O ver a mi amado Conrad de mosquetero a lo Errol Flynn :fiu...
No pienso poned foto de éso aquí :digno. Si os pica la curiosidad, tirad de Google.
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O ver a mi amado Conrad de mosquetero a lo Errol Flynn :fiu...
No pienso poned foto de éso aquí :digno. Si os pica la curiosidad, tirad de Google.
Harry Potter and the Philosopher's Stone (Chris Columbus, 2001)
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Inicio revisión de la saga.
De las grandes sagas freaks-nerds-blockbuster-evasion modelo Star Wars esta es a la que llegué más tarde ya que cuando se estrenó casi a la vez que los Anillos sí acudí a ver esta (quedando colapsado en el cine) pero esta no, viví el fenómeno (imposible escapar de ello) pero no las vi hasta unos pocos años más tarde, tal vez 2003-2004. La primera que vi en el cine fue ya la 4a y de ahí ya todas, inclusive la primera en una reposición el 22 de junio de 2011 (sólo 3 personas en la sala :D).
Esta casi que fue a tiro hecho o, cuanto menos, inevitable en su producción: el libro arrasó en 1997 y 1998, David Heyman lideró la idea de adaptar el film y finalmente Warner se hizo con los derechos de los 4 primeros libros por unos 2 millones de dólares.
El libro (los leí en 2010) y el film son un ejemplo procedimental del escapismo puro, del viaje del héro de Joseph Campbell: a saber, Harry vive con sus tios, no tiene padres, es especial/elegido aunque no lo sabe hasta que una figura misteriosa del exterior le cuenta su destino, duda un poco hasta finalmente abrazarlo en un viaje de conocimiento en el que el héroe hace nuevos amigos e inicia su viaje. Y todo ello siendo tan excitante para él como para el espectador en un alarde de honestidad que hace de este tipo de historia, sea Frodo, Luke o Neo, irresistible.
Vamos con lo malo:
-El casting infantil: en anteriores revisiones me los hubiera cargado a todos. A TODOS. Ahora salvo a Emma Watson. Hasta ahora ya la salvaba desde la 3a pues en las dos primeras la encontraba sobre actuada, histérica, agarrándose a muecas, vocalizando de más... Pero aunque sigo, más o menos, viendo eso, en esta ocasión me ha resultado menos cansina, y sin duda hay momentos divertidos en sus caras (por ejemplo cuando Ron y Harry llegan tarde a clase, pone unos ojos :lol), sobre todo cuando hablan otros personajes.
Pero Radcliffe y Grint... No es que estén mal y además en su imperfección residen encanto pues NO son los clásicos actores infantiles que interpretan como adultos (horrible) pero es evidente, creo, que no tenían el talento necesario y creo que ahí parte de la culpa es de Columbus, que a fin de cuentas debía de sacar lo mejor de esos chavales.
Tom Felton es aún peor. Entiendo su aproximación exagerada, de niño-malo de manual pero esos gestos son demasiado ridículos. Y recordando sus interpretaciones posteriores, a partir de la 3a, no sé yo si es en buena parte culpa de Columbus.
El resto es peor y eso que en esta aún tienen poco papel.
-El síndrome de la batalla de Yavin: es decir, en toda presentación del héroe la mitad del film, aprox, es para ello, y el resto para una primera decisión/batalla etc Es normal que sea menor pero aquí tal vez es poco excitante. Lo digo con ojos de adulto, ojo.
-Aunque está cambiado respecto al libro hay avances en la trama que.... Amén de lo de Hagrid soltando la mitad de pistas (no recuerdo si esto también está cambiado) el mayor avance que se da es cuando los niños son confinados con Hagrid en el bosque prohibido y Harry se encuentra con Firenze y este le suelta casi todo, así, resolviendo todo el misterio.
-La resolución final con Quirrell podría ser algo más épica.
-Percibo ciertas prisas/FX poco pulidos.
Lo bueno:
-Los actores secundarios/adultos, ese plantel británico le da una enjundia al film, un momento Doctor Who de calidad actoral, esa capacidad para soltar con clase textos de cine de escape.
-La BSO de John Williams, maravillosa y al nivel de sus obras cumbres. Lo tiene TODO: un tema central inolvidable y otros que captan la magia necesaria. Si esto me/nos pilla de niños nos sacude bien. Normal que esto fuera el Star Wars de la generación nacida muy a primeros/durante los 90.
En Christmas at Hogwarts VUELVE a parir un villancico, ya lo hizo en Home Alone (aquel Somewhere in my memory)
-El delirante mundo muggle en la exagerada familia Dursley, que no arroja dudas sobre lo premeditado de su comportamiento. No obstante jamás disfruté con ello pero entiendo la idea y el tono.
Todo el maldito viaje hacia la magia en ese momento en el que Obi Wan/Gandalf introduce a las maravillas al joven héroe. Aquí sería Londres, el callejón Diagon, King's Cross, el tren, el castillo, las casas... Irresistible, joder.
El tono infantil es adaptable a un visionado con ojos de adulto porque lo que acontece, como digo, es lo mismo que en otras sagas y sobre todo porque logran que niños, sucesos y diálogos sean permeables en ambos públicos.
El misterio de la piedra, con sus pruebas en las que pueden desarrollar lo que han aprendido durante el curso
Que es una historia de tamaño reducido, ideal para empezar, sin grandilocuencias.
SI A FRITZ LANG LE VALIÓ, ¿POR QUÉ NO A ROBERT SIODMAK?
O
REVISANDO CLÁSICOS: EL CINE NEGRO.
THE STRANGE AFFAIR OF UNCLE HARRY (1945, PESADILLA) de Robert Siodmak.
Charles K. Feldman / Universal Pictures Co., Inc.
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Estimulante cruce entre el melodrama y el cine negro de la mano del gran Robert Siodmak (1900-1973) injustamente menospreciada por la crítica (y el público) tal vez por su semejanza en el desenlace con la extraordinaria THE WOMAN IN THE WINDOW (1944, LA MUJER DEL CUADRO) de Fritz Lang (ambos finales, conviene recordarlo, obligados por el Código Hays que determinaba que el bien siempre fuese recompensado y el mal siempre castigado (pero que los grandes directores lograban eludir con su talento)).
Hagamos un breve resumen del argumento para ver a qué nos referimos.
Harry Melville Quincy (un (como siempre) inconmensurable George Sanders)) vive con sus dos hermanas, Lettie (una igualmente soberbia (y muy hermosa) Geraldine Fitzgerald) y Hester (Moyna MacGill), en la casa ancestral de la familia, en New Hampshire. Una familia de rancio abolengo a la que la Gran Depresión obligó al cabeza de familia a buscar un trabajo como diseñador en una fábrica textil (en sus ratos libres Quincy (llamado por todos en tono cariñoso "Uncle Harry" (de ahí el título de la película)) se dedica a la pintura).
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Pero la vida de Quincy cambiará un día cuando conozca a Deborah Brown (la igualmente bellísima Ella Raines (que trabajó con Siodmak en otros dos títulos previos (PHANTOM LADY (1944, LA DAMA DESCONOCIDA) y THE SUSPECT (1944, EL SOSPECHOSO)), una mujer de fuerte personalidad que chocará con la vida tan rutinaria y sobreprotegida (por sus hermanas (especialmente Lettie)) que llevaba.
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Una Lettie con una mentalidad claramente patológica que siente celos de Deborah y que no está dispuesta a permitir que su amado (en el completo sentido de la palabra) hermano le sea arrebatado.
Y una Lettie que con su imaginaria falta de salud no hace más que posponer y posponer la fecha fijada por Quincy y Deborah para su boda. Unas veces porque la casa que busca para su nueva residencia no es de su gusto o porque sufre "ataques" que obligan a posponer el enlace.
Finalmente, al darse cuenta de que Lettie no piensa renunciar a él, Quincy decide matarla. Y para ello empleará el veneno que ella usó para acabar con el sufrimiento del viejo sabueso de Quincy.
Cuando tiene el pequeño frasco de veneno en sus manos Quincy parece quedarse ligeramente adormilado... (he aquí el quid de la cuestión).
Le prepara un chocolate en el que verterá el veneno (su acción es fulminante y no hace sufrir a la víctima) y se lo servirá a su hermana. Esta prepara otra taza para llevar a su hermana que está descansando en su habitación. Pero, al subir la escalera, Lettie tropieza y, por error, cambia las tazas. Y le servirá la envenenada a su hermana...
Cuando están charlando en el salón Quincy y Lettie (el primero un tanto extraño al no percibir nada raro en su hermana), de repente, se oye un fuerte golpe en el piso superior. Al subir, se encuentran con su hermana muerta. Y es entonces cuando Lettie se da cuenta de que su hermano, su queridísimo hermano, ha intentado asesinarla.
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A partir de aquí la acción va en crescendo.
Lettie es acusada de la muerte de su hermana (siempre estaban discutiendo (Lettie tenía celos de toda persona que se aproximara a su hermano)) y condenada a muerte.
Pero los remordimientos (y el Código Hays) comienzan a hacer mella en la conciencia del bueno de Quincy y finalmente decide contar al fiscal la verdad y confiesa ser el auténtico culpable de la muerte de su hermana. Pero nadie le cree. De hecho, todo el mundo piensa que es un (otro) rasgo bondad del apreciado por todo el mundo tío Harry para salvar a su otra hermana.
Lettie le "agradece" el gesto pero le dice que su venganza será la conciencia de Quincy. En los años que le queden de vida, solo y sin familia, los remordimientos le acompañarán hasta el fin de sus días... ¿O no?
De repente, Quincy se despierta de su modorra y se da cuenta de que todo no era más que una ¿pesadilla? (menudo espoilerazo el del título que le endosaron en su estreno en nuestro país).
En un final ciertamente desconcertante (y que lo empareja con la citada LA MUJER DEL CUADRO) Deborah regresa y ambos abandonan la ciudad dejando a su hogar y a sus hermanas y emprendiendo una nueva vida.
Me parece injusto que ese final (que no aparecía en la obra teatral del que parte el guión de Stephen Longstreet) destruya el resto del material tan cuidadosamente trabajado por Siodmak, con una perfecta definición de los personajes y repito, colosales actuaciones de George Sanders (con esa dicción implecable que no necesita ni de subtítulos para poder entenderle) y Geraldine Fitzgerald.
Si a THE MAGNIFICENT AMBERSONS (1942, EL CUARTO MANDAMIENTO) de Orson Welles muchos (entre los que me incluyo) la consideran su gran (gran) obra maestra pese a ese inverosímil final rodado por Robert Wise o la citada LA MUJER DEL CUADRO, no entiendo por qué a Siodmak se le niega el pan y la sal.
Una obra de conciso metraje (80 minutos) de la que me gustaría igualmente comentar brevemente la presencia de Joan Harrison como productora (una de las escasas mujeres de la época dedicada a tales menesteres).
Colaboradora habitual de Alfred Hitchcock (alguna vez habría que comentar la influencia de las mujeres en la obra del orondo cineasta (y no me refiero a sus actrices (especialmente rubias) sino a su mujer, Alma Reville y a la citada Harrison), empezó primero como guionista y acabó, como decimos, como productora. Una mujer de probado talento y al que el final de la cinta, alterando el original de la obra teatral (y el más lógico), acabó por distanciar de la Universal.
En cualquier caso, un pieza altamente recomendable, con un par de actores en la plenitud de su talento y que nos proporcionan, en estos momentos de cine de ver y olvidar, un visionado de muchos quilates.
Ah, y no me gustaría olvidar la presencia de la citada Ella Raines, una bellísima actriz de corta carrera, uno de esos personajes hawkasianos, mujeres de personalidad fuerte (en contraposición con el pusilánime tío Harry), en la línea de Lauren Bacall y que, además de una extraordinaria fotogenia, tenía una notable prestancia delante de las cámaras.
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Feliz tarde.
:agradable
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Gran belleza la de Ella Raines, sin duda. También la podemos ver en la extraordinaria comedia de Preston Sturges Hail The Conquering Hero, una de las más ácidas sátiras sobre el heroísmo que recuerdo.
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Dos grandes directores con el mismo apellido: John Sturges y Preston Sturges.
:agradable
PEQUEÑOS DIRECTORES, GRANDES PELÍCULAS
O
THE DAMNED DON'T CRY (1950) de Vincent Sherman.
Warner Bros. Pictures, Inc.
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Hace poco salió a la palestra el nombre de este modesto artesano, uno de esos directores que trabajaron en exclusiva para un estudio (en este caso la Warner, de 1939 a 1951) y que al igual que otros realizadores de mayor prestigio, como Michael Curtiz, William Dieterle, William Keighley o Raoul Walsh, contaba con la colaboración de los mejores profesionales (productores, guionistas, directores de fotografía y artísticos, montadores y sólidos repartos) para mantener el elevado ritmo de producción de los grandes (y pequeños) estudios tras la finalización de la Segunda Guerra Mundial, los años más boyantes de la industria cinematográfica hollywoodiense.
Extraordinario melodrama escorado al cine negro (o viceversa) donde la Warner, a través del excelente productor Jerry Wald y con un soberbio guión de Harold Melford y Jerome Weidman (los diálogos son prodigiosos), la labor en la iluminación del gran Ted McCord (en un meticuloso b/n y una ilimitada gama de grises), la inmejorable dirección artística de Robert Haas (una de las películas con mejor diseño de producción que recuerdo), la banda sonora del gran (y no sólo por el nombre) Daniele (Alexandrovich) Amfitheatrof y un reparto encabezado por la imperial Joan Crawford (en la primera de las tres películas en las que colaboraría con Sherman) y los no menos sobresalientes David Brian, Steve Cochran y Ken Smith.
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Una historia narrada a través de un largo "flashback" (recurso característico del (mejor) cine norteamericano) y en el que se nos relata el ascenso y la caída de la arribista Ethel Whitehead (más tarde Lorna Hansen Forbes (por supuesto, la colosal Joan Crawford (la única rival a la altura de la Davis en la Warner)) desde sus humildes orígenes, como esposa de un simple obrero (el guapo Richard Egan en su debut en la gran pantalla) que vive en la casa de sus padres porque no puede permitirse una propia y cuyo hijo (la única alegría de Ethel) muere en un estúpido accidente provocado (involuntariamente) por su propio padre.
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Sin un hijo del que cuidar y hastiada de la miseria en la que vive, abandona a su marido y se va a la ciudad a buscar un trabajo. Pronto se da cuenta de que una simple ama de casa, sin estudios, tiene muy limitado el mercado de trabajo.
Primero trabajará como cigarrera en una tienda de un gran almacén y pronto es descubierta por el dueño de una tienda de ropa que la convencerá para que trabaje para él luciendo sus modelos y haciendo pequeños "favores" a los clientes más importantes.
Pronto Ethel se dará cuenta de cuál es el camino que le llevará a convertirse en una persona a tener en cuenta.
Engatusará al pobre Martin (el siempre bondadoso Ken Smith (el co-protagonista de la maravillosa CAT PEOPLE (1942, LA MUJER PANTERA)), un simple contable que se encarga de supervisar las cuentas del jefe de Ethel, de la que se enamorara perdidamente y al que ella introduce en el mundo del hampa para seguir subiendo en la escala social.
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Más tarde su objetivo será el jefe de la organización, Joe Cavany/George Castleman (otro individuo de doble personalidad, como la protagonista (de hecho todos los actores principales encarnan personajes de extracción humilde, algunos de los cuales se han soprepuesto a dicha condición y otros, en cambio, han sido incapaces de salir de la misma)), un individuo de ferreo carácter al que la agresidad (la chulería que diríamos aquí) que muestra Ethel le excita sobremanera. Una Ethel a la que modelará a su imagen y semejanza y la convertirá en Lona, la hija de un magnate del petróleo de ignoto pasado.
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Y finalmente, Nick Prenta (el excelente Steve Cochran), uno de los subodinados de Castleman que trabaja en la costa oeste y que está harto de las actitudes despóticas de su jefe.
Y, precisamente, será el encargo que le haga Castleman a Lona, engatusar a Nick para conocer los planes que éste tiene para desenbarazarse de él, lo que haga de detonador en el tramo final de la película.
Porque, por primera vez en su vida, Lona se enamora perdidamente de Nick, un hombre violento pero vulnerable, con el que por fin parece haber encontrado un alma afín y que, además (al contrario que George, casado y que se niega a divorciarse de su mujer)), le pide que se case con él.
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No quiero contar el final porque espero que alguno de los compañeros se anime a verla.
Tal vez sea algo anticlimático y desdibuje ligeramente la poderosa caligrafía desplegada por Sherman y sus colaboradores, pero creo, sinceramente, que es una de las mejores aportaciones al género (ya sea el melodrama o el cine negro) de los años '40-'50.
Toda una sorpresa el visionado de esta cinta de la que hasta hace poco desconocía su existencia.
Una excelente película. Nada más y nada menos.
Y una excepcional Joan Crawford.
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Y con esto y un bizcocho hasta el día 6 que me vuelvo al Botxo.
Felices vacaciones.
:abrazo
P.D. Por cierto, bonito el título original: LOS MALDITOS NO LLORAN..
:cortina
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¡Muy buena película, a ver si la reviso que no la recuerdo demasiado!, ¡bonita crítica y selección fotográfica, Alcaudón!. :agradable
Nos leemos a la vuelta de vacaciones.
Un saludo a todos los compañeros.
:hola
San Andrés (2015)
Pesadilla en California.
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Os dejo mi comentario:
Partiendo de un tema realista como son los terremotos, el señor Carlton Cuse (mitad del dueto que creó la mítica serie Perdidos) ha escrito un guión que mezcla realismo con toques fantásticos. Bajo la batuta del director Brad Peyton (el que se ocupó de la dirección de la notable secuela de Viaje al centro de la Tierra con Dwayne Johnson como protagonista) y con un reparto encabezado por Dwayne Johnson, Carla Gugino, Paul Giamatti y la preciosa Alexandra Daddario, consigue elaborar un excelente film que logra dejarte pegado en la butaca del cine durante todo el metraje. Desde el principio percibimos que algo grande va a suceder, y así es. Se nos pone muy bien en antecedentes y el señor Peyton sabe lo que se hace, no es ningún novato. La trama es un sin parar, que cuando crees que se ha calmado la cosa, estás equivocado.
Es como una montaña rusa de emociones, drama, humor, romance, acción y explosiones. Las interpretaciones de todo el reparto están muy bien. Sí, las veo muy realistas, me las creo y no me gustaría sentirme en medio del caos. La verdad es que estaría bastante nervioso. Ya lo estaba viendo la película, así que, imaginad. Junto a los actores, una mención enorme a los magníficos efectos visuales que también son como un personaje más de la historia. Si estos están mal hechos y son muy poco creíbles nos sacarían del film. Por suerte, no ha sido el caso. La música también ha cumplido su buen hacer, La anterior película de Brad Peyton la vi en 3D, y me encantó, pero la que nos ocupa la he visionado en dos dimensiones y, sin necesidad de las gafas tridimensionales, la he disfrutado enormemente.
Por lo que parece, la taquilla en Estados Unidos funciona bastante bien, dentro de lo que cabe, pero me juego lo que queráis a qué si llega a estar dirigida por otro director mucho más comercial, digamos a Roland Emmerich (a este señor le gusta lo catastrófico, tenemos 2012 entre sus películas y salió bastante notable) o a Michael Bay (Transformers, no hace falta decir nada más) doblarían los datos hechos hasta ahora. Y seré el único que le ponga un diez como nota, la nota más alta hasta el momento, pero no me molesta. La he disfrutado, como el niño pequeño que llevo dentro, y esto es lo que me importa.
Ah, sí, me dejaba algo, me ha encantado escuchar la versión que hace la cantante Sia de la mítica canción California Dreamin’ del grupo ‘The Mamas & the Papas. Ese toque sarcástico durante los títulos de crédito finales. En vez de un sueño californiano, se me antojaría una gran pesadilla californiana. Y ya finalizo, comentando que mi nota final es de 10/10. Y aquí lo dejo.
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Horror en el Cuarto Negro.
Desconocida, pero muy interesante producción de terror -o más bien, de melodrama de misterio con toques de terror- protagonizada por Boris Karloff, en plena fiebre post-Frankenstein, de lo que la película, producida por Columbia, se aprovecha-, que interpreta el doble papel de dos hermanos gemelos. La historia, ambientada en un lugar de la vieja Europa de Nunca Jamás que no queda claro cuál es (¿Austria? ¿Alemania? ¿Polonia..?) habla de una familia nobiliaria en la que un día, nacen gemelos: Anton y Gregor. El padre está muy inquieto, pues un antigua profecía vaticina que la dinastía acabará como empezó, con gemelos, que se matarán el uno al otro en el misterioso cuarto negro que da título a la película. Para evitar que esto suceda, tapia el cuarto y decide separar a los chicos, mandando al más joven, Anton, lejos del hogar, a estudiar a Viena. Tras la muerte del padre, éste regresará al hogar. Pero las cosas no saldrán exactamente como el progenitor había previsto. El mayor, Gregor, que es el que ha heredado el título, es cruel, rudo, pasional, astuto, manipulador, odioso y tiránico, no piensa más que en satisfacer sus propios deseos, y los aldeanos le odian. Anton, el más joven, que nació con un brazo defectuoso, es amable, racional, inocente, urbano, generoso y sensible. Nada más llegar a su alejado hogar, Anton se da cuenta de la situación que se está viviendo cuando casi es asesinado por los lugareños... que habían previsto el dicho intento de asesinato para su hermano. También Gregor es consciente de la situación...
Es el tipo de película que ya no se hace, por desgracia. Visualmente muy interesante, intrinacada y caprichosa. Con una estimulante ambientación gótica que nos hace creer que estamos viendo una película de terror, aunque no hay ningún elemento sobrenatural en la trama. Profecías, perros que aúllan, tormentas con truenos y rayos, pasadizos secretos, manos con palmatorias, capas oscuras, cámaras de tortura. Sin unos efectos especiales o un maquillaje elaborados, y probablemente sin contar tampoco con un gran presupuesto, pero extraordinariamente atractiva y bien hecha. Con un Karloff soberbio que lleva sobre sí la mayor parte del peso de la película en su doble rol: está igualmente convincente tanto en el papel del caballeroso y amable Anton como del cruel y manipulador Gregor, una pena que le encasillaran en el terror, porque creo que era un actor versátil, aunque quizá su peculiar físico le limitaba un poco (aquí tenía menos de cincuenta años, y parecía un anciano).
Una pequeña y escondida joya.
Tirma.
Por alguna extraña razón, los indígenas canarios, tema que podría dar mucho juego en el cine, apenas ha sido explotado por éste. La excepción es esta co-producción hispano italiana que describe de manera muy idealizada tanto a los antiguos canarios como la conquista de sus islas por unos improbablemente caballerosos y pacíficos españoles. Por supuesto, llegan en son de paz, sólo buscan un lugar donde sus barcos puedan repostar en la travesía hacia América. Toma elementos al alimón del italopéplum aventurero y las películas de indios y europeos, nos cuentan la historia de amor entre la princesa aborigen, Guayamina (Silvana Pampanini) y el capitán español Don Hernando (Marcello Mastroniani). Por cierto, que sobre el modo en que se conocen y él aborda a la chica podrían decir mucho hoy las del "No es no" :descolocao. También del retrato de los canarios, que tan pronto parecen indios iroqueses (¡crestas incluidas!) como incas y hasta fenicios. La película es previsible y convencional hasta decir basta: se nota mucho el contexto de la época y que el autor de la obra de teatro en que se basa la película tenía conexiones con las altas esferas: los españoles son buenos, pacíficos, corteses, los nativos son los típicos buenos salvajes a los que hay que evangelizar y la cosa sólo se tuerce cuando el bondadoso rey, padre de la princesa, muere y el poder queda en manos del típico personaje ambicioso, descontento y traicionero que piensa que hay que echar a los invasores y , de paso, quitar de en medio al latin lover particular de turno que le hace la competencia para quedarse él solito con la princesa.
Muy rutinaria y pedorra, parece obra del típico guionista vago de italopéplums de la época, sin esos elementos que tanta gracia y encanto daban a estas películas -forzudos en minifalda, malos mu malos, malas mu güenas, creativas torturas, bailes decadentes, cartón-piedra lustroso, fieras entrañables y todo éso-. A medio camino entre el folleto turístico y el panfleto político, aquí hay nacionalcatolicismo light y eucologismo políticamente correcto del de aquella época.
La historia de la película es casi lo más interesante de todo. Fue una de las pocas superproducciones que se rodó en las islas por esos años (la otra fue Moby Dick) y supuso todo un acontecimiento en las vidas de las gentes de la isla. Parece que después de eso a la película se la dio por perdida durante bastantes años y no fue hasta principios del presente siglo que se encontró una copia en color y con doblaje español a partir de la cual se pudo hacer una restauración.
Harry Potter and The Chamber of Secrets (Chris Columbus, 2002)
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Sigo con mi revisión potteriana.
Apenas cambio nada de mis impresiones sobre este film respecto a anteriores visionados. Mantiene el mismo tono que la primera, creando una sensación de unidad a todos los niveles pese a que se notan los cambios en el lógico crecimiento de los actores (especialmente Tom Felton, que pegó ya un estirón). No sé si el rodaje de varios meses (parece ser que la primera mitad de 2002) hace que en algunas escenas se vean los niños algo distintos, ya que en aquellas edades se pueden dar esos cambios.
Es innegable el talento de Columbus y Kloves en adaptar todo este universo creado por Rowling (aunque, claro, lis libros eran aún más mágicos, envolventes y amplios) pese a que esta fase de los libros requerían ese tono juvenil.
La secuela pierde el poder de toda primera entrega/origen en el que vamos conociendo, junto al héroe, su misión y un nuevo mundo, pero Chamber of Secrets se hace casi que más entretenida que la anterior, tomando ventaja de un misterio AgathaChristico de manual, de víctimas y posible atacante, con pistas por resolver y usando el castillo para que literalmente te lo pases teta con todo el proceso.
En este estadio de la saga aún salen algunas clases, tenemos el inevitable partido de quidditch etc
Por el lado negativo se mantienen las dudosas interpretaciones de algunos de los niños aunque el trío protagonista mejora pero sigo viendo que Columbus no supo sacar mejores tomas, o tal vez lo suyo no sea la dirección de actores. Sin embargo el casting adulto sigue siendo de nota, delicioso por momentos (caso de Lucius Malfoy/Jason Isaacs, por ejemplo, y por supuesto un divertido Kenneth Branagh).
La trama, como decía, es la mar de divertida, excitante por momentos, con escenas que son puro escapismo, no se hace larga pese a sus 150 minutos (sin créditos) y está razonablemente bien narrada, sin que sobre ni falte nada. La secuencia final, con Harry resolviendo el puzzle (bueno, es Hermione en realidad, como no...), entrando en la cueva, rescatando a Ginny etc
Los FX están más pulidos y destaca Dobby, bastante potable 16 años después. En la BSO tenemos de nuevo a John Williams aunque tuvo menos tiempo para trabajar en ella y recibió ayuda en la producción.
Algo que indica el poder de Dumbledore es que detecta a Harry y Ron escondidos bajo la capa de invisibilidad en la cabaña de Hagrid. Leo por ahí que se debe a su poder para realizar hechizos sin verbalizarlos.... Por otra parte, al final, cuando reaparece Hermione en la gran esa, en ese final un poooco cursi, y va corriendo hacia sus dos amigos (me suena leer o ver algun making en el que se decía que Watson tuvo vergüenza ahí) se abraza con Harry pero no con Ron, están a punto, pero terminan dándose la mano. No recordaba que su futura relación empieza a apuntarse ahí (vamos que se abraza con Harry porque lo ve como un amigo, sin más, pero con Ron cuesta más).
Algo que no he entendido nunca, en general, es como funciona esto de la magia... La profesora entra, dice que hoy les enseñará X conjuro, y la clase es sólo decirles el nombre del conjuro. Vale que se ve que no les sale a todos por igual pero no queda claro como funciona esto. Parece que todo es muy automatizado, no queda claro el papel de la varita, del mago etc
Harry Potter and the Prisoner of Azkaban (Alfonso Cuarón, 2004)
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En esta tercera entrega mis impresiones de siempre tampoco han cambiado: mi favorita de la saga y, además, la que considero -de largo- el mejor film. La que recomendaría a todo neófito si debe ver sólo una. Ok, se perdería mucho (a estas alturas la mitología ya tiene vida propia), y tal vez la primera sería idónea porque presenta personajes y premisa, pero es que Azkaban es un muy buen film, el Episodio V de la saga, sin dudas. Ese momento de toda saga en el que una entrega va más allá del género y cuela un film de calidad.
En algunis aspectos es un film puente: los 3 niños ahora son ya adolescentes pero a la vez no tan crecidos como a partir de la siguiente. John Williams firma su tercera, última y apasionante banda sonora. En otros aspectos es un film que marca el futuro de la saga: el tono más oscuro (literal), pérdida de inocencia, conflictos mayores, el Hogwarts que veremos hasta el final, nuevo actor para Dumbledore, presentación de personajes clave (Lupin, Sirius...).
Y en todo ello tiene bastante que ver la intro, con un Harry que abandona definitivamente su hogar (aunque volveremos a ellos en la 6a entrega), harto de todo, tras una nueva muestra de esa exageración muggle de hogar enfermizo, para empalmar con uno de esos momentos que son magia pura: el autobús, el caldero.... Y la rápida presentación de la premisa: Sirius Black, admirador de Voldemort, ha escapado de Azkaban y va tras Harry consciente de que es lo único que impide el regreso de su amo.
El cambio respecto a las dos primeras es mucho más notorio que respecto a las posteriores: Cuarón introduce un tono más oscuro, literalmente vía fotografía, generosa en planos subjetivos tomando ventaja de las localizaciones reales y CGI de la escuela (que, como decía, ha cambiado, ahora está como en una colina, tiene el puente...), que usa con elegancia, sin que suponga un abuso. Además nos regala el paso del tiempo con argucias como mostrar al árbol aquel cambiando de hojas, o un plano en el que vemos la llegada del invierno.
Como decía, los tres niños están más crecidos, muy adolescentes ya, y sobre todo MUCHO mejor dirigidos, hasta el punto que apenas tengo nada que decir sobre ello (salvo cuando Watson tiene que simular que se rie.. Creo que a veces se nota forzada). El problema siguen siendo el resto de niños, el que va con Malfoy es horrible (no era ni actor, creo) y algunos de los de Griffindor...
Por contra, como siempre, el plantel de adultos es espectacular, introduciendo a un enorme Gary Oldman y a un espectacular David Thewlis, que consiguen un notorio peso dramático, conexión y hasta resonancia, en su primer film.
A nivel de trama la historia se vuelve igualmente más personal. No recuerdo la novela (sólo las he leído una vez) y parece existe consenso en que es de las más flojas, de ahí que este film pueda ser algo polarizante. En este caso no hay un misterio, con Voldemort detrás, sino una intromisión en los recuerdos de Harry (ojo a como Snape ya apunta que su padre no era tan perfecto, la indignación de Harry fue la del lector/espectador pero...) e incluso en los de otros personajes, en referencia al personaje de Sirius Black y a lo que ocurrió justo antes de que Voldemort llegase a casa de los Potter.
Remus Lupin ejerce de nexo crucial en todo ello: es el que hace reflexionar a Harry y el que le guía en el aprendizaje del conjuro que será clave en el final-
Porque este film no sólo tiene una gran intro, y un nudo tal vez menos misterioso que las otras dos (aquí no hay nada a resolver, pistas etc) pero repleto de carga emocional (la BSO de Williams ayuda en un 51% eh) sino que tiene un final, de 1h! con viaje temporal inclusive, por lo que ya me tienen ganado.
Y final, obviamente adaptado del libro, pero excelentemente recreado por Curaón, en el que se une una subtrama sin importancia, como la de Buckbeat, con una secuencia de infortunios que conducen al conocimiento de la verdad de Sirius Black por parte de Harry, incluso de la condición de Lupin, en un final casi trágico que puede resolverse con una maravillosa secuencia de repetición temporal en la que Hermione y Harry retroceden en el tiempo para arreglar lo que ocurrió mal la primera vez.
El sistema elegido por JK Rowling es el del bucle temporal: SIEMPRE hubo dos Hermione y dos Harry (las piedras, el "auuuu" de Hermione, y el Patronus definitivo de Harry), Buckbeat nunca murió (lo que oyen los de la primera versión es el golpe contra una calabaza). Y mola como Rowling nos deja claro que, una vez más, Dumbledore es consciente de todo.
Si pensamos más en ello tiene sus riesgos, como todo uso del tema de los viajes en el tiempo: si todo salió bien la 1a vez, aunque Hermione y Harry no lo supieran, todo lo que hicieron la 2a vez no era al libre albedrío, no? Raro de pensarlo.
Destaca también el pistoletazo de salida a la relación Hermione-Ron, por lo menos siendo ambos algo conscientes de ello: cuando Hermione coge de la mano a Ron ante Buckbeat, cuando ella sugiere que se acerquen más y él no lo entiende y cuando creen que ha muerto Buckbeat y Hermione elige abrazarse a Ron antes que a Harry (puede que eso no fuera con esa intención pero vaya....).
La BSO de Williams no sólo aporta los temas conocidos sino varios nuevos brutales:
Double Trouble:
https://www.youtube.com/watch?v=EMzrgXFeX_o
El PRECIOSO A Window to the Past:
https://www.youtube.com/watch?v=MrZB9nPMvS4
No encuentro el tema del Mapa del Merodeador pero es enorme:
https://www.youtube.com/watch?v=hHd1wYER-Do&t=12s
Y temazos como el del Patronus de Harry o el del retroceso en el tiempo, enormes!
Grandes escenas:
La charla entre Remus y Harry (con ese TEMAZO, A Window to the Past) en la que Cuarón nos muestra las reacciones de Harry a las palabras del profesor:
https://www.youtube.com/watch?v=yIfw9Q5ZR-U
La transformación de Remus Lupin en hombre lobo:
https://www.youtube.com/watch?v=rKQRveimQkM
Hermione y Harry retroceden en el tiempo:
https://www.youtube.com/watch?v=lqTLETOYkQg
La despedida de Harry y Sirius. Ojo a como Hermione se larga, por respeto, cuando los dos van a despedirse (detalles humanos, bien ahí Cuarón) y Sirius lanzando un piropo a Hermione... Y la puta MUSICA!
https://www.youtube.com/watch?v=rOkARHEIqbU
Harry Potter and the Goblet of Fire (Mike Newell, 2005)
https://upload.wikimedia.org/wikiped...ire_Poster.jpg
Esta es la primera que vi en el cine (y no sé si dos veces...). Siempre me ha gustado, no a los niveles de Azkaban pero definitivamente me quedo con el interés que despierta la mitología creciente de la saga que con el escpismo inocente de las 2 primeras.
Nuevo cambio de director, marcando pues una clara diferencia: las introductorias/escapistas/casi ochenteras dos primeras de Columbus, las coming-of-age de Cuarón-Newell, y las todo grisáceo de Yates.
Los 3 protagonistas (y el resto, claro) vuelven a crecer, si en la anterior eran ya adolescentes, aquí están en la llamada edad del pavo total, y de nuevo en producción aciertan con la apariencia: toca dejarse el pelo largo lo que unido a que Radcliffe y especialmente Grint habían pegado otro estirón, queda fenomenal en el imaginario visual. Watson también está más crecidia y casi, casi ya con su imagen actual.
Si dije que Cuarón dirigió, de laaaaargo mejor a los niños que Columbus, Newell mantiene lo logrado por el primero, aunque con distintas armas: aporta una acertadísima naturalidad (también debe ser que los chavales, a cada film, estaban más rodados), de los que se benefician Grint, Watson y hasta Wriht (Ginny) que tiene pocos momentos pero divertidos. Por contra, en el lado de los adultos, que siempre había sido intachable, aunque todo va bien, es como si Newell se hubiera concentrado más en los chavales porque Gambon/Dumbledore está como nervioso, acelerado, como cuando le pregunta a Harry si metió él su nombre en el caliz, casi que parece que vaya a agredirle.
Esta entrega es interesante porque mezcla un poco ambas fórmulas, las de las 2 primeras y la de la 3a: trama propia, con el torneo de los 3 magos, y tema Voldemort. Y ambas están bastante bien relacionadas. Una tercera trama sería la que da fe de la mencionada edad adolescente de los chavales, con el baile y todo lo que ello conlleva.
No recuerdo como era el libro (sólo los he leído una vez) pero sí que a partir del 4o eran más amplios, y los disfruté más (creo que el 4o, 5o y 6o, sobre todo) y que sólo las 2 primeras películas eran adaptaciones fieles mientras que el resto fueron más polémicas en ese aspecto: del 4o me parece recordar que daban demasiada importancia a esa 3a trama de la edad adolescente pero supongo que para Hayman, Rowiling y Warner fue demasiado irresistible a nivel comercial: crecer con esta saga, más o menos a la edad de los protagonistas debió molar porque uno piensa en esos 4 primeros films y ciertamente en el 4o tocaba todo ese momento pavo
Sin embargo, obviando el tema adaptación (la saga me gusta... Los libros mucho más!), esa parte está muy bien llevada: pese a lo ridículo de la presentación de ambas escuelas en el salón principal y lo exagerado de las chicas girando la cabeza a Harry y Ron cuando buscan pareja, el resto está bien. Newell y Kloves logran avanzar la relación Hermione-Ron en apenas unos pasos y de paso dan con ese momento habitual entre amigos chicos-chicas que crecen juntos: cuando no te das cuenta de que tu amiga ha crecido y encima, puede gustar a otros. Ron se queda k.o. al saber que Hermione no sólo tiene pareja para el baile sino que es Viktor Krum. Y por supuesto, Ron, Harry, el colegio y el espectador flipan al ver a Hermione al llegar al baile.
Y todo ese baile, pues eso, mola, corto pero bien sintonizado por Newell, lo suficiente para que baste para cerrar ese tema de crecimiento de los chavales y sobre todo quede claro, al espectador que aún no lo sabía y al propio Ron, que Hermione hace tiempo que tiene claro que no le importaría tener algo más con él. Ese momento en el que le mete la bronca antes de abandonar el baile está particularmente bien logrado porque un exceso de drama o incluso tiempo en esa trama del film sería demasiado. Bien Newell ahí.
La trama del torneo es la mar de divertida, con esas 3 pruebas, bien filmadas, y aún mejor el enlace del laberinto final (si hay laberinto me gusta! Eso y los viajes en el tiempo así que las películas 3 y 4 de HP me gustarán siempre :D), con esa ambientación, y el paso al cementerio con esa escena del renacimiento de Voldemort. No recuerdo si en el libro era igual pero lo de los padres de Harry es muy deus-ex-machina por algo que persigue a toda la saga y no sé si libros: Voldemort se podría fundir a Harry en nada, de hecho, acaso no es Hermione mejor que él en todo? Siempre se salva de Voldemort con una mezcla de condicionantes que incluyen la suerte.
Los giros de la muerte de Cedric, el drama de su padre o la identidad de Alastor Moody son los ingredientes que culminan un film la mar de entretenido y válido para la saga. Único, además, como el de Cuarón.
Destaco a Brendan Gleeson, enorme como Moody, ya David Tennant pre-Doctor Who (por meses o un año), cuya vertiente nerviosa le va de perlas al papel de Burty Crouch Jr.
Ah! Y esos momenos mágicos en los que se usa el castillo: la escena del pensadero. Que creo es donde más disfruté en uno de los libros.
La BSO es de Patrick Doyle, con un inicio en créditos (que ya hace 2-3 films que son los habituales de la saga, molan) excitante, y temas muy logrados (salvo el de la fracasada petición de Harry a Cho, ese tema ahí no cuadra) pero se pierde lo que lograba Williams: que cada x minutos tengas temazos que se te quedan al momento en la cabeza, un anclaje musical y emocional único.
NO hombre, el caliz de fuego es suntuoso clasicismo británico, con exuberantes orquestaciones y ornamentadas y preciosistas melodías neo románticas .En las antípodas estílisticamente de Williams, pero no por ello inferior. De hecho si algo tiene son temazos. Y ya no entro a valorar el par de valses que se marca y que actúan de falsa música diegética en la película...
Ese año 2005 lo bordó, con esta, Nanny Mcphee y Man to Man. Tres joyas musicales.
Fantásticos analisis, creo que no hace falta ni que lo diga. Y sigo hasta arriba así que lo de Buffy va a retrasarse, disculpame...
:abrazo
Para mí el problema es que esa BSO me funciona mejor de forma aislada que mezclada en la película.
Que creo es justamente en lo que Williams es una bestia: esa adecuación de música e imágenes. Por ej ese tema en la torre, con Harry y Cho, es cojonudo, pero no ahí.
Intro aparte (The Story Continues) los balses serían tal vez lo más destacado, especialmente el de Potter. También Hogwarts March (que recuerda aquel Joplin Rag de Jaws :D).
Entre viaje y viaje... :abrazo
OBRAS MAESTRAS DE RAOUL WALSH
O
EL ASCENSO Y CAÍDA DE EDDIE BARTLETT
THE ROARING TWENTIES (1939) de Raoul Walsh.
Warner Bros. Pictures, Inc.
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Off topic:
Conocí a Raoul Walsh (1887-1980) de adolescente a través de un espléndido ciclo que la única cadena de televisión que teníamos por entonces emitió a lo largo de varias semanas (¿tal vez a raíz de su muerte?) y en el que pude descubrir a uno de los más grandes (y desconocidos) maestros del cine clásico norteamericano.
Y igualmente, gracias a otro magnífico ciclo de películas de cine negro, descubrí esta auténtica joya, una de las grandes obras del director y que se ha convertido con el paso de los años en uno de los títulos fundamentales del género.
Fin del off topic.
THE ROARING TWENTIES (incomprensiblemente inédita en cines en nuestro país :lee) fue el inicio de la extensa (de 1939 a 1951) colaboración entre Walsh y la Warner, donde elaboró gran parte de sus mejores piezas. Y, ciertamente, no pudo entrar con mejor pie en el estudio.
Partiendo de un espléndido guión a seis manos de Jerry Wald, Richard Macaulay y Robert Rossen tomando como base una historia original de Mark Hellinger (un pequeño alto en el camino: aquí me gustaría destacar al futuro (e inteligente) productor Jerry Wald; al (más tarde) sobresaliente (y delator (arrepentido)) realizador Robert Rossen y al creativo Mark Hellinger que al frente de su pequeña (y efímera) compañía (murió en 1947) elaboraría piezas tan determinantes dentro del género como THE KILLERS (1946, FORAJIDOS), BRUTE FORCE (1947) y THE NAKED CITY (1948, LA CIUDAD DESNUDA)), THE ROARING TWENTIES transcurre en un lapso temporal que va desde 1918 (o sea, el tramo final de la Gran Guerra) hasta 1933 (la abolición de la llamada Ley Seca tras la llegada a la presidencia de Franklin D. Roosevelt).
El protagonista (absoluto) es Eddie Bartlett (un colosal James Cagney (que ya había estado a ambos lados de la ley (primero en la fundamental THE PUBLIC ENEMY (1931), como el despiado gangster Tom Powers, y luego como agente de la ley en la igualmente recomendable G-MEN (1935, CONTRA EL IMPERIO DEL CRIMEN))), quien durante la contienda conocerá primero al violento George Hally (un Humphrey Bogart en ciernes de convertirse en una estrella (y gracias, sobre todo, al citado Walsh, con títulos como la película hoy comentada, THEY DRIVE BY NIGHT (1940, LA PASIÓN CIEGA) y, sobre todo (¿verdad, amigo mad dog earle? :cortina), HIGH SIERRA (1941, EL ÚLTIMO REFUGIO)) y luego al guapo (y pusilánime) Lloyd Hart (Jeffrey Lynn, uno de los descartes para el papel de Ashley Wilkes en GONE WITH THE WIND (1939, LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ)) y donde se forjará una amistad entre ellos cuyas grietas ya empiezan a asomar desde el principio de la misma (George desprecia al (para él) cobarde Lloyd (un universitario reacio a usar su arma) pero al que Eddie defiende (y protege) por reconocer su miedo frente al enemigo). Un George que (al contrario que el personaje encarnado por Rod Steiger en RUN OF THE ARROW (1957, YUMA) [por cierto, comentario en breve en este mismo rincón :aprende]) disparará con deleite su último cartucho contra un imberbe soldado alemán cuando el armisticio ha sido ya firmado.
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La vuelta a casa de Eddie y de los miles de norteamericanos que lucharon en la Primera Guerra Mundial no es, precisamente, un lecho de rosas.
Adelantándose varios años a la obra maestra de William Wyler (THE BEST YEARS OF OUR LIVES (1946, LOS MEJORES AÑOS DE NUESTRA VIDA), Walsh ya pone sobre la mesa y de una manera contundente el problema de la reinserción social y laboral de los combatientes tras el conflicto.
Aquí me gustaría destacar la excepcional labor de montaje de Jack Killifer a lo largo de toda la película con ese ritmo percutante que tanto caracteriza a la obra de Walsh y que sería reiteradamente imitado por sus coetáneos y que es una de las señas de identidad del (mejor) cine de la época.
Un Bartlett al que su jefe prometió guardar su puesto de trabajo pero que ahora ocupa otra persona (aquí se atisba otro conflicto: primero fueron los alemanes contra los aliados y ahora los civiles contra los ex-militares).
Introducido en el negocio del contrabando del licor (al que la Ley Seca (1920-33) no haría más que potenciar en grado superlativo) por la amistosa Panama Smith (una excelente Gladys George (que volvería a trabajar con Bogart en THE MALTESE FALCON (1941, EL HALCÓN MALTÉS), su primer papel como protagonista)) Eddie pronto empezará su ascenso hasta convertirse en uno de los más poderosos gangsters de Nueva York (siempre acompañado de su amigo Danny Green (un estupendo Frank McHugh) pero que, como todos los seres humanos, tiene un talón de Aquiles: está enamorado como un colegial de la angelical Jean Sherman (una preciosa pero limitada como actriz Priscilla Lane), una persona que no tiene nada que ver con su violento mundo y a la que el romántico Eddie tiene en un pedestal.
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Pero Jean está secretamente enamorada de Lloyd, que hace las veces de abogado de Bartlett, al que le desagrada su trabajo pero que acepta sin demasiados aspavientos. Ciertamente, ambos personajes (Jean y Lloyd) están simplemente esbozados (el primero sería retomado en cierta manera aunque desde una perspectiva más ácida por el propio Walsh en HIGH SIERRA y el segundo carece de entidad (aquí ciertamente el Código Hays se dió de bruces con el talento del director que se encargó de vaciar de contenido los discursos moralizantes del personaje)).
La abolición de la Ley Seca supondrá el rápido declive del otrora poderoso Eddie. Únicamente acompañado por su fiel amiga Panama (la cual ama secretamente a Bartlett (en un hermoso plano que recuerda al Ford de THE SEARCHERS (1956, CENTAUROS DEL DESIERTO), donde Martha Edwards (Dorothy Jordan) dobla amorosamente el capote de Ethan (John Wayne) a las espaldas de Samuel Clayton (Ward Bond), Eddie aprieta con fuerza la mano de Panama cuando aquel la presenta para que la contraten como cantante en su night club y Panama se da cuenta con tristeza que el corazón de Eddie no le pertenece) sobrevivirá como puede (en un revés de la fortuna ciertamente cruel, Bartlett acabará (al igual que como comenzó) como taxista).
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Un Lloyd que ha llegado a ser quien es (ayudante del fiscal del distrito) gracias a la ayuda (y la protección) de Eddie (que siempre trata de proteger a sus seres queridos aunque no lo logrará con su viejo amigo Danny)) y que ahora vive feliz, en una bonita casa junto a Jean y a su hijo.
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Una Jean que no dudará en acudir a Bartlett (hundido en la más absoluta miseria y al que sólo el alcohol (bebida que el personalmente detestaba (siempre bebía leche) parece consolar en sus últimos momentos) para pedirle que hable con el ahora renacido George, al que la Crisis del '29 no ha hecho más que enriquecer y que ha amenazado de muerte a Lloyd por tratar de acabar con su negocio.
En final ciertamente antológico, Bartlett acabará con la vida del sádico George pero, abatido por sus secuaces, llegará a las puertas de una iglesia donde morirá en sus escaleras (un final, por cierto, "robado" en la (por otra parte) espléndida BLADE RUNNER 2049 (2017, ídem)) como un mártir, en los brazos de su auténtico amor Panama.
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En un final aparentemente moralizante pero en realidad absolutamente nihilista. El héroe se sacrifica por el bienestar de sus seres queridos (el "otro" punto flaco de Eddie) pero queda claro que tanto Jean como Lloyd únicamente usan al antiguo gangster a su conveniencia.
Bartlett es una víctima de la sociedad. Una sociedad que vitoreó a sus soldados cuando marcharon a la guerra pero que luego les nego el pan y la sal a su regreso.
Una visión ciertamente negra de la historia de los Estados Unidos.
Una obra maestra intemporal.
:digno
Fuentes para el comentario:
http://images2.coveralia.com/dvd/l/L...0-Caratula.jpg
Warner (2005)
"Capitán América: Civil War" de Joe y Anthony Russo, con Chris Evans, Robert Downey Jr y Scarlett Johansson. Después de que un incidente resuelto por los Vengadores provoque daños colaterales, el gobierno norteamericano decide controlar al grupo, provocando el enfrentamiento entre los héroes. Pero es una trama tejida por un enemigo para deshacer al grupo, movido por la venganza. Una entretenida película, aunque le cuesta arrancar se hace más llevadera con las escenas de acción.
Por cierto, querido compañero de armas mad dog earle, en el número de este mes de la revista Dirigido por... se incluye un especial celebrando el 100 aniversario de uno de tus directores favoritos, Ingmar Bergman (y al que tengo que revisar prontamente ya que muchas de sus películas (especialmente las de los años '50 y principios de los '60) me parecen apasionantes.
https://www.dirigidopor.es/
:digno
Gracias por el aviso, aún no la he comprado, pero caerá. Los dos últimos meses han dedicado un dosier a otro de los directores con parche (como Walsh, del que hablabas el otro día), Nicholas Ray, que me ha abierto el apetito. Quizá me plantee una revisión ordenada (como últimamente me gusta hacer) de su relativamente corta filmografía (poco más de veinte títulos).
Yo también tengo prevista una revisión completa (a falta de una película) de la obra del gran Nicholas Ray aunque ya sabes que no soy capaz de dedicarme exhaustivamente a un sólo tema. Tengo una tendencia natural a la anarquía. :cuniao