Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Iniciado por cinefilototal

Pues podían haberle elegido para interpretar el papel también, ya que además de cantante es actor... lo vi en la serie "Glee".

Pero no tiene el aspecto "exótico" que sí tiene Rami Malek, que es de familia egipcia copta, mientras que Mercury era de familia parsi. Supongo que ese origen de Malek es más que suficiente para los estándares hollywoodienses en lo que a pertenencia a grupos étnicos se refiere.

Iniciado por mad dog earle

Pero no tiene el aspecto "exótico" que sí tiene Rami Malek, que es de familia egipcia copta, mientras que Mercury era de familia parsi. Supongo que ese origen de Malek es más que suficiente para los estándares hollywoodienses en lo que a pertenencia a grupos étnicos se refiere.

Yo creo que es más que suficiente, que de hecho se parecen. Viniendo de una industria que caracterizó a John Wayne como Genghis Khan y a Mickey Rooney como un japonés, está bastante bien.

Iniciado por mad dog earle

Si no me equivoco, es el tipo que se va al lavabo (al fondo se ve la puerta con el rótulo "Men") y al que Mercury sigue con la mirada, ¿no?, dando ya a entender (creo que por primera vez en el film) su atracción sexual por los hombres. Pero todo en la película es tan modosito, que puedes pensar cualquier cosa.

Cierto. Y ese es uno de los puntos flacos del film, según mi opinión. Hay tanto que podían haber profundizado en sus relaciones amorosas, y sin embargo, han preferido insinuar, pasar muy, muy por encima.

Iniciado por mad dog earle

Pero no tiene el aspecto "exótico" que sí tiene Rami Malek, que es de familia egipcia copta, mientras que Mercury era de familia parsi. Supongo que ese origen de Malek es más que suficiente para los estándares hollywoodienses en lo que a pertenencia a grupos étnicos se refiere.

Sí, está claro que el aspecto era fundamental para la elección del personaje principal. Y si además, es un actor (bastante bueno) que mimetiza a la perfección, ahí está el resultado. Gustará más o menos, pero se trata de una imitación casi perfecta. De hecho, se ve en los extras, como se copió integramente todos los gestos en el concierto que pone fin a la película. Para ello se contaba con la inestimable ayuda de la grabación original del concierto benéfico mundial de mediados de los 80, que se celebró en tres escenarios distintos, si mal no recuerdo.

GUADALUPE-REYES
Un millonario amante de la diversión, en plena crisis de la edad, busca reconectar con su antiguo mejor amigo para hacer realidad la legendaria parranda mexicana que hasta ahora solo existe en broma: desde el dia de la Guadalupana hasta el dia de los Reyes Magos.

Cinta que, porfin, logra salir del pozo pusilánime en que están las comedias nacionales de esta generación, aunque tampoco es que eso sea decir mucho.
Hay escenas que claramente funcionan mejor que otras, pero las que lo hacen lograron una carcajada en mí.
Sin embargo, a la película le hace mucha falta establecer algún tipo de riesgo, ya que tratan todo el asunto como si fuera algún tipo de apuesta o concurso, pero no hay nada que perder ni ganar.
Altomaro no es para nada un mal actor, y se nota comprometido con el proyecto, pero también se siente incómodo y fuera de lugar en una comedia de este estilo. En contraste, Medina se mueve como pez en el agua atravez de la cinta, nunca he entendido porque a el si suelen tacharle su actuación.

Iniciado por tomaszapa

Sí, está claro que el aspecto era fundamental para la elección del personaje principal. Y si además, es un actor (bastante bueno) que mimetiza a la perfección, ahí está el resultado. Gustará más o menos, pero se trata de una imitación casi perfecta. De hecho, se ve en los extras, como se copió integramente todos los gestos en el concierto que pone fin a la película. Para ello se contaba con la inestimable ayuda de la grabación original del concierto benéfico mundial de mediados de los 80, que se celebró en tres escenarios distintos, si mal no recuerdo.

En la parte de la reproducción del concierto de 1985 y en otras actuaciones está muy bien, realmente recuerda a Mercury. Pero en el resto del film, a mí a menudo me ha parecido casi una caricatura, más que una imitación. También es cierto que mientras conocemos la imagen artística de Mercury, por conciertos o videoclips, yo al menos no tengo conocimiento de su imagen privada. En este sentido, me resulta mejor resuelta la interpretación de Egerton como Elton, quizá porque desde el principio no pretende ser realista sino más bien una fantasía sobre el cantante, tal como se proclama en el cartel que reproduje en mi comentario: "Based on a true fantasy".

Iniciado por mad dog earle

En la parte de la reproducción del concierto de 1985 y en otras actuaciones está muy bien, realmente recuerda a Mercury. Pero en el resto del film, a mí a menudo me ha parecido casi una caricatura, más que una imitación. También es cierto que mientras conocemos la imagen artística de Mercury, por conciertos o videoclips, yo al menos no tengo conocimiento de su imagen privada. En este sentido, me resulta mejor resuelta la interpretación de Egerton como Elton, quizá porque desde el principio no pretende ser realista sino más bien una fantasía sobre el cantante, tal como se proclama en el cartel que reproduje en mi comentario: "Based on a true fantasy".

Exacto. Por eso decía que me inclinaba un poquito más por Rocketman. Me gusta más la forma de abordar al artista.
En Bohemian Rhapsody, los miembros de Queen (Brian May y Roger Taylor) supervisaron el film y por tanto, creo que quisieron remarcar la figura de Mercury como artista y no tanto su vida personal.
Mientras tanto, Rocketman es un proyecto incluso más personal del propio Elton John. De hecho, uno de los productores es su pareja con la que lleva bastantes años, y con e que tiene varios hijos. De ahí que el tono sea distinto.

Iniciado por tomaszapa

Exacto. Por eso decía que me inclinaba un poquito más por Rocketman. Me gusta más la forma de abordar al artista.
En Bohemian Rhapsody, los miembros de Queen (Brian May y Roger Taylor) supervisaron el film y por tanto, creo que quisieron remarcar la figura de Mercury como artista y no tanto su vida personal.
Mientras tanto, Rocketman es un proyecto incluso más personal del propio Elton John. De hecho, uno de los productores es su pareja con la que lleva bastantes años, y con e que tiene varios hijos. De ahí que el tono sea distinto.

Dos hijos, dos (zachary y Elijah), que nos lo recuerdan al final, foto incluida. Su esposo es David Furnish, también productor ejecutivo, entre otras, de Billy Elliot the Musical Live (película, la original, que también acabó en los escenarios, y que en su día protagonizó Jamie Bell, Bernie Taupin en el film de Fletcher, Dexter no Alex ), y es que ese Rocketman tiene todo el aspecto de un protomusical. De hecho no sé si está previsto a día de hoy, pero estoy seguro que acabará en los escenarios.

Iniciado por mad dog earle

Dos hijos, dos (zachary y Elijah), que nos lo recuerdan al final, foto incluida. Su esposo es David Furnish, también productor ejecutivo, entre otras, de Billy Elliot the Musical Live (película, la original, que también acabó en los escenarios, y que en su día protagonizó Jamie Bell, Bernie Taupin en el film de Fletcher, Dexter no Alex ), y es que ese Rocketman tiene todo el aspecto de un protomusical. De hecho no sé si está previsto a día de hoy, pero estoy seguro que acabará en los escenarios.

Seguramente. Esta gente no da puntada sin hilo. Cuando emprenden un proyecto, ya tienen en mente lo sucesivo. Las derivaciones de las que pueden obtener ganancias: banda sonora, musical, etc...

Hoy cumple la cifra redonda de 80 años, uno de los mejores actores de su generación. Al Pacino ha sido responsable de grandes películas a lo largo de varias décadas.

Salido del Actors Studio, este neoyorquino ilustre conoció pronto la fama mundial de la mano de Coppola en la saga de El Padrino. Serpico, Tarde de perros o Y justicia para todos, fueron hitos en una década, los 70, que fue fantástica para él.
Continuó con títulos como Scarface (remake del clásico de los 30), título de culto en la actualidad.

Pero fue los 90 donde vimos al Pacino maduro en papeles inmensos como la tercera parte de El Padrino, Franky y Johnny, Esencia de mujer (remake de El perfume de mujer) por la que logró por fin el Oscar. Además, Donnie Brasco, Heat, Atrapado por su pasado, o The insider (El dilema).

El nuevo siglo no ha sido obstáculo para que su presencia, aunque breve en maravillas como la reciente Erase una vez en Hollywood, nos haga valorar aún más a este maravilloso actor. Ayer la pasaron por el Plus y es una gozada verlo.

Iniciado por javialacarga

Yo creo que es más que suficiente, que de hecho se parecen. Viniendo de una industria que caracterizó a John Wayne como Genghis Khan y a Mickey Rooney como un japonés, está bastante bien.

Iniciado por tomaszapa

Hoy cumple la cifra redonda de 80 años, uno de los mejores actores de su generación. Al Pacino ha sido responsable de grandes películas a lo largo de varias décadas.

Salido del Actors Studio, este neoyorquino ilustre conoció pronto la fama mundial de la mano de Coppola en la saga de El Padrino. Serpico, Tarde de perros o Y justicia para todos, fueron hitos en una década, los 70, que fue fantástica para él.
Continuó con títulos como Scarface (remake del clásico de los 30), título de culto en la actualidad.

Pero fue los 90 donde vimos al Pacino maduro en papeles inmensos como la tercera parte de El Padrino, Franky y Johnny, Esencia de mujer (remake de El perfume de mujer) por la que logró por fin el Oscar. Además, Donnie Brasco, Heat, Atrapado por su pasado, o The insider (El dilema).

El nuevo siglo no ha sido obstáculo para que su presencia, aunque breve en maravillas como la reciente Erase una vez en Hollywood, nos haga valorar aún más a este maravilloso actor. Ayer la pasaron por el Plus y es una gozada verlo.

Y con diferencia lo mejor de EL IRLANDÉS, la sobrevalorada película de Scorsese para Netflix.

Iniciado por Alcaudón

Y con diferencia lo mejor de EL IRLANDÉS, la sobrevalorada película de Scorsese para Netflix.

Tampoco me entusiasma The Irishman, quizás porque no vi la necesidad de revisitar durante horas los tópicos del cine de gangsters en una película cuyo tono es en realidad mucho más crepuscular y melancólico (y porque el rejuvenicimiento digital de los actores me parece por momentos muy feo), pero no descarto cambiar de opinión en un futuro. La parte de la película que concierne la relación personal entre los tres protagonistas creo que es muy potente, y sobre todo a partir de las dos horas o así la película está bastante bien. Y me gustó que esté estructurada en forma de viaje en coche durante el cual el protagonista repasa su vida mentalmente, leí en algún lado a alguien decir que la película era como Fresas salvajes pero con pistolas, y me pareció muy acertado.

En cualquier caso, yo creo que lo mejor de la película a nivel interpretativo es Joe Pesci y no Al Pacino

He vuelto a ver In the mood for love. En el momento de su estreno, cuando yo era un adolescente, ni siquiera me había gustado. Han cambiado muchas cosas desde entonces, y más allá de eso la película pienso que se disfruta más en un segundo o tercer visionado (la he visto dos veces en el espacio de un par de días también). Quizás es porque una vez despojado de la necesidad de buscar una lógica a la película puedes dejarte llevar más por la representación poética de la emoción que hace Wong Kar-wai, que por otro lado está más presente cuando ya has visto antes la película, porque en realidad toda la historia de amor entre los protagonistas, si existe, está por completo en elipsis y en un primer visionado es bastante difícil sentir identificación alguna. En ese sentido, creo que el título le hace bastante justicia a la película, porque más que una historia de amor lo que yo veo en la pantalla es una necesidad o un deseo de amar, pero el amor en sí no se llega a mostrar más que a través de sus consecuencias.

No sé si In the mood for love me gusta tanto tanto como a aquellos que la proponen como uno de los films fundamentales de este siglo, pero sí que me parece una de las estilizaciones más potentes que he visto por parte de cualquier director en el cine moderno, y en concreto lo que no recordaba es el vanguardista uso del montaje, que es lo que hace que después de haber visto la película casi dos veces seguidas todavía no tenga completamente claro todo lo que ocurre (o mejor dicho, qué es lo que se muestra y qué es lo que se da a entender). Porque en la película hay escenas perfectamente clásicas, como aquella en la que se explica la infidelidad del jefe de la oficina con un cambio de corbata (para que su mujer no se dé cuenta de que la nueva corbata era un regalo de su amante),. Pero hay otras secuencias que son no sólo intencionadamente elípticas sino ambiguas, como por ejemplo la visita de Maggie Cheung al hotel donde se aloja Tony Leung, que está montada de la siguiente manera: Maggie Cheung llegando al recibidor, Maggie Cheung pensativa y dudando, Maggie Cheung entrando en el pasillo donde están las habitaciones, Maggie Cheung saliendo del pasillo donde están las habitaciones, Maggie Cheung bajando al recibidor, Tony Leung esperando en su habitación y oyendo a alguien llamar a la puerta, Maggie Cheung despidiéndose de Tony Leung en el pasillo. Y todo esto con un montaje godardiano que rompe la direccionalidad de cualquier movimiento y que en un momento dado repite por ejemplo el mismo encuadre dos veces seguidas sin ninguna función narrativa. Creo que este aspecto de la película que expresa la ambiguedad a través del montaje (o quizás lo que expresa es un difuminado de los hechos si lo que se entiende es que la narración es una recolección de los recuerdos del protagonista) es el que la hace en cierto sentido fascinante, o por ejemplo también el hecho de que se expresen los saltos en el tiempo y a veces la lógica temporal de la película (o la falta de ella) a través de los cambios de vestido de Maggie Cheung de escena a escena.

En cualquier caso, es una película estéticamente abrumadora y estructuralmente muy interesante, y ahora voy a ver 2046 (que en su día tampoco me gustó y con respecto a la cual también preveo cambiar de opinión).

“Deseando amar” es muy potente en el apartado visual y estético, que por cierto, es parte de la fuerza que caracteriza el cine de Wong Kar Wai. Hay espectadores que si no les atrapa el argumento desde la más estricta literalidad, rechazan directamente cualquier tipo de propuesta narrativa. Y casos como este, se suelen tachar de excesivamente estéticos, y por tanto, vacios. Como suele suceder, por ejemplo, con el cine de Winding Refn.
Saber valorar la relación que hay entre la pintura y la fotografía cinematográfica es mucho más complicado de lo que puede parecer. La pintura, por si sola, dispone de elementos narrativos que hablan directamente al espectador y no tiene por qué existir la necesidad de reiterarlos mediante la literalidad argumental. Por contra, cuando un director se arriesga a prescindir de dicha reiteración, acaba tildado de pretencioso y cosas similares porque la experiencia puede resultar insulsa o indescifrable. Como también le ha ocurrido a Lynch muchas veces, por poner otro ejemplo...

Tengo muchísimas ganas de volver a ver “Deseando amar”, hace años que no lo hago y quiero ver si he cambiado o no mi opinión de ella. Y lo mismo con “2046”. Que por cierto, hace poco leí que el director está a punto de empezar la tercera parte...

Bueno, en cualquier caso, si este tipo de cine atrae, recomiendo como ya he hecho alguna vez la reciente “Largo viaje hacia la noche” de Bi Gan.

Iniciado por DrxStrangelove

“Deseando amar” es muy potente en el apartado visual y estético, que por cierto, es parte de la fuerza que caracteriza el cine de Wong Kar Wai. Hay espectadores que si no les atrapa el argumento desde la más estricta literalidad, rechazan directamente cualquier tipo de propuesta narrativa. Y casos como este, se suelen tachar de excesivamente estéticos, y por tanto, vacios. Como suele suceder, por ejemplo, con el cine de Winding Refn.
Saber valorar la relación que hay entre la pintura y la fotografía cinematográfica es mucho más complicado de lo que puede parecer. La pintura, por si sola, dispone de elementos narrativos que hablan directamente al espectador y no tiene por qué existir la necesidad de reiterarlos mediante la literalidad argumental. Por contra, cuando un director se arriesga a prescindir de dicha reiteración, acaba tildado de pretencioso y cosas similares porque la experiencia puede resultar insulsa o indescifrable. Como también le ha ocurrido a Lynch muchas veces, por poner otro ejemplo...

Tengo muchísimas ganas de volver a ver “Deseando amar”, hace años que no lo hago y quiero ver si he cambiado o no mi opinión de ella. Y lo mismo con “2046”. Que por cierto, hace poco leí que el director está a punto de empezar la tercera parte...

Bueno, en cualquier caso, si este tipo de cine atrae, recomiendo como ya he hecho alguna vez la reciente “Largo viaje hacia la noche” de Bi Gan.

Ciertamente, ¨2046¨ se ha quedado un poco rezagada...¨In mood...¨ era muy grande y la otra era un ejercicio, no sé, rayuelesco, borgiano, muy argentino, en cualquier caso, que no terminaba, en mi opinión, de imbricarse en el universo de ¨In mood...¨.

Creo que esto se debe a que lo importante del protagonista no era su cualidad de escritor, pudiera haber sido vendedor ambulantede ventiladores...O no, o realmente es que ¨2046¨ no funciona y punto.

En cualquier caso una tercera parte no me llama nada. Quizás sea buena como película en sí...pero no tiene mucho sentido como trilogía.

Con respecto a lo que comentas, sobre argumento (entiendo como ideas pensables o que invitan a la reflexión), y su contraposición con la estética, tampoco estoy de acuerdo. Creo que se confunde lo complicado de lo complejo....

No le veo otro motivo de ser en sí a una obra que la estética misma. Ahora bien, ¿dónde está la estética en un film? Esa es la madre del cordero. Y aquí cada uno que opine.

Pero algo que es estético en el Arte, no se me ocurría nunca darle cualidad de vacío.

Iniciado por DrxStrangelove

“Deseando amar” es muy potente en el apartado visual y estético, que por cierto, es parte de la fuerza que caracteriza el cine de Wong Kar Wai. Hay espectadores que si no les atrapa el argumento desde la más estricta literalidad, rechazan directamente cualquier tipo de propuesta narrativa. Y casos como este, se suelen tachar de excesivamente estéticos, y por tanto, vacios. Como suele suceder, por ejemplo, con el cine de Winding Refn.
Saber valorar la relación que hay entre la pintura y la fotografía cinematográfica es mucho más complicado de lo que puede parecer. La pintura, por si sola, dispone de elementos narrativos que hablan directamente al espectador y no tiene por qué existir la necesidad de reiterarlos mediante la literalidad argumental. Por contra, cuando un director se arriesga a prescindir de dicha reiteración, acaba tildado de pretencioso y cosas similares porque la experiencia puede resultar insulsa o indescifrable. Como también le ha ocurrido a Lynch muchas veces, por poner otro ejemplo...

Tengo muchísimas ganas de volver a ver “Deseando amar”, hace años que no lo hago y quiero ver si he cambiado o no mi opinión de ella. Y lo mismo con “2046”. Que por cierto, hace poco leí que el director está a punto de empezar la tercera parte...

Bueno, en cualquier caso, si este tipo de cine atrae, recomiendo como ya he hecho alguna vez la reciente “Largo viaje hacia la noche” de Bi Gan.

Ciertamente hay puntos en la película que me hacen dudar sobre si a Wong Kar-wai le preocupa más la mera estética o por el contrario el sentido conjunto de la obra; detalles como las imágenes ensimismadas de humos de cigarrillos flotando en el aire (y en las que hay quienes ven reflajado el carácter inaprensible del tiempo, por decir una cosa como cualquier otra), la exquisita colección de vestidos en los que Maggie Cheung danza por la pantalla o por ejemplo el hecho de que Tony Leung esconda su secreto en las ruinas de Angkor Wat cuando realmente podría haberlo hecho en cualquier piedra por la calle. Pero más allá de la espectacular sensualidad de las imágenes, yo creo que la película es una mezcla bastante interesante entre las formas clásicas y su historia de amor imposible del cine de siempre, y de unas formas más cercanas al vanguardismo de Marienbad y a sus divagaciones sobre el tiempo y la memoria.

En parte por eso tengo aún más ganas de ver 2046, porque si como espero es más arriesgada en ese sentido, me puede gustar incluso más, aunque ya sé que la mayoría de la gente habla peor de 2046 que de In the Mood for Love. Veremos. Desde luego In the Mood for Love es muy potente tal como es.

No se me había ocurrido comparar a Wong Kar-wai con Winding Refn, aunque es verdad que ambos son grandes estilizadores de las imágenes. A mí Winding Refn por concepto no me gusta demasiado, aunque es curioso que diga esto porque Drive también me parece muy potente y The Neon Demon creo que es una película (mejor) en la que esta forma encuentra una total consonancia con el fondo y en la que además hay más espacio para el misterio. Así que en realidad dos de sus películas me gustan bastante. De Lynch no digo nada porque es probablemente mi cineasta favorito y porque aunque también tiene ese mismo poder como "pintor" (o como artista multidisciplinar, porque el hombre le da a todo), en su caso creo que esas películas impresionistas que hace y que son representaciones del subconsciente de los personajes van más allá de lo que estamos discutiendo.

Largo viaje hacia la noche la he visto y me gustó, es verdad que tiene un aire a Wong Kar-wai, pero me dejó bastante frío la segunda parte. También es verdad que a) sólo la he visto una vez y eso es un handicap con estas películas y b) la vi en dos dimensiones y por lo tanto no puedo apreciar lo que el cineasta hace en la segunda parte de la película (aunque a mí a primera impresión me pareció un poco ensimismado y pretencioso).

Moulin Rouge (Moulin Rouge!, 2001), de Baz Luhrmann



Después de ver Rocketman, que comenté el otro día, se me quedó dando vueltas en la cabeza la melodía de “Your Song”, uno de los más bellos y conocidos temas de Elton John. Eso me ha llevado a revisar hoy Moulin Rouge, una de las películas que más me han sorprendido en el momento de verlas por primera vez. Y lo cierto es que, después de muchos años y varios visionados, me sigue pareciendo un film fresco, divertido y emotivo a la vez, una intensa historia romántica, de pasión y celos. Este Moulin Rouge tiene aquello de lo que anda falto Rocketman y de lo que carece por completo Bohemian Rhapsody: descaro, riesgo, falta de miedo al ridículo, algo imprescindible si se quiere salir con vida de un proyecto como este. Y a fe que Luhrmann, en mi opinión, lo consigue, tirándose de cabeza a la piscina. Su arranque es antológico, la mixtura de canciones pop es brillante, y los efectos especiales, muy logrados, sin pretender en ningún momento esconder el artificio. Además, cuenta con un reparto especialmente inspirado: una Nicole Kidman arrebatadora, con una fuerza y expresividad que echamos en falta desde hace años; un romántico Ewan McGregor, creíble en su ingenuidad y resultón como vocalista, además de unos excelentes Jim Broadbent, Richard Roxburgh o John Leguizamo. Momentos como la aparición estelar de Satine en la pista de baile del Moulin Rouge al son de “Diamonds Are A Girl’s Best Friends”,



el medley amoroso sobre elefante, la desmadrada versión de “Like a Virgin” o la versión del “Roxanne” de Police me parece magistrales. Pero, ¿se cae en el ridículo? Probablemente sí, en más de un momento (algunas escenas recuerdan los anuncios de Freixenet), pero es de esos ridículos que más que generar vergüenza ajena, se encajan con una sonrisa cómplice. Y además, defendiendo sin rubor los cuatro puntos del programa revolucionario de los bohemios: verdad, belleza, libertad y, por encima de todo, amor. Y es que, como coincidirá conmigo Alcaudón, “All You Need Is Love”.

Moulin Rouge es un musical estupendo. Y además, como bien dices, tiene ese punto de descaro, de no tomarse a sí mismo en serio, que gusta muchísimo. Además, los números musicales de canciones conocidas de diferentes artistas, es otro de los puntos fuertes. Su director, Baz Luhrmann sería algo así como la actualización de aquellos directores de musicales del Hollywood glorioso.
Por cierto, que tiene en producción el film Elvis, con Tom Hanks haciendo del Coronel Parker, pero el rodaje australiano se paró cuando el actor de Forrest Gump y su esposa dieron positivo por el coronavirus.

Recuerdo la primera vez que vi "Moulin Rouge" en el cine, me dejó apabullado... que explosión de colorido, de ritmo, de carcajadas, de personajes estrambóticos, unos números musicales de estilo videoclip pero muy interesantes, esa mezcla de ritmos modernos, antiguos, años 80, pop, tango... todo un cóctel variados de estilos musicales, coreografías vistosas, vestuario delirante... un filme verdaderamente refrescante y peculiar...

Además el romance central funciona a las mil maravillas, y si Nicole Kidman radiaba belleza, sensualidad y picardía, a mi me encantó Ewan MacGregor en su personaje, y como cantante me sorprendió su talento para llevar a cuesta todas sus canciones...

En fin, una película sorprendente y divertida, un soplo de aire fresco para el género musical.

Iniciado por C.Bethencourt

Ciertamente, ¨2046¨ se ha quedado un poco rezagada...¨In mood...¨ era muy grande y la otra era un ejercicio, no sé, rayuelesco, borgiano, muy argentino, en cualquier caso, que no terminaba, en mi opinión, de imbricarse en el universo de ¨In mood...¨.

“2046” solo la he visto una vez y desde luego que no me gustó tanto como lo hizo “Deseando amar”. Si no recuerdo mal, tiene un desarrollo más críptico y cinematográficamente cambiaba respecto a la primera. Pero tengo que volver a verla para poder criticarla bien porque la recuerdo poco.

Con respecto a lo que comentas, sobre argumento (entiendo como ideas pensables o que invitan a la reflexión), y su contraposición con la estética, tampoco estoy de acuerdo. Creo que se confunde lo complicado de lo complejo....

No le veo otro motivo de ser en sí a una obra que la estética misma. Ahora bien, ¿dónde está la estética en un film? Esa es la madre del cordero. Y aquí cada uno que opine.

Pero algo que es estético en el Arte, no se me ocurría nunca darle cualidad de vacío.

No, no, si estoy de acuerdo. Creo que no me has entendido antes o no me he explicado bien. Me cito:

Iniciado por DrxStrangelove

“Deseando amar” es muy potente en el apartado visual y estético, que por cierto, es parte de la fuerza que caracteriza el cine de Wong Kar Wai. Hay espectadores que si no les atrapa el argumento desde la más estricta literalidad, rechazan directamente cualquier tipo de propuesta narrativa. Y casos como este, se suelen tachar de excesivamente estéticos, y por tanto, vacios.

Precisamente lo que trato de decir es que la estética, o la armonía “pictórica” de la imagen en la cinematografía de la película, puede hablar por sí misma y ya es un elemento que puede otorgarle profundidad a la cinta desde diferentes perspectivas. La estética no es belleza. La búsqueda de la belleza por la belleza en sí, sí que puede resultar vacía si no sirve para decir nada en concreto. Pero la estética, o el carácter pictórico de la fotografía, es otra cosa. Vamos, que no soy yo el que tilda las películas con un pronunciado carácter estético de vacías; lo que digo es que, muchas veces de manera injusta (bajo mi punto de vista), se las suele etiquetar así cuando la estética no va acompañada de un guión, argumento o diálogo que la sustente (o la justifique) de manera literal que ayude al subconsciente del espectador a absorber el carácter pictórico de la imagen adecuadamente. En estos casos, es cuando la estética sirve para reforzar el argumento (“Drive”, que me parece fantástica); pero al revés, cuando los diálogos y el argumento sirven para potenciar y hacer legible la estética que es la que está en un primer plano (“Deseando amar”, que también me parece maravillosa), no suele tener una acogida tan favorable entre el público porque exige cierta capacidad de abstracción que permita experimentar correctamente la sensaciones que proyecta. Y esto ya es más complicado.

Iniciado por javialacarga

No se me había ocurrido comparar a Wong Kar-wai con Winding Refn, aunque es verdad que ambos son grandes estilizadores de las imágenes. A mí Winding Refn por concepto no me gusta demasiado, aunque es curioso que diga esto porque Drive también me parece muy potente y The Neon Demon creo que es una película (mejor) en la que esta forma encuentra una total consonancia con el fondo y en la que además hay más espacio para el misterio. Así que en realidad dos de sus películas me gustan bastante. De Lynch no digo nada porque es probablemente mi cineasta favorito y porque aunque también tiene ese mismo poder como "pintor" (o como artista multidisciplinar, porque el hombre le da a todo), en su caso creo que esas películas impresionistas que hace y que son representaciones del subconsciente de los personajes van más allá de lo que estamos discutiendo.

Bueno, la verdad es que mis impresiones respecto a estos directores se acercan bastante a las tuyas. Aunque intuyo que valoro un poquito más la obra de Refn. Reconozco que su estilo me interesa muchísimo porque mezcla lo onírico y el neonoir de una forma que me mantiene enganchado a la pantalla como nadie. Aunque esta debilidad es puramente subjetiva. Claro. Es cierta preferencia o debilidad estilística que siento y que no demuestra nada. Personalmente creo que su mejor película es “Drive” porque creo que consigue el equilibrio prefecto entre estética y argumento (como comentaba antes) que dota de profundidad y poesía la cinta y que engrandece el auténtico valor de la dirección; y me apasionó “Too Old to Die Young” porque se deja llevar absolutamente por esa vertiente estilística que tanto me atrae de manera visceral y con total libertad creativa.

Largo viaje hacia la noche la he visto y me gustó, es verdad que tiene un aire a Wong Kar-wai, pero me dejó bastante frío la segunda parte. También es verdad que a) sólo la he visto una vez y eso es un handicap con estas películas y b) la vi en dos dimensiones y por lo tanto no puedo apreciar lo que el cineasta hace en la segunda parte de la película (aunque a mí a primera impresión me pareció un poco ensimismado y pretencioso).

En otro momento, cuando tenga un poco más de tiempo, comentaré la cinta de Bi Gan que me pareció excepcional. Yo tampoco la vi en 3D, aunque me hubiera encantado. Pero de verdad que ha sido una de las mejores sorpresas que he tenido en años. De esas películas que se le quedan a uno grabadas en la memoria, y que cuando las recuerda, afloran sentimientos como la melancolía, la añoranza o la nostalgia de un recuerdo que casi parece haber sido transitado realmente por la experiencia personal. Que es lo que creo que en parte pretende hacer la película.

Ya, es que es muy conflictivo.

Pero como dices con estético te refieres a lo estético de un shoot (de una toma), o de un conjunto de las mismas. Es ahí donde quiero incidir yo. El cine en sí, su estético es temporal. Es como valorar una pieza musical por todas las notas de una orquesta en un instante....Pues no sé...Dejame oír todo.

Por ello digo que lo estético, en el cine, no tiene que ver con la belleza de una toma. Tiene una componente tiempo-cine...A veces tiene rieles en la banda sonora, otras veces no necesariamente.

Yo suelo tener cuidado con la Idea o el guión en su valoración. Porque efectivamente los qué me cuentas y los cómo me cuentas definen la calidad del film. A veces, en los directores setenteros veo que el personaje se convirtió en una caracterización...¿Eso qué es? Pues que pesaba más los leit-motiv visuales, o sonoros...a lo que el personaje era en sí, su conflicto y cómo se resolvía todo esto. En cierta manera las herramientas que ayudaban a la comunicación mediante el Cine, como saber que si un personaje silbaba una tonada, era ese personaje concreto, terminaba por exteriorizar y banalizar esa historia. Por ejemplo, con Spielberg, Lucas, ect...

Es un gran dilema. Se ve ciertamente, que esos directores habían mucho del Cine, pero tampoco tenían un bagaje literario algo más profundo.

Pero lo simple también funciona...Qué dilema.

Como estético en un Cine yo valoro eso mismo: Cinematograd´fía, Tiempo-cine, guión, interpretación y esa cosa tan vaporosa que es ¨La puesta en escena¨...Unos paisajes muy bonito (o muy feos), una composición del cuadro con su ratio bien elegido...No es suficiente para que la estética surja..Es un componente más, no digo que no, pero repito...La estética es ese conjunto de 5 cosas.

Esto es a posteriori...Claro...Al final la belleza te llega como algo holístico..Hay quién dice que tiene su forma incluso matemática...Weber & Fechner....Seguramente. Seguramente.

Pongo siempre el mismo ejemplo: La decisión de centralizar el foco de interés en casi todas las tomas de Mad Max, viene dado por la decisión de hacer un montaje frenético. Si cambio cada toma rapidamente, no puedo hacer planos con la regla de los tercios, porque sino vuelvo loco al espectador....¿Se ancilla la fotografía y cinematografía al tiempo-cine?...En este caso sí...Y además está decisión es parte de su ¨Puesta en escena¨..Pero podría ser de otra manera. O al menos no se me ocurre ningun argumento para afirmar que no pueda ser de otro modo.

Eso de que toda escena tiene una unica manera de filmarse, siempre me ha parecido una tontería...

Iniciado por C.Bethencourt

Ya, es que es muy conflictivo.

Pero como dices con estético te refieres a lo estético de un shoot (de una toma), o de un conjunto de las mismas. Es ahí donde quiero incidir yo. El cine en sí, su estético es temporal. Es como valorar una pieza musical por todas las notas de una orquesta en un instante....Pues no sé...Dejame oír todo.

Las dos cosas. Difícilmente puede vivir la una sin la otra. Pero se debe hacer el ejercicio de diferenciarlas en un principio para ver que ambos aspectos funcionan en combinación y acaban por generar la estética definitiva que luego será valorada como un único elemento. Pero, la apariencia de la imagen y cómo se deben tratar todos los elementos que la componen, tienen que ir en consonancia con la fotografía, su composición y la puesta en escena. Teniendo en cuenta, obviamente, cual va a ser el tratamiento temporal que va a tener la escena dentro del conjunto de la película mediante el montaje y el ritmo. Por poner un par de ejemplos que evidencien una planificación previa muy calculada en este sentido se me ocurren Guy Ritchie y Fincher. Sus películas no tienen, aparentemente, una imagen que llame excesivamente la atención como para tildarlas de buscar la estética por encima de todo. Pero por supestísimo que la tienen. Y muy bien buscadas, además.

Iniciado por DrxStrangelove

Las dos cosas. Difícilmente puede vivir la una sin la otra. Pero se debe hacer el ejercicio de diferenciarlas en un principio para ver que ambos aspectos funcionan en combinación y acaban por generar la estética definitiva que luego será valorada como un único elemento. Pero, la apariencia de la imagen y cómo se deben tratar todos los elementos que la componen, tienen que ir en consonancia con la fotografía, su composición y la puesta en escena. Teniendo en cuenta, obviamente, cual va a ser el tratamiento temporal que va a tener la escena dentro del conjunto de la película mediante el montaje y el ritmo. Por poner un par de ejemplos que evidencien una planificación previa muy calculada en este sentido se me ocurren Guy Ritchie y Fincher. Sus películas no tienen, aparentemente, una imagen que llame excesivamente la atención como para tildarlas de buscar la estética por encima de todo. Pero por supestísimo que la tienen. Y muy bien buscadas, además.

Sí, pero yo añado la ¨Puesta en escena¨ a todo eso. Que tiene que ver con una configuración de elementos concretos en una escena física, y con una configuración de elementos abstractos e ideales concreta. En la Idea que se oculta detrás de la escena, en un tempo concreto, en un enfasis concreto (o no)...E incluso en un rostro concreto.

La ¨escena¨ en el cine no es la escenario del teatro. Sino un conjunto de Ideas, estáticas o móviles (cambiantes con respecto al tiempo), que se nos presentan para dar un punto de vista concreto....

La puesta en escena contiene la no-cinematografía...Es la ¨cesta de frutas¨ mientras la cinematografía es ¨Una manzana¨. Es finalmente ¨La puesta en escena¨ donde tenemos que pedir responsabilidades al final...Si el film funciona o no.

A qué debe aspirar la obra cinematográfica. Pues lo mismo que la narración: A sugestionar al espectador. Es una presentación de hechos ficticios que no tienen ¨sentido¨ en la vida real. Sobre el peligro de darles cualidad de verdad o incluso utilidad, ya nos avisaban los sabios Tales, Quilón, Solón, que advertían que las palabras de los rapsodas, no tenían ningún valor de verdad.

Y siendo cierto, aún así, nuestro espíritu nos lo pide....La narrativa y el Arte en general. Por ello pienso que debe ser algo de ámbito personal este desarrollo. Que se pueda expresar ciertamente y ser expresado y ser contemplado por otros, pero que haya ese cuidado de mantenerlo, aún compartido, como algo personal, y no convertirlo en algo público. Algo que requiere mucha responsabilidad por parte de artísta y los espectadores de esto.

Por ello, el término cultural me parece tan peligroso. Al igual que en la iglesia, donde esa sugestión, esa satisfacción ritual, ese frío mármol y ese incienso, se desvanece a la salida al sol de mediodía, donde la vida otra vez se vuelve ¨real¨, el Cine, el museo, el teatro, o el auditorio, exigen silencio, exigen controlar la luz del recinto...Ese poder sobre la presentación, es parte de la sugestión que se pide para la presentación de un ¨emulo¨ de la realidad, una ficción, algo que no es natural.

Una conejita en el campus (2008).......................... 6










Emma Stone, la nominada al Oscar, de secundaria en esta comedia




Mi comentario:


No hice mi comentario en su momento, cuando la pude ver en su estreno en cines, pero ahora sí que tengo esta oportunidad. La película tiene 12 años ya. Quién lo iba a decir. El tiempo pasaa volando. Recuerdo verla en una sala de cine, pero no pensaba que fuera tan "vieja". Sinceramente, para que uno consiga reírse, durante los casi cien minutos de duración, vale la pena y la verdad es que cumple sus expectativas. Al menos, las cumple por mi parte. La tenía muy olvidada y ayer la recuperé. Una bobalicona, pero simpática comedia, al fin y al cabo. Anna Faris, Emma Stone (durante el mismo año 2008 se la pudo ver de secundaria en Un rockero de pelotas y justo un año antes apareció en la notable y disparatada Supersalidos junto a Jonah Hill), Kat Dennings y Colin Hanks encabezan el reparto. Uno de los productores es Adam Sandler. No hay mucho más que decir. Mi nota final es de 6/10.

Accattone (1961), de Pier Paolo Pasolini



A raíz de los comentarios que dedicamos a Le notti di Cabiria en el hilo en el que estamos llevando a cabo una revisión completa de la obra de Fellini, surgió la sugerente propuesta de un programa doble compuesto por la película del de Rimini y este film de Pasolini, su debut como director, un debut tardío ya que Pier Paolo se aproximaba a los 40 años. El vínculo entre ambos films lo marca el hecho de que Pasolini colaboró en los diálogos de la película de Fellini aportando su conocimiento del lenguaje de los ambientes marginales romanos. Posteriormente, volvió a colaborar con Fellini en La dolce vita, aunque no acreditado, al parecer por lo que se refiere al tratamiento de los personajes homosexuales.

La génesis de Accattone es muy interesante (John Baxter describe los antecedentes en su biografía de Fellini). Fruto del éxito de La dolce vita y de la buena relación mantenida con el productor Angelo Rizzoli, que aportó la mitad del capital, Fellini constituyó una productora propia, Federiz, con el objetivo de producir sus películas y apoyar a jóvenes directores. Entre los proyectos que se barajaron se encontraban Il posto, de Ermanno Olmi, y este Accattone de Pasolini. Pero Fellini se mostró como un malísimo productor, porque tuvo que disolver la compañía sin llegar a realizar film alguno, ni propio ni ajeno. En el caso de Pasolini asomó una cierta vena paternalista, o quizá directamente se manifestaron los celos profesionales. Pasolini había vertido en el guion de Accattone, junto a su colaborador y amigo Segio Citti, su novela “Una vita violenta”, dándole un tono poético al mundo marginal de la prostitución, enfocado no tanto en las prostitutas, como era el caso de Cabiria, sino en el de los proxenetas, encarnado en Vittorio Cataldi, apodado Accattone (magníficamente interpretado por Franco Citti, hermano de Sergio).

Una vez vistas la pruebas de rodaje que le aportó Pasolini, Fellini reunió a Pier Paolo y le anunció que Federiz no financiaría el film, lo que supuso la ruptura de la relación entre ambos directores, poniendo fin así al tutelaje que Fellini quería mantener sobre Pasolini, como Rossellini lo había tenido con él. Pasolini consiguió la financiación a través de Alfredo Bini, y con Tonino Delli Colli tras la cámara y Bernardo Bertolucci (que, recordemos, debutó con La commare secca, una historia de Pasolini) como ayudante de dirección, consiguió sacar adelante el proyecto.

De la lectura del guion quizá deduciríamos que Pasolini volvía al terreno del neorrealismo, que para Fellini era ya algo muerto. La historia del Accattone supone un recorrido por los ambientes más pobres de la sociedad romana: chulos, putas, ladrones, barracas, miseria. Ellos, los macarras, son una especie de vitelloni de clase baja, que se dedican a pasar las horas en los bares mientras sus mujeres les llevan el dinero a casa:



Pero la mirada de Pasolini supone un giro copernicano: su hiperrealismo poético sublima el material por medio de una dramatización extrema de los avatares de Accattone, puntuados por la solemne música de la “Pasión según Mateo” de Bach (recordemos que años después Pasolini dirigirá Il vangelo secondo Matteo, por cierto “secondo Matteo”, y no “según San Mateo” como indica el título español). Y es que hay algo de pasión, de calvario, en la vida de Accattone, por mucho que sea en el fondo un delincuente de poca monta, o quizá precisamente por ello.



Hay algo de irreverente, de revolucionario, en mostrarnos el día a día de un macarra, violento y cruel, explotador de mujeres (que está separado de la propia, con la que ha tenido un hijo, al que no dudarn robar una cadena cuando necesita dinero), con Bach de fondo.

Spoiler:

Una pasión que acaba, como inevitablemente tenía que ser, con su muerte, no en la cruz, sino en una calle de Roma, atropellado cuando intentaba huir con una moto robada de la policía.

Hay algo de sacro, de fusión de crimen y trascendencia (que me recuerda a Jean Genet o, si se prefiere una referencia cinematográfica a la que acude el propio Pasolini, a Dreyer). Antes del episodio final, Accattone experimenta una premonición de la muerte mediante un sueño, adelantándose así al que fuera su mentor, Fellini, que poco después también jugaba con los sueños sobre la muerte en Otto e mezzo (y ambos, quizá, recordando la bergmaniana Fresas salvajes).

Vista hoy en día, Accattone es una película que sigue doliendo, el comportamiento del chulo con “sus mujeres” resulta tremendamente incómodo, en especial el proceso de seducción interesada de la virginal Stella (Franca Pasut).



Pasolini pinta, como será habitual en su cine, toda una galería de rostros extraídos del pueblo, jóvenes sonrientes, bellos o más bien feos,





así como se recrea en una pelea entre Accattone y su cuñado con los cuerpos entrelazados rodando por el suelo polvoriento. Hay un momento, que resulta enormemente moderno, y en el que quizá Godard se inspiró cuando Belmondo se pinta la cara de colores en Pierrot le fou, en que Accattone se embadurna la cara de barro, sin ningún motivo aparente.



En definitiva, un film lleno de detalles que hacen pensar en un director de fuerte personalidad, uno más de los directores a los que sería pertinente dedicar una revisión completa y ordenada, porque, como he repetido más de una vez, no solo de cine clásico norteamericano vive el cinéfilo.

Ah, y una recomendación: ved la película en versión original, cualquier doblaje estropea irremediablemente el coro de voces que pone en juego Pasolini, la diversidad de dialectos del italiano, el argot, aunque uno no lo entienda y tenga que recurrir a los subtítulos (seguro que muchos italianos tampoco lo entenderán, en especial cuando hablan los napolitanos), es preferible eso, aunque se pierda parte de lo que se dice, que aplanar las voces con el doblaje.