Un ojo por ojo en toda regla: como no se veían las caras en la peli, ya no te vieron la tuya en la tienda :cuniao
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A Little Princess (Alfonso Cuarón, 1995).
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Vista por primera vez debido a una conexión de deberes pendientes entre Nolan y Whedon (más allá de que ambos aparezcan en los créditos de Justice League :D) y a la vez la escena del shawarma en Avengers :D
Resulta que tenia pendiente revisar Interstellar, porque la vi en el cine, de eso hacía 4 años y pico y apetecía. Y como en un grupo de cine surgió debate Interstellar - Gravity y esta no la he visto, la añadí a la lista de pendientes. Al ser de Cuarón, y como adoro su Potter, me fijé en su filmografía y vi que estaba Y tu mamá también, que la tenía pendiente, así que la añadí (antes de Gravity, que el TOC cinéfilo obliga a orden). Y vi que también estava A Little Princess (olvidé que estaba en lista, sino debería haberla visto antes de la anterior :D).
Bien pues esta la quería ver porque la novela en la que se basa es de las favoritas de Joss Whedon, incluso ha comentado la posibilidad de hacer una nueva adaptación y sobre todo tiene presencia en el episodio A Hole in the World de la quinta temporada de Angel, probablemente el más duro de la serie, y en el que un personaje pide que le lean dicha novela. De lo hechos polvo que quedaron Whedon y los dos actores implicados, se fueron tras el rodaje a tomar algo y apenas se dijero nada: que es lo que Whedon quiso transmitir en la mencionada escena del shawarma.
En aquel episodio alguien leía a otro personaje (te odio, Joss :D) este fragmento de la novela:
She was such a little girl that one did not expect to see such a look on her small face. It would have been an old look for a child of twelve, and Sara Crewe was only seven. The fact was, however, that she was always dreaming and thinking odd things and could not herself remember any time when she had not been thinking things about grown-up people and the world they belonged to. She felt as if she had lived a long, long time
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Dicho esto he visto el film y me ha gustado, no en demasía, eso sí. La formulación, preceptos y casi que parte de la producción se deben no sólo al material de origen infantil, sino que casi podrían llevarse a una escenografía teatral. E insertar canciones, como ya se ha hecho en otras adaptaciones.
Cuarón ofrece una nueva muestra de sus cualidades para una narrativa fluida, tal vez algo convencional (primer trabajo en Hollywood), pero crucial para la tipología del film. Los 90 y escasos minutos son idóneos. Liesel Matthews, como Sara y Eleanor Bron se llevan todo el peso del film e, intuyo, que debemos darle buena parte del mérito a Cuarón: todo el reparto infantil está genial y ya sabemos que rodaje con niños suele ser imán para problemas de rodaje.
BSO Patrick Doyle que casa sin problemas con el pretendido tono del film y me ha recordado, en algunos puntos, ciertas películas de escapismo infantil o juvenil de los 80 y 90.
Un cuento, ni más ni menos, a saco y sin opciones a rascar donde no se debe. Destaco cuando la niña que a veces rompe a llorar es asistida por Amelia y cuando esta se le acerca y le pone la mano, la niña le muerde cual perro :lol
Y esto:
Ermengarde: My father hates dolls. And he hates coming here. Says he doesn't belong.
Sara: Then why does he send you?
Ermengarde: Because he wants me to belong.
Prístino. Genial.
Muerte en los pantanos (Wind Across the Everglades), de Nicholas Ray.
Subsanados mis problemas técnicos, he podido por fin revisar el film de Ray, aunque no en buenas condiciones. La edición de Warner-Impulso es muy mala: ni respeta el formato (ofrece el film en 1,33:1) ni presenta unos colores o una conservación aceptable (hay alguna secuencia nocturna penosa), con lo cual uno tiene la impresión de no haber visto la película, sino un sucedáneo.
Pero al menos el visionado me ha permitido reconciliarme con este film, que recordaba como francamente malo, probablemente influido por uno de esos doblajes integrales televisivos (que es como la había visto hace muchos años, en 1994). Con todo, hay que decir que es un film extraño, quizá debido a las especiales circunstancias del rodaje y, sobre todo, del montaje final, como ha señalado Alcaudón, que quedó en manos del productor, Budd Schulberg el cual, al parecer, prescindió de bastante metraje rodado por Ray. Parece un film tan hecho a pedazos, como los vestidos de los integrantes de la banda de Cottonmouth.
Ya desde el inicio todo resulta curioso: la presentación de film mediante una voz en off, un alegato ecologista sorprendente para la época; un Miami que parece no ser más que un pueblo de mala muerte; una “bandada” de señoras luciendo unos enormes sombreros con plumas... que resultan ser las pupilas del prostíbulo de Mrs.Bradford, pero que a su vez resultan indistinguibles de las señoras de la burguesía de la ciudad.
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Descubrimos un grupo dedicado a la defensa de los pájaros, los Audubon’s, nombre que procede del ornitólogo John James Audubon, grupo en el cual se enrola el protagonista, Walt Murdock (interpretado con extraña convicción, con un estilo fresco y original, por Christopher Plummer, en su debut), un profesor que no llega a ejercer porque es despedido el primer día (por arrancar una pluma del sombrero de la señora del cacique local, Leggett, tipo corrupto hasta la médula y de maneras dictatoriales).
Murdock, convertido en una especie de agente federal para la defensa de los pájaros y, en general, de la fauna de la zona de los Everglades, tendrá como misión principal acabar con las andanzas de una pandilla de facinerosos dedicados a matar en masa a los bellos pájaros de la zona para comerciar con sus plumas. Ray no nos ahorra duras imágenes sobre la carnicería. La banda de piratas de los pantanos, dirigida por Cottonmouth (un soberbio Burl Ives, especie de cruce entre Barbanegra y Long John Silver), un grupo de sucios y andrajosos delincuentes de medio pelo, borrachuzos y pendencieros, algunos (o quizá todos) fugados de la prisión (entre los cuales descubrimos a Peter Falk, también en su debut) parecen la imagen negativa de los Merry Fellows de Robin Hood. No muestran escrúpulos en sus actividades, pero a la vez viven en una especie de comunión con la naturaleza, en libertad, alejados de la civilización a la que denostan, aunque en el fondo son sus suministradores, sus cómplices necesarios.
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Con gran profusión de material probablemente de archivo, casi de aire documental (caimanes, serpientes, pájaros de todo tipo, pumas, ciervos, etc.), en unos parajes naturales de gran belleza (aunque la fotografía de Joseph Brun queda muy deslucida en la edición que he visionado),
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Ray nos introduce en una lucha entre Murdock y Cottonmouth que progresivamente se va estrechando hasta acabar siendo un duelo a muerte entre los dos, después de una larga secuencia nocturna y tempestuosa en que han compartido alcohol sin límite.
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Uno y otro se dan cuenta que en el fondo tienen mucho en común, y por encima de todo el ansia de libertad, el rechazo de los convencionalismos y la crítica feroz (en un caso, reflexiva, en el otro, instintiva) a la sociedad burguesa, ellos sí, los auténticos delincuentes, hipócritas y mezquinos (que tienen el prostíbulo como santuario).
El viaje final de vuelta a Miami, accidentado, opresivo, letal, conMurdock trasladando a Cottonmouth para que sea juzgado, nos puede recordar los itinerarios de muchos westerns, sustituyendo aquí los habituales paisajes desérticos, pedregosos, por los exuberantes pantanos de Florida. La película se cierra de manera magistral, con Cottonmouth entregando su cuerpo (su carne) a la naturaleza después de ser mordido por una serpiente, Murdock navegando quién sabe si con rumbo o no, y unos bellos planos de pájaros, los grandes protagonistas del film.
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Ray consigue momentos de gran intensidad, de gran belleza, aunque el conjunto es irregular, con enormes elipsis y personajes mal desarrollados (al menos en la versión que conocemos), en especial Naomi, la joven que se enamora de Murdock (interpretada por otra debutante, Chana Eden, limitada actriz de origen israeliano), en una relación que no tiene ningún peso en la narración. Quedo a la espera de poder ver este film en un futuro en mejores condiciones, pero en todo caso merece sin duda un visionado.
Great Expectations (Alfonso Cuarón, 1998)
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Ya conté el otro día que en mi idea de ver Gravity me dio por ver parte de la filmografía de Cuarón de la que, su Potter aparte, era ajena a mi. De esas lagunas que no sabes como has ido creando :D
De nuevo, como a A Little Princess, Cuarón toma como base una novela (en este caso de Charles Dickens) y la actualiza aunque, como en aquella, ignoro como fue el proyecto: si fue su idea o si fue un encargo. El caso es que en 1998 se marca ya un reclamo comercial de aupa con estrellas como Ethan Hawke, Gwyneth Paltrow y Robert De Niro. Y aparece, brevemente, Kim Dickens, a la cual he visto en varios papeles televisivos (House of Cards, la única temporada que he visto de Fear of Walking Dead, y recientemente en la gran Friday Night Lights).
Me ha gustado pero finalmente, pensándolo bien vaya, creo que falla un poco. Al igual que en A Little Princess, Cuarón sabe imbuir la historia de un halo de cuento modernizado, personal, en el que todo sucede como debe en esas historias, sin perder la conexión con el mundo contemporáneo, pero sin que este llegue a molestar cuando es obvio que la trama choca con cierta pátina de plausibilidad.
El problema es que, aunque uno adivina que esa historia funciona en su origen, aquí no termina de cuajar y no por narrativa, sino porque no se acerca lo suficiente al espectador, no crece la empatía necesaria. Además hay algunos momentos clave que chirrían: el padre adoptivo monta una escena en la inauguración que no casa con lo visto antes ni después, ni siquiera el trato que el depara Finn, es raro, es que no tiene sentido! (lo tendría si fuera el clásico caso de hijo o pseudo hijo que se quiere a su/s padre/s pero a la vez se avergüenza de ellos porque son de un estrato social o de maneras distintas a donde quiere llegar el protagonista). Luego la voz en off (añadida a posteriori y parece que vía productor, os suena? Blade Runner, claro) de Finn tras ese momento contando algo sobre su éxito que no se corresponde tampoco con lo que hemos visto ni conocemos de él. Finalmente la escena con Arthur, sí, tiene su punto pero se ve algo pegote.
Cuarón, eso sí, muestra su virtuosismo con algunos planos notables, en especial el de Finn y Stella bajo el puente de Centeal Park, con esa foto de Lubezki y la BSO de un Doyle que creo vuela más alto de lo que permite esa historia. Tal vez me funcione mejor en escucha aislada.
El mexicano también vuelve a mostrar su gusto y pericia por las escenas que bordean lo sexual, con una Paltrow por momentos radiantes (y si se me permite: parece de las que llevan parte de esas artes como algo propio; es como las escenas en las que los actores bailan, o sabes o no sabes, y Paltrow en este film demuestra saber bailar :D), tanto en el momento intermedio en el que ya son casi adultos, como en sus primeros encuentros en NY. Cuarón, no sólo se nota fluido en ese tipo de escenas, sino que son tremendamente funcionales (de nuevo: se me entiende) aunque es curioso ver el contraste entre este tipo de escenas sensuales-sexuales en Hollywood y las mucho más gráficas, y reales, de Y tu mamá también.
Kim Dickesn es uno de los principales personajes de Treme, la espléndida serie de David Simon sobre Nueva Orleans después del Katrina y también la recuerdo en Hollow Man, de Paul Verhoeven.
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Treme es otra deuda pendiente. Vi el primer episodio y me encantó. Pero, a pesar de tener el pack con la serie completa, no le he hincado aún el diente. A ver si uno de estos días. :sudor
A mí me gustó mucho. Es difícil llegar al nivel de The Wire (The Deuce no la he visto), pero se acerca. Además, para los amantes de la música de jazz con acento de New Orleans, es una maravilla. Incluso contiene breves intervenciones de auténticos mitos como Dr.John
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o Fats Domino.
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Ambos, de New Orleans. Habrá que ver la serie.
He estado tan enviciado los últimos días. No me ha dado tiempo a comentar nada porque he visto MUCHAS pelis:
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Me he iniciado con Maurice Pialat viendo SOUS LE SOLEIL DE SATAN. Y me ha encantado de principio a fin. Que peliculón! Que fotografía, que historia tan profunda para una película tan minimalista. Es perfecta. Va sobre un cura rural (Gérard Depardieu) que ha perdido la fé en dios porque cree que el diablo venció hace mucho tiempo. Aun estoy en trance desde que ví esta obra maestra. Muy reflexiva y extrañamente ambigüa a la vez.
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El extraño caso de como conocí por primera vez a Manoel de Oliveira a través de su última película: EL EXTRAÑO CASO DE ANGELICA. Parece un testamento increiblemente lírico, amable, y sincero de que a sus 101 años cuando rodó esto ya había aceptado la muerte, de que el cine ayudará a recordarlo. Y que somos testigos de su esfuerzo, de sus logros y demonios en su legado. Hay que entender este contexto para apreciar la película. Personalmente, si hubiese desconocido esto me habría parecido una majadería. En serio, si vais a ver esta película y os parece demasiado esteril recordad este simple comentario. De casi todo se pueden hacer lecturas, pero despues de verla y reflexionar hay hasta gestos que encajan a la perfección en este universo tan sencillo y poetico que ha creado. La peli va de un fotografo al que le llaman en mitad de la noche para fotografiar a una chica joven que ha muerto. Y ésta se le aparece viva en sueños y fotografías. Me ha sorprendido muchísimo y eso que no es de sus pelis mas aclamadas... Así que me lanzaré a por toda su filmografía!
DEADLINE USA de Richard Brooks. Humphrey Bogart dirige un periódico. Se supone que van a cerrar su periódico, pero se las apaña (de una forma muy impostada) para derrocar a un mafioso que es malo malisimo. En este caso Hollywood se pone excesivamente moral y sentimental para glorificar a los periódicos. Muy a lo monólogo de Chaplin. Justamente entretenida y como curiosidad tambien sirve. Es muy fácil imaginarse Bogart arremangado mirando como se hacen los periódicos, pareciendo ocupado y dando órdenes. Aunque es de lo peor de este actor. No he visto nada mas del director, pero ni se acerca a su obra maestra A SANGRE FRÍA. Cabe decir que tengo pendiente por ver LA GATA SOBRE EL TEJADO DE ZINC (!).
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De Laurel y Hardy (El gordo y El flaco) he visto varias...
DE BOTE EN BOTE y CABEZAS DE CHORLITO me parecen de las mas entretenidas y ligeras junto a COMPAÑEROS DE JUERGA. UTOPIA es la peor con diferencia porque tiene ese mensaje tan moralista hollywoodiense que carateriza a Chaplin. Aunque como curiosidad no está mal, porque es literalmente IMPOSIBLE imaginarse el final. Los guiones son taaaan enrevesados... Y es por esto mismo que me provoca ansiedad ver que solo queda un minuto de película y que si no ocurre un milagro no se resuelve nada. LAUREL Y HARDY EN EL OESTE no está mal, pero la historia es de las mas sencillas. DOS PARES DE MELLIZOS es la mas original de lejos, y el guión es de los mas sorprendentes. Es la mejor que he visto de todas que he mencionado.
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PRESUNTO INOCENTE de Alan J Pakula. Ya me encantó TODOS LOS HOMBRES DEL PRESIDENTE y me desencantó LA DECISIÓN DE SOPHIE. Pues ha vuelto a encantarme otra vez. Estoy ansioso por ver EL CUCO ESTERIL, KLUTE y EL ULTIMO TESTIGO. Me parece un director tremendo, es innegable su gran gusto por crear una narrativas de thriller acompañadas por grandes actuaciones. No quiero hablar mucho de la peli porque no quiero revelar absolutamente nada. Pero es entretenimiento noventero del bueno. Un prestigioso abogado encarnado por Harrison Ford que se ve envuelto en un crimen. No son malas, pero las actuaciones son muy extrañas. Entretenimiento superior.
DIARIO DE UN ESCÁNDALO de Richard Eyre. Es un thriller frenético que trata un tema delicado de una forma original, pero hay un par de clichés que la hacen desmoronarse. Esta película se sostiene gracias a las actuaciones. Es imposible no enamorarse de Cate Blanchett y entenderla perfectamente. Es de mis actrices "actuales" favoritas. Voy a procurar ver casi todo lo que hace. Me pasa un poco lo mismo con Marion Cotillard, y Michael Fassbender. Pues Blanchett en BLUE JASMINE, CAROL, ELIZABETH y LIFE AQUATIC estuvo espléndida. Y aqui está incluso mejor si se puede. Está tremendamente cándida, provocativa, sexual y emocional. La película va de una profesora que tiene relaciones sexuales consentidas con un alumno suyo. Lo que parece que está bajo control no lo está. La trastornada Judi Dench será testiga de lo ocurrido y la hará sufrir con una interpretación magnifica. Me ha provocado terror esta señora. No me gusta valorar películas con números, así que usaré palabras: tres cuartos.
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Boa noite!
Richard Brooks tiene muy buenas películas en su filmografía. De las que más me gustan están La gata sobre el tejado de zinc, Dulce pájaro de juventud (adoro ambas adaptaciones de obras teatrales de Tennessee Williams). Liz Taylor en la primera, y Geraldine Page en la segunda, brillando con luz propia, y en las dos, Paul Newman, imagen, porte y talento, todo junto.
Semilla de maldad, con un tema bastante moderno para la época (mediados de los 50): la indisciplina y la delincuencia de la juventud, metiéndose en las aulas. Un Glenn Ford, muy correcto en su papel, y un Sidney Poitier, que con un pequeño papelito, pero muy significativo, despuntó con este film.
Y El fuego y la palabra, con la pareja protagonista Burt Lancaster y Jean Simmons, en modo magnífico, y unos secundarios estupendos, y las diferentes formas de entender la religión (otra vez anticipándose en las cuestiones que aquejan a la sociedad)
Los profesionales, A sangre fría, etc...Un gran director.
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La decisión de Sophie es una de mis debilidades. Es una película que hay que ver en vo. Aquí fue cuando Streep empezó a ganar fama como gran imitadora de acentos. La fotografía de nuestro Nestor Almendros, la narración de Stingo, el joven e idealista escritor que conoce a esta peculiar pareja, a la que iremos conociendo, cuando vayan descubriéndose las capas de cebolla que recubren su relación (Meryl Streep/Kevin Kline)....A mi me gusta muchísimo.
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Diarios de un escándalo me parece fantástica ya desde el momento en que la vi, hace más de 10 años. Es un thriller psicológico brutal, un dramón que te tiene atrapado de principio a fin. Blanchett y Dench están magníficas. Duelo de titanes. Un guión muy potente y creo recordar una banda sonora bastante notable (Philip Glass, que ya había hecho la música en Las horas).
Blanchett recibió varios premios de la crítica, como actriz de reparto, pero aquel año Jennifer Hudson se llevó el premio por el musical Dreamgirls.
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Richard Brooks tiene peliculones. Empezando por La gata... que quizá sea una de las películas de mi vida, con unos actores inmensos, y una pareja protagonista que pienso es la más bella de la historia del cine :ansia (¿no os ha pasado nunca, viendo una película, el sentir que podríais tiraros a cualquiera de los dos :ceja?)
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Y qué diálogos, y qué retrato te hace de la familia...
Es una cosa a medio camino de una tragedia griega y la parábola del hijo pródigo. Y es que Brooks, que no tuvo una filmografía demasiado extensa, tiene peliculones. Además de La gata... y Dulce pájaro...tiene El fuego y la palabra, Los profesionales (que parece presagiar esos westerns crepusculares de los 60), Los hermanos Karamazov y un western no muy conocido y que me encanta: La última caza, cuyo final parece anticipar el de El resplandor (y hasta aquí puedo leer):Cita:
¿La verdad, la verdad..? ¿Tú quieres saber lo que es la verdad? Pues la verdad es sufrimiento, y sudor, y tener que pagar facturas, y vivir con una mujer a la que no soportas. Éso es la verdad.
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Una película de marcado acento ecologista. Y, efectivamente, el final recuerda poderosamente al de EL RESPLANDOR.
:cortina
Opino igual sobre la Gata....es un 11/10 sin duda, actorazos inmensos, diálogos sensacionales, la vi sin conocer nada sobre ella y me ha marcado (creo que hace 5-6 años que la vi), sin duda un film de cabecera para mi. Lo de tirarme a los dos, depende....a la vez? Yo incluso incluiría a Big Daddy en la orgía :cuniao
Por cierto hace 10-11 años, mi hermana me regalo de un todo a euro, un mini cuadro del film, se ve que lo comercializaron en masa, pero no son de muy buena calidad, ya que en estas navidades me fijé y la pobre Elizabeth está muy descolorida. No encuentro la foto por internet!!! cachins!!!!
La familia política es para echarla de comer aparte :fiu. Si la intención de Brooks era que te cayeran antipáticos, enhorabuena, misión cumplida.
Y éso que si lo examinas fríamente, ninguno de los personajes de la película te cae demasiado bien. Big Daddy es el típico ricachón americano hecho a sí mismo, que de lo más bajo llegó a lo más alto, y que se comporta como un dictador en su casa, y los esfuerzos rastreros de todos por agradarle llegan a hacerse repulsivos de evidentes. Su mujer, Big Mama (fabulosa Judith Anderson, en un registro muy alejado de sus habituales harpías y villanas) es una señorita bien del sur, una antigua southern belle que no debía de tener demasiadas luces, y que se casó con Big Daddy probablemente por mutua conveniencia (aunque ella dice en un momento que realmente amaba a su marido, se casó embarazada, y se puede pensar que él la aceptó como mujer porque le convenía para ascender social o económicamente). La familia de Goopher es un espanto, él es un calzonazos y ella una manipuladora cursi y cotilla con ideas bastante anticuadas sobre lo que debe ser una mujer y una esposa, y que en cualquier caso, es una hipócrita redomada. Sobre sus cinco pestilentes retoños es mejor correr un (es)túpido velo (¿qué habría hecho Willie Wonka con semejante material infantil en su fábrica..?). A Maggie es evidente que le interesa el dinero (se crió en una familia muy pobre), y Brick muy guapo y muy buena fachada pero es un inútil y un pusilánime, un niño de treinta años, como dice su padre en algún momento. El mérito de Brooks y de Williams (hay películas buenísimas basadas en sus obras) es hacer que llegues a entender a semejante ganado y que evolucionen a lo largo de la historia.
Pero hay que reconocer que las reticencias de Paul Newman de no hacer el amor con Elizabeth Taylor (que en aquellos tiempos era la mujer más hermosa del cine, sin lugar a dudas) dadas las más que dudosas inclinaciones sexuales del primero siempre me han resultado un tanto incomprensibles. :cafe
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Eso que dices es totalmente falso, ya que objetivamente la mas bella del cine era Grace Kelly, eso sin discusión alguna, después de Grace Kelly están las otras, ahí sí que se puede valorar subjetivamente, a nivel personal, antes que la Taylor, prefiero a Ava Gardner y Eleanor Parker por decir algunas a bote pronto.
Williams era un genio en lo suyo, y con eso no invento nada. Retrató como nadie ese deseo carnal, oculto y menos oculto, esa bajeza a la que llega el ser humano, en cuanto que sigue siendo animal y conserva instintos primitivos. En muchas de sus adaptaciones, hay siempre un personaje asalvajado o actos salvajes. En Un tranvía llamado deseo (una obra maestra de Kazan), Marlon Brando, en La rosa tatuada (otra gran película con una Magnani de Oscar), el personaje del marido (el poco visible Lancaster) es también un prenda y ella una devota admiradora y amante, en Baby doll, ese deseo morboso y enfermizo por la joven Carroll Baker y el Karl Malden que también es un personaje...Un genio, como digo.
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En lo de la belleza, todo es muy subjetivo, pero claro,estamos hablando del top de los tops. Ha habido muchas bellezas que rozaban la perfección. Grace Kelly, Elizabeth Taylor, Lana Turner, Ava Gardner, Kim Novak, Ingrid Bergman, ...y después, bellezas especiales, exóticas, feas con mucho gancho. Igual que los tíos, claro.
LA PRIMERA EDAD DE ORO DEL CINE DE CIENCIA FICCIÓN
O
THE TIME MACHINE (1960, EL TIEMPO EN SUS MANOS) de George Pal.
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A George Pal production.
Estudio: Galaxy Films, Inc. / Metro-Goldwyn-Mayer Corp. / Loew’s Inc.
Productor: George Pal.
Guión: David Duncan, a partir de la novela homónima de H. G. Wells (Londres, 1895).
Dirección artística: George Davis y William Ferrari.
Fotografía: Paul C. Vogel (en Metrocolor y formato panorámico (1.85:1))
Asesor de color: Charles K. Hagedon.
Música: Russell Garcia.
Efectos fotográficos especiales: Gene Warren y Wah Chang.
Reparto: Rod Taylor (H. G. Wells/El Viajero a través del Tiempo), Alan Young (David Filby/James Filby), Yvette Mimieux (Weena), Sebastian Cabot (Dr. Hillyer), Tom Helmore (Anthony Bridewell), Whit Bissell (Walter Kemp).
Duración: 98 minutos.
Inicio de rodaje: 25 de mayo de 1959.
Estreno: 22 de julio de 1960.
Segunda adaptación a la gran pantalla por parte del animador/productor/director George Pal (1908-1980) de una obra del auténtico padre de la ciencia ficción, H(erbert) G(eorge) Wells (1866-1946), tras la muy exitosa THE WAR OF THE WORLDS (1953, LA GUERRA DE LOS MUNDOS) de Byron Haskin, ambas ganadoras al Oscar a los mejores efectos especiales en sus años respectivos.
EL TIEMPO EN SUS MANOS (no es un mal título el adjudicado en nuestro país por el distribuidor de turno) no sólo es la mejor versión cinematográfica de la archifamosísima novela de Wells sino que, en mi modesta opinión, sigue siendo la mejor película sobre viajes en el tiempo, incluida la mítica BACK TO THE FUTURE (1985, REGRESO AL FUTURO) de Robert Zemeckis.
Adaptación libre pero relativamente fiel de la primera novela de ciencia ficción de su autor, George Pal eliminó en buena medida el contenido político y social de la misma y se decantó más hacia el relato de aventuras e igualmente profundizó en la hermosa amistad cimentada por el Viajero a través del Tiempo (en la novela alguien innominado, en la película el propio Wells) con su mejor y más fiel amigo, David Filby (Alan Young) y, especialmente, con Weena (Yvette Mimieux), una mujer del año 802.701.
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No deja de ser curioso que en 1960 se estrenaran dos (excelentes) películas basadas en obras clásicas del género, la hoy sucintamente comentada y VILLAGE OF THE DAMNED de Wolf Rilla que toma como sustrato la novela de John Wyndham “Los cucos de Midwich” (Londres, 1957 / Barcelona, 1976) y ambas producidas (o financiadas) por la MGM.
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La mención a la estupenda película de Rila (muy superior a la posterior versión del gran John Carpenter) no es baladí pues el aspecto de los Eloi, los humanos del año 802.701, es muy similar a los terroríficos niños mutantes de la citada obra. Esas horribles pelucas rubias... :sudor
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También hay cierta relación entre esta película y otro de los grandes clásicos del género como es PLANET OF THE APES (1968, EL PLANETA DE LOS SIMIOS), aunque parezca una incongruencia.
No es tal, en mi modesto parecer, pues tanto George (Rod Taylor) como Taylor (Charlton Heston) son dos individuos que se encuentran incómodos en la sociedad y en el tiempo que les ha tocado vivir, un mundo donde la desigualdad y las guerras se han tornado crónicas (o cíclicas). Si George inventa una máquina del tiempo para viajar al futuro y ver con sus propios ojos si el ser humano se ha ennoblecido y convertido en una criatura con los más altos principios morales, Taylor viajará en el espacio (aunque también lo haga, como bien sabemos, en el tiempo) para tratar de encontrar su Paraíso, un lugar donde los seres humanos puedan vivir en paz y en amistad. Y ambos encontraran su Eva particular (Weena en el caso de George y Nova en el de Taylor). Y si bien los finales de ambas películas son distintos pues mientras en EL TIEMPO EN SUS MANOS hay un atisbo de la vuelta a la grandeza de la raza humana gracias a la intervención de George y en EL PLANETA DE LOS SIMIOS Taylor no sólo se dará cuenta de que ha vuelto a la Tierra sino de que los seres humanos fueron los causantes de su casi completa destrucción, el mensaje de ambas obras es muy similar: nunca hay que descargar nuestras responsabilidades y nuestras decisiones en terceros pues como bien decía el sabio, el poder corrompe y el poder absoluto corrompe absolutamente.
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A diferencia de la novela de Wells en donde el Viajero sólo hace dos viajes, al año 802.701 y unos treinta millones de años en el futuro, en la adaptación de Duncan y Pal se hacen sucesivas paradas en los años 1917, 1940, 1966 y el citado 802.701.
En 1917 George conocerá al hijo de David, James y éste le comunicará que su padre murió el año anterior en Francia durante la Gran Guerra. Una emotiva escena donde George se da cuenta del enorme aprecio que por él sentía su amigo al no permitir que la casa del primero, ahora abandonada, pudiese ser comprada por alguien ya que siempre esperó su regreso.
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En 1940 George pensará erróneamente que la citada guerra sigue (en realidad, como bien sabemos, estaríamos hablando de la Segunda Guerra Mundial) lo cual no hace más que acrecentar los deseos de seguir avanzando en el futuro e intentar atisbar esa utopía que él tanto ansía.
En 1966 otra guerra es la protagonista (suponemos que entre los comunistas y las democracias occidentales (¿?)) y allí vuelve a encontrarse con el hijo de David que ya es alguien muy mayor. El ataque con satélites nucleares (¡!) hace saltar la Tierra en pedazos y nuestro protagonista escapa por los pelos aunque se ve cubierto por una enorme montaña de lava (¿¡!?).
Finalmente y después de avanzar miles de años y lograr que la erosión de los elementos libere la máquina del tiempo nuestro héroe llega al citado año 802.701.
Lo quiero alargarme en exceso que ya me conozco.
Después de conocer a los Eloi (que vendrían a ser los “ricos” (o sea, los ociosos) de la antigua sociedad victoriana) y a los Morlocks (los “pobres” (o sea, los trabajadores)) George se convertirá en el cabecilla de la rebelión de los primeros frente a los segundos quienes después de miles de años de degeneración se habían convertido en…
… canibales. Aquí también podríamos conectar esta película con la magnífica obra de Richard Fleischer SOYLENT GREEN (1973, CUANDO EL DESTINO NOS ALCANCE) basada en la igualmente excelente novela de Harry Harrison “¡Hagan sitio!¡Hagan sitio!” (Nueva York, 1966 / Barcelona, 1976).
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Esto ya se está pareciendo al multiverso de Marvel… :cuniao
Precisamente lo que más me gusta de esta (aparentemente) modesta (y artesanal) película es que deja aparte en buena medida las a veces farragosas diatribas políticas y sociales que preocupaban al Wells del siglo XIX y se centra más en los personajes y en la maravilla que supone la creación de la Máquina del Tiempo y los viajes que con ella realiza el protagonista.
Me resulta particularmente deliciosa (e ingeniosa) las escenas en las que el Viajero observa a través de los ventanales de su laboratorio cómo varían las modas femeninas en la “boutique” que tiene enfrente y la relación que establece con el maniquí puesto que como él son los únicos seres que no envejecen o cambian con el pasado del tiempo.
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Y la construcción de la Máquina del Tiempo es todo un acierto. Uno de esos objetos míticos por los que cualquier coleccionista de objetos de cine daría un riñón como podemos apreciar en el (estupendo) documental que acompaña a la excelente edición en DVD (2000).
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Un documental narrado y presentado por el propio Rod Taylor (un actor con, al menos, tres grandes papeles en su carrera: el de la película hoy comentada; el de THE BIRDS (1963, LOS PÁJAROS) y de CHUKA (1967, ídem)) que tiene la curiosidad de presentar una especie de secuela de EL TIEMPO EN SUS MANOS, con el regreso del Viajero, ya mayor a 1916 donde tratará de convencer a su amigo de que no vaya a la guerra y de que vuelva con él al futuro. Toda una delicia y además protagonizada por Taylor y el actor que encarnaba al David original, Alan Young. Y una continuación que, al parecer, siempre estuvo en la mente de George Pal dado además el gran éxito de taquilla que supuso la película.
Se me hace tarde. Espero tener tiempo esta semana de hacer una breve comparativa novela vs. película en el rincón https://www.mundodvd.com/de-la-liter...ine-139797/20/ del inmarcesible mad dog earle.
Resumiendo.
Una preciosa historia de amistad, aventuras y romance. Una hermosa banda sonora de Russell García (desconocía por completo a este compositor). Un bella fotografía de Paul C. Vogel ayudado por el exquisito gusto cromático de Charles K. Hagedon (un hombre al que idolatraba el gran George Cukor). Unos artesanales pero estupendos efectos especiales de Gene Warren y Wah Chang, merecedores de un Oscar (el 5º en la carrera de Pal, si mis cuentas no fallan). Una excelente labor de los directores artísticos George Davis y William Ferrari. Y una esforzada interpretación del siempre competente Rod Taylor.
Quién podría pedir más.
Saludos y feliz noche. Espero que nos veamos en el 802.701. E incluso más allá…
:digno
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¡Preciosa crítica Alcaudón... :palmas:palmas:palmas:palmas:palmasestoy de acuerdo contigo en todo!. Hubo una época en que me ponía "El tiempo en sus manos" una y otra vez... me encantaba... :D se hace tan entretenida y encantadora... la prefiero mil veces a la versión del 2002 con Guy Pearce, que no obstante también era buena, pero no me llena tanto como la clásica. a pesar de sus buenos efectos especiales.
De Richard Brooks, pues igual, un gran director, con grandes películas, siendo "La gata sobre el tejado de Zinc" también mi favorita, en esto coincidimos todos.
Otra peli del director y estrella fue "La última vez que vi París" en el que la Taylor demuestra su madera de estrella.
De la primera etapa de Brooks, me gustaría mucho ver "El milagro del cuadro" con Stewart Granger y "Flame and the flesh" con Lana Turner, son las dos películas que no he podido ver nunca... ¿alguien las conoce?.
Sobre la belleza de las actrices de aquella época, mencionar a mi querida Rita Hayworth, Gene Tierney y Cyd Charisse, por nombrar solo a tres de las mas bellas (para mi), aunque en esa época la gran mayoría de las estrellas era un bellezón, y si no era así, tenía una gran personalidad... (Bette Davis, Joan Crawford o Barbara Stanwyck)...:ceja A mi es raro la actriz de los 50 que no me diga algo... :agradable
El tiempo en sus manos es una de esas películas que me maravilló de pequeñito. La emitieron con cierta frecuencia en la única televisión que había en los 80, y siempre me quedaba embobado viendo esa máquina. Deseando tenerla y viajar en el tiempo. Me la se de memoria. Y claro, es fantástica esa escena que bien comenta Alcaudón, de la tienda de moda frente al ventanal donde tiene la máquina.
El pequeño fallo que le encontré con el tiempo es que, claro, el paso del tiempo (y las distintas estaciones) quedaba bien reflejado en la ropa de la maniquí. Pero pasaban años, y seguía la misma maniquí, y la tienda estaba igual. Ni una reformita en décadas.
Después ya sí, el edificio desaparecía. Eso quedaba muy chulo.
Y a mi me pasaba que cuánto más hacia adelante iba, más miedo me daba el panorama (aparte de los seres que aparecían)
. Yo creo que eso lo refleja muy bien la película: la incertidumbre del futuro.
Creo que ha envejecido bastante bien, aunque claro, cuando uno la ve de adulto ya no tiene la misma capacidad de sorpresa que cuando la vi por primera vez a tan tierna edad. :lengua
El remake no lo he visto, pero tampoco tengo interés.