Tema: Un nuevo hilo dedicado a l@s cineastas clásic@s japones@s

Añado otro film de Kurosawa comentado brevemente en OR:

Iniciado por mad dog earle

La nueva leyenda del gran judo (Zoku Sugata Sanshirô, 1945), de Akira Kurosawa



El tercer largometraje de Kurosawa tiene algunas curiosas peculiaridades. De entrada se trata de una secuela (años después, Sanjuro también será una secuela de Yojimbo) de su film de debut: La leyenda del gran judo (1943). Ambientada en la década de los 80 del siglo XIX, nos continúa narrando las peripecias de Sanshiro (Susumu Fujita, actor presente en varios films de Kurosawa), un joven maestro en el arte del judo. Si en la primera parte sus rivales practicaban el jiu-jitsu, en esta segunda parte Sanshiro se enfrentará, por un lado, al boxeo importado por los norteamericanos (en un guiño nacionalista y antiamericano que parece que fue impuesto por la productora Toho: el film se rodó durante los últimos meses de la II Guerra Mundial), y por otro a unos maestros de kárate, que intentan vengar la derrota de su hermano, acaecida en la primera parte de la saga.

Desgraciadamente, las difíciles condiciones de rodaje (terminada durante los bombardeos de la aviación norteamericana sobre Japón, y con grandes estrecheces a la hora de disponer de material y medios técnicos), agravadas por su conservación, dan como resultado un film que, al menos en la copia que he visto (que creo que, aunque editada de nuevo por una de esas compañías un tanto sospechosas, es la misma que la que sacó en su día Filmax), tiene una calidad, tanto de imagen como de sonido, francamente deplorable.

A pesar de todo, a mí me ha parecido un film atractivo a ratos, con algunas excelentes soluciones visuales que en una copia decente darían como resultado un film mucho más disfrutable. Destaca esa extraña presencia del boxeo, por medio de un campeón norteamericano, apodado Killer, que se enfrenta primero a un maestro de jiu-jitsu, al que vence humillándolo, y luego muerde la lona, claramente derrotado por Sanshiro, que no necesita casi ni despeinarse.



El enfrentamiento final con el maestro de kárate, en un paisaje nevado, tiene una extraña poesía (inferior, eso sí, a la que tenía el combate decisivo de la primera entrega), a la que no es ajena la figura del hermano del retador, un enloquecido personaje de aspecto estrafalario.

Iniciado por hannaben

Canela fina.Alcaudón no abriste otro hilo de cine asiatico?¿

No.

https://www.mundodvd.com/revisando-s...6/#post4649214

Pero es hongkonés, no japonés. Y, la verdad, es que se me había olvidado por completo. Fue un proyecto abortado y eso que todas las cintas que he visto de él me han parecido magníficas.

He incluido la magnífica edición francesa de Carlotta Films de la actriz/directora Kinuyo Tanaka (1910-1977) y que incluye (en BD) sus 6 películas como directora, 2 de ellas en color.

La revista "Dirigido por..." le dedicó un artículo en su nº 513 (enero de 2021).

También he puesto el enlace directo de la editora, cosa que espero hacer con los títulos del listado pero solo en el caso de que estén disponibles - o sea, no descatalogados -.

Eso sí, solo el de la tienda de la editora original no de Amazon y similares.

Más madera...

Un consejo, amigo mad dog earle:

El comentario queda más bonito si oprimes el botón de "Editar mensaje" y luego copias y pegas el mismo en el presente hilo.

Lo he hecho así para dejar claro que es material citado (sin modificar nada). Me parece más claro. Creo que hice lo mismo en el hilo recopilatorio de Nicholas Ray.
De hecho, está hecho tal como dices: editar mensaje, copiar y pegar, pero dejando las marcas de "quote". Personalmente prefiero hacerlo de este modo, y así lo haré con los comentarios de Naruse. Reservo el texto sin "quote" para nuevas aportaciones.

Somos un matrimonio bien avenido, querido amigo...

You say, "Yes", I say, "No"

You say, "Stop" and I say, "Go, go, go"

Oh no

You say, "Goodbye" and I say, "Hello, hello, hello"

I don't know why you say, "Goodbye", I say, "Hello, hello, hello"

I don't know why you say, "Goodbye", I say, "Hello"

...

Jôi-uchi: Hairyô tsuma shimatsu (Rebelión). - 1967 - Masaki Kobayashi

Enlace a la crítica original realizada el 08/11/2020 en el hilo “Las últimas pelis que has visto en casa”

DVD Criterion Collection zona 1



Después de una temporada habiéndole dedicado espacio (demasiado) al cine clásico norteamericano, necesitaba abrir un poco la ventana, ventilar algo el olor a cerrado, y buscar propuestas diferentes para airearme un poco. Entre ellas, esta maravillosa cinta de Kobayashi que hacia mucho tiempo (demasiado) que no veía y que me apetecía revisar.

El DVD de Criterion, aunque cumple sobradamente, ya iría siendo hora de renovarlo por un BD remasterizado en condiciones para disfrutar de la película todavía más si cabe.

Siempre me ha parecido curioso que Kurosawa, en lugar de Kobayashi cuyo cine era mucho más provocador e hiriente hacia su propia cultura, fuera el director maldito y despreciado cuyo país decidió volverle la espalda por la internacionalidad de su cine, cuyas características cinematográficas lo hacían más accesible para el público que se encontraba más allá de sus fronteras.

Creo que mientras Kurosawa dotaba muchas veces de cierta poesía y honorabilidad al folclore japonés, Kobayashi lo atacaba directamente al mismísimo corazón con saña para señalar sus carencias. Y precisamente, en esta cinta, repite prácticamente el mismo patrón que en “Harakiri”, señalando la hipocresía de líderes feudales que, bajo una máscara de orgullo, honorabilidad, decoro y lealtad inquebrantable, se esconde la verdadera faz de un Japón corrupto y ruin, capaz de acometer contra quien sea y como sea si sus intereses se ven directa o indirectamente truncados por cualquiera que se interponga en su camino.

Mifune, como siempre, pletórico. Nakadai, que también es un grandísimo actor (no por nada protagonizaría la mismísima “La Condición Humana”), tiene un rol secundario y no se los puede llegar a comparar en la película; pero siempre me ha parecido que como actor estaba varios peldaños por debajo del primero, que lo considero uno de los mejores actores que ha dado el cine en toda su historia.



La película la protagoniza el propio Mifune que hace de padre de una pequeña familia acaudalada a las ordenes del feudo, cuando uno de sus hijos se ve obligado a casarse con una mujer rechazada por el propio Lord, que después de procurarle un hijo para asegurar su descendencia, ya no la necesita y busca posicionarla junto a un vasallo en lugar seguro como deferencia a ella por ser la madre del que será el futuro heredero del trono.

Mifune, en contra de aceptar el matrimonio impío que se le impone al hijo, rechazará en un principio la orden aunque acabará aceptándola por decisión del propio hijo, que más adelante, tras descubrir la verdadera historia que hay detrás de su nueva esposa, la película dará un giro de 180 grados cuando, una vez enamorado profundamente de la mujer que también ha sido aceptada con entusiasmo por la familia y el propio Mifune gracias al carácter amable y bondadoso que la caracteriza, el Lord vuelve de nuevo para dar la irrevocable orden de que se anule el matrimonio después de dos años, para que esta regrese cuanto antes al castillo y cuide de cerca al hijo que tienen en común y que algún día se convertirá en Lord.

Y es precisamente en este momento cuando uno entiende o se puede imaginar por qué la película tiene el título que tiene.

Una grandísima película en todos los aspectos, cuyo director, si tengo tiempo, iré comentando por aquí de vez en cuando conforme vaya revisando algunos de sus primeros títulos menos conocidos, editados también en su momento en DVD por la magnífica Criterion.

Estaría bien que indicásemos el título original de la cinta que comentemos y - si lo hay - el que usó el distribuidor de turno en nuestro país. *

En el caso anterior estaríamos ante Jôi-uchi: Hairyô tsuma shimatsu (1967, Rebelión).





* A este respecto tenemos el caso, por ejemplo, de Ozu. Su última obra, Sanma no aji (1962), lleva por título en inglés An Atumn Afternoon y en la edición en DVD de A Contracorriente el de El sabor del sake. No obstante, en el libro de Antonio Santos (Cátedra, Madrid, 2022) aparece como Tarde de otoño (o sea, similar al primero que indicaba). Todo un auténtico galimatías, la verdad sea dicha.

Es que hay muchos otoños en los títulos de Ozu. Cuando la vi en la Filmoteca se presentaba con un titulo que incluía lo del sabor del sake, aunque no sé si era literalmente el mismo de la edición en DVD.
También hay un film de 1952 editado con el título de "El sabor del té verde con arroz" para complicar un poco más las cosas.

Iniciado por Alcaudón

Estaría bien que indicásemos el título original de la cinta que comentemos y - si lo hay - el que usó el distribuidor de turno en nuestro país. *

En el caso anterior estaríamos ante Jôi-uchi: Hairyô tsuma shimatsu (1967, Rebelión).





* A este respecto tenemos el caso, por ejemplo, de Ozu. Su última obra, Sanma no aji (1962), lleva por título en inglés An Atumn Afternoon y en la edición en DVD de A Contracorriente el de El sabor del sake. No obstante, en el libro de Antonio Santos (Cátedra, Madrid, 2022) aparece como Tarde de otoño (o sea, similar al primero que indicaba). Todo un auténtico galimatías, la verdad sea dicha.

Hecho!

Veremos a ver si en las siguientes cintas de Kobayashi consigo encontrar los títulos en castellano. Lo dudo porque me parece que nunca se estrenaron aquí.

Buena parte del cine clásico japonés no llegó a estrenarse en nuestro país en salas comerciales, aunque sí en festival o en retrospectivas.

La traducción más fiel del último largometraje de Ozu sería "El sabor del sanma". El sanma es un pescado del género Cololabis.



En el artículo siguiente se explica de forma sencilla su significado dentro de la cultura nipona:

https://mirandohaciajapon.com/sanma-...tono-en-japon/

Tal como avancé, una vez concluido el miniciclo que he dedicado a Mikio Naruse en OR, traslado los comentarios a este hilo en forma de citas (ya lo siento, Alcaudón ).

Iniciado por mad dog earle

Mikio Naruse (1905-1969)



La tiranía de los lugares comunes hace que, para la mayoría de cinéfilos, el cine clásico japonés se circunscriba a la famosa tríada compuesta por Kenji Mizoguchi (1898-1956), Yasujiro Ozu (1903-1963) y, sin duda el más conocido en Occidente, Akira Kurosawa (1910-1998). A su lado, no obstante, hay un numeroso grupo de directores muy interesantes, el acceso a cuya obra, desgraciadamente, suele ser bastante complicado.

Entre estos, uno de los más destacados es, probablemente, Mikio Naruse. Con más de 90 referencias en imdb, la mayoría largometrajes además de un puñado de cortos, Naruse empezó su larga carrera en el cine mudo en 1930 cerrando su filmografía en 1967 (dos años antes de su muerte) con Nubes dispersas, en color y cinemascope.

Prueba de la dificultad de acceder a la obra de estos directores es que, que yo sepa, de Naruse solo han aparecido en nuestro mercado cinco películas editadas en DVD por Filmax, en la colección que dedicó hace ya muchos años a los maestros del cine japonés. Por orden cronológico (las cito por el título de la edición en DVD): Madre (1952), La voz de la montaña (1954), Nubes flotantes (1955), Cuando una mujer sube la escalera (1960) y la ya citada Nubes dispersas (1967).

A parte de estas cinco, confieso que sólo he visto otra, en la Filmoteca hace un montón de años: El almuerzo (o El banquete), de 1951 (con la ozuniana Setsuko Hara), con lo que (6 de unas 90) ya se puede uno hacer a la idea del conocimiento tan limitado que uno puede obtener del cine de Naruse por estos lares. Si de Kurosawa disponemos de toda su filmografía, y de Mizoguchi y Ozu de un buen número de títulos, de esos otros directores que han quedado en la sombra para los cinéfilos occidentales sólo podemos acceder a una pequeña cata, con la esperanza en todo caso que sea realmente representativa. Así, comentaré en los próximos días, brevemente (porque nos espera una revisión más ambiciosa dedicada a David Lean, además de tener todavía pendiente de finalizar la de Buñuel) esos cinco títulos citados, desgraciadamente editados con una calidad de imagen bastante lamentable, y también otro, que no he visto nunca, y que está disponible en Filmin: Tormento (1964).

Ciclo Naruse (1) – Madre (Okâsan, 1952)



Con decenas de películas ya estrenadas, de las que no tengo noticia, me resulta imposible valorar la posición de Madre dentro del conjunto de su obra. En todo caso, estamos ante un sensible drama familiar, sentimental pero sin forzar la mano, sin subir el tono, sin caer en el melodramatismo facilón (aunque mejor tener un pañuelo a mano). Viéndola, es inevitable pensar en más de una ocasión en Ozu, sobre todo por la temática, más que por las soluciones estilísticas.

Obviamente, como pasa en buena parte del cine japonés de posguerra al que he tenido acceso, el peso de la muerte y los efectos de la II Guerra Mundial se hacen sentir aunque no se pongan en primer plano. Así, por ejemplo, la familia Fukuhara, sobre la que posa la mirada el film, acoge a un niño, Tetsuo, hijo de la hermana de la madre del título, Masako (magnífica Kinuyo Tanaka). La hermana, viuda a causa de la guerra, se dice que ha vuelto de Manchuria (zona anexionada por Japón en 1931).

Los Fukuhara, que viven en un barrio muy modesto, intentan salir a flote en las duras condiciones económicas de la posguerra. Primero se dedican a la venta ambulante: la hija mayor, Toshiko (Kyöko Kagawa), vende pasteles calientes en invierno y helados en verano; la madre también vende comida en un puesto callejero; mientras que el padre intenta volver a montar su antiguo negocio: una tintorería que instala en el propio domicilio. Además, hay otro hermano enfermo (el mayor murió en la guerra) y una hermana pequeña.

Los problemas que va a vivir la familia pasan por la muerte (del hermano y del padre) y las dificultades para sobrevivir con los pocos ingresos que obtienen. Además, como era habitual en el cine de Ozu, Masako se encuentra ante el dilema de casarse de nuevo con un amigo de su marido que les ha ayudado a tirar adelante el negocio, Kimura (Daisuke Katô, habitual de Kurosawa, uno de los siete samuráis), aunque este se irá al final del film para montar un negocio propio en otra ciudad.

También Toshiko piensa en el matrimonio, en su caso con un joven panadero, Shinjiro (Eiji Okada), con el que mantiene una tierna y tímida relación amorosa.



Naruse se permite un cierto toque de humor al final del film, cuando la tía de Toshiko la viste y peina como si fuera una novia, para practicar de cara a un concurso de peluquería, lo que genera el previsible equívoco.



Ese momento casi de comedia se complementa con un par momentos luminosos (a los que habría que añadir un brevísimo flashback en el que nos muestra al matrimonio años atrás, antes de la guerra): una excursión campestre en el que la pareja se lleva de paseo a los niños y un día de diversión en unas atracciones a donde también les acompaña la madre. Ese día será en cierto modo la despedida de la hija pequeña, Chako, que acepta sacrificarse e irse a vivir con sus tíos para permitir un desahogo económico a la madre.

En resumen, como le pasaba en más de una ocasión a Chishu Ryu en los films de Ozu, ante la madre se cierne un futuro de soledad, sin sus hijas, sin ese posible marido, solo con un muchacho que entra a trabajar de aprendiz, al que vemos, en el plano final, escribiendo una carta dirigida a su madre.

Acabo con un par de apuntes curiosos: uno es la presencia, casi como leitmotiv, de la canción italiana “O Sole Mio”, que incluso Shinjiro llega a cantar durante un festival popular. El otro es una secuencia en que van al cine. Naruse nos muestra el rótulo de fin del largometraje, se encienden las luces y las mujeres comentan que les ha hecho llorar. Parece como si el director, con ello, quisiera reflejar en la pantalla un avance del efecto esperable de su película.

2ª parte

Iniciado por mad dog earle

Ciclo Naruse (2) – La voz de la montaña (Yama no oto, 1954)



Como la anterior Madre, La voz de la montaña es una producción de la Toho, basada en la obra del mismo título de Yasunari Kawabata (fechada en 1949-1952), novelista japonés que obtuvo el premio Nobel en 1968.



Y como en Madre, estamos también ante un drama familiar. La diferencia es que, dos años después, el peso de la guerra y de la muerte, que gravitaba sobre la familia Fukuhara, aquí parece haber quedado algo atrás (aunque un personaje ajeno a la familia sea “viuda de guerra”). Los Ogata son una familia de clase media, que viven en Kamakura, a las afueras de Tokio. No hay rastro de destrucción, incluso alguno de los paseos de la pareja protagonista se desarrolla en un ambiente abierto, de parques con árboles, que dotan a las imágenes de una paz luminosa.



He hablado de “pareja protagonista”, aunque sea una pareja solo política. Se trata de Shingo (espléndido Sô Yamamura) y su nuera, Kikuko (la bellísima y encantadora Setsuko Hara, actriz habitual del cine de Ozu). Ella tiene una afectuosa relación con su suegro que contrasta con la que tiene con su esposo, Shuichi (Ken Uehara).



Ambos, padre e hijo, trabajan en la misma empresa, pero Shuichi lleva una doble vida, ya que no encuentra en su mujer aquello que busca, la encuentra tímida, una niña, sin carácter. Lo que busca lo encuentra en Kinuko, la “viuda de guerra”. El malestar en el matrimonio de su hijo preocupa a los Ogata, que también ven como su hija, Fusako, con dos hijos, desea separarse de su marido.

Shingo asiste impotente al cambio de costumbres del Japón de la posguerra. Los tiempos están cambiando, y las relaciones de las parejas ya no se guían por las convenciones de otras épocas. Idealiza la pureza de antaño (simbolizada en una máscara de teatro por la que siente fascinación), pureza que encuentra reflejada en Kikuko.



Naruse desarrolla estas líneas argumentales con suma delicadeza, sin forzar lo melodramático de la propuesta, dejando margen para que comprendamos a todos los personajes. Así, Shuichi es un hombre amargado, que suele llegar borracho a casa, donde no encuentra en Kikuko más que sumisión conyugal. Planteadas así las cosas, se entiende que ella, embarazada, decida abortar, lo que entristece a sus suegros. Por su parte, la amante, Kinuko, también encinta de Shuichi, decide seguir adelante con el embarazo, aunque prefiere romper la relación con él, por lo que le miente respecto a quién es el padre de la criatura.

Como en los films de Ozu, asistimos a la cotidianidad de la familia Ogata, sus trabajos domésticos, las conversaciones, los ambientes en los que se mueven, todo teñido de un aire de melancolía.



La película se cierra con una conversación entre Shingo y Kikuko, mientras pasean por un parque, en la que ella deja claro que piensa abandonar a su marido, pero que lamenta tener que dejar a su suegro.





Drama de una extraordinaria finura, aunque la sumisión, la resignación de Kikuko (más aparente que real, puesto que es ella la que decide abortar y dejar al marido), puede resultar en ocasiones un poco irritante. A pesar de eso, supongo que para los ojos orientales de la época, lo que plantea Naruse es un cambio significativo en la actitud de las mujeres: Kikuko, a pesar de su timidez, toma las riendas de su vida; Fusako se plantea dejar a su marido; Kinuko, decide tirar adelante un embarazo en solitario, gracias a su autonomía económica (es modista). Ciertamente, los tiempos estaban cambiando, y Shingo, el pater familias, parece aceptarlo como algo inevitable. Japón ya no podía ser el mismo que antes de la guerra.

3ª parte

Iniciado por mad dog earle

Ciclo Naruse (3) – Nubes flotantes (Ukigumo, 1955)



Si los dos films anteriormente comentados, Madre y La voz de la montaña, se centraban en el ámbito familiar, ocupando los efectos de la II Guerra Mundial un tenue telón de fondo, Nubes flotantes nos cuenta el drama de una pareja cuyo amor deviene imposible durante los primeros años de la posguerra. Esta vez sí que la devastación producida por los bombardeos sobre Japón se deja notar en una ambientación (reconstruida: habían pasado 10 años) de edificaciones precarias, poco más que barracas, bullicio callejero y miseria.

La película se inicia con unas imágenes de aspecto documental de los repatriados de la Indochina francesa, una de las colonias que el Imperio japonés poseía durante la guerra. La fecha: noviembre 1946. Una de las personas repatriadas es la joven Yukiko (magnífica Hideko Takamine), que lo primero que hace es intentar localizar a Tomioka (sobrio Masayuki Mori). El motivo: fueron amantes en Dalat, ciudad del actual Vietnam, mientras trabajaban para el Ministerio Forestal. Pero Tomioka estaba casado y no está dispuesto ahora a dejar a su mujer enferma, tal como creía Yukiko que haría.

Ante esta amarga realidad, la imposibilidad de reanudar su relación amorosa, Yukiko pasará por apuros económicos que intentará paliar entregándose Joe, un soldado americano que le facilita objetos y alimentos. Con todo, vive en una especie de chabola, con cartones en las paredes. Aunque Tomioka y ella se ven a menudo, hay entre ellos un poso amargo, una barrera infranqueable.



En sus conversaciones parecen añorar la etapa feliz en Indochina (territorio, no lo olvidemos, ocupado por el Imperio japonés), reconociéndose ahora como vencidos, como perdedores de la guerra. Son personajes rotos, heridos, incapaces de volverse a amar a pesar de aún desearlo, en especial Yukiko.

A pesar de todo, deciden hacer un viaje juntos, una escapada por unos días, durante el cual conocen al matrimonio formado por Sei (Mariko Okada) y Seikichi (Daisuke Katô). Tomioka se siente atraído por la belleza y juventud de Sei, y ella ve en él una forma de escapar de su marido e instalarse en Tokio.



Y así será, ya que un tiempo después Yukiko descubre que son amantes... con un trágico final, ya que el marido matará a Sei.

Para que no falte nada en la propuesta de amor adultero (aunque, como en los dos films anteriores, Naruse no enfatiza en exceso los elementos más melodramáticos), Yukiko queda embarazada. Pero, ante la imposibilidad de mantener una relación estable con Tomioka, Yukiko, al igual que hacia el personaje de Setsuko Hara en La voz de la montaña, decide abortar, para lo cual pide ayuda a su cuñado, Iba (Isao Yamagata), un repulsivo estafador (que, se nos dice, llegó a violar a la joven antes de la guerra, lo que la empujó a ir a Indochina) que ha organizado una esperpéntica Congregación de los creyentes del Dios Sol, que le sirve para desplumar a incautos.

Yukiko no solo recibe ayuda económica de Iba, sino que convive con él en una lujosa casa, actuando como tesorera de la Congregación. Pero, en realidad, sigue queriendo vivir con Tomioka, lo cual parece que finalmente será posible cuando la mujer de este fallece de tuberculosis.Entonces, Yukiko abandona a Iba y, de paso, roba de la tesorería una fuerte suma. Va de nuevo al encuentro de Tomioka, que ha decidido ir a trabajar de guarda forestal a la isla de Yakushima. Aunque él le deja claro que su relación amorosa murió con la guerra, ella insiste que no puede vivir sin él, y que está dispuesta a acompañarlo en su nuevo destino.

Pero durante el viaje Yukiko enferma y, al poco de instalarse en la isla, muere, no sin que antes Tomioka tengo el bello gesto de pintarle los labios y Naruse nos intercale una imágenes de los momentos felices en Indochina.



De las tres películas comentadas hasta ahora, esta Nubes flotantes es la que me parece mejor, aunque sea un film quizá demasiado largo (un poco más de dos horas), cocinado a ritmo lento, y concentrado cada vez más, a medida que avanza el metraje, en los dos personajes protagonistas. En esta ocasión, el tópico de ver en Naruse un director similar a Ozu queda un tanto cuestionado, no solo en la manera de enfocar el drama de la pareja (en el que las familias y las tradiciones no parecen tener demasiado peso), sino también en la forma de filmar las escenas y la profusión de travellings que siguen a los personajes mientras conversan paseando (algo que ya aparecía en los dos films anteriores y que parece una característica de su estilo).



Por otra parte, hay un momento curioso: en uno de sus paseos asisten a una manifestación en que se canta la Internacional.



En definitiva, un excelente film que sitúa, sin duda, a Naruse entre los grandes clásicos del cine japonés. La próxima película será Cuando una mujer sube una escalera, de nuevo con Hideko Takamine y Masayuki Mori en los papeles principales.

4ª parte

Iniciado por mad dog earle

Ciclo Naruse (4) - Cuando una mujer sube una escalera (Onna ga kaidan wo agaru toki, 1960)



Sigo con mi miniciclo Naruse, que cada vez me resulta más interesante. En esta ocasión nos encontramos con un film rodado en TohoScope, sistema análogo al Cinemascope desarrollado a finales de los 50 en Japón por los estudios Toho, en los que Naruse trabajó la mayor parte de su carrera.

Repiten algunos de los actores protagonistas del film anteriormente comentado, Nubes flotantes, en especial Hideo Takamine y Masayuki Mori. Así, Takamine (actriz habitual en el cine de Naruse) es Keiko, a la que llaman “Mama”, que está al frente de un bar “de alterne”, el Carton, que ofrece el servicio de una especie de geishas de nuevo cuño, sin el glamur de las tradicionales, pero que como estas se dedican a acompañar a hombres maduros, la mayoría directivos de empresas, durante sus visitas al local (y algunas se acaban convirtiendo en sus amantes mientras sueñan con encontrar entre ellos un esposo que las retire).

Si en los tres films comentados hasta ahora el núcleo descrito era, fundamentalmente, el de la familia o la pareja, recordándonos el cine de Ozu, aquí nos encontramos con una viuda independiente y solitaria, que intenta sobrevivir en la dura pugna por atraer clientes en la que están enzarzados los locales del barrio de Ginza de la capital nipona (lo que me hace pensar más en Mizoguchi). Naruse abre el film mostrándonos imágenes de las calles abarrotadas de bares y restaurantes, que empiezan a recibir visitantes a la caída del día.



El gesto de “subir la escalera”, como reza el título, o sea, ascender hasta el local donde trabaja, simboliza la vida de Keiko, lo que tiene de penoso sacrificio.



Ella odia su trabajo, hubiera querido mantener una vida “normal”, con su marido, pero la muerte accidental de este (atropellado por un camión) parece haberla obligado a elegir este destino, en el que corre el riesgo de verse atrapada para siempre. Keiko ha de disimular su amor por uno de sus clientes, Fujisaki (Mori), un hombre casado, inalcanzable para una mujer de su ocupación,



mientras rechaza insistentemente los acercamientos de otros hombres (las chicas comentan que Mama no tiene ningún “cliente especial”), como el rico empresario Goda (Ganjirô Nakamura, al que podemos ver en varios films de Ozu), que le ofrece una fuerte suma para que monte un local propio a cambio de ser su amante, o Sekine (Daisuke Katô, uno de los siete samuráis al que ya hemos visto en films anteriores de Naruse), de apariencia bondosa y amable, pero que oculta un mentiroso patológico que la llegará a engañar haciéndole pensar en el deseado matrimonio cuando él ya está casado.

Completa el círculo de hombres que giran a su alrededor el joven contable del negocio, Komatsu (Tatsuya Nakadai, al que seguro recordáis de Yojimbo, entre otras participaciones en el cine de Kurosawa).



Aunque Komatsu mantiene relaciones sexuales con una de las chicas, Junko (la risueña Reiko Dan), en el fondo está enamorado de Keiko, a pesar de recriminarle que se haya acabado vendiendo por dinero.

La película acaba con un momento de gran delicadeza, en que Keiko va a despedir a la estación de tren a Fujisaki (con el que ha tenido tiempo de vivir una breve escapada amorosa). Parte con su mujer y sus dos hijos con destino a Osaka, donde ha sido trasladado por su empresa.



El final, triste, amargo, nos muestra una vez más a Keiko subiendo la escalera. No ha podido escapar a su destino, destino que a menudo, como se muestra en dos ocasiones durante la película, lleva a muchas homólogas de Mama al suicidio, agobiadas por las deudas.

La próxima película que comentaré (está en Filmin) es Tormento, también rodada en TohoScope y con Takamine. En este caso se tratará de un primer visionado, a diferencia de las cuatro anteriores.

5ª parte

Iniciado por mad dog earle

Ciclo Naruse (5) – Tormento (Midareru, 1964)



Aunque el entorno de los personajes es distinto, Tormento es bastante similar a Cuando una mujer sube una escalera. Si en esta, la protagonista, Keiko, era una viuda que intentaba salir adelante en las procelosas aguas de los bares del barrio de Ginza, y se debatía entre aceptar ser la amante de alguno de sus clientes o dejar el oficio, vista la imposibilidad de conseguir mantener una relación estable con el objeto de sus deseos amorosos, Fujisaki, un hombre casado, en Tormento tenemos otra viuda (de guerra), Reiko (nuevamente interpretada por Hideko Takamine), que lleva desde el final de la contienda bélica viviendo con la familia de su marido muerto. Con ellos se siente como una más de la familia, hasta el punto de que ha sido ella la que ha mantenido a flote el negocio familiar, un colmado, reconstruyéndolo después de la guerra.



Pero los tiempos cambian y Reiko tendrá que hacer frente a dos problemas. Por un lado, a la apertura de grandes supermercados que convierten su tienda de barrio en un negocio deficitario (un tendero vecino se suicida, como hacía la patrona de un bar en Cuando una mujer sube una escalera, en ambos casos por motivos económicos, lo que ofrece una contraimagen amarga del “milagro japonés”). Eso provoca que sus cuñadas presionen a la madre para que permita que el establecimiento se convierta en un nuevo supermercado más competitivo. Para ello es conveniente sacarse de encima a Reiko, que se case o que abandone el hogar, lo que no deja de ser una mala jugada después de todo lo que ha dado a la familia.



El otro problema es su relación con el hijo de los Morita, su cuñado Koji (Yûzô Kayama), un joven amargado, que no encuentra su lugar en el mundo y cae habitualmente en la bebida. Además Koji esconde un secreto: está enamorado de Reiko, la mujer que lo cuidó desde los 9 años (ahora tiene 25).



Reiko tirará la toalla ante las presiones de sus cuñadas y decidirá dejar la ciudad, Shimizu, y volver a su pueblo. De eso modo deja las manos libres a la familia para hacer lo que crea mejor con el negocio y, de paso, se aleja de Koji, puesto que considera que el amor del joven es algo imposible (Reiko insiste que continúa amando a su esposo, con el que de hecho convivió muy poco tiempo). Vuelve con su familia en tren, pero Koji decide acompañarla.



Se hace evidente que Reiko siente por él un cariño especial, sea o no atracción amorosa. Pero se mantiene firme en su negativa a aceptar la afectuosidad de Koji (lo rechaza cuando este quiere besarla). La amargura de Koji le vuelve a empujar a la bebida, cerrándose el film, tras la tragedia que se intuye, con el primer plano de una Reiko hundida emocionalmente.



Aunque Naruse es tan delicado en la puesta en escena como en los cuatro films comentados anteriormente (en esta ocasión nuevamente recurre al Tohoscope), hay aquí algunos detalles que me llevan a valorar la película un poco por debajo. Por un lado, la machacona presencia de una música demasiado meliflua, a mi modo de ver inadecuada, que enfatiza el carácter melodramático de la narración. Por otro, la historia (según los créditos original de Naruse con guion de Zenzô Matsuyama) resulta demasiado folletinesca, ese amor imposible de Koji por Reiko no me parece convincente.

Como detalle curioso para cinéfilos, hay una secuencia desarrollada en un bar en que una serie de mujeres (probablemente chicas de alterne que parecen sacadas de Cuando una mujer sube una escalera) se dedican a comer huevos duros como si fuera una competición (espoleada por los jefes del nuevo supermercado que ha reventado los precios de los huevos), lo que trae a la memoria la célebre secuencia protagonizada por Paul Newman en La leyenda del indomable (Cool Hand Luke), de Stuart Rosenberg, rodada unos años después.





Con todo, un film que merece la pena ser visionado. Se encuentra en Filmin con buena calidad de imagen. El próximo título a comentar, y último de la filmografía de Naruse (y primero en color), será Nubes dispersas.

6a parte

Iniciado por mad dog earle

Ciclo Naruse (6) – Nubes dispersas (Midaregumo)



Con Nubes dispersas finalizo el miniciclo que he dedicado a Naruse. De hecho, con ella el director japonés cerró su larga filmografía (moriría dos años después, cercano a cumplir los 64 años).

La película conserva las mismas señas de identidad que el resto de películas que he comentado estas semanas, con la novedad, importante, de ser su primer (y único) film en color (de tonos suaves, ocres y verdes), manteniendo el formato en scope. Nuevamente, la trama se centra en las cuitas de una mujer, Yumiko (Yôko Tsukasa), que estando embarazada de tres meses enviuda a consecuencia de un accidente.



Cuando están a la espera de viajar a Estados Unidos, nuevo destino de Hiroshi, este, en estado de embriaguez, es atropellado por Shiro (Yüzô Kayama).

Con esta premisa argumental, el film me ha hecho recordar el cine de Douglas Sirk, porque la mala conciencia de Shiro, aunque de hecho no se le considera culpable y es exonerado en la vista judicial, lo va a convertir en, primero, un voluntario protector económico de Yumiko, y luego, progresivamente, en su enamorado.

Yumiko, por su parte, rechaza el dinero, puesto que ni quiere esa ayuda por parte del hombre que ha matado a su marido, y que ha destrozado su vida, ni se siente con derecho a aceptarlo, puesto que los padres del marido la han excluido del núcleo familiar, y ha perdido todos los derechos inherentes (una de esas costumbres japonesas de antaño, o quizá todavía vigente, en que las familias actúan más bien como un clan). Además, Yumiko pierde el embarazo, aunque no me quedó claro si por causa de un aborto natural o provocado (hay una breve secuencia que transcurre en un hospital que me resultó bastante enigmática).

Obligada por su situación económica, Yumiko deja Tokio y se instala en su ciudad natal, donde trabaja en el hotel que regentan su hermana, Ayako (Mitsuko Kusabue), y el que parece ser su amante, Hayashida (Daisuke Katô, al que hemos visto en varios de los films de Naruse), ciudad a la que, casualidades del destino, también llegará Shiro enviado por su empresa.

Como ocurría en Magnificent Obsession entre los personajes de Jane Wyman y Rock Hudson, también aquí poco a poco la relación entre Yumiko y Shiro va a ir pasando del rechazo inicial a una tierna aproximación y, finalmente, al amor correspondido. Naruse, con su sensibilidad y elegancia habitual, nos lo va mostrando mediante las conversaciones y los paseos de la pareja, sin forzar lo romántico (en esta ocasión la banda sonora me parece mucho más acertada que en el film anteriormente comentado, Tormento). Hay un momento culminante: después de un paseo en barca,



Shiro enferma repentinamente, de manera que tienen que alojarse en un hotel, donde Yumiko lo cuidará hasta que remita la fiebre.



Aunque, hacia la hora y media de película, por fin vemos su primer beso, Yumiko insiste en que su amor es imposible. Shiro le propone que lo acompañe a Lahore (Pakistán) donde lo envía su empresa, pero sigue recibiendo la negativa de Yumiko. No obstante, ella lo visitará en su alojamiento y el cruce de miradas entre los dos es de lo más elocuente. Van a un hotel donde parece que consumarán finalmente la relación, pero la visión de un hombre herido gravemente en un accidente de carretera removerá los recuerdos de Yumiko. La muerte de su esposo es un lastre demasiado pesado, demasiado presente, como para pensar que esa relación pudiera funcionar. Shiro abandona la población en dirección a su nuevo destino y Yumiko se queda sola, contemplando el paisaje del lago donde ha vivido unos breves instantes de amor con Shiro. Bellas imágenes como cierre de la película, y del conjunto de una obra presidida por la sensibilidad y la elegancia.



Finalizado el ciclo, trasladaré los comentarios a Un nuevo hilo dedicado al cine clásico japonés (1929-1975), creado recientemente por nuestro inquieto compañero de foro (y sin embargo amigo) Alcaudón. Quizá en el futuro amplie la nómina de films de Naruse comentados (he descubierto varios más en internet, en la página rarefilmm.com, que me dio a conocer hace tiempo hannaben, por lo cual le estoy muy agradecido ). En todo caso, si me animo a comentar algún film más de Naruse, ya será directamente en el hilo del cine clásico japonés citado. Sea como sea, recomiendo encarecidamente visionar tantas películas de Naruse como os sea posible. Es un placer hacerlo.

Kabe atsuki heya (The Thick-Walled Room) - 1956 - Masaki Kobayashi

Enlace a la crítica original realizada el 14/11/2020 en el hilo “Las últimas pelis que has visto en casa”.

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Séptima película de Kobayashi, realizada en 1956, pero estrenada cuatro años más tarde por su controversia política y por la negativa del director a cortar las partes más polémicas del film.

Como dije hace unos días en mi comentario de “Samurai Rebellion”, resulta extraño que Kobayashi, a diferencia de Kurosawa, tuviera el soporte de productoras nacionales cuando, mientras el segundo hizo alguna película propagandística al principio de su carrera, él criticó duramente el sistema político imperante intervenido por el gobierno norteamericano, tildando a Japón de cobarde por su sumisión, a la vez que definía la intervención americana de invasora y abusiva partiendo de una visión sesgadamente comunista desde donde creía que se tenía que librar la lucha y reconstrucción del país.

De alguna manera esta película se definiría muy bien como preludio de la trilogía de “La Condición Humana”; no por ser una continuación histórica o argumental de la misma, sino por utilizar un conflicto bélico como escenario para ofrecer su visión y criticar sin complejos las injusticias y el abuso que ejercía el estado sobre el propio pueblo japonés.



En este caso la trama se centra en contarnos la historia de varios convictos japoneses, ex soldados que comparten celda juzgados por crímenes de guerra por el propio gobierno norteamericano, que a lo largo de la película mediante flashbaks intermitentes acabaremos descubriendo cómo y por qué acabaron aquí.

Y hay que decir que Kobayashi no deja títere con cabeza. Aparte de ridiculizar mediante clichés la idiosincrasia americana y criticar su abuso de fuerza sentenciando soldados japoneses a diestro y siniestro sin el más mínimo rigor jurídico, define la alta jerarquía militar japonesa de traidora y corrupta, capaz de vender al compatriota con tal de salvar el propio pellejo pese a ser la máxima responsable de los atentados y asesinatos que sus soldados se vieron obligados a cometer durante la guerra.

La película retrata el drama diario que psicológicamente experimentan estos presos en la cárcel, llegando a tener fuertes tentativas e intentos de suicidio, debido a las pocas esperanzas que les quedan de encontrar justicia y salir de allí para seguir con la vida que tenían antes de la guerra. Y mientras que unos están dispuestos a aceptar la derrota y a esperar y a creer en la compasión del pueblo americano para ser liberados, otros desean la reafirmación de la nación, recuperar la independencia perdida y ser liberados por revolucionarios para volver a tomar el control del país como patriotas. Pero la ironía y el sarcasmo que se reserva Kobayashi, es que en ambas circunstancias el deseo de los reos no está basado en convicciones y valores morales que esperan encauzar el progreso del conflicto hacia una solución política nacional factible, sino en la posibilidad que más rápido les proporcionaría la oportunidad de salir de la cárcel lo antes posible para acabar con su agonía.

Cada soldado/preso llevará su propia lucha interna y externa a su manera. Mientras unos se pliegan a las circunstancias y al destino, otros tratarán de alterar activamente sus circunstancias por diferentes medios. Algunos, como decía, intentaran acabar con el sufrimiento mediante el suicidio; otro, buscando venganza, tratará de escapar de la prisión para perpetrarla y ayudar también a su familia que está siendo acosada por el mismo miserable que le metió en la cárcel; y otro, contando la realidad penitenciaria de los convictos a medios izquierdistas, para denunciar las barbaridades a las que se ven sometidos y ayudar a derribar el sistema desde dentro.

También tiene hueco, por cierto, para reservarse cierto cinismo respecto al uso indiscriminado y partidista que hacen los periódicos de izquierdas con la información, si de alguna manera y caiga quien caiga, esta puede beneficiar la propaganda comunista y ayudar a cualquier precio a luchar contra el estado.



Considerada la primera obra “madura” de Kobayashi, el director aborda temas que más adelante recuperará y tratará en profundidad. Primero en su famosa trilogía, y más adelante, de forma alegórica, en dramas de ambientación histórica barnizados de folclore que serán los que acabarán dándole fama internacional.

Formalmente ya se puede apreciar una puesta en escena muy personal, donde combina un tratamiento y una narración realista, con un expresionismo y un artificio deliberado que utiliza para enfatizar visualmente ciertos aspectos del film, como la vida interior de los personajes o ciertos momentos de relevancia que necesitan ser fijados en la mente del espectador con fuerza. Aunque sin llegar, ni mucho menos, a la pirotecnia visual lírica y poética de “Kwaidan”.



En definitiva, una buenísima e interesante película que va más allá de los cimientos del cine del director, para ser una obra que retrata muy bien la dura época que vivió Japón bajo el yugo americano, denunciando las vicisitudes socioculturales y políticas a las que se vieron sometidos.



-“Prision isn't a place to drive the sins out of humanity. It drives the humanity out of the sins.”-

Amig@s hannaben y DrxStrangelove - y el resto de sospechosos habituales... -:

¿Estáis de acuerdo en acotar el lapso temporal (ya suficientemente amplio de por sí, todo sea dicho) de 1929 a 1967?

De esta forma - y aunque sea mera casualidad - damos acomodo a las dos cintas comentadas de Kobayashi y Naruse, obra y gracia del mencionado Dr. Bloodmoney y Roy Earle, respectivamente.

Cualquier sugerencia será bienvenida.

Mi primer gran proyecto sería comentar los 6 largometrajes que dirigió la que seguramente es la actriz japonesa más importante y no solo del cine clásico, Kinuyo Tanaka.

En su momento vi - pero no comenté - su primera cinta y me gustó mucho.

En rojo indico los títulos que rodó en color.

Kinuyo Tanaka (1910-1977) [1953-1962]:

1953 / Koibumi / Carta de amor

1955 / Tsuki wa noborinu / La luna se levanta

1955 / Chibusa yo eien nare / Pechos eternos

1960 / Ruten no ôhi / La princesa errante

1961 / Onna bakari no yoru / La noche de las mujeres / TohosScope

1962 / Ogin-sama / Amor bajo el crucifijo / Shochiku GrandScope

Claro que mi vida últimamente es un helter skelter y no puedo garantizar el tiempo que me llevará, dado que algun@s participamos en otros hilos (por ejemplo, el compartido dedicado a David Lean o el individual a la Hammer y otros, aparte de los puntuales aportes al OR).

Intentaré poner todo por mi parte para que la (mini)revisión salga adelante pese a todo y pese a todos.

Por cierto y con mero carácter informativo os indico los títulos que tengo (y otros en proceso de adquisición) referidos a los cineastas clásicos.

Los indexo por fecha de nacimiento de l@s mism@s:

Teinosuke Kinugasa (1896-1982) [1922-1966]:

1953 / Jigokumon / La puerta del infierno / Palma de Oro 1954

Kenji Mizoguchi (1898-1956) [1923-1956]:

Cine sonoro:

1946 / Utamaro o meguru gonin no onna / Cinco mujeres en torno a Utamaro

1952 / Saikaku ichidai onna / The Life of Oharu / Vida de Oharu, mujer galante

1953 / Ugetsu monogatari / Cuentos de la luna pálida de agosto

1954 / Sanshô dayû / Sansho the Bailiff / El intendente Sansho

1954 / Chikamatsu monogatari / Los amantes crucificados

1955 / Yôkihi / La emperatriz Yang Kwei-fei

1956 / Shin Heike monogatari / Nueva historia del clan Taira

Yasujirô Ozu (1903-1963) [1927-1962]:

Cine mudo:

1931 / Shukujo to hige / La bella y la barba

1932 / Umarete wa mita keredo / I Was Born, But… / Nací, pero…

1933 / Tôkyô no onna / Woman of Tokyo / Una mujer de Tokio

1934 / Haha wo kowazuya / A Mother Should Be Loved / Amad a la madre

Cine sonoro:

1936 / Hitori musuko / The Only Son / El hijo único

1937 / Shukujo wa nani o wasureta ka / What Did the Lady Forget? / ¿Qué ha olvidado la señora?

1941 / Toda-ke no kyôdai / Brothers and Sisters of the Toda Family / Los hermanos Toda

1942 / Chichi ariki / There Was a Father / Érase un padre

1948 / Kaze no naka no mendori / A Hen in the Wind / Una gallina al viento

1949 / Banshun / Late Spring / Primavera tardía

1950 / Munekata kyôdai / Las hermanas Munakata

1951 / Bakushû / Early Summer / Principios de verano

1952 / Ochazuke no aji / The Flavour of Green Tea over Rice / El sabor del arroz con el té verde

1953 / Tôkyô monogatari / Tokyo Story / Cuentos de Tokio

1956 / Sôshun / Early Spring / Primavera precoz

1957 / Tôkyô boshoku / Tokyo Twilight / Crepúsculo en Tokio

1958 / Higanbana / Equinox Flower / Flores de equinoccio

1959 / Ohayô / Good Morning / Buenos días

1959 / Ukigusa / Hierbas flotantes

1960 / Akibiyori / Late Autumn / Otoño tardío

1961 / Kohayagawa-ke no aki / El otoño de los Kohayagawa

1962 / Sanma no aji / An Autumn Afternoon / Tarde de otoño

Mikio Naruse (1905-1969) [1930-1967]:

1967 / Midaregumo / Nubes dispersas / TohoScope

Akira Kurosawa (1910-1998) [1943-1993]:

1950 / Rashômon / Rashomon / León de Oro en 1951

1952 / Ikiru / Vivir

1954 / Shichinin no samurai / Los siete samuráis

1957 / Kumonosu-jô / Trono de sangre

1958 / Kakushi-toride no san-akunin / La fortaleza escondida / TohoScope

1961 / Yôjinbô / Yojimbo / TohoScope

1962 / Tsubaki Sanjûrô / Sanjuro / TohoScope

1963 / Tengoku to jigoku / El infierno del odio / TohoScope

1965 / Akahige / Barbarroja / TohoScope

Spoiler:

1970 / Dodesukaden / Dodes`ka-den

1975 / Dersu Uzala / ídem / SovoScope 70

1980 / Kagemusha / ídem / Palma de Oro (ex aquo) en 1980

1985 / Ran / ídem

1990 / Yume / Los sueños de Akira Kurosawa

Masaki Kobayashi (1916-1996) [1952-1985]:

1959 / Ningen no jôken / La condición humana I: No hay amor más grande / Shochiku GrandScope

1959 / Ningen no jôken / La condición humana II: El camino a la eternidad / Shochiku GrandScope

1961 / Ningen no jôken / La condición humana III: La plegaria del soldado / Shochiku GrandScope

1962 / Seppuku / Harakiri / Shochiku GrandScope

Kinuyo Tanaka (ver comentario anterior)

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Trabajo en progreso...

Actualizado al 31-12-23.