Tema: Revisitando a Ingmar Bergman

08. Hacia la felicidad (Till glädje, 1950)



Comentario anterior.

Como ya apunté en mi comentario anterior, el título del film, ese “Till glädje” o “To Joy” en inglés (he visionado la edición del BFI), corresponde al “Himno a la alegría” del cuarto movimiento de la novena sinfonía de Beethoven, con letra de un poema de Schiller (conocida como "Oda a la alegría"), música con la que empieza el film. O sea, más que “Hacia la felicidad” (nombre con el que se editó el DVD de Filmax) parece más correcto referirse a ella como “A la alegría” (la copia en Filmin se titula "La alegría").

Porque, aunque parezca una paradoja, el film, a pesar del trágico inicio, acaba revelándose como un canto a la alegría, entendida esta, como explica al final el director de orquesta (magníficamente interpretado por Vctor Sjöström), como algo más profundo que la mera satisfacción personal (no es esa que se expresa con risas, dice), como algo que “va más allá del dolor y la desesperación”, algo que reconoce que no sabe expresar en palabras, pero para eso está la música de Beethoven. Esa es la lección de vida que parece trasladarse al público en la figura del hijo pequeño del protagonista, el violinista Stig (Stig Olin), que asiste en solitario al ensayo final, poco después de la muerte de su madre.



En su momento expresé una cierta crítica por este final, que me pareció poco sutil. Ahora, en cambio, tengo que reconocer que tanto la conclusión del film, como todo él en su conjunto, me ha parecido magnífico.

Citaba en el comentario de hace años que Bergman explicitaba en sus memorias que la película, con guion original propio, trataba en realidad de su relación matrimonial del momento, de las fidelidades e infidelidades con Ellen (bailarina y coreógrafa con la que tuvo cuatro hijos y de la que se divorció en 1952). Ahí están temas presentes a lo largo de toda su filmografía: embarazos no deseados (Stig rechaza el primer embarazo de Marta); abortos; divorcios (Marta ya había estado casada); relaciones adúlteras… Por lo que respecta a este último tema, la película nos describe uno de los triángulos, o quizá mejor cuadrángulo, más turbadores de su filmografía, el que componen Stig, su rival amoroso Marcel (el habitual Birger Malmsten), violoncelista de la orquesta, el viejo Mikael (un viscoso John Ekman) y la inquietante Nelly (Margit Carlqvist).





Frente a este mundo adúltero, en el que Stig parece moverse con notable incomodidad, la película nos ofrece la cara luminosa, tierna, romántica de su relación con Marta (dulce Maj-Britt Nilsson), perfectamente simbolizada por ese osito de peluche que Stig le regala el día de su cumpleaños, cuando todavía no son más que amigos…



Pero también, ¡cómo no, es Bergman!, la cara oculta, oscura, terrible, de las discusiones, del odio, incluso de la violencia física (la escena nocturna de los bofetones que le da Stig a Marta es escalofriante). Momentos que coinciden con otras traumáticas relaciones de pareja que jalonan su filmografía.



La estructura narrativa juega con el flashback. Empieza en el presente trágico y navega a lo largo de los siete años que preceden el momento de la muerte de Marta. Incluso incluye dentro de uno de los flashbacks lo que parece una rememoración del director de orquesta, puesto que oímos su voz en off comentando una alegre escena familiar con los niños.



Ya que la película se centra en unos músicos, Bergman utiliza brillantemente diferentes fragmentos musicales para ir marcando la evolución de los personajes. Así, por ejemplo, cuando están a punto de casarse, la orquesta interpreta “La novia vendida”, de Smetana. Luego, en los momentos de felicidad inicial de la pareja, suena un radiante cuarteto de Mozart. Una de las escenas culminantes es el fracaso de Stig cuando debuta como solista con el celebérrimo concierto para violín de Mendelssohn.

Film, en resumen, muy equilibrado, que está vez me ha gustado mucho más que en ocasiones anteriores. Para la próxima película, la maldita Esto no puede ocurrir aquí (film del que Bergman no quería saber nada), me temo que seguimos sin copia disponible en formato doméstico, y que, si alguien se anima, hay que recurrir a YouTube. Será, probablemente, un castigo para la vista, pero el afán de completismo tiene sus servitudes.

Parecen dos cintas ciertamente atractivas especialmente la segunda. A ver si puedo hacerme con una copia dado que por ahora A Contracorriente no ha sacado ninguno de sus títulos primigenios y menos conocidos.

Por cierto, pensaba que Victor Sjöström solo había trabajado con Bergman en FRESAS SALVAJES. Espero verme en breve algunas de sus (míticas) cintas mudas como LA CARRETA FANTASMA (1921), EL QUE RECIBE EL BOFETÓN (1924) y, especialmente, EL VIENTO (1928).

Iniciado por Alcaudón

Por cierto, pensaba que Victor Sjöström solo había trabajado con Bergman en FRESAS SALVAJES. Espero verme en breve algunas de sus (míticas) cintas mudas como LA CARRETA FANTASMA (1921), EL QUE RECIBE EL BOFETÓN (1924) y, especialmente, EL VIENTO (1928).

Tres films magníficos. Tengo especial consideración para con el segundo, habitualmente menos citado. Bergman lo tenía por uno de sus maestros.

Por cierto, me he olvidado de un detalle en mi comentario de Till glädje: hay un breve cameo de Bergman, y no es el primero en las películas rerevisadas.

Hacia la felicidad:

Magnífico film de esta etapa ya etapa magnífica de Bergman en los 50s. Sutil retrato construido a base de flasbacks sobre el ego en los artistas y las relaciones de pareja. A destacar el tratamiento de la música en la película, y el contraste entre ambos personajes protagonistas, el egoísmo destructivo de él y la validez y madurez de ella, maravillosamente interpretados por Stig Olin y Maj Britt Nilsson.

Grandísima la aparición del genial y mítico director Víctor Sjostrom como director de orquesta.

Muy buena obra del maestro suecom

09. Esto no puede ocurrir aquí (Sant händer inte här, 1950)



Comentario anterior.

Esto no puede ocurrir aquí es, sin duda, el patito feo de la filmografía de Bergman (y me temo que nunca se convertirá en cisne). Con todo, tengo que admitir que en este segundo visionado me ha parecido un film de intriga mediocre, pero visible, mejorando la primera impresión que tuve en su día, no porque la calidad de imagen haya sido mucho mejor, sigue tratándose de una mala copia en YouTube, eso sí con subtítulos en castellano, más o menos correctos, sino porque en general me ha parecido mejor trabada de lo que la recordaba.

La película adapta la novela “Inom tolv timmar 11.20-23.20” (1944) del escritor noruego Peter Valentin (pseudónimo de Waldemar Christofer Brøgger). Brøgger fue miembro de la resistencia noruega durante la ocupación alemana, lo que probablemente influye en el tono sombrío de la historia que nos cuenta el film, y de ciertas referencias al nazismo. No olvidemos que la novela es de 1944, o sea todavía en plena Segunda Guerra Mundial. En cambio, el guion firmado por Herbert Grevenius, se presta a una cierta confusión. Por un lado, sitúa la acción en Suecia, aunque sin remarcarlo demasiado, un país en donde, como se verbaliza en un determinado momento, “esto no puede ocurrir aquí”, un hipotético país neutral alejado de todo conflicto, confiado e ingenuo, pero en realidad infiltrado por turbios agentes de una dictadura llamada Liquidatzia que persigue en territorio extranjero a los miembros de una red de refugiados políticos. ¿Qué país es Liquidatzia? Uno tiende a pensar, sin haber leído la novela, que quizá lo que en 1944 podía ser una referencia a la Alemania de Hitler, en 1950 puede que sea más bien una velada alusión a la URSS (hay algunos detalles más que apuntarían a una lectura anticomunista: así, según imdb, el nombre del barco que aparece al final, Mrofnimok Gadyn, es un anagrama de Kominform Nydag, siendo Ny Dag el periódico de entonces del Partido Comunista Sueco). De ahí, que Atkä Natas (Ulf Palme), el supuesto ingeniero que llega a la ciudad en avión al inicio del film, quiera contactar con la embajada de Estados Unidos para entregar unos documentos secretos que probablemente le faciliten la entrada en el país americano, asunto que cuadra con el clima de Guerra Fría de la época.



Previamente, Natas visita a su esposa, Vera (Signe Hasso), una refugiada, con la que no tiene buena relación, están claramente enfrentados, uno en cada bando. La trama a partir de ese momento, como dije en su día, es bastante confusa, pero eso es algo que solía ser (y todavía hoy es) patrimonio de este tipo de films de intriga, de dobles agentes, traidores e infiltrados (aquí, uno de los refugiados es desenmascarado como un agente de Liquidatzia).



La fotografía del gran Gunnar Fischer ayuda a dar el tono adecuado a la historia (incluso con el recurso a situar a menudo la cámara muy baja, lo que genera cierta sensación de inquietud), pero ni las interpretaciones, en particular la sosa pareja protagonista interpretada por Hasso y Alf Kjellin en el papel del policía y amante potencial de Vera (configurándose así un cierto triángulo amoroso, poco desarrollado), dos actores que pretendían en aquellos años triunfar en Hollywood sin demasiado éxito, ni la dirección de Bergman, alejado de sus temas, un poco como pez fuera del agua, consiguen dar suficiente consistencia a la película.



Como destaqué en su día, ciertos detalles cómicos parecen apuntar a un Bergman dispuesto a distanciarse de lo que cuenta. Por lo demás, es evidente que el cine de intriga no es el cine que mejor sabía hacer Bergman o que más le interesaba, un tanto ajeno a un material que podría haber filmado, seguro que con más éxito, Hitchcock (hay una reunión en la parte trasera de un cine donde se está proyectando un film animado del Pato Donald, lo que me hace pensar en Sabotage) o Lang. Todo el proyecto, al parecer, giraba en torno al interés de la productora, la Svensk Filmindustri, por internacionalizarse con un cine más comercial (el final feliz, con el policía que interpreta Kjellin sacando en brazos a Vera del barco donde estaba secuestrada, ilustra muy bien las intenciones de la película) que se adecuara a los tiempos de incerteza y tensión propios de la Guerra Fría.



El proyecto no tuvo éxito y, afortunadamente para él, Bergman no se vio forzado a volver a transitar estos caminos.

A pesar de todo, la película no deja de tener algunos buenos momentos, como por ejemplo el tramo final, con una acción continuada potenciada por un ágil montaje.





O el uso dramático, habitual en Bergman, de los espejos.



Esta vez me ha convencido de que si, finalmente, pudiéramos ver una buena copia, Esto no puede ocurrir aquí tampoco desentonaría tanto dentro de la ingente producción de films de este tipo que se llegaron a rodar durante los primeros años de la posguerra. En todo caso, un paréntesis dentro de la filmografía de Bergman, que cerraremos inmediatamente con su próximo film, un más que notable Juegos de verano.