Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

OVERLORD
Durante la segunda guerra mundial, unos soldados americanos buscan destruir una torre enemiga, pero lo que encuentran es un laboratorio con horripilantes experimentos.

No tenía planeado verla, pero vi que era su último dia en Netflix, así que aproveché.
Me arrepiento mucho de no haberla visto en cine, de esas veces que debí confiar en mis instintos y no en la crítica.
Es entretenida, me la he pasado bastante bien, aunque me hubiera gustado que le sacaran más jugo a los elementos de ciencia ficción-horror ya que al final se sienten casi como un añadido, un adorno que no hacia tanta falta en la historia.
Y, si nos ponemos quisquillosos, también me molestó un poco lo pulcros que se mantienen sus uniformes tras todo lo que pasan.

"The Suicide Squad" de James Gunn, con Idris Elba, Margot Robbie y John Cena. Los villanos más peligrosos de la prisión de Belle Reve son enviados por Amanda Waller a una misión a la isla de Corto Maltes, y si sobreviven quedarán libres. Pero descubren el proyecto "Estrella de Mar" que puede poner al mundo en peligro. Una gamberrada de película al estilo "Deadpool", entretenida y que supera a la anterior del Escuadron Suicida.

El páramo




La historia de un niño que enfrenta sus miedos.Diego (estupendo Asier Flores) repite el ciclo interminable de la niñez a la edad adulta.Los eventos de la pantalla deben tomarse metafóricamente. La historia, en mi opinión, es una parábola sobre crecer, hacerse valiente y dejar atrás los miedos de la infancia.Es una película correcta,irregular,primeriza.Me recuerda a la de 2018 'The Wind' que trataba sobre los efectos de la 'Prairie Fever'.




Combo total:

6.7/10

Tall Girl 2 (2022).......................... 6.5











Una secuela interesante







Mi comentario:

Si de la franquicía Mi primer beso, Netflix le ha dedicado tres entregas, no veo extraño que de la película juvenil Tall Girl (2019), y que tan buenos resultados hizo cuando se estrenó (en su momento) en la plataforma streaming, reciba su (tal vez primera) secuela tres años después de la cinta original. Supongo que los que disfrutaron con el largometraje de 2019, entre los que yo me incluyo, han ido de cabeza con esta Tall Girl 2 (2022). Y aunque la trama tira para otro camino, los algo más de 100 minutos de metraje te mantienen atento a la pantalla sin llegar a aborrecer. Es una historia simpática e interesante. El reparto principal sigue siendo el mismo que la anterior, aunque nos presentan a algunos nuevos personajes como Tommy Torres interpretado por Jan Luis Castellanos y Stella (la hermana de Stig, el chico de intercambio que ya conocimos en la anterior película) interpretada por Johanna Liauw. Me ha gustado la incursión de varios números musicales y Matt Messina, el compositor de la partitura musical del film original, regresa para su secuela. No veo que haya mucho más que exprimir con esta historia y con estos personajes, pero ¿quién sabe?, a lo mejor Netflix hace lo mismo que hizo con, la arriba mencionada, Mi primer beso, y si tiene muy buena aceptación, le den luz verde a una tercera entrega. El tiempo lo dirá. Por lo que a mí respecta, la he disfrutado. Esto, en mi opinión, es lo más importante. Mi nota final es de 6.5/10.

Wonder (2017).......................... 10









Wonder es una maravilla. Una sorpresa que nos regala Stephen Chbosky.





Mi comentario:

Wonder. Bonita palabra, sí. En inglés puede significar maravilla o sorpresa. Y la verdad sea dicha, este film ha sido las dos cosas. Sin duda alguna y eso que no es la primera vez que la veo, pero es como si lo fuera, como si la hubieera visto por primera vez en la sala de cine. Te consigue atrapar durante menos de dos horas y no te llega a soltar hasta que terminas los créditos del final. No he llorado como una magdalena, pero me han caído bastantes lágrimas. Las varias historias que ha contado la película han sido la causa de ellas. Bueno, y el muy buen reparto encabezado por Julia Roberts y Owen Wilson, que interpretan a unos magníficos padres, además de Izabela Vidovic como la hermana del niño protagonista Auggie y Jacob Tremblay como el niño protagonista, que aunque no le veamos la verdadera cara en todo el metraje debido a un laborioso maquillaje, está genial.
Este melodrama, que a la vez está basado en el bestseller Wonder de R.J. Palacio, está dirigido por Stephen Chbosky. Este guionista y director ya sacó adelante, y con bastantes buenos resultados, otra estupenda película titulada Las ventajas de ser un marginado (2012) protagonizada por Logan Lerman, Emma Watson, Ezra Miller, entre otros. Cuando veía el tráiler unos meses atrás ya presentía que me esperaba una excelente película y no me he equivocado para nada. Aunque esté basado, como he dicho antes, en una novela, algunos temas que va tocando son bien reales. El acoso escolar o bullying, por ejemplo, uno de los que hay que tener muy en cuenta. Yo creo que esta película es ideal para que la vean los niños y niñas con edades similares a los que van apareciendo durante el metraje. Qué aprendan y valoren ciertas cosas. Mientras la estaba visionando me venía a la mente un film de los ochenta, con un tema parecido, titulado Máscara (1985) dirigida por Peter Bogdanovich y protagonizado por Cher, Eric Stoltz y Sam Elliott, pero hasta aquí los parecidos. La trama de Wonder va por otros derroteros, gracias a Dios. Puedo decir que es otra película que ha conseguido tocarme la fibra sensible, y sí, lo siento, así es. Películas que te hacen tuyo sin que te lo veas venir y, la que ahora nos ocupa, es una de ellas.
Volviendo a observar los pósters del film y leyendo algunos eslogans, me encuentro con uno que me ha llamado mucho la atención: "Auggie Pullman cambiará tu mundo." y no puedo estar más de acuerdo con él. Y tanto que lo ha hecho. Creo que los que lleguen a ver esta película terminarán amándola como yo. Mi nota final es de 10.

Totalmente de acuerdo con dawson sobre las maravillas de Wonder. Es una película que me atrapó desde el primer momento en que la vi. Y siempre que he repetido (la habré visto 6 o 7 veces) me provoca los mismos sentimientos de una profundidad que hasta a mí me asombra. Incluso cuando crucé el charco por primera vez, me la puse, junto a Moonlight (otra de emociones).
Creo que es una pequeña gran joya y que el tiempo le dará un sitio importante en la historia del cine.

Anoche, no sé porque, revisé El orfanato. En su momento la vi en el cine pero todo me suena demasiado así que tal vez la vi alguna vez más en TV.

Me sigue gustando. Genera un terror curioso pues no tiene jump scares, ni trampas (salvo cuando Bayona avanza la cámara hacia Laura como si hubiera alguien acercándose), en un film que funciona tanto si compras la historia tal y como parece (hay fantasmas) como si no (Laura está loca).

Y como el otro día revisé El orfanato, pues ayer le di a Lo imposible, que nunca la había visto y tal.

Como película de desastre me gustó lo suyo: no sólo va al grano (la ola llega hacia el minuto 11-12) sino que todo el proceso, desde las dos olas iniciales, la parte del tronco con Daniel, el traslado por parte de los locales y sobre todo lo ocurrido en el hospital, no sólo esta muy bien rodado sino que, desde la inexperiencia, se me antoja realista y además Bayona sabe captar algo muy humano entre madre e hijo. Ella cayendo progresivamente en la pérdida de consciencia, él haciéndose mayor de golpe, acojonado.

Además es que Holland y Watts se llevan lo mejor de la película. No sólo por sus interpretaciones personales (la de Holland, como chaval duro pero sensible, concentrado, pero aterrorizado, me pareció muy notable) sino porque ambos desprenden una extraña, muy extraña, veracidad como madre e hijo. Uno capta, por ejemplo, ese amor entre ambos (y él es el primogénito, ya sabéis ) (es coña) (o no, yo que sé), que se extiende por toda la película: momentos como los de tener que separarse, el temor de Lucas al ser consciente que ella puede morirse, cuando la pierde, los reencuentros y sobre todo en el avión, al final, un plano de Lucas que lejos de estar feliz sigue como acojonado y mira a su madre, en la camilla, que sólo le mira a él, y de nuevo Bayona sabe captar lo que debe ser un momento así.

Por contra McGregor se me antoja algo menos creíble, los dos niños son demasiado niños para juzgar así que no digo nada, pero todo ese lado de la historia me interesa mucho menos y me resulta menos realista o me toca menos la patata.

Y algo que no me gusta es lo invasiva que es la música. Pero es que Bayona hace algo muy raro, más de una vez, pero sobre todo en el reencuentro doble, primero entre hermanos y luego con el padre, que la música empieza a sonar muy fuerte, y es demasiado cursi para la escena, es como si Bayona en ese momento dijera LLORA JODER LLORA NO VES QUE ESTO ES MUY TRISTE TIO??, cuando hasta ese momento había escenas muy poderosas, de pura dirección/interpretación que no necesitaban de ese plus.

En general me ha gustado (sobre todo Watts/Holland y todo lo que emanan sus escenas juntos) pero lo que no me ha entrado pues... Desequilibra lo suyo.

Iniciado por Synch

Vista Tous les matins du monde anoche en Filmin tras recomendación de Branagh/Doyle (bueno, de su mujer) (no me preguntéis como hemos llegado ahí).

No tenía ni idea de la existencia de esta película francesa de 1991. Está basada en un libro, del mismo nombre, y que toma a los músicos reales del Siglo XVII, Monsieur de Sainte-Colombe y Marin Marais, para contarnos en un flashback total (toda la película) la historia de como el segundo fue pupilo del primero en sus años de duelo por la temprana muerte de su mujer.

Gerard Depardieu interpreta al Marais adulto, tanto en la intro ya con sus años a cuestas, como en su faceta adulta (pero anterior a la versión de si mismo que cuenta la historia), pero buena parte de la película nos lleva a los años posteriores al fallecimiento de la esposa de Colombe, refugiándose en la Viola, viviendo con sus hijas, a las que posteriormente instruye musicalmente y finalmente aceptando a regañadientes tutelar al joven Marais.

Del primer segmento, cuando las niñas tienen aprox menos de 10 años, a cuando ya son mujeres, con un Marais interpretado por el hijo de Depardieu (lo cual ayuda a que se de uno de los casos de parecido real más logrados incluso comparando con rejuvenecimiento CGI actual), destaco un aire a film casi mudo. La tragedia de Colombe se narra a través de los silencios, el tedio vital de la vida del músico (cuando no está tocando) y sobre todo el despertar sexual de la hija mayor, Madeleine (la otra, Toinette, es más viva), con una sensacional Anne Brochet.

En el segundo segmento creo es muy abrupto meter a Depardieu padre pues pasan como ¿10? años y él pasa de la versión de 20 años a la versión del Depardieu padre, mientras que Madeleine es la misma Brochet... Pero compensa porque Brochet está aún más sensacional dejándose morir, con un momento musical acojonante cuando

Spoiler:

se suicida

.

El momento clave, una charla sobre la música entre Colombe y Marais, está muy logrado en su progresión dialogada.

La BSO, con temas clásicos y también nuevos, es a cargo de Jordi Savall que ofrece un recital de Viola con ese toque casi áspero, trágico, del instrumento. Destaco también a las sopranos Montserrat Figueras y Mari-Cristina Kiehr que entiendo son ellas quienes cantan en el temazo que suena en la iglesia aprox a mitad de película.

Creo, Branagh/Doyle, que esta película debe recordarte a Passion por su crudeza sentimental, con Madeleine muy a lo Fosca.

Montserrat Figueras era la señora de Savall. Falleció en 2011. Savall es una eminencia mundial en lo suyo (la viola de gamba), posiblemente el mejor del mundo, poca broma, y jamás ha dejado de vivir en BCN.

La banda sonora son temas clásicos barrocos, principalmente de Marais y Colombe, pero también de otros autores del barroco y del propio Savall en el estilo de la época. El uso de la música es interesante porque aquí resulta un personaje más. Colombe apenas habla pero si que lo hace a través de su música.

La película es una experiencia audiovisual absolutamente absorbente, si entras en lo que propone. Hay planos que parecen bodegones, por ejemplo.

Buen apunte el que haces de Passion, todavía me acuerdo de tu reseña, la hemos leído ya varias veces. Es curioso; aquí abandonaste casi por completo las coñas y la ironía que suelen estar presentes en tus textos (sin dejar de lado la rigurosidad, claro), y adoptaste un estilo más emotivo, por así decirlo. En bastantes tramos, tu texto desprendía ternura, si me permites hablarte así (ya somos amigos creo, al menos en cierto modo).


Creo (ya me dices), que lo que ocurrió es que pese al melodramatismo de la historia (no suele irte mucho, si te conozco bien, el exceso de melodrama) lo compraste porque entendiste a Fosca, empatizaste con ella, con su sufrimiento y con la incomprensión (pues resulta ser mucho más que alguien mentalmente inestable) que experimenta.

A diferencia de mucha gente que se enfrenta a esta obra, no la percibiste en ningún momento como la mala de la película. Si creo recordar que agradeciste a Sondheim/Lapine la escena/flashback de su pasado (con sus padres y el noble austriaco, que luego se casará con ella y la desplumará), por necesaria para entender por qué el personaje es como es.

En fin, creo que te tocó adentro esta obra. Como poco después falleció Sondheim, comprensible que te quieras tomar un descanso antes de seguir reseñando su trabajo.


En fin, disculpa por el psicoanálisis barato y el semi off topic.

Iniciado por Branagh/Doyle

Montserrat Figueras era la señora de Savall. Falleció en 2011. Savall es una eminencia mundial en lo suyo (la viola de gamba), posiblemente el mejor del mundo, poca broma, y jamás ha dejado de vivir en BCN.

La banda sonora son temas clásicos barrocos, principalmente de Marais y Colombe, pero también de otros autores del barroco y del propio Savall en el estilo de la época. El uso de la música es interesante porque aquí resulta un personaje más. Colombe apenas habla pero si que lo hace a través de su música.

La película es una experiencia audiovisual absolutamente absorbente, si entras en lo que propone. Hay planos que parecen bodegones, por ejemplo.

Buen apunte el que haces de Passion, todavía me acuerdo de tu reseña, la hemos leído ya varias veces. Es curioso; aquí abandonaste casi por completo las coñas y la ironía que suelen estar presentes en tus textos (sin dejar de lado la rigurosidad, claro), y adoptaste un estilo más emotivo, por así decirlo. En bastantes tramos, tu texto desprendía ternura, si me permites hablarte así (ya somos amigos creo, al menos en cierto modo).


Creo (ya me dices), que lo que ocurrió es que pese al melodramatismo de la historia (no suele irte mucho, si te conozco bien, el exceso de melodrama) lo compraste porque entendiste a Fosca, empatizaste con ella, con su sufrimiento y con la incomprensión (pues resulta ser mucho más que alguien mentalmente inestable) que experimenta.

A diferencia de mucha gente que se enfrenta a esta obra, no la percibiste en ningún momento como la mala de la película. Si creo recordar que agradeciste a Sondheim/Lapine la escena/flashback de su pasado (con sus padres y el noble austriaco, que luego se casará con ella y la desplumará), por necesaria para entender por qué el personaje es como es.

En fin, creo que te tocó adentro esta obra. Como poco después falleció Sondheim, comprensible que te quieras tomar un descanso antes de seguir reseñando su trabajo.


En fin, disculpa por el psicoanálisis barato y el semi off topic.

Sí, sin duda, Fosca no se me antoja una antagonista, siquiera un obstáculo, aunque su digamos ataque romántico-trágico sobre el pobre soldado es desde el minuto uno casi... Pero su personaje está tan hundido, tan solo, que lo único que puede ofrecer es su pasión desgarrada. Es todo lo contrario a una femme fatale de los años 30 por ejemplo.

Aunque a mi esa Clara también me caía bien. De hecho la primera escena es, joder, están ahí pim pam pum los dos actores

Anoche vi No One Gets Out Alive en Netflix. Es un film de terror estrenado en la plataforma en septiembre y que me anoté como pendiente porque, bueno, simple es uno, protagoniza Cristina Rodlo la cual interpreta a la fascinante Yaritza en Too Old To Die Young y

No sé porque pensaba era una cinta de terror ligero pero es todo lo contrario. Es de esas a lo Seven, oscura, pero literal. Oscura, seca, se te quitan las ganas de todo. Encima está rodada en Bucarest y se ambiente en una parte digamos gris de Cleveland.

Ambar, una joven mexicana, se instala en unos apartamentos sólo para chicas (pero regentado por el clásico tio con pintas algo chungas) mientras intenta salir de un trabajo físico y rememora a su madre fallecida no hace mucho. Y bueno, ve cositas por el apartamento y sus pasillos etc Hay sustos, un rollo malsano y tal, y en su tramo final es bastante bizarra.

Se me hizo bastante pesada la verdad. La Rodlo bien pero no puede lucirse mucho. Lo mejor es que todo lo que acontece, y su final, no están explicados de forma directa por lo que toca deducir que ha pasado pero vaya... A su lado Seven es hasta colorida.

Aprovechando que vi que Scoop, de la etapa londinense de Woody Allen, está en HBO Max y que no la revisé en mi última idem de Allen en 2020 (entre otras porque lo hice vía Filmin y ahí no estaba Scoop) pues le di.

(raro ver esto tras el documental Allen vs Farrow.. Hay un par de líneas de diálogo que creo que van directas a todo el asunto del 91-93 eh!)

Esta la vi en el cine (o muy poco después) y recuerdo reírme mucho pero revisándola ahora definitivamente no es de lo mejor de Allen. Y no ya del Allen de finales de los 70, o el de los 80, o 90, sino del Allen del sXXI. Tampoco es de lo peor pero aparte de que la trama tampoco es muy allá (y por cierto: Sondra no hace NADA ) el tema es que hay pocos one liners graciosos de Allen y muy poca mala leche.

Johansson, que se salía como femme fatale en Match Point, y cumplía muy bien como estadounidense que va de sexy y termina arrinconada por un torrente ibérico algo tarado como la Cruz (el personaje, digo, claro), aquí no le queda tan bien el papel pues no es intrínsecamente divertida salvo algunos destellos aquí y allá (y con esa voz tan... Tan... a veces lo que le sale es ese ronroneo de su personaje de Match Point y otros ).

Además Allen no saca demasiado partido a Londres como sí hacía en Match Point (aunque lejos del partido que le saca a BCN y Oviedo, París y Roma, más allá de si en los 4 casos acierta en la idiosincrasia de los lugares pues jamás superará el que un neoyorquino, enamorado de su ciudad, ruede en ella y la incluya como un personaje más).

LAS (NO NECESARIAMENTE) MEJORES ADAPTACIONES A LA GRAN PANTALLA DE “LOS VIAJES EXTRAORDINARIOS” (1863-1905) DE JULES VERNE (1828-1905) / PARTE IV:

MASTER OF THE WORLD (1961, EL AMO DEL MUNDO)



Director: William Witney.

Producción: Alta Vista Productions / American International Pictures.

Distribución: American International Pictures.

Productores: James H. Nicholson y Anthony Carras.

Guion: Richard Matheson, basado en las novelas “Robur-le-Conquérant” (París, 1886) y “Maître du monde” (París, 1904) de Jules Verne. [Serializadas previamente en el diario “Journal des débats politiques et littéraires” del 29 de junio al 18 de agosto de 1886 y en la revista “Magasin d’éducation et de récréation” del 1 de julio al 15 de diciembre de 1904, respectivamente].

Fotografía: Gil Warrenton, en Color by Pathé y formato panorámico.

Diseño de producción y dirección artística: Daniel Haller.

Música: Les Baxter.

Montaje: Anthony Carras.

Reparto: Vincent Price (Robur), Charles Bronson ([John] Strock), Henry Hull ([Uncle] Prudent), Mary Webster (Dorothy [Prudent]) y David Frankham (Phillip [Evans]).

Inicio de rodaje: 9 de septiembre de 1960.

Duración: 1 h 34 m 19 s.

Estreno: 31 de mayo de 1961.



…

MICK MARTIN: ¿Está satisfecho tal como la AIP hizo EL AMO DEL MUNDO?

RICHARD MATHESON: Si se hubieran gastado más dinero, elegido un mejor reparto y filmado tal y como yo la escribí, hubiera sido otra 20.000 LEGUAS DE VIAJE SUBMARINO. Tenía todo el potencial. Era un buen guion, pero la filmaron con medio millón de dólares. Usaron planos de ENRIQUE V y LAS CUATRO PLUMAS. Lo único realmente sensacional era la miniatura del “Albatros”.



…

Entrevista realizada por Mick Martin y publicada en la revista norteamericana “Cinefantastique” (Volumen 3, Número 2, 1974).

…

El gran escritor (y guionista) Richard Matheson (1926-2013) sintetiza a la perfección en esas breves líneas las (graves) carencias de la película firmada por el prolífico William Witney (1915-2002) y al que el mismísimo Quentin Tarantino consideraba como uno de sus directores favoritos (¡!).

Sólo un par de precisiones al mismo.

Una.

Según la base de datos del A(merican)F(ilm)I(institute) EL AMO DEL MUNDO fue la película más cara hasta la fecha de la A(merican)I(international)P(ictures) de James H. Nicholson y Samuel Z. Arkoff, con un millón (y no medio millón, como indica Matheson) de dólares de presupuesto.

- Recordemos que LA CAÍDA DE LA CASA USHER (1960), de Roger Corman, la primera gran película que salió de la citada compañía, costó tan sólo 300.000 dólares…



… una cantidad desorbitante para los (paupérrimos) parámetros en los que se solía moverse la AIP… -

Dos.

Como era habitual en la compañía y con el fin de por un lado ahorrar hasta el último dólar y por otro lado otorgar a sus productos una duración estándar se saquearon desvergonzadamente secuencias de otras películas.

En este caso, no sólo de las dos mencionadas, LAS CUATRO PLUMAS (1939), de Zoltan Korda y ENRIQUE V (1944), de Laurence Olivier, sino también de LADY HAMILTON (1941), de Alexander Korda.

Dado que esta última se rodó en blanco y negro, no así las dos primeras, resulta ciertamente chocante el que dichas escenas se intercalaran con total desparpajo imagino porque el público habitual al que iban dirigido estas producciones tampoco era precisamente muy tiquis miquis…

Basada en el díptico verneano “Robur el conquistador” y “El dueño del mundo”, entregas n.º 29 y 53, respectivamente, de “Los Viajes Extraordinarios”, el guion de rodaje resulta un atropellado (aunque con cierto encanto, todo sea dicho) digest de las mismas y donde destaca, por encima de todo, el siempre solvente trabajo interpretativo del gran Vincent Price (1911-1993).



Y es que la cinta se incrusta en la filmografía del actor entre sus grandes trabajos para Roger Corman y la mencionada AIP, en concreto entre la citada LA CAÍDA DE LA CASA USHER y EL PÉNDULO DE LA MUERTE (1961).



Por su parte, el hierático Charles Bronson (1921-2003), se antoja un héroe improbable en su encarnación de un funcionario del Departamento (que no Ministerio, como indica erróneamente el doblaje original) del Interior de los Estados Unidos, el señor Strock, un personaje, por cierto, que sólo aparece en la segunda de las dos novelas que sirvieron de base a la película.



- Un Charles Bronson que lograría seguramente sus mejores interpretaciones en sendas películas de John Sturges (1910-1992) [y al que la revista “Dirigido por…” ha dedicado recientemente un excelente estudio (n.º 522, noviembre de 2021], LOS SIETE MAGNÍFICOS (1960) y LA GRAN EVASIÓN (1963). -

Henry Hull (1890-1977), el primer hombre lobo del cine sonoro (EL LOBO HUMANO (1935), de Stuart Walker), se ha convertido en una presencia habitual en los distintos foros en los que participamos algunos compañeros revisando las filmografías de los grandes realizadores y/o actores.

Aquí encarna a “Uncle” Prudent, presidente del Weldon Institute, de Filadelfia, Pensilvania...

... y fabricante de armas, como buen norteamericano que se precie...



Mary Webster (1935-2017) y David Frankham (1926), que en la película encarnan respectivamente a la hija y al futuro cuñado de “Uncle” Prudent, formarán un improbable triángulo amoroso con el citado Strock y de esta forma contentar siquiera mínimamente al público femenino de la época, dado que en las novelas de Verne las mujeres brillan por su ausencia, salvo en el caso de la hija del capitán Grant, Mary y cuya adaptación a la gran pantalla de la mano de la factoría Disney pronto tendrá acomodo en este modesto rincón.

El díptico “Robur el conquistador”/”El dueño del mundo” viene a ser, como acertadamente indicaba Richard Matheson, una especie de relectura de una de las novelas más populares del autor, “Veinte mil leguas de viaje submarino” (1869-1870) y primera entrega del presente coleccionable.

Y es que tanto Nemo como Robur, de los que desconocemos su verdadera nacionalidad, se han convertido en parias de la sociedad.

Dos individuos a los que sus hombres les sirven fielmente hasta la muerte y que tratan de combatir la violencia con el uso de la violencia, aunque sus fines sean esencialmente pacíficos: acabar con todas las guerras a lo largo y ancho del planeta.

Y al igual que en "Veinte mil leguas..." el cuarteto protagonista será rescatado por Robur cuando intentan desentrañar el misterio que envuelve al monte Great Eyry, en Morgantown, también Pensilvania.



Será ahí, precisamente, donde se inicie la acción...



... aunque en realidad sea ahí donde comience la segunda novela, "El dueño del mundo"...

Sin embargo, ambas obras pertenecen a períodos muy distintos en la obra del inmortal escritor francés.

Si “Veinte mil leguas de viaje submarino” se inserta de pleno derecho entre lo más granado de su primera y más optimista etapa dentro de “Los Viajes Extraordinarios”, por contra el díptico dedicado a Robur y su invención, el “Albatros”, forma parte de la etapa postrera y más sombría de su autor.

De hecho y como antes indicaba, “El dueño del mundo” sería la penúltima novela de la mencionada serie (que consta de 54 títulos) y sería publicada tan sólo un año antes de la muerte del autor (1905).

Lo único que redime a esta modesta cinta es, aparte del trabajo del siempre impecable Price, la presencia de otros habituales del ciclo poeano (y lovecraftiano) de Corman, como el diseñador de producción Daniel Haller, el montador Anthony Carras (que aquí además ejerce también de coproductor) o el compositor Les Baxter. Sólo nos faltaría la presencia del gran Floyd Crosby, aquí sustituido por el menos imaginativo Gil Warrenton, para completar el conjunto.

A pesar de todo hay destellos de ese cromatismo exacerbado heredado de Terence Fisher y Jack Asher y que tuvo sus más fieles adeptos en el citado Corman y el gran Mario Bava.





Vosotros mismos.

Próxima entrega…

… LA ISLA MISTERIOSA (1961), de Cy Enfield (y Ray Harryhausen)…

Buenas tardes y, buena suerte.

A mi "El amo del mundo", me parece una película simpática y muy entretenida... Tampoco esperaba gran cosa viniendo de la American International Pictures, entrañable estudio de filmes de serie "B", "C" hasta la "Z"...

No me extraña nada que recicle escenas de otras producciones, pero ellos sabían muy bien aprovechar cada centavo.

Ya solo por ver a Vincent Price y Charles Bronson juntos en una original aventura, ya me merece la pena.

No es de lo mejor de Verne, pero para mi cumple de sobra.

La próxima que comentarás "La isla misteriosa" es una de mis películas favoritas del género de aventuras y fantasía, la he visto desde pequeño un montón de veces, me encanta.

Y la novela de Verne mi favorita junto a "Viaje al centro de la Tierra".

Iniciado por cinefilototal

Ya solo por ver a Vincent Price y Charles Bronson juntos en una original aventura, ya me merece la pena.

A Price y a Bronson ya los vimos juntos en un film anterior multidimensional.

Iniciado por mad dog earle

A Price y a Bronson ya los vimos juntos en un film anterior multidimensional.

Es verdad, y además es otro de mis clásicos de horror favoritos "Los crímenes del museo de cera"...

Iniciado por cinefilototal

Es verdad, y además es otro de mis clásicos de horror favoritos "Los crímenes del museo de cera"...

Me sumo a ese gusto por Los crímenes del museo de cera. La pillé hace años en dvd y me gustó mucho.

Yo la tengo en BD 3D dado que se rodó en dicho formato.

Es una lástima que con el cambio de vivienda no me haya podido traer conmigo la televisión de 42' y 3D pero preferí dejársela a mi madre dado que está acostumbrada a ella y yo mientras me compré una de 50' y 4K.

Luego dicen que el tamaño no importa.

Burro grande, ande o no ande. A mi me gustan las teles grandes. Y creo que es más fácil acostumbrase de menos a más pulgadas que al revés. Me hace gracia eso que comentas de tu madre, acostumbrada al 3D. Ahora que ya no hay teles de ese tipo, me parece que ni tomándome un tripi, consigo ese efecto.

En realidad me refería al hecho de que mi madre está acostumbrada al manejo de esa televisión no a que vea las películas en 3D.

De hecho, mi madre ya sólo ve por el ojo derecho.

Iniciado por Alcaudón

En realidad me refería al hecho de que mi madre está acostumbrada al manejo de esa televisión no a que vea las películas en 3D.

De hecho, mi madre ya sólo ve por el ojo derecho.

A mi madre también le pasa igual. De una operación de glaucoma que no salió bien (no se lo hicieron bien), le quedó un ojo maltrecho que ha ido a peor. Como dice ella, menos mal que el otro sí se lo hicieron bien la operación.

A mi madre le dio una especie de trombosis y perdió la visión del ojo izquierdo.

Lo que no deja de ser curioso es que uno de los dos directores que más (y mejor) usaron el 3-D fue André De Toth... que era tuerto...

Dejo en el aire la cuestión de quién era ese segundo director...



Ah, y De Toth estuvo casado con la diminuta Veronica Lake, la pareja ideal del también chiquito Alan Ladd, que como bien sabéis protagonizó uno de mis westerns favoritos...

Sole

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Lena (S Drzymalska), adolescente polaca accede a vender su bebé a una pareja italiana sin hijos. Ermanno (C Segaluscio), sobrino de la pareja, debe hacerse pasar por el padre biológico del bebé para la adopción, eludiendo las leyes que prohíben la subrogación. La relación de los dos jovenes es árida, obligados a cohabitar y preocupados por sus respectivos cheques,Lena y Ermanno son incapaces de cuidar de sí mismos.Gradualmente la distancia se irá desvaneciendo entre los dos y con la llegada del bebé, Ermanno recupera un poco de amor propio en su estado habitual de inutilidad ludópata.

El guión sugiere lo suficiente,vemos a dos jovenes tristes,con carencias.


Actuaciones a destacar,cerrada como un puño.... la del actor no profesional Segaluscio,hermético más allá de la rabia.Ira indiscriminada, tan probable hacia sí mismo como hacia afuera. Lena se mantiene entre la calma y la indiferencia.
Con los ojos vidriosos murmura que no sabe nada de sus padres. Ermanno, en una conversación con su tío, reconoce el hecho más tragico de su vida. Pero la fisicalidad de su actuación,su comportamiento,la inesperada ternura al cambiar el pañal del bebé, habla de manera más articulada que cualquier diálogo.

Igualmente expresiva es la partitura y ese desenlace en el que se tornan los impetus.


7.3/10

La otra noche vi Niágara, de Henry Hathaway. En la portada del bluray aparecen Marilyn Monroe y otro actor y además con aires apasionados, así que algo tirando al drama romántico era lo que esperaba ver. Sin embargo, para mi sorpresa, la película sigue casi desde el principio un camino más cercano al thriller de suspense, y con dos elementos que me parecen interesantes a destacar.

El primero es, claro, la propia Marilyn. De todas sus pelis y que yo haya visto hasta ahora, que no son tantas, diría que la de Vidas Rebeldes (John Huston, 1961) es su mejor actuación. La MM más seria, madura, con todas las tablas, y liberada de clichés. En Niágara podemos decir que ofrece una actuación bastante solvente, y por eso me convence. Algunos planos sirven claramente para recrearse en ella y en su belleza, pero funcionando al mismo tiempo para la construcción de su personaje y de la relación con el hombre con quien vive. Femme fatale que tan sólo tiene que dormir, que caminar o que hacer mero acto de presencia para acaparar toda la atención, pero sin dejar de transmitir igualmente un aire tácito de vulnerabilidad.




En mi opinión un rasgo que ayuda adicionalmente a que el espectador pueda entrever la existencia de algún misterio latente, más allá de la situación inicial que se plantea. Incluso oscuro quizá, del cual se nos va dando poco a poco más información a medida que avanza el metraje, y contrastando de paso con la luminosidad del Technicolor vibrante, eléctrico.

No recae en Monroe todo el peso del film sino que comparte protagonismo con varios personajes, sin llegar a dibujar su personalidad más que superficialmente. Quizá por ello se recurra a ciertos estereotipos para terminar de construirlos. En especial a Joseph Cotten, personaje profundamente atormentado, así como a Max Showalter como marido modelo. Personificación de la inocencia y la bonhomía de la clase media americana, pero hasta límites casi repelentes. Y finalmente Jean Peters, la esposa ejemplar, que desde un segundo plano inicial termino considerándola la verdadera protagonista del film. Un placer verla brillar en pantalla, cuando en teoría los focos no parecían apuntar hacia ella, y además en las diversas situaciones en que el guión va involucrándola.




El segundo es el marcado estilo Hitchcock de algunas escenas… que es lo que a mí me parece, casi automáticamente, al verla hoy en día. Sin embargo esta película data de 1953, por lo que Vértigo, Con la muerte en los talones y otras más tardarían todavía varios años en llegar… así que me queda la duda: Se trata de aportaciones totalmente genuinas de Niágara? Preceden al propio género noir/de suspense? Hay realmente emulación al maestro? A alguien más le sucedió esta adscripción inconsciente?




Plano cenital:






El uso del rojo me hizo pensar en Nicholas Ray: