Superman/Batman: Apocalypse

UNA HISTORIA VERDADERA (A Straight Story, 1999 – David Lynch).Pese a mi natural inclinación, atracción por lo extraño, en el caso del cine de Lynch me parecen más redondas sus incursiones en las historias más normales (como “El Hombre Elefante”) que las que forman el grueso de su filmografía (de las que más me gusta es la brutal “Carretera Perdida”). A la tragedia de John Merrick se une esta historia verdadera, que salva el escollo de ser puro pasto de telefilm, gracias a estar dirigida precisamente por él, que pone el énfasis y razón de ser del producto, no en prosaicas vanalidades y sentimentalismos, sino en miradas (impresionante Richard Farnsworth) y silencios, sensaciones producidas por ciertas imágenes, paisajes, la velocidad (bellísima labor de fotografía del legendario Freddie Francis) etc; todo asociado, sin trazo grueso, a la memoria y los recuerdos de una vida, resumen del viaje del anciano (muchos vieron, con razón, influencia de cierto cine japonés) . Algunos parecieron sorprenderse y disgustarse por el substrato o diálogos concretos asociados, dicen, al conservadurismo (Lynch fue sorprendentemente orgulloso votante por dos veces de Reagan), tampoco sería extraño ver esta cierta, extraña, dualidad ideológica en su obra. En todo caso, excelente como obra cinematográfica, de lo mejor de los 90.

Iniciado por Frank Zito

UNA HISTORIA VERDADERA (A Straight Story, 1999 – David Lynch).Pese a mi natural inclinación, atracción por lo extraño, en el caso del cine de Lynch me parecen más redondas sus incursiones en las historias más normales (como “El Hombre Elefante”) que las que forman el grueso de su filmografía (de las que más me gusta es la brutal “Carretera Perdida”). A la tragedia de John Merrick se une esta historia verdadera, que salva el escollo de ser puro pasto de telefilm, gracias a estar dirigida precisamente por él, que pone el énfasis y razón de ser del producto, no en prosaicas vanalidades y sentimentalismos, sino en miradas (impresionante Richard Farnsworth) y silencios, sensaciones producidas por ciertas imágenes, paisajes, la velocidad (bellísima labor de fotografía del legendario Freddie Francis) etc; todo asociado, sin trazo grueso, a la memoria y los recuerdos de una vida, resumen del viaje del anciano (muchos vieron, con razón, influencia de cierto cine japonés) . Algunos parecieron sorprenderse y disgustarse por el substrato o diálogos concretos asociados, dicen, al conservadurismo (Lynch fue sorprendentemente orgulloso votante por dos veces de Reagan), tampoco sería extraño ver esta cierta, extraña, dualidad ideológica en su obra. En todo caso, excelente como obra cinematográfica, de lo mejor de los 90.

Coincido contigo, amigo Zito. De las "otras" películas de Lynch yo destacaría MULHOLLAND DRIVE de mi adorada Naomi Watts. Aunque creo que el compañero Earle no coincidiría con nuestras apreciaciones...

Por cierto, espero ponerme este fin de semana con la 10ª entrega de la revisión completa de la filmografía de Nicholas Ray. He estado muy liado esta semana...

Vistas ayer y hoy dos películas muy recientes: I, Tonya y En realidad nunca estuviste aquí. Me ha gustado más la primera que la segunda, la cual se trata de un biopic de la patinadora Tonya Harding protagonizado por una estupenda Margot Robbie que curiosamente antes de El lobo de Wall Street no había hecho casi nada y prácticamente todo para la televisión. Aunque realiza, en mi opinión, una buena interpretación me quedo con el personaje de la madre, una cabrona de manual. Me ha llamado la atención la buena dirección de la película con unos movimientos de cámara de lo más scorsesianos y un estilo humorístico que me recuerda por momentos a Woody Allen. Como nota curiosa, cuando baila la Robbie han debido usar el software ese para sustituir caras porque a veces parece que falle y la cara de la chica real asome. Era imposible que la actriz patinara realmente de esa forma.

La segunda es una película protagonizada por Joaquin Phoenix, una más y veré aún otras dos. Me pregunto si el título En realidad nunca estuviste aquí es una especie de referencia a otra película donde el Joaquin sale barbudo I'm still here (o sea, Todavía estoy aquí)

Estamos ante un thriller extraño, enrevesado, que deja más preguntas que respuestas, con asuntos de lo más turbio y un ritmo muy lento hasta el punto de que en ocasiones llegue a parecer un corto alargado pero, con todo, resulta interesante. En cierto modo es una mezcla entre Terrence Malick, Taxi Driver y Nicolas Winding Refn (incluyendo música). Joaquin Phoenix vuelve a interpretar por enésima vez ese tipo de personaje tan suyo de tío con problemas de tarro. Hay quien verá en ella una interesante y compleja película y quien verá un bodrio pretencioso. Yo estoy entre una y otra postura.

"Que el cielo la juzgue" (1945). Ya que varias personas habían hablado muy bien de esta peli y viendo que estaba en ella Gene Tierney me puse a ello. Me ha sorprendido sobre todo que esté rodada a color, es así o quizás he pillado una copia en la que se ha hecho el tratamiento de color años más tarde??

Sinceramente después de ver como la ponen como obra maestra e incluso Scorsese la tiene como peli de cabecera esperaba algo más. Más que de celos creo que aquí el problema del personaje de Tierney, que lo hace genial, es más psicologico... vamos que necesita tratamiento y ayuda, y ahí incluyo también a su marido, un tio que no sabemos muy bien porqué se enamora (o más bien tiene poca personalidad), porque durante toda la peli hace todo lo posible por no preocuparse de ella.

Creo que la historia tiene lagunas por todos lados. Se intuyen cosas que no se acaban de explicar y hay que hacerse a la idea por uno mismo de que es así y punto. Toda la primera parte me ha parecido un melodrama pasteloso, mientras que la segunda es un sucesión de acciones que tienes que aceptar sin saber muy bien porqué los familiares se comportan así. Y porqué tienen que estar constantemente viviendo todos juntos??

Lo mejor es la Tierney y la escena del lago con el hermano. No se los demás pero me ha costado bastante aguantar a estos personajes, que parece que ayudan a desarrollar el síndrome de su familiar y a pasar de ella en todo momento. Hay diálogos bastante sonrojantes en cuanto a "pasteleo".

Vamos, que es una película interesante por el personaje de Tierney, pero creo que todo lo que la rodea está a un nivel inferior.



A ver si alguien que se haya leído el libro en la que está basada explica un poco mejor estas actitudes.

Iniciado por Narmer

"Que el cielo la juzgue" (1945). Ya que varias personas habían hablado muy bien de esta peli y viendo que estaba en ella Gene Tierney me puse a ello. Me ha sorprendido sobre todo que esté rodada a color, es así o quizás he pillado una copia en la que se ha hecho el tratamiento de color años más tarde??
...

Es así, es así, en rutilante Technicolor. Adoro el color de las películas de esos años (y de esta en particular), esa sensación de irrealidad que, en películas como esta, un cuento perverso, le sienta de maravilla. De la novela no puedo decir nada porque no la he leído, pero de la Tierney... Belleza que quita el hipo, al servicio de un personaje enfermizo, malsano, perturbador. En su día fue una película que impactó en las plateas de forma espectacular. La generación de mis padres todavía la recuerda, no era nada habitual una mujer tan malvada, capaz de dejar morir a un inválido, provocarse un aborto y suicidarse para culpar a su hermana por adopción (la virginal Jeanne Crain). Demasiado para la conservadora sociedad de la posguerra.

Iniciado por Alcaudón

Coincido contigo, amigo Zito. De las "otras" películas de Lynch yo destacaría MULHOLLAND DRIVE de mi adorada Naomi Watts. Aunque creo que el compañero Earle no coincidiría con nuestras apreciaciones...

Por alusiones . Me encanta The Straight Story (pero no me gusta nada el engañoso título en castellano), película que a pesar de muchas opiniones me parece perfectamente coherente con el cine de Lynch. En cambio no comparto esa dualidad que apuntáis dentro de su obra entre "películas más normales" y las otras. The Elephant Man, de "normal", no tiene demasiado, ni por lo singular del personaje, ni por el tratamiento visual y sonoro, ni por diversos elementos argumentales que nos remiten a un mundo oscuro, inquietante, que aleja la película de las convenciones del biopic. Lo mismo se podría decir de The Straight Story, repleta de momentos lynchianos, incluidas varias notas humorísticas típicas del de Missoula. No solo destaca la fotografía de Francis, bellísima (como la de The Elephant Man, que también firmó el británico), sino también la espléndida banda sonora de Badalamenti, y por supuesto la interpretación de Richard Farnsworth o de Sissy Spacek. El film contiene momentos de gran belleza y tremendamente conmovedores, en especial ese final con los dos hermanos contemplando las estrellas, perfecto.

Con todo, reconozco que hay otros films de Lynch que todavía me gustan más (o sea, que si The Straight Story o The Elephant Man son de sobresaliente, las otras son de matrícula de honor): desde la inicial Eraserhead hasta Mulholland Drive, pasando por Lost Highway (que tiene uno de los inicios más perfectos de la historia del cine, según mi opinión) o Blue Velvet, sin olvidar, claro está, el universo Twin Peaks. Creo que solo hay un pinchazo en la obra de Lynch y es Dune, y a pesar de todo es un film por momentos fascinante.

PD: ¡Ah, Alcaudón, esa Run for Cover...!

Como tengo al compañero (querido compañero mad dog earle) golpeando mi puerta cual Jack Torrance (por cierto, un pasado de rosca Jack Nicholson, os pongáis como os pongáis... )...

Spoiler:

... ahí va mi modesta (y demorada) 10ª entrega de...

EL ÚLTIMO GRAN ROMÁNTICO DEL CINE CLÁSICO NORTEAMERICANO

O

REVISANDO LA FILMOGRAFÍA DE NICHOLAS RAY / PARTE X:

RUN FOR COVER (1955, BUSCA TU REFUGIO)



Estudio: Pine-Thomas Productions, Inc. / Paramount Pictures Corp.

Productores: William H. Pine y William C. Thomas.

Guión: Winston Miller, a partir de una historia de Harriet Frank, Jr. e Irving Ravetch.

Dirección artística: Hal Pereira y Henry Bumstead.

Fotografía: Daniel Fapp (en Technicolor y VistaVision).

Asesor de color: Richard Mueller.

Música: Howard Jackson.

Canción: “Run for Cover” compuesta por Howard Jackson (música) y Jack Brooks (letra) e interpretada por Bob Graham.

Reparto: James Cagney (Matt Dow), Viveca Lindfords (Helga Swenson), John Derek (Davey Bishop), Jean Hersholt (Pa Swenson), Grant Withers (Gentry), Jack Lambert (Larsen), Ernest Borgnine (Morgan), Ray Teal (Sheriff).

Duración: 93 minutos.

Inicio de rodaje: Mayo de 1954.

Estreno: 20 de abril de 1955.

Segundo de los tres westerns que Nicholas Ray dirigió a lo largo de su carrera, BUSCA TU REFUGIO está lejos de la perfección alcanzada por su anterior incursión en el género, la mítica JOHNNY GUITAR, pero merecería un mejor lugar en la memoria de los amantes no sólo del género sino de la obra del cineasta de Wisconsin. Un obra seriamente perjudicada por una serie de condicionantes que comentaré brevemente y que hicieron que Ray no la tuviera en gran consideración (alguna vez habría que hablar de la opinión que los grandes maestros (el ejemplo que me viene rápidamente a la cabeza es el de Alfred Hitchcock en su libro de entrevistas con François Truffaut) tenían sobre su propia obra).



Por lo que he leído en diversas fuentes sobre la gestación del proyecto parece ser que el primer realizador seleccionado para dirigirla fue William (Wilhelm) Dieterle, aunque en el espléndido libro de Hervé Dumont sobre el cineasta (“Antifascismo y compromiso romántico”, Festival Internacional de Cine de Donostia/San Sebastián 1994) no se hace referencia alguna al respecto.

Nicholas Ray aceptó el encargo pese a las serias reticencias que sobre el libreto de Winston Miller (co-guionista de la magistral MY DARLING CLEMENTINE (1946, PASIÓN DE LOS FUERTES) de John Ford)) tenía. A su favor contaba con la presencia de dos estrellas a los que apreciaba especialmente como son James Cagney, un actor al que difícilmente asociaríamos al género (de hecho su última incursión en el mismo se remontaba a... ¡1939! (THE OKLAHOMA KID de Lloyd Bacon) y John Derek, con el que había trabajada ya en la excelente LLAMAD A CUALQUIER PUERTA, película con la que tiene una más que notable conexión (¿podemos ver aquí la mano del cineasta...?).





Los productores independientes William H. Pine y William C. Thomas que habitualmente se dedicaban a modestas producciones que contaban con el apoyo financiero y técnico de la Paramount, a partir de 1953 iniciaron una política de elaboración de películas de serie “A” y BTR sería la primera de las cuatro que los mismos estrenarían en 1955, todo en ello con vistas a intentar combatir el cada vez mayor auge de la televisión en la sociedad norteamericana de la época (similiar política llevaría a cabo la Republic ya desde finales de las década de los '40 como ya comenté más extensamente en la anterior entrega dedicada a la mítica JG).

Dado que Ray no tenía derecho al montaje final de la película (algo muy raro tanto entonces como ahora) los productores mutilaron severamente la misma, tal y como cuenta James Cagney en su autobiografía, lo que desagradó profundamente a la estrella y al director, dado que ambos habían quedado bastante contentos con el resultado.

Y ciertamente se notan discrepancias en el ritmo de la historia así como (y ésto sí que es más relevante) en la relación entre Matt (un excelente James Cagney (¿cuándo está este hombre mal?)) y Davey (un proto-James Dean, guapo pero con menos talento que el citado) que es la viga maestra sobre la que se sostiene el edificio construido por Ray.



Una relación paterno/filial como la que se establecía (aunque a un nivel no tan marcado) entre Andrew Morton (Humphrey Bogart) y Nick Romano (el citado Derek) en la citada LLAMAD A CUALQUIER PUERTA y con un final igualmente trágico (en la primera película Morton no podía impedir la condena a muerte del delincuente Romano y en ésta Dow mata por error a Bishop).

Si hacemos un breve resumen de la historia tal vez nos hagamos un mejor idea de lo que hablamos.

Matt Dow (Cagney) aparece de la nada (como Johnny Guitar en la obra previa de Ray) y siguiendo la vía del tren se dirige al pueblo de Madison, en New Mexico. Cuando se dispone a dar de beber a su cansado caballo en un arroyo cercano, de repente aparece el joven Davey Bishop (Derek) y el primero reacciona fulminantemente apuntando al desconocido al que está a punto de matar (esa rapidez a la hora de desenfundar quedará explicada más adelante en el tramo final de la historia). Matt le advierte a Davey que no es una buena idea acercarse a un hombre por la espalda ya que puede ganarse una bala a las primeras de cambio. Pese a este mal comienzo pronto Matt adoptará una actitud de protección sobre el joven Davey (que tiene la misma edad que hubiera tenido su hijo de estar todavía vivo) aunque a este último le quedará el regusto amargo por haber sentido miedo (aunque Matt le dice que si cuando a alguien le apuntan con un revolver no tiene miedo es un loco o un idiota) algo que con el tiempo se acentuará y acabará por minar el carácter ya de por sí inestable del joven.





Y si bien es cierto que Nick Romano tuvo una vida marcada por la fatalidad ya desde su infancia y pese a sus intentos de salir adelante acabaría finalmente en las garras de la delincuencia casi como si su destino estuviese ya establecido inmutablemente desde su inicio, el joven Davey, huérfano y que es “adoptado” por todos los habitantes del pequeño pueblo, no tiene una excusa para acabar despreciando el cariño que Matt vuelca sobre él y acabará traicionando a su mentor aunque finalmente acabe salvándole la vida pero perdiendo la suya.

Como Davey vive en el pueblo al que se dirige Matt ambos compartirán el camino y empezarán a establecer los cimientos de su relación. Relación que tendrá su primer revés cuando al acercarse para cruzar las vías del tren el revisor del mismo (que había sufrido recientemente un atraco con violencia por parte de la banda de Gentry) lanza la saca con el dinero a los que cree parte de la misma para evitar males mayores. La primera reacción de Davey será quedarse con el dinero pero Matt le dice que su obligación es devolverlo inmediatamente. Hay aquí un primer atisbo (si no consideramos tal su primer contacto en el arroyo) de violencia por parte de Davey cuando tiene intención de disparar por la espalda a Matt y quedarse con todo el dinero, algo que éste evita rápidamente lanzándole la saca y diciéndole que encabece la marcha al pueblo (más tarde Davey reconocerá ante Matt que su primera intención era haberle matado para quedarse con el botín, algo a lo que responde con sorna Matt diciéndole que ya lo había intuido).

De camino al pueblo son asaltados por el sheriff y una partida de ciudadanos de Madison y creyéndoles culpables del atraco disparan sobre ellos. Davey es herido gravemente mientras que Matt con sólo un leve rasguño intenta explicar que ellos no tienen nada que ver con el robo sino todo lo contrario y que llevaban la saca con el dinero para devolverlo. Aunque la primera intención de la partida es colgar directamente a los presuntos forajidos pronto se dan cuenta que el que acompañaba a Matt era Davey, algo que hace cambiar radicamente la situación. Finalmente son llevados al pueblo donde Matt convencerá a los habitantes de que todo ha sido un error. Un grave error que además puede haber costado la vida a Davey (aquí ciertamente la trama deja algo que desear pues es demasiado brusca la transición entre la intención primera de ahorcar a los detenidos y la rápida decisión igualmente de dejar libre a Matt cuando éste se encara con los trabajadores del ferrocarril).

Matt está a punto de perder la vida y sólo gracias a los constantes cuidados que recibirá de Matt, que ha sido acogido en casa de los Swenson, unos (in)migrantes suecos, podrá salir adelante, eso sí con su pierna derecha severamente dañada.



Será en el hogar de los Swenson donde Matt encontrará la tan ansiada paz y donde conocerá a su futura esposa, Helga (Viveca Lindfords (a la que también podríamos ver ese mismo año en el clásico del género de aventuras MOONFLEET (1955, LOS CONTRABANDISTAS DE MOONFLEET) de Fritz Lang, una actriz de origen sueco (como su personaje) a la que pretendían convertir (infructuosamente) en otra Greta Garbo o Ingrid Bergman (¿?)). Otra de esas relaciones profundamente románticas que impregnan el mejor cine de Ray pero que aquí no está tan extensamente desarrollada tal vez debido a los problemas que vió el director en el libreto y en la historia de que partía.



No quiero enrollarme demasiado que ya me conozco y el tiempo (y la paciente de los lectores) es limitado.

Gracias a la dedicación y al apoyo continuo que recibe Davey por parte de Matt (tal vez haciendo por él lo que no pudo hacer por su hijo (algo que más tarde le recriminará el primero al segundo)) logra recuperar en parte el uso de la pierna.

El pueblo de Madison, compungido por el trato dado a ambos, le pide perdón primero a Davey y le ofrece un trabajo bien remunerado algo que éste, no obstante, rechaza con desprecio. En cambio, Matt se aceptará el puesto de sheriff (y la paga de 1.000 dólares anuales que el cargo conlleva) y nombrará a su discreción a Davey como su ayudante.



Pero en su primera actuación como tales, durante el robo al banco del pueblo y mientras Matt persigue a uno de los dos atracadores, Morgan (un Ernest Borgnine que ya había trabajado con Ray en JG (por cierto, en la novela de Roy Chanslor que sirvió de base para la misma el jefe de la banda era el personaje encarnado por Borgnine, Bart Lonergan y no Dancin' Kid) su compañero herido queda, en principio, a cargo de Davey.

Después de haber capturado a Morgan (quién llegó a ofrecer la respetable cantidad de 500 dólares por dejarle libre) Matt se dirige al pueblo pero consternado ve como sin juicio ni jurado el compañero de fechorías del primero ha sido colgado. En la oficina del sheriff Dave se defiende diciendo que el sólo no podía contra una multitud enfervorecida que pedía la cabeza del delincuente. Un decepcionado Matt empieza a vislumbrar que las esperanzas que tenía en el joven tal vez no estuvieran basadas en la realidad como ya le había advertido la dulce Helga. Aquí volvemos a ver que el miedo que vuelve a dominar a Davey (y tal vez algo más) será determinante en el tramo final de la historia. Pese a devolver la placa, Matt no la acepta y le ordena llevar al prisionero a la ciudad más cercana donde pueda ser juzgado con todas las garantías.

Pero será durante ese recorrido que hará Davey con Morgan (no lo visualizamos sino que el propio Davey se lo contará a Matt más adelante) cuando el primero llegue a un acuerdo con el segundo por el cual el primero se convertirá en cómplice de un nuevo robo en el banco a cambio de una parte sustanciosa del botín (85.000 dólares en billetes y bonos negociables). Este será el principio del fin.

Cuando Davey regrese aparentemente herido por Morgan debido a que éste aprovechó un descuido para escapar (Davey pone una y otra vez la herida de su pierna como excusa/comodín válida para todas las situaciones adversas a las que se tiene que enfrentar) Matt no sospecha nada raro pues tal es la confianza ciega que tiene en el joven.



Durante la celebración de la Pascua y mientras todo el pueblo está en la iglesia, la irrupción del forajido Gentry (Grant Withers) durante el servicio nos proporcionará una de las mejores secuencias de la película pues mientras éste entra en la iglesia y todos los rostros se vuelven sorprendidos, la figura de Matt es la única que no vemos. Sólo cuando Gentry se dirige al director del banco se da cuenta de la presencia de Matt (al que vemos sonreir de una extraña forma) y para sorpresa de todos parece conocer (y bien) al citado.

Después de volar la caja fuerte y escapar a caballo Matt, Davey y una partida salen en su persecución aunque los habitantes del pueblo demuestran su desconfianza cuando saben por boca de Matt que éste conoce a Gentry porque fueron compañeros de celda durante varios años. Es, por tanto, un ex-presidario. Pero alguien que pagó por algo que no había hecho (algo similar a lo que le acontece al inicio de esta historia (otra de esas lagunas del libreto que Ray intentó solventar con su siempre excelente puesta en escena)).

Durante la persecución llegarán a territorio comanche y la partida toma la decisión de no seguir adelante dado el peligro que ello acarrearía. No obstante, Matt y Davey seguirán pese a viento y marea. Una tormenta de arena dificulta la marcha y el poder seguir las huellas de los atracadores. En un momento de descuido Davey dispara a Matt pero sólo logra herirlo. Este finalmente logra desarmarlo y decepcionado le pregunta por qué ha hecho tal cosa. Aquí es cuando Davey le comenta que él forma parte de la banda al proporcionarles los datos necesarios para el robo del banco. Disgustado y sobre todo decepcionado, Matt obligará a Davey a seguir la marcha. Encuentran los cuerpos de la mayor parte de la partida muertos por los comanches (salvo Morgan) pero recuperan el botín. Pero se encontrarán con los indios y tendrán que refugiarse entre las rocas donde esconderán el dinero y tratarán de alcanzar el río que hay en las proximidades para poder huir y volver más tarde a recuperar la saca. Pero en el río que baja salvaje un Matt herido no podrá hacer frente a la corriente y pedirá ayuda a Davey pero éste lo único que hace es tratar de ahogarle. Aunque no lo consigue escapará e irá a reunirse con Morgan en el sitio preestablecido, un antiguo pueblo indio abandonado. Matt logra sobrevivir a la furia de las corrientes y se dirige en pos de Matt.





En el final quizás forzado pero hermoso, Matt disparará primero contra Morgan, al que da por muerto y se encarará con Davey al que le reprocha su actitud después de todo lo que ha hecho por él y de considerarlo más que un amigo, un hijo. Pero Davey no está dispuesto a volver y a que le ahorquen (de nuevo el miedo, siempre el miedo, como motor en la vida de Davey, el miedo al que dirán y el miedo a asumir las responsabilidades de la vida de un adulto). Sin embargo, un Morgan herido de muerte pero no muerto intenta en un actor postrero matar por la espalda a Matt (el hecho de matar por la espalda (o al menos intentarlo) parece uno de los leitmotiv no sólo de la trama sino también de las relaciones entre los personajes) y cuando Davey (como decía, tal vez forzadamente (dignificando al personaje)) levante su revolver con la intención de (re)matar a Morgan, Matt lo interprete erróneamente y le mate de un disparo.

Un consternado Matt volverá al pueblo, devolverá el dinero del robo y sólo alcanzará finalmente la paz cuando estreche los brazos de su amada. Cuando ésta le pregunte qué tal lo ha hecho Davey, éste sólo responderá que “bien”.

Fin de la historia.

Para finalizar me gustaría destacar especialmente el excelente trabajo llevado a cabo por el director de fotografía Daniel Fapp y el asesor en el tratamiento del Technicolor Richard Mueller respecto el aspecto visual de la película, con un excelente uso de la VistaVision (procedimiento exclusivo de la Paramount (y que directores como (especialmente) Alfred Hitchcock apreciaban en grado sumo) que proporcionaba a la imagen una extraordinaria nitidez así como potenciaba enormemente la profundida de campo. Por cierto, primera incursión de Ray en los grandes formatos de los que se convertiría en uno de los grandes maestros.



Un western que, al contrario que en JG, fue rodado principalmente en escenarios naturales y que permite apreciar la grandeza del paisaje, algo que sería determinante en buena parte de los mejores westerns de los años '50 (salvo los ya aquí comentados ENCUBRIDORA y JOHNNY GUITAR), sin lugar a dudas, los años dorados del género.

Feliz tarde a todas las mujeres y los hombres de buena voluntad.



P. D. Una de las causas que han provocado la demora en el comentario aparte de mi natural dejadez son mis cada vez mayores problemas musculares así como la recepción de la edición 50 aniversario del álbum blanco de The Beatles que me ha mantenido en el nirvana estos últimos días paladeando una y otra vez tanto las tomas alternativas como la nuevas remezclas y que todo fan del cuarteto de Liverpool debería tener ya en sus estanterías.

P. P. D. Luego añadiré algunas foticos para embellecer la reseña pero es que ya empiezo a sentir que los hachazos del amigo Earle están empezando a quebrar la puerta de roble macizo que sirve de entrada a mi mansión victoriana.

"Here's Johnny!". Venga, Alcaudón, no hace falta exagerar, que la mano de Mad Dog aprieta pero no ahoga. Como ayer fue un día de asueto cinéfilo, no he podido ver tu comentario hasta ahora, o sea que me demoraré un poco en mi apéndice.

Así, intentaré añadir algo a tu comentario hoy mismo, pero ya avanzo que será poco, porque ya has tocado con acierto todos los aspectos del film. Quizá mi valoración será un poquito más crítica, porque creo que los agujeros de guion (quizá motivados por esos problemas de montaje debido la ingerencia de los productores) son notables, y repercuten en el resultado final. Incluso me atrevería a decir que hay un problema de indefinición de los personajes (especialmente de Matt) que afecta notablemente el conjunto. Desde luego, Run for Cover queda lejos, pero que muy lejos, de Johnny Guitar. En cambio, no puedo hacer ninguna comparación con La verdadera historia de Jesse James, porque ni siquiera estoy seguro de haberla visto, y si lo hice, fue hace muchos años por televisión, y no la recuerdo.

Busca tu refugio (Run for Cover) (1955), de Nicholas Ray.

Como el comentario de Alcaudón ha sido exhaustivo, esta vez me limitaré a unas breves notas sobre lo que me ha gustado y lo que no.

De entrada, creo que podríamos analizar Run for Cover, dentro de la obra de Ray, como un híbrido entre los films de jóvenes en apuros (They Live By Night y Knock on Any Door, o la posterior Rebel Without a Cause) y los de maduros un tanto desencajados, atenazados por la violencia, con dificultades de integración en la sociedad (como In a Lonely Place o On Dangerous Ground), aunque en este caso la violencia de Matt está poco definida, apunta más a un episodio del pasado que del presente.

El inicio me recuerda el de Johnny Guitar y el de tantos otros westerns: jinetes cabalgando en solitario. En este caso se van encontrar a la orilla de un río. Son Matt (James Cagney) y el joven Davey (John Derek), que dice tener 20 años (el actor se acercaba a los 30, pero da el pego, con esa cara de niño: recordemos su apodo en Knock on Any Door, “Pretty Boy”)). Nunca llegaremos a saber mucho de ninguno de los dos, en especial de Matt, un forastero con un pasado turbio (que se revelará de manera un tanto sumaria en el último tercio del film). Dice que está divorciado y tuvo un hijo que murió hace 10 años, pero todo ello se cuenta como si se leyera el guion, sin asideros emocionales (o yo no los noté).
El film abunda en hechos casuales, accidentales, como si el destino estuviera jugando con los protagonistas (o como si el guion estuviera escrito a trompicones). Así, les cae literalmente encima una fortuna lanzada por un trabajador del tren, temeroso de que los asalten de nuevo. Están a punto de morir linchados pero alguien reconoce en el último momento a Davey.



El padre de Helga muere porque tiene el “acierto” de aparecer justo en el momento en que asaltan el banco (cuando todo el pueblo está en la iglesia). Además, resulta que uno de los asaltantes compartió celda con Matt, para poder así lanzar una sombra de sospecha sobre el sheriff. El botín lo encontrarán más tarde Matt y Davey entre los cadáveres de los ladrones, masacrados por los indios, que al parecer se han entretenido tanto matando y torturando que no han prestado atención a las alforjas.
Tampoco resulta muy creíble el afer amoroso entre Matt y Helga, por lo rápido y porque yo no supe ver dónde radicaba el atractivo ni de uno ni de la otra (Matt le pide la mano de su hija al señor Swenson... mientras juegan al ajedrez).



Es evidente que Matt busca un refugio en forma de familia, de una casa, de una propiedad donde trabajar para sí mismo, un tópico en el género y en el cine americano en general, aunque de momento ya le va bien hacer de sheriff (curioso nombramiento: eligen a un desconocido, del que no tienen ninguna referencia y al que han estado a punto de colgar).

Ya en el último tercio la película ofrece lo mejor: ese tópico pero siempre agradecido recorrido por una zona desértica ala búsqueda de los asaltantes; el enfrentamiento en el río (Davey intenta matar a Matt), cuando intentan cruzarlo para huir de los indios (que, increíblemente, no los ven); y sobre todo el final en las llamadas ruinas aztecas (los restos de un asentamiento de los indios pueblo), que le dan un toque fantasmal a la resolución del conflicto (como también pasaba en la, a mi modo de ver, muy superior Colorado Territory, de Raoul Walsh,... y no lo digo porque sea un remake de High Sierra). El tiroteo final vuelve a jugar una mala pasada a Matt y Davey, porque cuando Davey intenta evitar que Morgan (Ernest Borgnine, en otro de sus papeles de malote) dispare sobre Matt, este cree que le disparará a él y lo mata: digno del Tarantino de Reservoir Dogs.

En resumen, un film quizá no fallido pero lejos de ofrecer un resultado redondo, puede que por las ingerencias de los productores. Hay muchos huecos en el guion; los personajes están poco perfilados; las relaciones, en especial entre Matt y Helga, no resultan demasiado atractivas (tampoco entre Matt y Davey, la pareja de actores no acaba de funcionar entre sí, Cagney y Derek son actores de estilos muy diferentes), su interés está más en lo que se dice y se presupone que en lo que se ve; el ritmo es un tanto irregular; en definitiva, es una película que a mí no me deja huella, me temo que la olvidaré fácilmente (como ya me pasó la anterior vez que la vi). Es curioso que el mismo director, y dentro del mismo género, pueda alternar un film inolvidable como es Johnny Guitar y otro no malo pero sí bastante gris (a pesar del color), como este Run for Cover.

Justice League: Doom (Lauren Montgomery, 2012)



Secuela de Crisis on two earths. No está mal. De nuevo la JLA se ve amenazada por un grupo equivalente y aunque todos ellos les guardan rencillas, y el método es ingenioso (usan un plan de contingencia del propio Batman), no llega a la potente idea de una JLA maligna o a ese Nite Owl filosófico-nihilista. El villano tiene motivaciones muy vistas en el medio (destruir el mundo, es lo mejor etc). Me ha parecido interesante Green Lantern aunque como siempre Batman es el que da más juego.

Otro miembro más de Firefly aportando su voz (a Green Lantern, precisamente): Nathan Fillion.

1. Batman: Under the Red Hood
2. Batman: Year One
3. Batman: Gotham Knight
4. Justice League: Crisis on Two Earths
5. Justice League: Doom
6. All Star Superman
7. Wonder Woman
8. Superman: Doomsday
9. Superman/Batman: Public Enemies
10. Superman/Batman: Apocalypse