Tema: Bandas sonoras

Pequeña preview del score de Holkenborg para Army of the Dead

Iniciado por Branagh/Doyle

Me apetecía hacer un repaso breve sin nombrar ninguna de las típicas que suelen mentarse siempre.

En mi caso 6,7 y 8 son las que más me tiran. La califfa y El Greco particularmente son radiantes. Con 2 y 3 no estoy familiarizado, y 4 me dejó tibio. Añadidos míos: White dog, La tenda rossa, Sepolta viva, Metello, Addio fratello crudele. El otro día me dijo mi hermano que la música de Misión a Marte le había llamado mucho la atención, aunque a diferencia de mí el solamente tiene oídos para la música post 1975/1978 Hace mucho tiempo que no veo el film de De Palma; creo que se llevó demasiadas indiferencias que no merecía por los recuerdos que tengo de ella.

Veo entonces que prefieres el Morricone sacro/romántico (de la selección propuesta, digo). Las mil y una noches es muy dura entiendo que te dejase frio, pero tras varias escuchas se (me) revela fascinante. Existe otro Morricone de suspense y misterio, que es también difícil pero merece la pena dedicarle el tiempo y el esfuerzo.


De hecho es que el italiano en general, salvo las obras que han trascendido a la cultura popular, nunca me pareció un compositor particularmente accesible. Siempre experimentando (ojo al uso de la voz femenina en el ejemplo número 2), jugando con la atonalidad y las disonancias, huyendo de las armonías fáciles.


Hay mucho que descubrir (y filtrar claro, tengamos en cuenta que este hombre llegó a facturar más bandas sonoras en un año que incluso Desplat en la actualidad, según Conrado porque le aterrorizaba volver a pasar por penurias economicas como en su niñez, lo que hizo que se volcase en el trabajo), más allá de lo que conocemos todos.



Sigo poniendo:

Spoiler:

Iniciado por Branagh/Doyle

Veo entonces que prefieres el Morricone sacro/romántico (de la selección propuesta, digo). Las mil y una noches es muy dura entiendo que te dejase frio, pero tras varias escuchas se (me) revela fascinante. Existe otro Morricone de suspense y misterio, que es también difícil pero merece la pena dedicarle el tiempo y el esfuerzo.


De hecho es que el italiano en general, salvo las obras que han trascendido a la cultura popular, nunca me pareció un compositor particularmente accesible. Siempre experimentando (ojo al uso de la voz femenina en el ejemplo número 2), jugando con la atonalidad y las disonancias, huyendo de las armonías fáciles.

Así es, no es particularmente accesible en un un buen trecho de su extensísima filmografía, es más, te diría que el Morricone que más me llena es el que fusiona la variante melódica (ya sea pop, decadente, austero, barroco, sacra o meramente vocal) con el opaco, el subliminal, el "descompuesto" y, como en el caso anterior, el vocal ), y así se alterna una dualismo sistémico francamente atractivo.

Sopesa el desarrollo melódico amargo, oxidado de "L'Avventuriero", con destellos flamígeros de jovialidad caduca, con esas extridencias vocales; o la fragilidad emocional en "I Pugni in Tasca" (1965), una de las primeras suyas que más me gustan junto a "Prima della Revoluzione", de lo primerísimo que dirigió Bertolucci..





La Tenda Rossa tiene un omnipresente love theme apoteósico, apuntando a la leyenda como pareja de la fatalidad y el heroismo:



Pero es el tema de 20 minutos de duración, duro de verdad, el que verdaderamente narra la el proceso de salvación (código morse incluido) y la desolación, el aislamiento de las nieves eternas, el que machaca magistralmente:



En Fraulein Doktor, lo mismo: los momentos más felices o estables en la vida de la protagonista son tragados vivos por la barbarie de la Batalla de Ypres en la Primera Guerra Mundial (¡¡¡temazo estratosférico que refleja la descomposición de la racionalidad!!!!, ojo con los desquiciados toques de corneta todavía incitando más al caos...). Y de la barbarie, la locura y el sanatorio mental...que en manos del compositor son una liberación melódica radiante!!!!. El olvido y una genuina libertad auténtica pero en el Apocalipsis, y tiene toda su razón de ser.... pero te deja..... Acongojante!!!.

https://www.youtube.com/watch?v=tqiuOhNke-M

El Síndrome de Stendhal (1996) es clara FAVORITA, pero tiene miga y causa mucha desazón.... y una atracción entre lo onírico, lo pesadillesco y lo morboso (esto último para el espectador) que raya la perfección. ¡Vaya que si dio Ennio ahí con la sucesión de notas adecuadas y ese potencial fantasmagórico eco femenino que impregna como una hechicera de magia negra un bosque de fábula!


No en vano quizá de la filmografía italiana lo que más me atrae son los polos opuestos (su ternura, su luminosidad mediterránea, su feminidad, su folklore, su historia, su dinamismo) que encarnarían, no siempre, Rustichelli y Trovajoli con la ansiedad, filamentos de horror que se te van enredando por el cuerpo como parásitos, lo extraño y lo impresionista que encarnan bien Piero Piccioni (ojito con éste, menudo bicho era, compruébese en la densísima Il Demonio (1963) o en el insuperable placer que suponen los pasajes amplios impresionistas de "El faro del fin del mundo" (1971) y Carlo Savina, otro bicho, uña y carne con Nino Rota y Philippe Sarde menudas partituras de terror que tiene para films de tercera, a priori.







Pero es que Piccioni tiene además obras exóticas fulminantes como "Ciao Gulliver" o palpitantes en cuanto a ritmo sin extraviarse en grandilocuencia como "Senza via d'uscita", de lo más sugerente. También tiene orgías jazzísticas como "L'Imprevisto", simpatiquísimas locuras prototípicas italianas y un díptico setentero en el que mezcla llamaradas dramáticas, pop litúrgico y cantos gregorianos en un cocktail alucinante.



Curiosamente son los géneros más "masculinos" como el poliziotto, deudor de "Harry el Sucio", y el spaguetti-western, aunque hay un buen manojo de excepciones en ambos casos, los que al final menor factor sorpresa me han deparado y a los que menos vuelvo.
Y los péplums, cuanto mayor se predisponen hacia la experimentación en la orquesta, sin rehuir la belleza, a veces sombría, resultados más sorprendentes a estas alturas de mi carrera... y quieras que no, más agradecidos.

En definitiva, que cuando en Morricone, se conjuga lo crudo y lo experimental con lo suave, el solo instrumental y la "bondad", llega el nirvana Al 50% o en 40-60, y tan satisfecho.

Que post. QUÉ POST.

Iniciado por Branagh/Doyle

Que post. QUÉ POST.

Me estaba preguntando que habría sido del proyecto que tenía con Tornatore para adaptar "El Fantasma de Canterville" que se había anunciado; bah, está claro que grabarse, imposible, en mitad de la pandemia sucedió su fallecimiento, pero quizá si que llegara a esbozar las líneas maestras y a darlas forma. Una pena, ¿eh?

Y veo en IMDB que lo próximo de Tornatore se llama "Ennio: The Maestro" (documental). ¿Se ha estrenado en alguna plataforma? A priori no, porque, pese a que pueda estar ya desfasada la información, pone que su estado es "en postproducción".

Lo he dicho en varias ocasiones en este foro, Wolf es magnífica. Tanto cómo pieza musical en si misma como sobretodo música de cine con mayúsculas, perfecto ejemplo de compositor cineasta. Una pena que esté tan olvidada.


Me ha dado por mirar su ficha en MundoBSO y me he topado con este excelente comentario del usuario Angel Gomez.



"Durante los años 90 Morricone hizo diversas incursiones en Hollywood, con directores tales como Adrian Lyne (Lolita), Oliver Stone (U-turn) o Mike Nichols (esta Wolf). Menciono estas tres porque personalmente me gustan muchísimo por diversas razones, y también porque quedaron en un segundo plano con respecto a sus archi-reconocidas obras de mediados de los 80. Wolf nace a consecuencia del filón del Drácula de Coppola, y esa revisión de los grandes mitos del terror hecha por los grandes estudios, como el Frankenstein de Brannagh.

Wolf busca escapar del terror y ahondar en la parte humana del mito, proponiendo una revisión que me recordaba al hombre lobo interpretado en su día por Oliver Reed. Para ello se cuenta con una pareja protagonista famosa y un director con oficio. El resultado me parece muy flojo, tanto por la endeblez del guión (en todas sus tramas), como por aspectos de la realización (ej: las escenas con cámara lenta, risibles en tanto en cuanto restan sensación de veracidad; o el tratamiento de la escena final del filme). Eso sí, técnicamente está cuidada y cuenta con un guión musical excelente.

Morricone apuesta directamente por trabajar con su doble estética, aquí sobradamente justificada. Su música compone dos realidades diversas que se entrecruzan: la humana y la animal/natural, la emocional y la primaria. Para ello aplica música tonal, para lo humano, y música atonal o directamente agreste para lo animal/natural. A ello añade un motivo musical, electrónico, como un soniquete que se cuela con cierta frecuencia en la historia, y que parece aludir al hecho propio de la supuesta maldición. Ojo SPOILERS: digo supuesta maldición, porque los acontecimientos la convertirán en casi lo contrario.

El compositor romano no crea temas para los personajes, ni para el lobo o las personas transformadas en lobo. Morricone busca el contraste de las dos realidades, y eso se pone en evidencia desde la primera escena: la que acompaña los títulos de crédito iniciales. Es de noche y suena una música de misterio, sutil, remarcando la oscuridad del paisaje pero –sobre todo- nos muestra la naturaleza. Entonces aparece una luz de un automóvil a lo lejos, en el paisaje, y justo entra ahí el que podríamos considerar tema central del filme: una melodía melancólica, altamente emocional. Pero solo unos segundos. La luz desaparece entre el paisaje y la música retoma aquel halo misterioso inicial. Reaparece ese punto luminoso, y nuevamente suena la música emocional. Veremos que no hay asociación concreta al personaje de Will, que es quien conduce el coche. De hecho incluso en la edición discográfica los títulos nos confundirían, pues el tema central toma el nombre de Laura en el último corte. Pero ya sabemos que no hay que hacer caso al disco, sino a su aplicación fílmica.

En el momento del ataque del lobo, la música se hace orgánica, agreste, y comienza un pizzicato que parece avisarnos que algo acaba de “inocularse” en Will, y el soniquete electrónico se presenta en la película, recordándonos de ahí en adelante que algo está transformando a Will en otro ser.

La música animal/natural parece tener el control de la situación, hasta que aparece el tema central melancólico en su plenitud, bellísimo, en la escena en la que Will y Laura tienen una conversación a orillas de un lago (o similar), bastante avanzada la película. Morricone identifica el momento de conexión emocional entre ambos personajes, y lo dota del tema de la humanidad/vulnerabilidad, con un regusto afligido que parece hablarnos de personajes dolidos, marcados por las experiencias del pasado, pero que se han encontrado y comparten inicialmente sus tristezas y decepciones, lo cual les reconforta.

En los minutos siguientes se encadenan ambas músicas, tonal y atonal, maleándose hasta la primera transformación de Will en hombre lobo, con la consiguiente transformación de la música en creciente pulsión animal en su persecución al ciervo. Qué lastima de tratamiento visual de la escena ante semejante maravilla musical.

Will es ya un hombre lobo que, a pesar de sentirse rejuvenecido y sano, irá buscando la manera de que el lado humano gane al animal. Es muy evidente esto en la escena en la que Laura y Will se acuestan juntos y Will, de noche, escapa al exterior y se encuentra la luna, ante la que –en cierto modo- se lamenta, buscando vencer a su parte animal. La música es nuevamente la de la humanidad/vulenrabilidad. Ello lleva a Will a encerrase en un granero, evitando el influjo que la luna causa en él, consiguiendo superar la noche. Y aquí surge un tema tonal, pero muy diferente alanterior. Se trata de un tema optimista, liberador, como de punto y aparte en la historia, transmitiendo la “implantación” del sentimiento humano en el lobo: es como si pudiesen controlar la naturaleza animal, por lo que parece muy acertado seguir con la vertiente tonal.

Pero el lado salvaje sigue presente y se muestra a lo bestia con el tema que acompaña la escena de la lucha con su némesis (el personaje encarnado por James Spader, convertido también en lobo, pero con nula humanidad por su parte, como quedó claro durante la trama previa). Se trata de un acto animal, y ahí sí me gusta la metáfora que nos quieren transmitir director y guionista. Sin embargo el poso tras la victoria es claramente humano: ha luchado por Laura y el sentimiento que los une. Pronto la liberación de Will también será la de Laura (con el desacertadísimo primer plano lobo-perro-peluche-o-lo-que-sea y la cara de Michelle Pfeiffer). Laura y Will parece que pueden ser felices en su nueva realidad, y que lo tienen todo controlado. Por eso será ese tema el que suene con el inicio de los créditos finales, el mismo del granero. Solamente no entiendo por qué no permanece hasta el final de los mismos, ya que en el tramo final suena una versión orquestal potente del tema central: es maravilloso, pero no le veo justificación.

En fin. Lástima que determinados puntos del filme no fuesen mejores porque creo que Wolf es una impresionante muestra de guión musical."

Me parece más perturbadora y obsesiva "Stendhal" que "Lobo" pero eso no significa valorar más una en detrimento que otra; en Lobo es más constante, mucho más conforme se va afianzando "la liberación de la oscuridad", una pauta a la postre potencialmente más benigna para los deseos interiores del protagonista. Sí, funciona como un virus inoculado que gesta efectos secundarios. Y ahí el guión musical lo clava con esa minuciosidad acústica tan especial que es la morriconiana.
Oh, y se menciona "Lolita", editada íntegra por MusicBox, otra partitura que se eleva sobre el film. Es magnífica también; cálida, sensual pero inducida dentro de una suerte de amor platónico secreto más bien, con sus quiebros emocionales habituales que causan daño y emociones negativas. Algo larga, casi 80 minutos, pero preciosa.

Yo creo que "Lobo" se recuerda más que "Lolita", "La ciudad de la alegría", "Vatel", "Acoso" y "Giro al infierno"; bastante más. "En la línea de fuego" es la que hace sobra ahí por volver a tener al tándem Clint-Ennio juntos otra vez. Es género fantástico al fin y al cabo, y el fantástico -y más con un mito de por medio- mueve.... Y que siendo tan extensa y estelar la trayectoria del autor no debiera significar que el mero hecho de que no se la mencione a menudo -o se la compare con sus obras monumentales de los 60, 70 y 80- haga que pase desapercibida. Además, "Lobo" no me parece que entre dentro del canon más inaccesible o pétreo del italiano, en absoluto. Bueno, eso para algunos a lo mejor les sirve de arma de doble filo....

Vatel es extraordinaria. Una delicia. Como un postre casero.

Que haya gente que diga que Golden Compass no es un buen score... tiene una orquestacion brillante, una variedad tematica impecable y esta excelentemente escrita, Desplat no esta lo suficientemente bien valorado.

Ramin Djawadi compondra la última peli de Marvel, Eternals.

La banda sonora de Daniel Pemberton para 'EL JUICIO DE LOS 7 DE CHICAGO' en vinilo está a un precio irresistible en Amazon.es: https://www.mundodvd.com/hilo-de-cho...8/#post4646748

Iniciado por Ringo_rang

La banda sonora de 'EL JUICIO DE LOS 7 DE CHICAGO' de Daniel Pemberton en formato vinilo a 7,62€ en Amazon.es.

Incluye la canción de Celeste "Hear my voice" nominada al premio Oscar y al Globo de Oro.

https://www.amazon.es/Trial-Chicago-...s=music&sr=1-1

Hoy ha salido el trabajo de Marco Beltrami para la segunda entrega de Un Lugar Tranquilo y... me parece lo mismo que el primero, eficiente (que funcionara cojonudamente en la pelicula), pero fuera de ella, puede ser un infierno, dada la poca tematica que el score ofrece, sin embargo, hay un aliciente muy rescatable: hay una mayor presencia orquestal en este score que en el primero y la parte emocional, me parece mejor planteada.

Hola, hace mucho que no escribo (aunque ayer dejé por aquí una oferta en vinilo) pero tengo un debate interesante que ofrecer desde el ámbito de la bso y me gustaría conocer vuestra opinión:

Hace unas semanas, mi pareja me ha regalado mi primer tocadiscos, esto ha despertado un entusiasmo en mi coleccionismo de bandas sonoras que tenía bastante estancado (el disponer de tantísimas reediciones y la necesidad de lanzar las partituras completas, obligándote a comprar otra vez el disco original, en lugar de generar un album amable con un playlist, me habían estropeado el disfrute y la experiencia de coleccionar hasta cierto punto).

El caso es que ahora estoy redescubriendo el sonido del vinilo y estoy flipando con algunas cosas que he comprado en mercados de segunda mano ('Under Fire' suena espectacular, con una vibración que jamás había escuchado en el cd mientras que álbumes editados por la casa Belter disponen de un sonido algo más apagado o eso me ha parecido al escuchar 'It's a Mad, Mad, Mad, Mad World' o 'What's new Pussycat?')

Al mismo tiempo, veo que en los últimos tiempos se ha potenciado un mercado de reediciones de vinilos o de lanzamientos que no habían sido editados en su momento. En principio, había considerado prescindir de este material (ya que consideraba que era más importante e interesante acercarse al material grabado antes de la desaparición del vinilo a mediados de los 90) pero he adquirido algún lanzamiento como 'The Party' de Quartet Records que me ha resultado extraordinario y brillante.

Os quería preguntar por ediciones de la empresa "Music On Vinyl". Recientemente he encontrado 'The Red Violin' y 'Titanic' en ediciones de esta casa y estaría interesado en saber si merecen la pena. Todos estos scores los tengo editados en sus respectivos cds (el de Titanic el de Sony) y como el precio es considerable, me gustaría saber vuestra opinión sobre esto.

Por otra parte aprovecho para preguntaros por bandas sonoras que debería considerar comprar y buscar en formato vinilo (ya sea en tienda de primera o segunda mano). Veo que Universal France está editando la obra de François de Roubaix, la cual debe sonar a las mil maravillas en este formato.

Muchas gracias por leer, espero vuestros comentarios y disculpad el tocho que he escrito, es que es hablar de bandas sonoras y me emociono.

Iniciado por Ringo_rang

Hola, hace mucho que no escribo (aunque ayer dejé por aquí una oferta en vinilo) pero tengo un debate interesante que ofrecer desde el ámbito de la bso y me gustaría conocer vuestra opinión:

Hace unas semanas, mi pareja me ha regalado mi primer tocadiscos, esto ha despertado un entusiasmo en mi coleccionismo de bandas sonoras que tenía bastante estancado (el disponer de tantísimas reediciones y la necesidad de lanzar las partituras completas, obligándote a comprar otra vez el disco original, en lugar de generar un album amable con un playlist, me habían estropeado el disfrute y la experiencia de coleccionar hasta cierto punto).

El caso es que ahora estoy redescubriendo el sonido del vinilo y estoy flipando con algunas cosas que he comprado en mercados de segunda mano ('Under Fire' suena espectacular, con una vibración que jamás había escuchado en el cd mientras que álbumes editados por la casa Belter disponen de un sonido algo más apagado o eso me ha parecido al escuchar 'It's a Mad, Mad, Mad, Mad World' o 'What's new Pussycat?')

Al mismo tiempo, veo que en los últimos tiempos se ha potenciado un mercado de reediciones de vinilos o de lanzamientos que no habían sido editados en su momento. En principio, había considerado prescindir de este material (ya que consideraba que era más importante e interesante acercarse al material grabado antes de la desaparición del vinilo a mediados de los 90) pero he adquirido algún lanzamiento como 'The Party' de Quartet Records que me ha resultado extraordinario y brillante.

Os quería preguntar por ediciones de la empresa "Music On Vinyl". Recientemente he encontrado 'The Red Violin' y 'Titanic' en ediciones de esta casa y estaría interesado en saber si merecen la pena. Todos estos scores los tengo editados en sus respectivos cds (el de Titanic el de Sony) y como el precio es considerable, me gustaría saber vuestra opinión sobre esto.

Por otra parte aprovecho para preguntaros por bandas sonoras que debería considerar comprar y buscar en formato vinilo (ya sea en tienda de primera o segunda mano). Veo que Universal France está editando la obra de François de Roubaix, la cual debe sonar a las mil maravillas en este formato.

Muchas gracias por leer, espero vuestros comentarios y disculpad el tocho que he escrito, es que es hablar de bandas sonoras y me emociono.

Yo de vinilo, nada, ni idea. Pero ya he leído a gente que dice que tienen un sonido más....crujiente....respecto a los CDs.
De François de Roubaix sé que salió en vinilo "Daughters of Darkness" pero no por parte de Universal France y la recomiendo totalmente. MusicBox Records (sello francés) y Quartet Records (español) también disponen de catálogo de vinilos, lo mismo que Varése sarabande. Y luego hay sellos dedicados al vinilo especialistas en editar soundtracks, no hace mucho mencioné por ahí la edición del programa básico de Eduardo Manostijeras. Mondo es el nombre que me suele venir a la cabeza.

Veo que "Daughters of darkness" pertenece al catálogo de Music On Vinyl. Yo la tengo en CD.

Más Britell. Un disco por cada episodio de The underground railroad:







Saludos

https://youtu.be/bA5qV9CXdjo
Yo escuchando lo que me parece uno de los mejores trabajos realizados para la tele del 2020, El Tercer Dia...pedazo trabajo se marca Cristobal Tapia...

Hoy he descubierto que “La joven de la perla” andaba por Amazon Prime, y he rememorado la fabulosa BSO de Desplat para esta peliculita. Recuerdo que era una de las fijas que llevaba copiada en MP3 en esos míticos pendrives USB de finales de los 2000



Un ejemplo perfecto de cómo la música puede elevar un film…..

Un saludo.

Iniciado por Dr. Morbius

Hoy he descubierto que “La joven de la perla” andaba por Amazon Prime, y he rememorado la fabulosa BSO de Desplat para esta peliculita. Recuerdo que era una de las fijas que llevaba copiada en MP3 en esos míticos pendrives USB de finales de los 2000



Un ejemplo perfecto de cómo la música puede elevar un film…..

Un saludo.

Muuuchas semanas estuve reproduciéndola constantemente desde el momento que la adquirí yo también. PrimeCallahan decía antes que siente que Desplat está infravalorado, yo no lo creo, pero sí que puede ser que haya estado muy expuesto y eso haya colmado la paciencia de algunos. A Giacchino le pasa un poco lo mismo, también provoca indiferencias sostenidas. Sin embargo, ¿ves?, John Powell se tira unos cuantos años espaciando su carrera y la gente se vuelca con su regreso y se saluda su "Call of the wild".

Iniciado por Otto+

Muuuchas semanas estuve reproduciéndola constantemente desde el momento que la adquirí yo también. PrimeCallahan decía antes que siente que Desplat está infravalorado, yo no lo creo, pero sí que puede ser que haya estado muy expuesto y eso haya colmado la paciencia de algunos. A Giacchino le pasa un poco lo mismo, también provoca indiferencias sostenidas. Sin embargo, ¿ves?, John Powell se tira unos cuantos años espaciando su carrera y la gente se vuelca con su regreso y se saluda su "Call of the wild".

A Desplat se le ha llegado a decir que es emotionless, ojo, a un tio que ha creado algunos de los temas dramaticos y romanticos mas sensibles de los ultimos años -Giacchino se tiene tirria que a mi me parece incomprensible- y que su carrera esta acabada, eso es ser no solo infravalorado, sino ninguenado.

Powell he visto cierta sobrevaloracion por cada trabajo que hace, Call of the Wild o Como entrenar a tu Dragon 3 me parecen superiores a Solo (que se le tilda como el mejor score de SW desde las primeras entregas o incluso las precuelas), que me parece un score bueno a secas y poco mas, lejos de John Williams (de hecho, tambien su tema de Han Solo me parece un tanto planito)

Y hablando de sobrevaloraciones... iba entusiasmado por lo nuevo de Brittel para Disney en Cruella y no me parece para tirar cohetes, dadas las opiniones del otro lado del charco.

Es un score muy normalito, esta mas como acompañante que como un elemento narrativo (se podria decir que a Britell le debieron decir que compusiera su score acorde a las canciones del filme: mucha guitarra, keyboards, baterias... con algun apunte dramatico orquestal al menos rescatable, porque practicamente la musica es el tema de Cruella en varias variaciones), pero estoy deacuerdo con Conrado cuando habla de este score en MundoBso.

Nicholas Britell es un compositor que irrumpió fuerte, que trajo aires renovadores pero temo que pueda estar difuminándose como uno más en la vorágine del peor Hollywood, el de una industria que parece no querer saber nada de música expresiva y narrativa. En muy breve tiempo ha conseguido dos nominaciones al Oscar, por la interesante Moonlight (16) y la espléndida y altamente reivindicable If Beale Street Could Talk (18), y también ha firmado con gran solvencia Vice (18), tan bien integrada en la dramaturgia de los acontecimientos narrados en el filme y en particular en su personaje protagonista. Estas tres bandas sonoras tenían el denominador común de hacer uso de lo que vendría a ser un minimalismo maximalista, esto es, con los mínimos recursos musicales y temáticos lograr los máximos resultados dramáticos y narrativos. Sea como sea, era inteligencia añadida en las películas, y precisamente por ello daba esperanza en el cine USA actual, teniendo presente además su juventud: tiene solo 40 años.

Con esos precedentes era lógico que sus siguientes proyectos me generaran expectación. Pero ha sido muy frustrante: en Amazon Prime está desde hace poco la serie The Underground Railroad (21) y hoy llega a los cines Cruella (21), ambas con su música. Sobre ambas me he explayado en sus respectivas fichas, a las que me remito, pero aquí diré que no he encontrado en ninguna de las dos -y muy especialmente en la película de Craig Gillespie- ni rastro del compositor por el que he estado apostando como uno de los más interesantes y prometedores: ¡este es el tercer editorial que le dedico!. Pero ni rastro ni traza de algo mínimamente relevante en ambas.

Seguramente no habrá tenido margen de maniobra alguna, quizás tampoco habrá podido proponer nada mejor, pero en todo caso de lo que se le ha pedido ha dado lo mínimo, algo muy escaso, muy pobre, muy desinflado y sobre todo muy difuminado. La música de cine es otra cosa (y también la de las series televisivas), hay sobrados precedentes y también ejemplos recientes como para no ser condescendiente con él. Seguiré creyendo que tiene mucho que aportar y seguiré esperando reencontrarme con un Britell que me preocupa acabe difuminado y confundido con tantos otros compositores de color gris

Pues yo no estoy nada de acuerdo.

Vamos a ver, tienes a un compositor jovencísimo, Britell, que te lleva bordando cada score que hace prácticamente desde que salio a la palestra allá por 2016-2017 (que se dice pronto y además recordemos que eso NO es lo normal), que ahora mismo el compositor mas en alza entre los nuevos talentos (insisto en su juventud) y ahora resulta que porque sus dos últimos trabajos son meramente correctos, se empieza a hablar de sobrevaloraciones, de posibles difuminaciones, de futuros grises, y demás.


Menos melodramatismo y más mesura y perspectiva, señor Xalabarder.

Iniciado por Otto+

Muuuchas semanas estuve reproduciéndola constantemente desde el momento que la adquirí yo también. PrimeCallahan decía antes que siente que Desplat está infravalorado, yo no lo creo, pero sí que puede ser que haya estado muy expuesto y eso haya colmado la paciencia de algunos. A Giacchino le pasa un poco lo mismo, también provoca indiferencias sostenidas. Sin embargo, ¿ves?, John Powell se tira unos cuantos años espaciando su carrera y la gente se vuelca con su regreso y se saluda su "Call of the wild".

Hay una diferencia importante aquí: Ambos tienen talento para crear temas y melodias memorables, si, pero las orquestaciones y arreglos de Giacchino son... cómo decirlo, un tanto pedestres, técnicamente es justito (aunque lo compensa con otras cosas), y tiene ciertos problemas para estructurar los bloques de acción, lo que causa cierta fatiga auditiva en los pasajes más frenéticos, (esto último lo comparte con Powell), mientras que técnicamente Desplat es un grande. La exquisitez e inteligencia de sus arreglos juega en otra liga.

Uno es un buen compositor, el otro es magnífico.

Y aun asi, Desplat se le achaca de ser repetitivo y poco memorable, ¿Golden Compass, los dos Harry Potter, Godzilla, Valerian o Birth, no son memorables?, es un sacrilegio muy grande.

Recuerda, Godzilla no tiene temas.