Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

"THE LAST SURVIVOR" / "THE WELL"
En un mundo apocalíptico, unos jóvenes sobreviven como pueden escondidos cerca de un pozo que ya se está secando.

Confiezo que al principio temí haber sido engañado por una Z-Movie disfrazada de B-Movie. Pero no, es una película que, aunque humilde, va en serio y se esfuerza por crear una historia de calídad.
En todo caso la disfrazaron de B-Movie para venderla, se nota en especial en el cambio de título. "El Pozo" sería más adecuado, pero si lo cambiamos a "El último sobreviviente" y le añadimos fotos de la prota con espada, podemos engañar al público para que piense que es una película de acción (que la tiene, pero su foco es más el drama)
Por desgracia, la copia que conseguí tiene el audio arruinado en el último acto, aun así creo que es una cinta que vale la pena.

De Lean creo que tengo todas sus películas dado que en mi última visita a Londres, en enero (qué lejos queda...), me compré un paquete en DVD que contiene sus primeras diez películas como realizador.

Y recordemos que antes de director fue montador y uno de los mejores de Reino Unido.

Después de una retrospectiva tan larga (y agotadora, al menos en mi caso) como la de Hitchcock meterse con Lang que tiene más de 40 largometrajes quizás sea un poco precipitado. Yo tiraría más por el británico aunque habría que ver cuándo la iniciaríamos.

Iniciado por Alcaudón

De Lean creo que tengo todas sus películas dado que en mi última visita a Londres, en enero (qué lejos queda...), me compré un paquete en DVD que contiene sus primeras diez películas como realizador.

Y recordemos que antes de director fue montador y uno de los mejores de Reino Unido.

Después de una retrospectiva tan larga (y agotadora, al menos en mi caso) como la de Hitchcock meterse con Lang que tiene más de 40 largometrajes quizás sea un poco precipitado. Yo tiraría más por el británico aunque habría que ver cuándo la iniciaríamos.

Pues miralas porque son auténticas maravillas. Algunas de ellas obras maestrísimas...Ya comentaremos, y yo pondré fragmento del video de you tube que hice con respecto a su obra, para comentaros sutilezas de ¨el montaje dinámico¨, que sólo él y Spielberg (el americano, claramente influenciado por él) hacen uso...Que no sólo es ¨montaje de choque¨ de la que todo el mundo habla del de Lawrence...Según dice, obra de su montador, típico argumento de mala interpretación de roles en la producción. Aquello que dice la montadora de Scorsese...

Hablaremos también de otro recurso, que aparece en el cine en ¨Una mujer de Paris¨ de Chaplin, pero él logra conseguir un efecto maravilloso, que cambiaría, no sólo la narrativa cinematográfica, sino que sería adaptada también a la narrativa literaria del siglo XX....

Y es que Lean, tiene un recorrido de nivel usuario, pero ya desde el punto de vista artístico, sus películas son auténticas cátedras.

Me olvido ya del hilo del confinamiento haciendo honor a la salida del Estado de Alarma y vuelvo aquí

Sigo con ciclo parcial (parcial: las que están en Filmin + empezando por Annie Hall porque si etapa previa no ve va tanto) de Woody Allen.

Alice esta también la vi por 1a vez hace 9 años en un ciclo total que me hice de Allen y entonces no me gustó mucho. Ahora tampoco. No está mal y aprecio el punto original de meter comedia fantástica aunque esos momentos sean, claro, simplemente para contar la historia que pretende Allen (como ya hizo en Cairo). Además las escenas del Dr Yang son cada vez más divertidas, dándole a Alice drogas cada vez más chungas

Allen mezcla de nuevo drama y comedia, sin separarlo como en Hannah, ni directamente sin hacer dos películas en una como en Delitos y Faltas, y la verdad es que el resultado es potable pero la historia no reviste el mismo interés que en la totalmente drama Another Woman y, de nuevo, Mia Farrow queda claro que no sirve para tooooodos los papeles. O a mi gusto vaya. En Cairo o September (ahí está fabulosa, maravillosa) sí, en otros casos no pero no es protagonista (Hannah, aunque sea Hannah, ella no es la prota; y Radio Days), pero en Alice ya es otro tema. Cuela, claro que sí, es Mia Farrow, pero es de esos papeles que me puedo imaginar a otras actrices.

La parte de humor es curiosa porque es contenido, no demasiado expuesto, pero son las coñas habituales de Allen a costa del catolicismo (con mucha mala leche pero bien disimulada) y alguna más suya que puede soltar en momentos puntuales, pero aún así la mezcla, aunque pasable, tampoco termina de funcionar.

Siendo 1990, y de nuevo NYC (en cada film Allen inserta alguna escena de pura exhibición neoyorquina y es brutal), se nota ese punto intermedio ni años 80, ni aún años 90. Mola.

La novia ensangrentada (1972), de Vicente Aranda



Adaptación de Vicente Aranda de “Carmilla”, la célebre novela del irlandés Sheridan Le Fanu. Reconozco de entrada que la película me ha sorprendido gratamente. Estamos lejos de encontrarnos delante de un buen film, pero sin duda tiene su interés, y está rodado con mucho más gusto de lo que era habitual en aquella época en el cine español de terror. Eso sí, Aranda, conocido erotómano, tira de insertos de pechos desnudos y de sexo femenino con pelos y señales, algo que sorprende tratándose de un film de 1972 (¿se vio así en las pantallas españolas en la época o fue convenientemente censurada? Me inclino por lo segundo). Los desnudos corresponden al personaje de Maribel Martín, aunque la manera como encuadra esos planos y los cortes que se introducen me hacen pensar que corresponden a una doble.

Un pareja recién casada (él, Simón Andreu, ella, Maribel Martín), en luna de miel, llega a la mansión señorial del marido (previamente, la mujer se ha negado a pasar una primera noche en un hotel, porque tiene la visión de una violación). Allí, Susan, la esposa, repara en la ausencia de retratos de las mujeres de la familia. Los cuadros se encuentran en el sótano, junto al de una mujer a la que han eliminado el rostro, Mircalla Karstein, sobre la que circulan viejas leyendas de que mató a su marido con un cuchillo en la noche de bodas y de que quizá siga viva.

Después de unos primeros días de felicidad, Susan (que parece mostrarse incómoda con la pérdida de su virginidad) va a tener pesadillas que cada vez la van a alejar más del marido, un ansioso macho que pretende copular con ella tantas veces como tenga deseo de ello. Susan verá a una misteriosa mujer que, poco después, aparecerá desnuda, enterrada en la arena de la playa, de donde la recoge el marido. Es Carmilla (la bella Alexandra Bastedo), de quien no se conoce su origen, y que como todo aficionado al género sabrá es, ni más ni menos, que la no-muerta Mircalla. La película no acentúa la caracterización de Mircalla como una típica vampira (aunque la veremos durmiendo en un ataúd),



sino más bien nos la muestra como una seductora que atrae a Susan y con la que mantiene una relación que podríamos calificar de lésbica, en la que la sangre por un lado y la misandria, aversión a los hombres, por otro juegan un papel esencial.



La película es dura en algunos detalles, como por ejemplo cuando Susan dispara al guardés de la casa, después de apuñalarlo, en los testículos, simbolizando la castración, o la saña con la que apuñala al marido en sueños y al médico despierta, junto a Mircalla. O, quizá el momento más duro, cuando el marido ejecuta a una niña, con un tiro en la nuca, porque ve en ella una seguidora de Mircalla. La película, pues, parece apuntar a un cierto feminismo radical avant la lettre curioso de ver hoy en día. Desgraciadamente, también incluye la muerte de una zorra, atrapada en un cepo, que tiene todo el aspecto de ser real.

A pesar de sus defectos, me ha sabido a gloria después de haber visto en los últimos días dos muestras de eso que se suele llamar fantaterror: por un lado, la primera entrega de la serie de películas sobre Waldemar Daninsky (Paul Naschy, que siempre me ha parecido un mal actor), La marca del hombre lobo, de Enrique López Eguiluz,



y por otro, la segunda entrega de la trilogía de los templarios de Amando de Ossorio, la horripilante, por mala, El ataque de los muertos sin ojos.



Guardando todas las distancias, que son muchas, me pasa como con Shyamalan: nunca he entendido la pasión con la que algunos defienden el hombre lobo de Naschy ni las películas de terror de De Ossorio. Al menos las que he visto, que reconozco que son pocas, me parecen francamente malas.

Mad dog, ¿has visto la película maldita ¨Las campanas del demonio¨ de Claudio Guerín?...Creo que el director tuvo una tragedia en el film.

Me recuerda un poco a ¨Martin¨ de George A. Romero...Ciertamente, por los flequillos setenteros.

Iniciado por C.Bethencourt

Mad dog, ¿has visto la película maldita ¨Las campanas del demonio¨ de Claudio Guerín?...Creo que el director tuvo una tragedia en el film.

Me recuerda un poco a ¨Martin¨ de George A. Romero...Ciertamente, por los flequillos setenteros.

No, nunca he tenido la oportunidad (por cierto, acabo de comprobar que hay copia en YouTube: me la apunto). Recuerdo el accidente de Claudio Guerín: se cayó desde el campanario de las campanas que dan título a la película. Se habló bastante de ello en la televisión de entonces (yo era un chaval y me impresionó). Sobre el look del cine de los 70... es horroroso: los flequillos, las greñas, las patillas, los bigotes, las camisas ajustadas y mostrando pecho lobo, los pantalones de "pata de elefante", los jerseys de cuello de cisne, los botines... ¡El horror, el horror!

Iniciado por mad dog earle

No, nunca he tenido la oportunidad (por cierto, acabo de comprobar que hay copia en YouTube: me la apunto). Recuerdo el accidente de Claudio Guerín: se cayó desde el campanario de las campanas que dan título a la película. Se habló bastante de ello en la televisión de entonces (yo era un chaval y me impresionó). Sobre el look del cine de los 70... es horroroso: los flequillos, las greñas, las patillas, los bigotes, las camisas ajustadas y mostrando pecho lobo, los pantalones de "pata de elefante", los jerseys de cuello de cisne, los botines... ¡El horror, el horror!

Pues viendo ¨Martin¨ de Romero me vino a la memoria ¨Las campanas....¨, raras avis las dos, interesantes. Creo que, ya fuera de broma, las reminiscencias que me hicieron evocarla pudiera ser por la desorientación de un protagonista del que no se sabe por donde va a ir...O por dónde irá el film.

Aún así, interesantes ambas...Y me recuerdan la una a la otra...

Paul Naschy no era un mal actor sino un pésimo actor. Y además yo siempre le recuerdo doblado.

Hace ya tiempo, me interesé por esa tragedia de Claudio Guerín. No lo conocía, pero me impactó su muerte. Parece ser que este director tenía mucho futuro por delante, y en su siguiente proyecto iba a trabajar con Max Von Sydow.

Iniciado por tomaszapa

Hace ya tiempo, me interesé por esa tragedia de Claudio Guerín. No lo conocía, pero me impactó su muerte. Parece ser que este director tenía mucho futuro por delante, y en su siguiente proyecto iba a trabajar con Max Von Sydow.

Yo sabía que se había muerto en el rodaje, pero no que se había caido por el campañanario. Pensé que se le había caido la campana encima. Algo más truculento, la verdad.

El film tiene cosas muy interesantes.

Esta es la iglesia, con un campanario, en Noia (en A Coruña)



Al parecer, Claudio Guerín quería que apareciera con dos torres, y por tanto, dos campanarios. Se hizo una construcción de cartón piedra y había un andamiaje, un pasadizo con unos quitamiedos a ambos lados. Como llevaba chanclas, tropezó al querer saltar, se desequilibró y cayó desde 20 metros.
Un poco escabroso, pero esto es lo que contó el guionista de la película, allí presente en ese momento:

“Es una imagen que nunca se me borrará de la cabeza. Verle caer y retorcerse en el aire para tratar de evitar una verja con pinchos que había al pie de la torre. Mientras caía él sabía que aquella verja estaba allí y esa forma de retorcerse nunca la olvidaré. Logró evitar los hierros pero se estrelló contra el suelo. Fue una imagen espantosa.”

Iniciado por tomaszapa

Esta es la iglesia, con un campanario, en Noia (en A Coruña)



Al parecer, Claudio Guerín quería que apareciera con dos torres, y por tanto, dos campanarios. Se hizo una construcción de cartón piedra y había un andamiaje, un pasadizo con unos quitamiedos a ambos lados. Como llevaba chanclas, tropezó al querer saltar, se desequilibró y cayó desde 20 metros.
Un poco escabroso, pero esto es lo que contó el guionista de la película, allí presente en ese momento:

“Es una imagen que nunca se me borrará de la cabeza. Verle caer y retorcerse en el aire para tratar de evitar una verja con pinchos que había al pie de la torre. Mientras caía él sabía que aquella verja estaba allí y esa forma de retorcerse nunca la olvidaré. Logró evitar los hierros pero se estrelló contra el suelo. Fue una imagen espantosa.”

Tremendo...En cualquier caso...Tampoco es tan, tan, importante el dichoso campanario...

Escalofriante. No recordaba este detalle, pero sí que cuando se conoció la noticia causó una gran impresión. Creo que a Guerín se le veía como un director joven con mucho futuro. Una desgracia.

Nada más lejos de mi ánimo ser morboso pero no recuerdo el título de una película clásica en que había una escena similar.

Iniciado por Alcaudón

Nada más lejos de mi ánimo ser morboso pero no recuerdo el título de una película clásica en que había una escena similar.

¿Lo de caerse de un campanario? Sí, me suena de algo.

Sin duda Alcaudón se refiere a ¨Él¨de Buñuel

Pero en la de Buñuel no se cae nadie.

Iniciado por mad dog earle

Pero en la de Buñuel no se cae nadie.

Y yo que le veo un parecido tremendo a Arturo de Cordova en ¨El¨, con Tom Helmore en ¨Vértigo¨...


En cualquier caso...Me reitero en que en la película de Guerín, el interés no es el campanario, que es totalmente anecdótico. Para mí tiene muchísimas reminiscencias a ¨Martin¨ de George A. Romero, en ese estado desorientado del protagonista, muy bien conseguido en ambos films. O sea, hay una intención cinematográfica para conseguir esa difusión de la realidad.

THE FUNHOUSE (1981, LA CASA DE LOS HORRORES)



Copyright 1981 by Universal City Studios, Inc.

Estreno: 13 de marzo de 1981 (EUA).

Dirigida por Tobe Hooper.

Producida por Derek Power y Steven Bernhardt.

Escrita por Larry Block.

Fotografiada por Andrew Laszlo (en Technicolor y Panavision).

Musicalizada por John Beal.

Protagonizada por:

- los “buenos”: Elizabeth Berridge (Amy), Cooper Huckabee (Buzz), Largo Woodruff (Liz), Miles Chapin (Richie).

- los “malos”: Kevin Conway (el padre), Wayne Doba (el hijo).

Recientemente hablábamos de Tobe Hooper (1943-2017) y de su gran y única (al parecer) obra maestra, THE TEXAS CHAIN SAW MASSACRE (1974, LA MATANZA DE TEXAS).

Hace un tiempo tuve oportunidad de comentar en este mismo rincón LIFEFORCE (1985, LIFEFORCE: FUERZA VITAL) [https://www.mundodvd.com/las-ultimas...8/#post4211929] y creo que dejé claro la profunda decepción que me supuso su visionado.

Otra de esas películas “de culto”, la mayor parte pertenecientes al cine de los ‘80 y a las que el paso del tiempo no ha sentado, en general, nada bien.

Tampoco la revisión de la serie SALEM’S LOT (1979, EL MISTERIO DE SALEM’S LOT) [https://www.mundodvd.com/las-ultimas...3/#post3891915] aunque ciertamente mucho más estimulante tampoco supo reconciliarme como mi yo de juventud cuando la misma se emitió por la televisión nacional en 1985 pese a tener toques aquí y allá que todavía provocan cierta inquietud.

Sin embargo, cuando uno menos se lo espera salta la libre.

Y es que LA CASA DE LOS HORRORES, el cuarto largometraje de Hooper, se configura no sólo como una excelente película de terror sino que, a falta de conocer el resto de su (breve) filmografía, yo diría que es un digno sucesor de LA MATANZA DE TEXAS, uno de los títulos de dicho género que más influencia ha tenido en el cine de los últimos años.

Una película que aunque mantiene una manifiesta conexión con la citada obra maestra de Hooper presenta igualmente notables diferencias tanto de forma como de contenido.

Lo que es evidente es que la visión que tiene Hooper de la familia es cualquier cosa menos ortodoxa y por ello se me hace harto difícil seguir pensando que POLTERGEIST (1982, POLTERGEIST (FENÓMENOS EXTRAÑOS) sea más una película de Hooper que de Spielberg, quien no sólo la produjo y la coescribió sino que se encargó personalmente del montaje.

Y es que si en LA MATANZA un grupo de hippies era sistemáticamente masacrado por esa familia de psicópatas caníbales cuyo buque insignia era el gigantón “Leatherface” y su sierra mecánica, aquí el cuarteto de adolescentes que decide pasar la noche en “La Mansión del Terror” de una atracción de feria sufrirá igualmente el azote de un padre y de un hijo con parecidos instintos.

Sin embargo, en LA CASA ese papel de agresor / víctima no está tan perfectamente claro e incluso en ciertos momentos de la película vemos como se pasa de uno a otro sin solución de continuidad.

Tampoco nos encontramos en la América profunda que tanto juego ha dado al cine de género en los últimos años, donde los protagonistas están aislados de todo y de todos, sino todo lo contrario, en medio de una ciudad de tamaño mediano y que sin embargo se convierte en un entorno igualmente amenazante y hostil.

Igualmente, el retrato que Hooper hace del personaje del hermano pequeño de Amy, la única del grupo que sobrevivirá a esa noche infernal, un friki de los clásicos del cine de terror (el póster de la Criatura encarnada por el gran Boris Karoff en tres películas de la Universal preside su habitación, el cual nos sirve además como una pista de lo que más tarde va a acontecer) es cualquier cosa menos positivo.

Y es que si al inicio de la película hemos visto como el pequeño da un susto de muerte a su hermana mayor en la ducha, en una escena que es a la vez un homenaje y una parodia a dos títulos tan emblemáticos como PSYCHO (1960, PSICOSIS) de Alfred Hitchcock y HALLOWEEN (1978, LA NOCHE DE HALLOWEEN) de John Carpenter, lo que provocará el justo enfado de ésta, al final éste se tomará su revancha a negarse a revelar el paradero de los jóvenes a los que ha seguido a escondidas y, por tanto, se convertirá en cómplice, en cierta medida, de lo que les va a suceder.

Y aunque padre e hijo aparentemente sean menos intimidantes que “Leatherface” y compañía, lo cierto es que Hooper logra crear algunas escenas francamente potentes de terror, especialmente las que están centradas en la trágica figura de ese adolescente mutante que tiene que cubrirse el rostro con una máscara del monstruo…

… de Frankenstein.

Además Hooper utiliza magníficamente bien el (aparentemente) limitado espacio en el que se mueven los personajes, el interior de la atracción de feria, de forma que parece que en el mismo están alteradas las perspectivas, como en los cuadros de M. C. Escher.

Aquí, al contrario que en LA MATANZA, donde Hooper utilizó los colores terrosos, acordes con el entorno en que se movían los personajes, prefiere los colores cálidos y brillantes, especialmente los primarios (azul/rojo/verde) y que todos asociamos a esas atracciones.

Igualmente destacar la excelente banda sonora de John Beal, que armoniza a la perfección con la puesta en escena ejemplar del director y que además se aleja de esa imagen feísta que era una de las señas de identidad de LA MATANZA.

Lo que es más de admirar en Hooper, tanto en LA MATANZA como en LA CASA, es que pese a ser consideradas dos ejemplos preclaros de slasher, la efusión de sangre en ambas es ciertamente mínima.

Hooper no necesita cargar las tintas en la violencia de las acciones dado que el auténtico terror viene más bien de lo que no vemos (pero sabemos que está pasando) que de lo que se nos muestra en la pantalla.

Lástima que los siguientes títulos de Hooper, al menos los que yo he visto hasta ahora, nos ofrezcan una versión más domesticada, más adocenada, del terror porque era un autor que en otras circunstancias (personales y/o profesionales) podría haberse convertido en uno de los grandes maestros del género.

Claro que la presencia de dos títulos tan notables en la filmografía de un director con una carrera tan corta como Tobe Hooper tampoco creo que pueda considerarse un fracaso.

Ni mucho menos.

Para finalizar comentar que la reciente edición (2020) en BD por parte de Divisa presenta una notable falta de nitidez, compensada por unos colores vibrantes y un excelente sonido, tanto en los diálogos como en la estupenda banda sonora.

Eso sí, en la contracarátula se indica incorrectamente que la película es 1.33:1 (cuando en realidad es 2.39:1) y que la duración es de 88 minutos (cuando en realidad son 95 minutos (de hecho el contador se para en 1 h 35 m 00 s)).

También los créditos que la acompañan son un tanto chapuceros al confundir a los productores (a secas) con los productores ejecutivos. Vamos, que está al revés.



No es la mejor edición posible pero sí una película altamente recomendable especialmente para los que como yo pensaban que Hooper únicamente había dirigido una buena (gran) película en toda su carrera.

Maribel y la extraña familia (1960), de José María Forqué



Forqué lleva a la pantalla una célebre obra teatral de Miguel Mihura, que participó también en el guion. Se trata de una comedia con un ligero tono de humor negro (muy leve), y que aunque hoy en día puede resultar algo trasnochada en su intento de disimular la profesión de la protagonista, una mujer “de vida alegre” (o sea, una prostituta que se vende en bares de alterne), no deja de tener su gracia, y funciona a la perfección en su apartado interpretativo.

Marcelino (sobrio Adolfo Marsillach) es un hombre tímido, silencioso, serio, aburrido y provinciano, que se traslada a Madrid desde su pueblo, en donde regenta un negocio familiar de chocolatinas, para buscar novia. Allí encuentra en un bar a Maribel (espléndida Sylvia Pinal), que lo fascina a primera vista, de tal manera que permanece ciego (o quizá más bien quiere permanecer ciego) a su oficio. Con la aquiescencia de sus encantadoras madre y tía (excelentes Guadalupe Muñoz Sampedro y Julia Caba Alba) convencen poco a poco a Maribel de la conveniencia del matrimonio, que para ella supondría un cambio radical en su manera de vivir. Pero sus compañeras de profesión y de pensión, las desconfiadas Rufi, Pili y Nini (respectivamente, Trini Alonso, Carmen Lozano y Gracita Morales, que aparece acreditada como Gracia Morales), le calientan la cabeza con sus sospechas de que Marcelino esconde alguna oculta intención de tipo criminal, impresión que se acentúa cuando este le propone a Maribel viajar solos hasta la casa familiar en el pueblo. Las amigas fuerzan acompañar a Maribel en el viaje, especialmente preocupadas porque han descubierto que Marcelino es viudo y que su mujer murió ahogada en el lago que hay al lado de la casa (el lago de Sanabria).



Hay momentos realmente divertidos, gracias sobre todo a unos diálogos chispeantes y a unas interpretaciones brillantes.

Vera, un cuento cruel (1974), de Josefina Molina



La película de Josefina Molina, una de las escasas directoras de cine españolas de la época, es muy atractiva sobre el papel. Se trata de la adaptación de un breve relato de Auguste de Villiers de L'Isle-Adam, con guion de la propia Molina y de José Sámano. Aunque se parte del texto del escritor francés del siglo XIX, la narración cinematográfica incorpora muchos personajes y situaciones, e incluso modifica notablemente el sentido del texto original y su final.

Alfredo Quiroga (Víctor Valverde, especialista en papeles de galán romántico) es un noble que regresa a su mansión en España casado con una joven francesa. Pero si la película nos muestra en la primera secuencia la ceremonia del casamiento (todavía en el país galo), en la segunda secuencia asistimos al entierro de la mujer, Vera, en la cripta familiar de los Quiroga. El matrimonio, apasionado, ha durado solo alrededor de un año. Alfredo, con la complicidad de Roger, el criado francés (Fernando Fernán Gómez, excelente, pero que como criado francés no acaba de resultar creíble), mantiene la ficción de que Vera continúa viva.



A pesar de ello, la hija del notario y amiga de la infancia, María (Julieta Serrano), intenta establecer una relación amorosa con Alfredo sin que le acompañe el éxito. Tampoco consiguen sacar de su ensimismamiento a Alfredo ni el notario (José Vivó) ni el cura (Luis Ciges) ni un viejo amigo de la familia (Alfredo Mayo), que llega de visita a la mansión con sus dos hijos (Lucía y Miguel Bosé, en uno de sus primeros trabajos cinematográficos). A diferencia del texto original, la película acaba otorgando más protagonismo al criado, Roger, que idolatraba a Vera desde que esta era una niña, y por la que mantiene una veneración fetichista que va más allá de la muerte.

La historia se prestaba a un tormentoso film de romanticismo gótico, con criptas, cadáveres, visiones alucinadas, amores apasionados, etc., pero falla en el capítulo visual. En su descargo diré que la copia que emite Movistar es de muy mala calidad, lo cual agrava la arriesgada elección estética de la directora y del director de fotografía, José Luis Alcaine, a base de profusión de planos a contraluz, con los cielos quemados, un uso excesivos de filtros que confieren a la imagen un marcado desenfoque y poca nitidez mediante el efecto flou, y una iluminación escasa en los interiores, que dificulta el visionado. No sé cómo se vería en el momento del estreno, pero en la copia programada, el visionado es un castigo, que se une a lo confuso del desarrollo argumental para acabar ofreciendo un resultado bastante decepcionante. Podría haber sido mucho mejor.

Veinte años después de esa adaptación al cine, Cayetano Luca de Tena, famoso director teatral (uno de los mejores de la posguerra), dirigió Maribel y la extraña familia para la televisión esta obra, con Charo López, haciendo de prostituta y Jaime Blanch, en el papel que hizo Marsillach anteriormente. En el reparto, también destacaban la televisiva Fedra Lorente e Isabel Luque (que cogió fama en la época del destape).

Ya es raro que falle Alcaine.

Aunque es verdad que la regularidad en el resultado final nunca fue su fuerte. Recuerdo algunas hazañas en ¨¿Quién puede matar...¨ y también la falta de continuidad desde una fotografía difusa (con look casi documental malo), a otra más incisiva, sequísima y de alto contraste en otra.

Iniciado por C.Bethencourt

Ya es raro que falle Alcaine.

Aunque es verdad que la regularidad en el resultado final nunca fue su fuerte. Recuerdo algunas hazañas en ¨¿Quién puede matar...¨ y también la falta de continuidad desde una fotografía difusa (con look casi documental malo), a otra más incisiva, sequísima y de alto contraste en otra.

Sí, a mí también me extraña, por eso relativizo mi crítica, ya que la copia disponible en Movistar está en muy mal estado. La fotografía quiere ser muy ambiciosa, pero al margen del uso de pocos recursos de iluminación en interiores (quizá la parte más atractiva), hay un abuso muy de los 70 en el uso del flou y de los planos a contraluz (supongo que para dar a la narración cierto carácter onírico, fantástico), pero el resultado es, para mí, francamente molesto.

Se consiguen efectos como estos (las capturas, que he encontrado por Internet, son malas, pero la copia emitida no es mucho mejor):

Leo que José Luis Alcaine fue pionero en el uso de tubos fluorescentes en los años 70,como luz principal. En cualquier caso, más allá de experimentaciones, decir que adoro a Alcaine. El cine de Pedro no sería el mismo sin su increíble aportación.
Además, rompo una lanza en favor suya. Esta Vera, un cuento cruel es de sus primeros trabajos como director de fotografía. Antes había hecho bastantes cortos y varios documentales.