Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Lo único salvable es la presencia juntos de Cushing y Lee en una película del Conde desde los tiempos de la magistral DRÁCULA (1958), de Terence Fisher.

Iniciado por Alcaudón

Sobre gustos no hay nada escrito.

Aunque no coincido con la apreciación que tiene hacia el tercer largometraje de Aster (BEAU TIENE MIEDO) tiene el compañero DrxStrangelove (a quien mando un saludo cordial y lamento no haber tenido el gusto de conocer en mi reciente visita a la Ciudad Condal ) tengo claro que tanto HEREDITARY (un título, por cierto, harto complicado de traducir...) como MIDSOMMAR son dos de las mejores películas - dentro o fuera del género - más importantes de lo que va de siglo.

Y desde luego un trillón de veces mejor que segundas, terceras, cuartas o enésimas entregas del chacinero de turno.

Como siempre, hiperbólico en mis alabanzas... y contundente en mis censuras...

Un saludo para ti también, Alcaudón.

A ver si en otra ocasión tenemos la oportunidad de conocernos.

Respecto a Hereditary, bueno, aquí hay poco que decir en realidad. Que a uno le guste o no una película es tan personal y responde a tantos factores que a veces resulta insulso defender nuestra valoración frente a la de los demás. Que cada uno disfrute tanto como pueda descubriendo el cine que más le interesa. Lo realmente importante es ser honestos y sinceros en nuestras valoraciones para que los demás se formen una idea aproximada de las preferencias que tenemos cada uno y así servir de guía, de faro, para hacernos una idea de lo que nos podremos encontrar en el futuro. Es decir, que a veces, que a uno le guste o no Hereditary (o cualquier otra película), es más la constatación de una suposición previa que una sorpresa.

De hecho es la forma que tengo de utilizar la crítica cinematográfica especializada; sabiendo de qué pie cojea cada uno puedo hacerme una idea aproximada de lo que me voy a encontrar, no necesito que tengan los mismos gustos que yo, sólo que sean sinceros en su valoración y sepan escribir o hablar mínimamente sobre cine, porque lo cierto es que algunos ni eso. De esta manera puedo afinar la puntería y suponer mejor en qué momentos voy a coincidir o a discrepar con tal o cuál crítico y utilizarlo en mi beneficio, ya que es imposible pensar exactamente igual que otro ser humano. Considerar que un crítico es mejor o peor dependiendo de si coincidimos más con él es un tremendo error; aparte de la constatación de una arrogancia encubierta superlativa.

Sin señal (2022)................................... 8








No tiene nada que envidiar al cine de catástrofes rodado en los Estados Unidos.


Mi comentario:

Con esta cinta ya podemos ver que los meteoritos no siempre tienen que caer en suelo estadounidense, y ahora los rusos han pagado el pato. "Sin Señal" (2022) es un muy buen film de catástrofes de nacionalidad rusa, bien llevado en el terreno de los efectos visuales, pero en cuanto a guión parece que estemos ante una especie de Armageddon, menos la parafernalia ni los movimientos de cámara dignos de Michael Bay. Una película que contiene sus buenas dosis de acción, aventuras, suspense y drama, con un montaje de casi dos horas y de lo más moviditas. Sin duda, para mí, no tiene nada que envidiar al cine de catástrofes rodado en los Estados Unidos. Estoy muy satisfecho con el visionado. Mi nota final es de 8/10.

Iniciado por dawson

No he visto Midsommar, pero estoy contigo con Hereditary. Se casca algun que otro susto muy bueno, si no fuera por Collette no se sostendría y ese final que, para mi gusto, deja mucho que desear.

En efecto, Toni Colette muy buena actuación pero lo demás hace aguas.

De Midsommar yo aún la recomiendo por Florence Puch, que está muy bien. Por lo demás....

Y aaaaahhhh mecago en la puta, estuve revisando Payasos asesinos del espacio exterior, joya de culto freak y me dormí poco después de la escena de las sombras en la parada del autobús. Y ahora está descatalogada. Puta mania de dejarlo todo para última hora.

Vista también La noche devora el mundo. A fin de simplificar, es Vivo (de Netflix) versión francesa, pero muy méh....

Si es que hasta se me ha olvidado el final. Ya no sé si al

Spoiler:

final el tío sobrevive o no

Drácula 73 (Dracula A.D. 1972), de Alan Gibson



Aunque cronológicamente sea anterior a la comentada el otro día The Satanic Rites of Dracula, ambas películas hammerianas, dirigidas de manera bastante impersonal por Alan Gibson, forman un díptico con numerosos elementos comunes. Sitúan la acción en el Londres contemporáneo, en el que Drácula, una vez más, ha vuelto de la tumba y se ha de enfrentar a un Van Helsing, en ambos casos el profesor Lorrimer (el siempre excelente Peter Cushing), descendiente de los Van Helsing de toda la vida. También tanto en una como en la otra juega un papel importante la nieta de Van Helsing, Jessica, que aporta belleza al conjunto, aunque interpretada por actrices diferentes, aquí por Stephanie Beacham, en la otra por Joanna Lumley.



Otra presencia que repite es la del inspector Murray de Scotland Yard (Michael Coles).

Si en The Satanic Rites of Dracula lo único atractivo era la conversión del conde en un enigmático empresario, una especie de Howard Hugues con colmillos, en Dracula A.D. 1972 (no sé por qué en el título español se cambia el año, supongo que para ajustarlo a la fecha de estreno), en general mejor hilvanada argumentalmente, lo más atractivo es confrontar los viejos signos del cine vampírico (las cruces, la sangre, los mordiscos, la mortífera luz del sol, las ceremonias blasfemas…) con la rabiosa actualidad de una juventud melenuda, colorista y hedonista. Quizá por ello la película, después de un prólogo (de unos seis minutos) en el que vemos cómo un antepasado de Van Helsing mata a Drácula,



pasamos a una fiesta muy swinging London donde actúa un grupo de rock californiano, los Stoneground.



Destaca la interpretación del inquietante Christopher Neame como Johnny Alucard, el acólito de turno del imperecedero (pero menos) conde, él también dotado de poderosos colmillos.



Como mandan los cánones, Drácula perecerá gracias a la habilidad de Van Helsing… para volver al cabo de poco en The Satanic Rites of Dracula, última aparición de Lee como el célebre conde transilvano. Con estos dos visionados, si el amigo Alcaudón no me lo desmiente, creo haber completado el repertorio draculiano interpretado por Lee para la Hammer, que incluye también Dracula (1957), Dracula, Prince of Darkness (1966), Dracula Has Risen from the Grave (1968), Taste the Blood of Dracula (1969) y Scars of Dracula (1970).

Iniciado por mad dog earle

La hija eterna (The Eternal Daughter, 2022), de Joanna Hogg

Me ha encantado.... porqué no he visto esta peli antes?¿ Qué preciosidad.
Ya comentaré más

Els encantats

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Tras su reciente separación, Irene se enfrenta por primera vez a la ausencia de su hija de cuatro años, que está pasando unos días con su padre. Incapaz de adaptarse a esta realidad, decide viajar a un pequeño pueblo del Pirineo,donde tiene una casa, buscando seguridad y calma.
Pero el lugar, que en el pasado fue tan familiar, se presenta tan abrumador como su nueva vida y la acabará forzando a dejar de huir para enfrentarse a sus miedos.

L Costa brilla en este historia íntima y honesta.La FilmoTrapé va por buen camino.Me gustó un pelín más “Les distàncies“

6.7/10

Por alusiones y en lo referente a la Hammer y sus cintas protagonizadas por el Conde más famoso de todos los tiempos.

Uno.

Tal vez me equivoque pero juraría que la primera vez que se usó el nombre de Alucard (o sea, Dracula al revés) fue en SON OF DRACULA (1943), de Robert Siodmark (y basada en una historia "original" de su hermano Curt) y protagonizada por Lon Chaney, Jr., una cinta por cierto más interesante de lo que suele considerar tanto la crítica como el público y donde el citado luce un bigote acorde al personaje que aparecía en la novela de Bram Stoker.



Dos.

Pues no, lo cierto es que DRACULA A. D. 1972 se estrenó en nuestro país en... 1972...

Tres.

Efectivamente, esas son todas las cintas en las que el gran Christopher Lee encarnó a Drácula, aunque la Hammer todavía incluyó al personaje - encarnado por John Forbes-Robertson - en KUNG-FU CONTRA LOS 7 VAMPIROS DE ORO (1974), de Roy Ward Baker, la última película de terror gótico de la compañía, aunque no la última de terror, la cual ya comenté precisamente en este mismo rincón long time ago...

https://www.mundodvd.com/las-ultimas...0/#post4338309

Iniciado por Alcaudón

Tal vez me equivoque pero juraría que la primera vez que se usó el nombre de Alucard (o sea, Dracula al revés) fue en SON OF DRACULA (1943), de Robert Siodmark (y basada en una historia "original" de su hermano Curt) y protagonizada por Lon Chaney, Jr., una cinta por cierto más interesante de lo que suele considerar tanto la crítica como el público y donde el citado luce un bigote acorde al personaje que aparecía en la novela de Bram Stoker.

La diferencia es que en Dracula A.D. 1972 Alucard no es el seudónimo tras el que se esconde el infame conde, sino el apellido de uno de sus acólitos

Iniciado por Alcaudón

Dos.

Pues no, lo cierto es que DRACULA A. D. 1972 se estrenó en nuestro país en... 1972...

No lo discutiré, pero en imdb se dice esto: "Renamed "Dracula '73" for its French and Spanish releases because it reached theaters there one year later". En el apartado de fechas de estreno se indica "1973", sin más concreción. Cierto es que en la base de datos del Ministerio aparece el 28/10/1972, pero resulta cuando menos sorprendente que se estrenase un mes después que su estreno en el Reino Unido (28/09/1972). Sea como sea, no veo la necesidad que tenían de cambiar el año.

THE THING (2011, LA COSA (THE THING))



Coproducción entre los EUA y Canadá.

Estrenada el 14 de octubre de 2011 en los EUA y el 21 de octubre de 2011 en España (aunque previamente se pudo ver en el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya el 15 de dicho mes).

Dirigida por Matthijs van Heijningen, Jr.

Escrita por Eric Heisserer, a partir de la novela corta “Who Goes There?” (Astounding Science-Fiction, agosto de 1938), de John W. Campbell, Jr. (bajo el pseudónimo Don A. Stuart).

Fotografiada por Michel Abramowicz , en color y Panavision.

Musicalizada por Marco Beltrami.

Protagonizada por Mary Elizabeth Winstead (Kate Lloyd), Joel Edgerton (Carter), Ulrich Thomsen (Dr. Sander Halvorson) y Jørgen Langhelle (Lars).



…

Coordenadas espacio / temporales:

Una base científica noruega en la Antártida / Invierno de 1982

…

Dado que la (mítica) LA NOCHE DE HALLOWEEN (1978), de John Carpenter es la cinta más adecuada para ver la noche del Día de Muertos (cosa que hice hace dos años) esta vez he intentado ser más original y por ello me he visto una de las dos películas que se emiten por la televisión durante la misma y que con tanta avidez ven los pequeños Tommy (Brian Andrews) y Lindsey (Kyle Richards), amen de la protagonista, Laurie (Jamie Lee Curtis).

Las mismas son EL ENIGMA… ¡DE OTRO MUNDO! (1951), de Christian Nyby (¿y Howard Hawks?) y PLANETA PROHIBIDO (1956), de Fred McLeod Wilcox.

Aunque las dos son consideradas clásicos dentro del (sub)género de la ciencia ficción lo cierto es que el propio Carpenter estrenaría en 1982 una versión muy superior de la primera hasta el punto de considerarla con toda justicia como su gran magnum opus… y uno de los grandes fracasos comerciales de su carrera…

Y pese a ello no ha sido la versión de 1951 ni la de 1982 la que visioné el pasado día sino la de 2011, seguramente la más (injustamente) denostada de todas ellas y que no levantó excesivo entusiasmo en su momento ni entre el público ni entre la crítica, excepciones aparte (léase al respecto el comentario de Antonio José Navarro en el n.º 415 [octubre de 2011] de la revista “Dirigido por…”).

Uno de los motivos se debe muy probablemente a la errónea creencia de que la película del neerlandés Matthijs van Heijningen, Jr. (1965) – el primero de los dos largometrajes de su, por ahora, escueta filmografía – es una precuela de la de Carpenter, algo de lo que en realidad solo se da uno cuenta en el segmento final de la misma durante los títulos de crédito.

Sin embargo, la cosa no es tan sencilla puesto que en realidad la versión de 2011 es también (y sobre todo) un remake (todo lo libre que se quiera) no solo de la cinta de Carpenter sino también de la seminal de Nyby.

Lógicamente las versiones de 1982 y 2011 son mucho más fieles al cuento original de John W. Campbell, Jr. (1910-1971)…



... – traducido en nuestro país como “¿Quién anda ahí?” (en La cabeza de la Gorgona y otras transformaciones terroríficas [Valdemar, Madrid, 2011]) – que la de 1951 debido al (imparable) avance de los efectos especiales dado el carácter transformista de la Criatura que llegó a nuestro planeta desde el espacio exterior hace ahora unos 100.000 años…





Otro de los alicientes de la cinta es la presencia de la siempre estimulante (en todos los sentidos)...

Spoiler:

... Mary Elizabeth Winstead (1984)…



... que aquí más que un emulo del personaje que tan magníficamente encarnaba el actor fetiche de Carpenter, Kurt Russell, lo es de Ripley/Sigourney Weaver de la tetralogía xenomórfica, así como la del siempre sobrio Joel Edgerton (1974)...



..., protagonista de la última entrega de la “trilogía” del guionista/director Paul Schrader (1946) formada por EL REVERENDO (FIRST REFORMED) (2017), EL CONTADOR DE CARTAS (2021) y EL MAESTRO JARDINERO (2022).

Aunque aparentemente la única superviviente de la matanza sistemática que lleva a cabo en la base la Criatura sea la paleobióloga Kate (la mencionada Winstead), al contrario de lo que acontecía en la versión de 1982 (y no digamos de la de 1951)...



..., ese segmento final al que hacía referencia al principio vuelve completamente las tornas puesto que en él apreciamos que solo Lars (Jørgen Langhelle), el único habitante de la base que no habla inglés, será el personaje que sirva de enlace con el inicio de la cinta de Carpenter, o sea, la persecución del helicóptero del malamute de Alaska que es, en realidad, la Criatura…



… ¿tal vez la mencionada Kate?...

Se agradecen las variaciones sobre la cinta anterior como, por ejemplo, sustituir la realización de las pruebas sanguíneas (que son rápidamente saboteadas por la Criatura) por una simple revisión bucal dado que el invasor no es capaz de replicar sustancias inorgánicas como son los empastes dentales.



Ciertamente la cinta carece de la emoción y de la grandiosidad de la versión de 1982 pero sería injusto menospreciar la puesta en escena del director que se maneja muy bien en esos espacios tan claustrofóbicos como son aquellos por los que se mueven los protagonistas.

Igualmente son de destacar las espectaculares transformaciones/fusiones de una Criatura que bien podría haber surgido de la fértil imaginación del mismísimo H. P. Lovecraft (1890-1937).



Por tanto y en mi modesta opinión, una relativamente fiel adaptación de la famosa novela corta de Campbell y un más que digno remake (o precuela) de las versiones que la precedieron, muy especialmente de la de Carpenter.

Como suelo decir, para gustos, los colores.

Buenas noches y, buena suerte y…

… ¡vigilad el cielo!…

The Eternal Daughter

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Una fría noche de invierno, un taxi se abre paso por un camino rural brumoso hasta una gran mansión hacia donde se dirigen la cineasta Julie y su madre Rosalind. Julie está trabajando en una película sobre su madre, que se quedó en la finca que pertenecía a su tía cuando ella era una niña durante la Segunda Guerra Mundial. Detalles de la relacion entre ambas se revelan durante su estancia en el lugar.


Como la mejor de las historias clásicas de fantasmas góticos,consigue inquietar con lo que realmente está sucediendo.... incluso cuando la niebla se disipa.Me ha encantado,no sé cómo no la había visto antes,visualmente deliciosa y pausada,lo que desagradará a muchos.
Con ecos de clasicos del fantastico y drama familiar como EL RESPLANDOR o SONATA DE OTOÑO.

Descubrir es lo de menos en este fascinante viaje que propone J Hogg con T Swinton extraordinaria como siempre.


8.5/10

Sevillanas de Brooklyn (2021)

Ficha Técnica


Título: Sevillanas de Brooklyn
Título original: Sevillanas de Brooklyn
Año: 2021
Duración Aproximada: 97 minutos
País: España
Dirección: Vicente Villanueva
Guión: Juan Apolo y Nacho La Casa
Música: Riki Rivera
Fotografía: Luis Ángel Pérez
Reparto: Carolina Yuste, Sergio Momo, Estefanía de los Santos, Manolo Solo, Canco Rodríguez, María Alfonsa Rosso, Adelfa Calvo, Andrea Haro, Asier Gago, José Ramón Rodriguez, Neizan Fernandez, Clare Durant
Productoras: Capitán Araña, Pecado Films, 700 Pavos, TVE, Canal Sur Televisión, Movistar+, Crea SGR
Distribuidora en España: Filmax
Género: Comedia
Calificación: No recomendada para menores de 12 años

















Sinopsis:



Ana es una joven sevillana harta de su familia y del conflictivo barrio en el que viven. Todo irá a peor cuando su madre, para evitar el desahucio, decide engañar a una agencia para acoger en su casa a Ariel Brooklyn, un estudiante afroamericano de familia adinerada, a cambio de 700 euros. A pesar de sus diferencias y de las situaciones esperpénticas que provoca el fraude, Ana y Ariel se verán obligados a convivir bajo el mismo techo. Y ya se sabe que el roce hace cariño.





















Mi comentario:

No voy a escribir otra crítica/comentario, porque pienso lo mismo que la primera y la última vez que la vi, así que...

Menuda sorpresa de película la que acabo de ver. Y ¿por qué no?, bastante infravalorada. Al menos, en mi opinión, ya que en mi sala éramos muy pocos y encima, para un solo pase. En fin, que me ha gustado mucho, mucho más de lo que me esperaba. Tenía ganas de verla gracias a la sinopsis, que me atrapó de buenas a primeras, y porque parecía otro soplo de aire fresco en el cine español. Una comedia que, en un principio puede lucir como la típica españolada llena de tópicos del país, te hace tuya sin que tú te lo esperes. La historia, la trama nos presenta a una familia humilde que intenta sobrevivir como puede el día a día. La hija mayor Ana, una chica muy inteligente, da clases de sevillanas para ganarse la vida y la madre trabaja en un hospital, hasta que un buen día y para evitar que les echen de su casa, la madre la lía parda haciendo creer que son perfectos como familia de acogida. Y es cuando entra en escena Ariel Brooklyn, un estudiante afroamericano y que proviene de una muy buena familia, para que se que a vivir en su casa, y todo ello a cambio de unos míseros 700 euros. Dos mundos completamente diferentes van a colisionar. En un principio hay un mal rollo, un malestar entre Ana y Ariel, pero a medida que avanzan los días y se van conociendo, las cosas van cambiando.

El reparto lo encabeza Carolina Yuste (El Cover, Chavalas) que interpreta a Ana, una buena chica que se sabe defender muy bien con el iinglés, lo que sorprenderá al personaje de Ariel, que está interpretado por Sergio Momo (ya me sonaba su cara, es secundario en las series Élite y El Vecino, ambas de Netflix). Los dos están bien secundados, entre otros, por Estefanía de los Santos (Grupo 7), Manolo Solo (30 Monedas), Canco Rodríguez (la mencionada Operación Camarón), y la veterana actriz María Alfonsa Rosso (Volver). Está calificada como una comedia, pero contiene sus buenos toques dramáticos que te llegarán al corazón. Y sí, puede tener sus tópicos españoles, andaluces, pero está rodada con buena fe y hace que uno se lo pase muy bien viéndola y la disfrute mucho durante sus casi cien minutos de duración.

Como uno de los protagonistas dice en un momento del metraje: Las sevillanas son una historia de amor con final feliz, y, para mí, es una bonita frase que engrandece a toda esta película. Si tienes oportunidad de poder verla en una sala de cine o ya en casita, adelante, no esperes, no lo vas a lamentar. Atención a los créditos finales, si alguien quiere irse, durante estos hay algunas escenas adicionales, y después también, con una escena muy breve. Mi nota final es de 9.5/10.

Que no se te peguen las malas costumbres de cierto pájaro de mal agüero perteneciente a la familia de los lánidos...

Malas costumbres? No entiendo, pero bueno, estoy al tanto...

Me refiero a la ficha técnica de la película, una manía personal pero que en mi caso es un paso previo innegociable a la hora de encarar un comentario.

Ah, ya, bueno, en esta caso ya la tenía hecha, aunque normalmente no la pongo.

Camera Café, la película (2022)....................... 5.5





Entretenida y poco más, aunque la nostalgia es poderosa.


Mi comentario:

Nostalgia es la palabra que me venía a la cabeza mientras estaba viendo "Camera Café, la película" (2022), la cual está basada y/o inspirada en el conjunto de sketches de la serie homónima. En un mundo ideal, la película debería haberse quedado en la salita para tomar café, como ocurría en la propia serie, pero alargándolo durante cerca de hora y media. El caso es que no ha sido así, ni por asomo, se han salido de las cuatro paredes y han ido más allá. La serie tampoco es que fuera sobresaliente, para pasar un ratito distraído, mientras se cenaba en casa estaba bien, así que ver la película pues, bueno, está bien, pero tampoco hay mucho más que contar. Del reparto original vuelven casi todos, aunque se echa de menos a gente importante y que hubieran mejorado, quién sabe, la trama bizarra que conlleva. Hay momentos, situaciones, escenas, en las que los guionistas parece que hayan tomado alguna clase de sustancia alucinatoria para sacarlas adelante. Siendo sincero, la apruebo porque soy un nostálgico, siempre lo he sido y me ha hecho reír en varias escenas, más de las que esperaba. En otras tantas, el sentimiento que me ha dado es el de vergüenza ajena, de esto no se escapa, también os lo tengo que decir. Mi nota final es de 5,5/10.

Un Eastwood menor, pero un Eastwood menor sigue siendo podio. Me ha dado un algo viendo al bueno de Clint tan viejo y tan fragil, pero ahí aguanta como un campeón. Y al Sargento de Artilleria Thomas J. Highway no le habrían vacilado unos narcos

Me emocionó el final cuando dice "solo es tiempo"



Pues oye, ni tan mal. No es historia del cine pero es muy resultona y me ha gustado más de lo que esperaba. Muy en la linea de Elige o Muere. Y el final es

Spoiler:

una putada con el juego alcanzando proporciones de pandemia.

Dado que de forma incomprensible no se ha mencionado ni siquiera de pasada en la sección de obituarios el reciente fallecimiento del excelente director británico Terence Davies (10 de noviembre de 1945 / 7 de octubre de 2023)...



... aprovecho la ocasión para homenajear a uno de los mejores cineastas de las últimas décadas y para ello me permitiréis que reflote dos comentarios que hice para este mismo rincón hace unos meses...

“Tuvimos la última luz del día. Y quizá no la necesitábamos ni le prestábamos atención… porque puedes afrontar cada día si tienes una llama viva y encendida en tu corazón”.

o

REVISANDO LAS DOS ÚLTIMAS PELÍCULAS (POR AHORA) DEL DIRECTOR BRITÁNICO TERENCE DAVIES (1945) / PARTE 1 (de 2):

SUNSET SONG (2015, ídem)



Coproducción entre Reino Unido y Luxemburgo.

Copyright Sunset Song Ltd. / Iris Productions / The British Film Institute 2015

Estreno: 13 de septiembre de 2015 (Festival Internacional de Cine de Toronto); 22 de julio de 2016 (España).

Dirigida por Terence Davies.

Escrita por Terence Davies, a partir de la novela “Canción de atardecer” de Lewis Grassic Gibbon (Londres, 1932).

Fotografiada por Michael McDonough (en color y ARRI 765 (65mm)).

Musicalizada por Gast Waltzing.

Protagonizada por Agyness Deyn (Chris Guthrie), Peter Mullan (John Guthrie) y Kevin Guthrie (Ewan Tavendale).

Rodada en Nueva Zelanda, Luxemburgo y Escocia.



Curiosamente hace unas pocas semanas tuve ocasión de reseñar otra coproducción rodada en Nueva Zelanda y estrenada igualmente en el TIFF (Toronto International Film Festival), NAVIGATOR (UNA ODISEA EN EL TIEMPO) (1988), de Vincent Ward.

Por mero capricho de los distribuidores las dos últimas películas del excelente director británico Terence Davies (1945), la hoy comentada e HISTORIA DE UNA PASIÓN (2016) - que será la próxima entrega -, se estrenaron de manera casi consecutiva en nuestro país (la primera el 22 de julio de 2016 y la segunda el 7 de octubre del mismo año).

Desgraciadamente sólo pude asistir al estreno de la segunda algo que lamento profundamente porque ambas son cintas espléndidas y porque además la primera se rodó en 65mm lo que ayudó todavía más a realzar la soberbia puesta en escena del director británico, sin duda uno de los directores más elegantes del cine contemporáneo.



La película está basada en la primera de las tres novelas que el prematuramente desaparecido escritor escocés Lewis Grassic Gibbon (1901-1935) ubicó en el ficticio condado de Kinraddie (un trasunto del auténtico condado de Kincardineshire) en el noreste del país y cuyo protagonismo recae sobre los (frágiles) hombros de la joven Chris, segundo de los seis vástagos de la familia Guthrie.



- Primera edición, Jarrolds Publishers, Londres, 1932 -

- La citada novela ha sido recientemente traducida al castellano de la mano de la Editorial Belvedere (Madrid, 2020).



Por cierto, se me olvidó mencionar que Lewis Grassic Gibbon era en realidad el pseudónimo habitual del escritor James Leslie Mitchell. -

Davies se dio a conocer a raíz del éxito (al menos desde el punto de vista de la crítica) de su película VOCES DISTANTES (1988) y desde entonces únicamente ha rodado seis largometrajes más.

Si alguien ha visto una película del director británico sabrá que este tiene un estilo inconfundible tanto desde el punto de vista visual como del sonoro.

En el primero destaca por la belleza de sus imágenes y, como antes decía, por la elegancia de su puesta en escena.





En el segundo, por el uso de canciones, usadas bien como fondo musical o interpretadas por los propios protagonistas.



Quizás por eso siempre he asociado su estilo al del mismísimo John Ford, aunque tal aseveración pueda parecer un disparate.

Sin embargo, el director norteamericano (aunque de corazón irlandés) siempre cuidó especialmente el aspecto visual de sus películas e igualmente usaba de forma reiterada melodías diegéticas y extradiegéticas en la mayor parte de sus películas y especialmente en las más personales.



Otra de las características del cine de Davies es el protagonismo de las mujeres y no sólo eso sino que suele elegirlas ajenas a dicho mundo, como la modelo Agyness Deyn o las televisivas Gillian Anderson (LA CASA DE LA ALEGRÍA (2000)) o Cynthia Nixon (HISTORIA DE UNA PASIÓN), logrando arrancar de ellas extraordinarias interpretaciones.

SUNSET SONG, o “CANCIÓN DE ATARDECER”, como ha sido traducida en nuestro país la novela que toma como base, es, como ya avanzaba, un excelente melodrama en el que destaca por un lado el espléndido trabajo interpretativo (y la belleza) de Agyness Deyn (Chris Guthrie) y del resto del elenco de actores (con especial mención al formidable Peter Mulligan, que encarna al brutal padre de la joven) y por otro lado, como ya he reiterado, por la cuidada puesta en escena del director.



- De los directores actuales creo que el más cercano a los postulados (estéticos) de Davies sea tal vez el norteamericano Terrence Malick (1943), cuya última obra, la espléndida VIDA OCULTA (2019), mantiene numerosos puntos de contacto – en la forma, no en el fondo – con la película hoy comentada. -









La historia tiene lugar en los años ‘10 del siglo pasado y está narrada por la propia protagonista pero con la particularidad de que lo hace en tercera persona y no en primera como suele ser habitual.



SUNSET SONG es un canto a la Naturaleza y, especialmente, a la fortaleza de las mujeres, puesto que serán dos, primero la madre y luego la hija, las que marquen el rumbo de la historia de la familia Guthrie.

La primera porque será el suicidio de la madre, Jena (Daniela Nardini), acompañado del infanticidio de los dos vástagos menores, harta de los abusos de su esposo, John (Peter Mullan), el que provoque la disgregación del núcleo familiar que hasta entonces gobernaba con puño de hierro este último.



La segunda porque será la hija quien sufra en sus propias carnes primero la brutalidad paterna y más tarde la de su esposo, Ewan (Alvin Guthrie), un hombre maravilloso al que la guerra (la Gran Guerra) en la que se ha visto obligado a participar acaba por convertirlo en la imagen especular de su progenitor.





La escena en la que Chris deja morir a su padre, quien yace postrado en la cama después una apoplejía, recuerda poderosamente a una similar que acontecía en la obra maestra de William Wyler LA LOBA (1941), con una imperial Bette Davis.



Una película hermosa y melancólica en la que pese a todo la protagonista logrará alcanzar la paz interior y que queda perfectamente resumida en esa cita con la que encabezo este modesto comentario.



y

And you read your Emily Dickinson,

And I my Robert Frost,

And we note our place with bookmarkers

That measure what we’ve lost.

[Y tú lees tu Emily Dickinson,

Y yo mi Robert Frost,

Y señalamos por dónde vamos con marcapáginas

Que miden lo que hemos perdido]

(“The Dangling Conversation”, PARSLEY, SAGE, ROSEMARY AND THYME (10 de octubre de 1966), de Simon and Garfunkel)

o

REVISANDO LAS DOS ÚLTIMAS PELÍCULAS (POR AHORA) DEL DIRECTOR BRITÁNICO TERENCE DAVIES (1945) / PARTE 2 (de 2)

A QUIET PASSION (2016, HISTORIA DE UNA PASIÓN)



Coproducción entre Reino Unido, Bélgica, EUA y Canadá.

Copyright A Quiet Passion Ltd./ Hurricane Films 2016

Estreno: 14 de febrero de 2016 (Festival Internacional de Cine de Berlín); 7 de octubre de 2016 (España).

Escrita y dirigida por Terence Davies.

Fotografiada por Florian Hoffmeister (en color y Scope).

Musicalizada (entre otros) por Charles Ives.

Protagonizada por Cynthia Nixon (Emily Dickinson), Jennifer Ehle (Vinnie Dickinson), Jodhi May (Susan Gilbert), Catherine Bailey (Vryling Buffam), Emma Bell (Emily, de joven), Duncan Duff (Austin Dickinson) y Keith Carradine (Edward, su padre).

Duración: 2 h 00 m 26 s. (Copia en DVD editada por Cameo en 2017).



Hace escasas semanas tuve ocasión de comentar brevemente SUNSET SONG [“CANCIÓN DE ATARDECER”] del director británico Terence Davies, una excelente película que desgraciadamente no tuve oportunidad de poder ver en pantalla grande, algo ciertamente frustrante debido a que la misma se rodó en 65mm, un formato que únicamente se puede disfrutar en todo su esplendor en una sala de cine de considerables dimensiones.

Ya entonces avancé cuál sería la segunda (y última…) entrega de esta minirevisión, HISTORIA DE UNA PASIÓN, que está sí, afortunadamente, tuve ocasión de ver en cine.

Si de aquel visionado tenía un recuerdo inmejorable la revisión anoche en la (relativa) tranquilidad de mi hogar no ha hecho más que ratificar algo que quizás a más de uno le pueda sonar como la típica boutade godardiana pero no hace más que ratificar mi creencia de que primero, Davies es uno de los mejores directores vivos y segundo, que HISTORIA DE UNA PASIÓN es una de las películas más bellas de lo que vamos de siglo XXI.

Como ya comenté entonces, por mero capricho de la distribución esta y su anterior película, la ya mencionada SUNSET SONG, prácticamente se solaparon una con la otra, pues si esta se estrenó el 22 de julio de 2016, aquella lo hizo el 7 de octubre del mismo año.

Si SUNSET SONG estaba basada en la novela homónima del escritor escocés Lewis Grassic Gibbon, aquí por el contrario Davies partió de un guion original.

Un guion que raya la perfección y que demuestra, si ello fuese necesario, que Davies no sólo es un extraordinario director (ahora ahondaré un poco más en este aspecto) sino que escribe como los ángeles.

De hecho, no recuerdo un libreto tan bello desde…

… ¿desde?…

HISTORIA DE UNA PASIÓN es lo que tradicionalmente podría considerarse un biopic, en este caso de la poetisa norteamericana Emily (Elizabeth) Dickinson (1830-1886), una mujer que sólo conocería el éxito una vez muerta, como tantos otros talentos dentro del mundo artístico.



Al igual que en SUNSET SONG Davies contó con una actriz prácticamente ajena al medio cinematográfico como era Cynthia Nixon (1966), pero muy conocida a través de la pequeña pantalla por su papel de Miranda en la famosa serie “Sexo en Nueva York” (1998-2004), lo que demuestra el ojo clínico del director a la hora de elegir a sus protagonistas (femeninas)…



… como volveremos a ver en el bonus track (y de ahí los puntos suspensivos del segundo párrafo de la crónica) que supondrá la revisión de LA CASA DE LA ALEGRÍA (2000), basada en la novela homónima de Edith Wharton y sublimemente interpretada por la igualmente televisiva Gillian Anderson (1968), ya sabéis, la Scully de “Expediente X” (1993-2018)…

Una película que dura dos horas (que pasan como un suspiro) y que además está fragmentada en dos partes, asimétricas en cuanto a metraje, pero igual de hermosas ambas.

Y es que si la joven Emily (interpretado por una igualmente excelente – y bella - Emma Bell (1986)) únicamente aparece en pantalla veinte escasos minutos, ello no será obstáculo para que sea en ese tramo donde Davies establezca las líneas maestras que desarrollará en el resto de la película gracias a su portentosa puesta en escena.

Dado que sería fatigoso (por sobreabundancia) comentar escenas o secuencias concretas que me hayan deslumbrado, puesto que todo el conjunto ronda la perfección (si tal cosa existe en el cine, cosa que yo creo que sí), me gustaría, al menos, destacar dos que son un auténtico portento. Dos simples muestras del descomunal talento del que, como decía, tal vez sea el mejor director moderno vivo (con mis respetos a talentos como Paul Thomas Anderson, (el) Christopher Nolan (fantástico pero no superheroico) o Terrence Malick).

La primera una panorámica de 360º (de 13:15 a 15:20) en la que la cámara se desplaza por la salita donde se encuentran reunidos la familia Dickinson y que empieza en un sonriente Emily, pasando por su tía Elizabeth (Annette Badland), su padre, Edward (Keith Carradine), sus hermanos, Austin (Benjamin Wainwright) y Vinnie (Rose Williams) y su madre, Emily (Joanna Bacon), hasta regresar a una acongojada Emily, una forma deslumbrante de jugar con el devenir del tiempo…





… y que además sirve magníficamente para conectar con otra secuencia magistral en la que también Davies moldea el tiempo a su antojo y que sirve además de perfecta transición entre la Emily joven y la Emily madura.

Me refiero a aquella (de 18:45 a 19:45) en la que vemos posar a los miembros de la familia (el padre, el hermano, la hermana pequeña y Emily) y como envejecen delante de la cámara.









Una imagen tan bella como podría ser aquella en la que Lawrence de Arabia soplaba una cerilla o un hueso de tapir se convertía en una nave espacial…

Si en esos escasos 20 minutos de proyección Davies ya nos pone los dientes largos lo que queda es todavía más sublime.

Para ello contará con el inconmensurable trabajo interpretativo no sólo de las féminas (destacando poderosamente Cynthia Nixon, Jennifer Ehle (su hermana pequeña) y Catherine Bailey (la deslenguada señorita Buffam)), como es habitual en cine del director inglés, sino igualmente de los actores masculinos (con un impecable Keith Carradine, con toda seguridad el mejor de toda la dinastía, padre incluido).





Una mujer fuertemente apegada a su familia y que vistió de blanco y no de negro desde el día en que murió su padre, al que adoraba.



Y una mujer que conoció su quiet passion amando en silencio al único hombre ajeno a su familia que apreciaba su poesía, el reverendo Wadsworth (Eric Loden), desgraciadamente felizmente casado.



Destacar igualmente el magnífico trabajo tras las cámaras del director de fotografía Florian Hoffmeister que recrea a la perfección la Massachusetts de la segunda mitad el siglo XIX y la impecable selección de temas musicales (nada que envidiar al mismísimo - y ya citado, siquiera oblicuamente - Stanley Kubrick) que va desde Beethoven hasta Chopin pero donde me gustaría destacar especialmente la pieza que cierra la película, la bellísima “The Unanswered Question” de Charles Ives.

En resumen, una obra maestra sin paliativos que incomprensiblemente fue ninguneada por los críticos de la por otra parte imprescindible Dirigido por… cuando eligieron las mejores cintas del siglo XXI (de 2000 a 2018).

Si Emily Dickson escribía poesías, Terence Davies dirige poesía.

Un homenaje a la altura de la homenajeada.



... y que espero complementar con otros dos en un breve plazo de tiempo, en concreto la maravillosa LA CASA DE LA ALEGRÍA (2000), con una descomunal Gillian Anderson, así como su último largometraje, BENEDICTION (2021).

Al César lo que es del César.

Possession


https://64.media.tumblr.com/928061de...e81c59ce01.jpg


Inquietante desde el inicio,va más allá,MUCHO MAS.


Mark (Neill) regresa a su hogar en Berlín Occidental después de completar su última misión de espionaje. Espera una cálida bienvenida por parte de su esposa Anna (Adjani) y su pequeño hijo Bob. En cambio, Anna exige el divorcio...sin saber por qué, y a pesar de que ella niega que esté enamorada de otra persona, Mark se obsesiona con encontrar una razón para su extraño comportamiento. Cuanto más descubre, más destructiva se torna la relacion.


Desafiante en el mejor sentido.. es esencialmente una descripción de la peor ruptura matrimonial de la historia del cine,rabiosa y paranoica.Esta histeria va llevandonos al horror cosmico con interminables capas,personajes bizarros en torno a la pareja,alegoria del momento politico en ese Berlin pre caida del Muro..practicamente todo lo que acontece tiene más de una lectura.Y hay momentazos que se te quedan grabados.

La actuación de Adjani es espectacularmente desquiciada y por momentos aterradora. No es de extrañar que acabara exhausta el rodaje.
Hay que verla para amarla o no..

8.8/10


​

No me llamaba mucho esta película pues el baloncesto me da bastante igual pero como salía el bueno de Ben decidí darle una oportunidad y me ha enganchado de principio a fin. Además, que en esta película, al contrario que en Coach Carter (que vi el otro día basicamente por Samuel L. Jackson), el baloncesto es más bien un trasfondo, una excusa para contar el infierno que sufre el protagonismo debido a su adicción al alcohol.

Si no es la mejor actuación de Ben Affleck, poco le falta.

Igual veo Air...

Off topic:

De nuevo los de Pinterest, de donde extraigo las imágenes que previamente he obtenido yo como capturas de pantalla propias, se convierten en los Torquemada del siglo XXI...

8 de noviembre de 2023
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Y todo por este modesto comentario de una película en la que se narra una hermosa historia de amor entre dos mujeres...

https://www.mundodvd.com/las-ultimas...1/#post4789945

La vez anterior que me hicieron lo mismo tuvieron que retractarse puesto que las imágenes procedían de una película que forma parte de la Historia del Cine (con Mayúsculas). A ver lo que sucede con esta pero ya empiezan a cansarme estas actitudes que coartan la libertad de expresión, la cual es un derecho fundamental e inalienable de todos los seres humanos.

Pues muy guay AIR.

Ben Affleck y Matt Damon han conseguido que prestara atención. Y mola ese toque retro ochentero nostálgico para los que nacimos/crecimos en la época.

Cazafantasmas, Superdetective en Hollywood, El equipo A, El coche fantástico....

Iniciado por Alcaudón

Off topic:
La vez anterior que me hicieron lo mismo tuvieron que retractarse puesto que las imágenes procedían de una película que forma parte de la Historia del Cine (con Mayúsculas). A ver lo que sucede con esta pero ya empiezan a cansarme estas actitudes que coartan la libertad de expresión, la cual es un derecho fundamental e inalienable de todos los seres humanos.

Bueno, cuando hiciste tu cuenta, supongo que leíste y aceptaste los términos (es decir, doy por hecho que no, como todo el mundo ). En sus términos y condiciones se indica bien claro que no quieren contenido sexual de ningún tipo y que no está permitido, salvo excepciones que vienen bastante indicadas:

Contenido para adultos
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Permitimos cierto contenido de desnudez en algunos contextos, aunque es posible que limitemos su distribución. Por ejemplo, se acepta la desnudez en pinturas y esculturas, y en contextos científicos o históricos. El contenido sobre la lactancia y las mastectomías también está permitido. Estas directrices se aplican a texto y a imágenes y video reales, digitales y animados.

Sin embargo, recientemente intentaron censurarme una captura de pantalla de UN PERRO ANDALUZ (1929), de Luis Buñuel y Salvador Dalí y que había utilizado en el hilo dedicado a Fritz Lang y finalmente tuvieron que admitir el error y dar marcha atrás.

Independientemente de las cláusulas del servicio, que como bien dices rara vez leemos, la censura atenta contra un derecho fundamental como es el de expresión.

En el caso de DISOBEDIENCE (2018), de Sebastián Lelio, estamos hablando de un melodrama y más en concreto de una historia de amor entre dos mujeres (¡qué horror!).

Con la Inquisición hemos topado...

¿Alguien conoce algún otro servicio que permita subir las capturas de pantalla propias y luego extraerlas de ahí para poder acompañar los comentarios que hacemos en este o en otros rincones?

"Extraerlas de ahi"; como dices, se denomina hot-linking.

Yo uso imgbox desde hace años, y cero problemas (en el subforo de reviews, abre cualquiera de las que he publicado y las imágenes que veas están alojadas ahí). Puedes enlazar directamente la imagen a su tamaño completo o en una version reducida, sin merma de calidad ni marcas de agua. Pero sí es cierto que nunca he subido imágenes que sean susceptibles de arquear las cejas de ningún reaccionario (lo evito conscientemente ya que aquí en el foro hubo problemas en el pasado con contenido para adultos que puso en aprietos su supervivencia).

Por lo demás, a mi me funciona sin problemas, como digo.