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Cita:
Iniciado por Alcaudón
Mademoiselle Fifi es un buen film, con la siempre atractiva Simone Simon. Además se basa en el mismo relato de Maupassant, "Boule de suif", que también está en la base argumental de la fordiana Stagecoach, aunque de forma indirecta.
https://cdn11.bigcommerce.com/s-h5jy...684977.png?c=2Cita:
Iniciado por cinefilototal
https://www.twilighttimemovies.com/p...place-blu-ray/
:agradable
Por cierto, el doble pack no es de Manga sino de Vértice y fue editado en 2014.
https://images-na.ssl-images-amazon....vL._SL600_.jpg
https://images-na.ssl-images-amazon....5L._SL600_.jpg
:)
Si no me equivoco son los mismos "perros" de Manga con distintos collares. Regia las publicó en ediciones de programa doble con una calidad de imagen algo superior.
Cuerda era un gran director y sobre todo, guionista. Pero tanto Todo sobre mi madre como Solas son dos magníficos dramas. Dos peliculones. Uno con más medios que el otro, pero con interpretaciones fantásticas en ambas. Sobre todo de las mujeres (Cecilia Roth o María Galiana).Cita:
Iniciado por perropichi
Alcaudón, los que no dominamos el idioma de Shakespeare, nos referimos a ediciones con, al menos, subtítulos en castellano. Y en mi caso, con doblaje, que por cierto, el de Vidas borrascosas, como el de otras muchas de esos años, es estupendo.Cita:
Iniciado por Alcaudón
Iba a meter baza, aunque no he visto la película, para decir que "Mademoiselle Fifi" y "Boule de suif" son cuentos totalmente distintos, pero, como no había visto la película, he investigado y en efecto la película se basa en el segundo. Lo cual me decepciona, porque, cuando leí el cuento homónimo, pensé "yo quiero ver esto en película, qué bien que existe la versión de Lewton", y me temo que va a ser que no.Cita:
Iniciado por mad dog earle
Empecemos por el hecho de que la "Mademoiselle Fifi" de Maupassant es un hombre, y además oficial prusiano...
Hace mucho que leí el cuento, pero si no me equivoco Boule de Suif es el apodo de una prostituta que viaja en la diligencia, Elizabeth Rousset (Simone Simon en la película). Otra cosa es que "Mademoiselle Fifi" es el apodo que recibe un oficial prusiano en el cuento homónimo de Maupassant (y también en el film el personaje interpretado por Kurt Kreuger), o sea que la película de Wise toma el nombre de un cuento y el argumento de otro, o más bien mezcla cosas de uno y del otro, pero tendría que releerlos y revisar la película para poderlo afirmar con detalle (en imdb se acreditan ambos relatos como base argumental para el guion que firman Josef Mischel y Peter Ruric).Cita:
Iniciado por Abuelo Igor
Me chifla VAL LEWTON :encanto:encanto
https://www.youtube.com/watch?v=ObDFDqG-6YM
Me gusta mucho la música de LOS OTROSCita:
Iniciado por perropichi
https://www.youtube.com/watch?v=x-RcntN-L-c
Cita:
Iniciado por tomaszapa
Efectivamente, sin algo de castellano es difícil disfrutar como se merecen las películas.
En mi caso dispongo de esta edición de "Vidas borrascosas":
https://images-na.ssl-images-amazon...._AC_SY400_.jpg
Lo pongo en este hilo también, que pega.
Revisada The Thing (1982).
Obra cumbre referencial de un pletórico John Carpenter, tras una ristra de estupendas películas desde que en 1976 firmase la vibrante "Assault on Precinct 13", y por descontado, la mejor adaptación (y la más fiel), de la estupenda novela corta de Campbell , "Who Goes There?"
Todos sus rasgos como cineasta son sublimados y llevados aquí a su máximo exponente:
A) El uso del scope, distribuyendo inteligentemente los elementos en el encuadre enmarcado en una planificación morosa, elegantísima y alejada de todo efectismo que busca ir acumulando tensión poco poco hasta sacar al espectador de sus casillas.
B) Un montaje soberbio que utiliza la elipsis como recurso terrorífico por excelencia (cuando cualquier manazas hubiese optado por los efectos de sonido, la casquería o mostrarlo todo, Carpenter opta porque que te pongas nervioso dándole vueltas a lo que NO has visto o CREES haber visto).
C) Una partitura (excelente Morricone en su uso de las disonancias), que se adhiere al film como una segunda piel, una fotografía extraordinaria cortesía de su habitual Dean Cundey (de nuevo, esos contrastes...), y un discurso desesperanzador y nihilista que confirma que la película, que no olvidemos que se hizo para un gran estudio, es hija sin reservas de su autor.
No hay más que ver el cabroncete, pero por otra parte terriblemente coherente, final.
Obra maestra absoluta. Como pudo esto estar nominado a los razzies en su día, no me lo explico.
PD: Estupendo Kurt Russell, en su tercera colaboración (casi consecutiva), con su amigo Carpenter.
PD: Todo el bloque inicial, desde la secuencia de apertura hasta la primera aparición de La Cosa, es digno de entrar en lo mejor de la historia del cine. La manera de encuadrar al perro y mostrar sus ojos y movimientos es antológica.
También soy de los que opinan que no solo es la mejor película de su director sino una de las cumbres del fantástico de todos los tiempos.
Estoy de acuerdo con tu crítica, Branagh/Doyle.
Creo que es la mejor película de Carpenter de lejos. Todo funciona muy bien. Y debo reconocer que la primera vez que la vi no me gustó mucho, la encontré muy sobrevalorada. Pero, en siguientes visionados y después de analizarla bien, me di cuenta de las grandes virtudes que tiene. Y la más evidente, el control excepcional del suspense a través del ritmo y todo lo que ello conlleva: la fotografía, el montaje, la música... Es fantástica. Sabe como dirigir la mirada del espectador y conducirlo hacia donde quiere con mucha habilidad. Además que tiene cierto tono de serie b que la hace todavía más especial si cabe.
Drx Strangelove, ¿te pareció lenta en un primer visionado?.
Es que diría que eso le suele pasar a mucha gente con este hombre, recuerdo ver Halloween con un compañero de trabajo de mi mujer y decirme que llevaba casi media hora viendo planos secuencia de chicas andando por la calle hablando de sus cosas :D. O The Fog, que va cargando las tintas poco a poco. Muy poco a poco.
Otro tanto pasa con esta cienta, que pese a las apariciones explícitas del bicho desde bien temprano, se toma su tiempo. Y la atmósfera se va enrareciendo y cargando lentamente... muy lentamente.
Carpenter tiene una clase y una elegancia a la hora de rodar que se agradece mucho, lejos del estilo videoclipero y epatante que impera hoy en día (ese scope, esa profundidad de campo, esos travellings, esos escorzos). Esto le proporciona un empaque a sus películas muy superior al que cabría suponer a priori, dado el tono de serie B que le encanta mantener, y sus normalmente ajustados presupuestos. Y todas esas técnicas siempre aportan a la historia.
Un gran narrador, infravalorado y denostado en su propio país, alabado en Francia.
Un maestro. Particularmente creo que su etapa 1976-1982 es para enmarcar, aunque me gusta bastante también su obra posterior, con altibajos. Ya solo por como están rodadas sus películas, insisto, merecen mucho la pena. Pero que duda cabe que esta es su magnum opus., y supone el fin de su mejor etapa como cineasta.
Personalmente creo que, junto con Leone, ha sido el cineasta que mejor ha sabido emplear -con fines narrativos- el scope.
Uff! La verdad es que me cuesta mucho recordar las impresiones que tuve cuando la vi por primera vez. Yo tendría 12 o 13 años, quizás 15, no sé... Pero sí, creo que das en la diana. Quizás en aquel momento estaba más preocupado por si una pelicula de terror conseguía asustarme en momentos de tensión que de la narración propiamente dicha. Algo parecido me pasó con “La invasión de los ultracuerpos”, que mis padres me la recomendaron muchísimo cuando yo era un adolescente y la encontré soberanamente lenta y aburrida. Ya sabes, la tontería del adolescente que no ve más allá de su acne!:cuniao porque hoy en día la considero una de las mejores películas de terror que he visto nunca. Pero sí, creo recordar que “La cosa”, entre que tiene ese suspense que se va cociendo a fuego lento, esa factura visual de serie B, y esos efectos especiales “artesanales” que podrían hacer reír al adolescente chulesco que nada le impresiona :cuniao(que por cierto, a dia de hoy considero esos FX sublimes), reúne las características suficientes para que no la supiera valorar en aquel momento. Y de hecho tarde muchos años en volver a verla por el mal recuerdo que me dejó. Claro que quizás eso fue clave para poder verla con una perspectiva completamente diferente y acabar por encontrarme con una película distinta.Cita:
Iniciado por Branagh/Doyle
REVISANDO (SUCINTAMENTE) LA FILMOGRAFÍA DE CECIL B. DeMILLE (1881-1959) / PARTE III:
THE SIGN OF THE CROSS (1932, EL SIGNO DE LA CRUZ)
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Director: Cecil B. DeMille
Producción y distribución: Paramount Productions, Inc.
Productor: Cecil B. DeMille
Guión: Waldemar Young y Sidney Buchman, basado en la obra teatral homónima de Wilson Barrett (St. Louis, Missouri, 28 de marzo de 1895).
[Dirección artística y] Vestuario: Mitchell Leisen.
Fotografía: Karl Struss (1.37:1).
Música: [Jay Chernis, Rudolph G. Kopp, Paul Marquardt y Milan Roder].
Montaje: [Anne Bauchens]
Reparto: Fredric March (Marcus Superbus, Prefecto de Roma), Elissa Landi (Mercia), Claudette Colbert (Emperatriz Poppaea), Charles Laughton (Emperador Nerón), Ian Keith (Tigellinus).
Duración: 125 minutos.
Inicio de rodaje: 25 de julio de 1932.
Estreno: 10 de febrero de 1933, con preestreno en Nueva York, el 30 de noviembre de 1932.
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Después de su breve (y escasamente) exitoso paso por la MGM de Mayer y Thalberg, DeMille volvió a la Paramount a requerimiento de su jefe de producción (y amigo personal) Jesse L. Lasky y con el aliciente de contar con su propia unidad de producción.
Claro que todo no iban a ser lisonjas y Adolph Zukor, el presidente de la compañía, sólo aceptó el regreso del hijo pródigo con la condición de que la película que iba a sustanciarlo no excediera de los 650.000 dólares de presupuesto y que se rodara en tan sólo 8 semanas.
DeMille no sólo cumplió el acuerdo sino que la película se convirtió en un formidable éxito de taquilla (algo que acompañaría al director durante la mayor parte de su carrera).
EL SIGNO DE LA CRUZ está basada en la obra teatral homónima del actor y dramaturgo británico Wilson Barrett (1846-1904) a la que muchos han querido sacar un más que notable parecido con la coetánea “Quo vadis?” del polaco Henryk Sienkiewicz, ganador del premio Nobel de literatura en 1905.
- Me gustaría aclarar que pese a lo que se comenta en numerosos estudios sobre la película el parecido entre las obras de Barrett y de Sienkiewicz que ciertamente es bastante notable se debe a la más pura casualidad. Tengamos en cuenta que la obra teatral del británico se estrenó en los EUA (y no en su país de origen como hubiera sido lógico) el 28 de marzo de 1895, mientras que la novela del polaco se serializó previamente en la revista Gazeta Pololska entre el 26 de marzo de 1895 y el 29 de febrero de 1896 antes de su publicación en forma de libro en 1896. Como dudo que el señor Barrett tuviera conocimientos de polaco y menos que hubiese podido acceder al borrador de la novela de Sienkiewicz creo que queda bastante claro que la coincidencia, aunque ciertamente asombrosa, se debe al mero azar. –
Considerando el peculiar sentido del espectáculo que presentan todos los títulos del director y su espacial delectación en mezclar la religión y el sexo en un coctel ciertamente pintoresco, EL SIGNO DE LA CRUZ sería el tercer eslabón de la cadena o mejor dicho, el tercer peldaño de la escalera que va desde LOS DIEZ MANDAMIENTOS, pasando por EL REY DE REYES, hasta llegar a la película hoy comentada. O sea, de lo que pasó antes, durante y después del (supuesto) nacimiento de Jesús.
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Conviene dejar claro desde un principio que EL SIGNO DE LA CRUZ me parece con diferencia el menos interesante de los tres títulos arriba mencionados.
A pesar de haber sido restaurada la película y recuperado el metraje que la censura (pero no la de 1932 sino la que llegó en 1934 con la entrada en vigor del Código de Producción) había eliminado (sin lugar a dudas lo más suculento de la propuesta…) lo cierto es que esta primera incursión en el cine sonoro de la temática que más se asocia (injustamente, en mi modesto parecer DeMille cuenta con alguno de los mejores westerns del cine clásico) al director me ha parecido notablemente envejecida, no sólo a nivel técnico (a pesar de la labor del gran Mitchell Leisen, futuro gran director, aquí ejerciendo labores de dirección artística – no acreditada – y vestuario) sino especialmente en el interpretativo.
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Y es que se nota y mucho (y en malo) que la película parte de una obra de teatro y que además DeMille no ha convertido esos recursos escénicos en una puesta en escena cinematográfica.
La película se inicia en año 64 de nuestra era mientras el emperador Nerón (54-68) cantando y tocando la lira contempla el incendio de la capital del Imperio. Una escena tan imbricada en nuestro imaginario colectivo que todo el mundo parece aceptar como un axioma aunque parece que dista mucho de lo que pasó en la realidad.
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A Nerón lo interpreta el gran (y excesivo) Charles Laughton, con una espantosa nariz postiza que no hace sino acrecentar todavía más la antipatía hacia el personaje. Además su presencia en pantalla es escasa, algo tal vez de agradecer para los que nos regimos por los parámetros de series como la maravillosa “Yo Claudio”.
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Igualmente el personaje de su esposa, Popea (Claudette Colbert), segunda esposa del emperador, está escasamente desarrollado a pesar de protagonizar una de las escenas que más se recuerdan, la del baño con leche de burra...
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... y donde podemos intuir ciertamente que la bellísima Claudette está en verdad completamente desnuda...
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... y la invitación a su amiga Dacia (Vivian Tobin) de que se la una en el baño tiene unas connotaciones ciertamente lésbicas (o mejor dicho, bisexuales)...
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La parte del león de la película se la llevan Marcus, prefecto de Roma y Mercia, una joven y bella cristiana, interpretados por los guapos Fredric March y Elissa Landi, aunque yo diría que el primero lleva más maquillaje que la segunda (ecos del cine mudo…).
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Será la historia de amor entre ambos, ciertamente poco creíble todo hay que decirlo, la que sirva de sustrato a esta narración de los inicios del cristianismo y en la que lucen más las escenas “picantes” que inserta DeMille aquí y allá que la notablemente plúmbea historia de amor que se desarrolla entre los dos jóvenes.
Y es que pese a estar en los tiempos Pre-Code la película es notablemente mojigata y la atracción que siente Marcus por Mercia parece ser más espiritual que carnal.
No deja de ser curioso que DeMille se maneje mejor bajo el domino de la censura que cuando ésta no era de obligado cumplimiento, al menos desde el punto de vista narrativo.
Escaso recorrido tiene la rivalidad por los favores del emperador de Marcus y Tigellinus (Ian Keith, quien curiosamente encarnó al rey Enrique IV en la recientemente comentada CORAZA NEGRA (1954)) e igualmente los intentos de Popea de ganarse los favores (sexuales) del bello Marcus, desde luego un personaje mucho más interesante que la sosa joven cristiana.
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Ni siquiera la inventiva visual del director está a la altura de sus dos anteriores títulos bíblicos y está centrada básicamente en la presencia de la Cruz (de ahí el título de la película) y que parece ejercer sobre el protagonista el mismo efecto que los crucijifos en los vampiros...
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Escenas como la supuesta seducción de la prostituta Ancaria (Joyzelle) a la virginal Mercia en casa de Marcus provocan hoy en día más una sonrisa que el menor atisbo de lujuria.
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Sin lugar a dudas, aparte de la mencionada (y suculenta) escena del baño de Popea (y su amiga...), lo mejor de la película se concentra en el tramo final que acontece en el Coliseo y donde Nerón (acompañado de un joven efebo...) preside el espectáculo.
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Así podremos observar las cruelas luchas de los gladiadores (especialmente cuando hacen su aparición los - supuestos - pigmeos) o las famosas escenas donde jóvenes (semi)desnudas son devoradas por un grupo de cocodrilos o por un gorila (!¡).
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Aquí además DeMille tiene la inteligencia de mostrarnos los rostros de los espectadores en primer plano de forma que podemos ver toda la gama de emociones que se refleja en ellos, desde la piedad (¿tal vez la madre del propio gladiador?), pasando por la impasibilidad o la excitación, hasta llegar al aburrimiento y por supuesto la diversión.
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El final con un convertido Marcus de la mano de su amada Mercia que se dirigen casi en éstasis a enfrentarse a los leones del Coliseo es ciertamente chirriante.
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- Por cierto, entre los cristianos que se dirigen a su martirio he podido observar la presencia del gran John Carradine. -
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Y si antes hemos hablado de la semejanza tanto de la trama como de los personajes con el “Quo vadis?” de Sienkiewicz, deberíamos comentar que la versión más famosa de la misma, la dirigida en 1951 por Mervyn LeRoy, es una película infinitamente superior.
https://dyn1.heritagestatic.com/lf?s...oduct.chain%5D
- LeRoy es otro de esos directores hoy completamente olvidado (o peor aún, despreciado) pese a firmar especialmente en los años ’30 y para la Warner algunos espléndidos ejemplos de cine negro (o cine social) como son HAMPA DORADA (1930), SOY UN FUGITIVO (1932) o THEY WON’T FORGET (1937). Pero me parece injusto que se olviden sus excelentes contribuciones al melodrama en la MGM de los años ’40, algunos de los cuales ya he comentado en este mismo rincón (DE CORAZÓN A CORAZÓN (1941), NIEBLA EN EL PASADO (1942)). –
En resumen, una película menor de uno de los grandes directores del cine clásico norteamericano pero que es un excelente compendio de los temas favoritos de su director, la religión y el sexo y donde importa menos la (poco creíble) historia de amor de los protagonistas que lo que la envuelve.
De cualquier forma, bien merece la pena el desplazamiento, al menos para los que somos completistas y/o fetichistas.
Feliz tarde.
Ya queda menos...
:)
muy bueno, pero tengo que hacerte varios apuntes. La palabra "harpa" creo que está en desuso, yo siempre he visto escrito "arpa", sin h. Todo lo contrario en el idioma inglés, claro está, que sí se escribe con la h.
Pero es que lo que toca Nerón no es un arpa, sino una lira, que es como un arpa mucho más chiquitita...
Harpa está efectivamente en desuso (del francés harpe), pero sigue estando contemplada por la RAE como forma valida, de modo que es correcto su empleo.
Se pueden usar, indistintamente, arpa y harpa. Ambas expresiones son correctas.
Por otro lado, lo de Néron ha sido siempre una lira. Esto es así. :D
Queridos compañeros de confinamiento:
El uso de la palabra harpa (con h) es una simple licencia poética que me he permitido simplemente porque me gusta más que lira que, efectivamente, es más apropiada pero que a mí siempre me recuerda más a la antigua moneda que se usaba en el país transalpino.
Y que además usaba el pesado de Fideo en los tebeos de mi adorado "El Jabato" (1958) de Víctor Mora (guión) y Francisco Darnís (dibujo).
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- Primer cuadernillo del personaje, Super Aventuras nº 78, 20 de octubre de 1958 -
:digno
El quid está, estimado Alcaudón, en que no es una simple cuestión semántica, ya que arpa y lira son dos instrumentos musicales distintos. Ahora bien, puedes permitirte todas las licencias que quieras, faltaría más.
:agradable
Según parece, al menos eso indican los historiadores actuales, Nerón poco o nada tuvo que ver con el incendio de Roma, dado que al parecer ni siquiera se encontraba en la ciudad.
Así que el pobre seguramente no tuvo oportunidad de tocar el harpa, el arpa o la lira o el instrumento que se tercie.
:cortina
Cita:
Iniciado por Alcaudón
La banda sonora del Dr Miklos Rozsa, insigne musicologo y compositor, indicó lo contrario. Y ya sabes lo que dicen, no dejes que los historiadores estropeen una gran banda sonora.:D. Por supuesto, las regrabaciones de la partitura suelen sustituir la lira por un harpa, solo por joder.
:lol
:abrazo
¿Qué tal si nos quedamos con el auténtico y genuino (H)arpo?
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:cuniao
Alcaudón, precisamente esta Semana Santa repasé "Sansón y Dalila" de Cecil B. DeMille. Ya leeré tus comentarios cuando toque con ganas :ceja. Ésta que acabas de comentar es de las que todavía tengo en la lista :rubor, aunque tengo la sensación después de leeros a muchos hablar sobre ella (recuerdo los comentarios de Jane especialmente :agradable) de haberla visto entera :lol.
Respecto a ésta:
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Me sigue gustando tanto como cuando era una renacuaja :juas :juas. No recordaba, eso sí, a la Lansbury :D. Lo cierto es que me lo pasé en grande revisándola.
Otra que vi fue "Sodoma y Gomorra" de Robert Aldrich.
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No la havía visto antes, y bueno, me pareció entretenida y la disfruté. Aunque eso sí, se pasa la historia de Lot por dónde quiere :lol :lol. Se inventa más de media película. Y destaca la música, como no, de Miklós Rózsa :ceja.
Saludos a todos :agradable. Lamento estar algo ausente, pero esto de reorganizarse vida y trabajo por el virus, está siendo más laborioso de lo que parecía en un principio, pero bueno, intentaré ir apareciendo y participando :agradable :abrazo. Me alegra ir sabiendo que estáis todos bien :abrazo :abrazo.